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Informer. Un devoir aussi ardu que délicat lorsque la morale entre en contradiction avec l’éthique journalistique. 5 Septembre tente de restituer ce dilemme à l’écran, avec le massacre de Munich lors des Jeux olympiques de 1972 comme point d’ancrage. Dans un huis clos captivant au cœur des coulisses de l’équipe d’ABC Sports, Tim Fehlbaum martèle, avec insistance, le processus qui mène une information à sa diffusion, pour le meilleur comme pour le pire.

Synopsis : 5 septembre nous replonge dans l’événement qui a changé le monde des médias à jamais et qui continue de résonner à l’heure où l’information, le direct et la maîtrise de l’antenne reste l’objet de nombreux débats.

Largement documentée par Kevin Macdonald dans Un jour en septembre, qui oppose les réactions de la prise d’otages d’athlètes israéliens par un groupuscule terroriste palestinien au village olympique et les jeux qui se poursuivaient, ce sombre et tétanisant épisode de l’Histoire a connu divers hommages. Parmi eux, Steven Spielberg s’y est attaqué en mêlant faits et fictions dans Munich, notamment au sujet de la traque organisée par le Mossad en représailles. Outre sa vision égalitaire qui a divisé la critique et le public, sa reconstruction, loin des rêves de gosses propres à sa personnalité, regorge de tensions et d’idées de mise en scène surprenantes, attestant ainsi de ses qualités de cinéaste. Tim Fehlbaum n’a pas la même ambiance, mais propose un changement de point de vue qui interroge sur la pertinence et la légitimité de diffuser une information, chose que Pentagon Papers et Night Call, dans une certaine mesure, ont abordée avec grâce et radicalité.

L’information interactive

Des détonations surprennent l’équipe de nuit d’ABC Sports. Quelle en est l’origine ? Le film est traversé par ce genre de questions, dont on cherche à croiser les sources pour enfin relayer des réponses à l’antenne. Dans un timing exemplaire, il condense près de vingt-quatre heures d’enquête sous haute tension, où chaque image en direct de la prise d’otage est inédite dans l’Histoire du journalisme. Rien ne va plus dans la salle de contrôle et dans tout le quartier général de la chaîne sportive. Fehlbaum nous immerge alors dans cette crise au réalisme bluffant, maintenant ainsi suspense et tension tout le long du déroulé, que l’on connaisse le programme d’avance ou non. On pense notamment aux travaux de Paul Greengrass (Vol 93, Capitaine Phillips) ou encore de Kathryn Bigelow (Detroit, Zero Dark Thirty). Le cinéaste suisse est habitué aux montages nerveux depuis son thriller post-apocalyptique Hell, où les teintes chaudes étouffaient ses personnages à la recherche d’eau. Ici, il fait appel aux images d’archives avec assez de malice pour qu’elles alimentent cette atmosphère glaciale et pesante sur les épaules de la production.

Essentiellement tourné dans des locaux exigus, où l’utilisation de talkies-walkies est essentielle, le récit parvient astucieusement à éventer les défauts inhérents des films choraux. Les interlocuteurs sont nombreux et sont directement liés dans le champ par l’intermédiaire des appareils de communications, encore imposants à l’époque. Et de tous les comédiens qui défilent à l’écran, seule Leonie Benesch (déjà remarquée dans Le Ruban Blanc et plus récemment dans La Salle des profs) tire son épingle du jeu dans le rôle d’une traductrice allemande, tandis que l’association de John Magaro, Peter Sarsgaard et Ben Chaplin met en avant les compromis du métier. Mais derrière toute la reconstitution, Fehlbaum saisit la dynamique de l’équipe, amenée à commettre des erreurs, à les rectifier si possible et à prendre conscience des différents degrés de sensibilité concernant l’information, telle qu’elle doit être annoncée ou diffusée. Ainsi, on en ressort relativement instruit sur le fonctionnement des studios de télévision, avec un arrière-goût d’inabouti cependant. Tenir pour seul refrain la résilience d’une Allemagne en reconstruction, tout en esquivant le contexte politique et historique autour du conflit israélo-palestinien, ou du rideau de fer, n’aide pas le récit à s’épanouir.

Tout l’intérêt de revenir sur ce drame se situe là, dans ses interactions en direct. Il s’agissait également de la première diffusion de ce genre de cataclysme à l’antenne, d’où la crise autour de cette course effrénée à l’information, aux scoops. Déjà à court d’aspirine, les têtes pensantes éprouvent des difficultés dans la réalisation, c’est pourquoi Tim Fehlbaum fait un peu le tour des différents services impliqués dans la diffusion, allant de l’électricien aux monteurs. Il s’agit là d’une démonstration tout à fait rigoureuse des compétences nécessaires, dans un souci de coordination et de précision. Vivants partageait les mêmes motivations, mais échouait à représenter les motivations et la cohésion des reporters avec efficacité. Le film fait donc valoir ses atouts en termes de rythme et de cohérence pour que le spectateur s’en empare à la sortie de la séance. On reprochera surtout à 5 Septembre de manquer de subtilité dans son élan pédagogique sur la complexité d’un métier qui ne dispose pas toujours du recul nécessaire pour satisfaire ses devoirs.

5 Septembre – Bande-annonce

5 Septembre – Fiche technique

Titre original : September 5
Réalisation : Tim Fehlbaum
Scénario : Tim Fehlbaum, Moritz Binder, Alex David
Interprètes : Peter Sarsgaard, John Magaro, Ben Chaplin, Leonie Benesch, Zinedine Soualem, Corey Johnson
Image : Markus Förderer
Montage : Hansjörg Weißbrich
Musique : Lorenz Dangel
Décors : Julian R. Wagner
Costumes : Leonie Zykan
Producteurs délégués : Martin Moszkowicz et Christoph Müller
Producteurs : Mark Nolting, John Ira Palmer, Sean Penn, Philipp Trauer, John Wildermuth et Thomas Wöbke
Sociétés de production : BerghausWöbke Filmproduktion, Projected Picture Works, Constantin Film et Edgar Reitz Filmproduktion
Pays de production : États-Unis, Allemagne
Distribution France : Paramount Pictures
Durée : 1h35
Genre : Drame
Date de sortie : 5 février 2025

Voilà une œuvre monstrueuse dans tous les sens du terme. Le genre de film qu’on ne voit qu’une fois dans une vie tant il sort de tous les carcans du cinéma habituel. Pointue mais accessible, extrêmement ambitieuse mais maîtrisée, incroyablement épique mais intimiste à la fois, la fresque monumentale et intemporelle de The Brutalist ne ressemble à rien de connu et c’est tant mieux. Elle demeure, sur bien des aspects, passionnante et foisonnante dans ce qu’elle raconte en tant que miroir de la manière dont s’est faite l’Amérique, on lui pardonnera donc sa durée trop généreuse et excessive (trois heures auraient amplement suffi) et une seconde partie moins galvanisante que la première.

Synopsis : Fuyant l’Europe d’après-guerre, l’architecte visionnaire László Tóth arrive en Amérique pour y reconstruire sa vie, sa carrière et le couple qu’il formait avec sa femme Erzsébet, que les fluctuations de frontières et de régimes de l’Europe en guerre ont gravement mis à mal. Livré à lui-même en terre étrangère, László pose ses valises en Pennsylvanie où l’éminent et fortuné industriel Harrison Lee Van Buren reconnaît son talent de bâtisseur. Mais le pouvoir et la postérité ont un lourd coût.

Une œuvre issue du cinéma d’auteur de plus de trois heures et demie avec un entracte de quinze minutes semble une anomalie dans le paysage cinématographique et pourtant Brady Corbet l’a fait. Et on peut dire que sa fresque monumentale, imposante et monstrueuse dans tous les sens du terme est une immense réussite. Peut-être pas le chef-d’œuvre incontestable attendu mais, en tout cas, une œuvre qui fera date dans l’Histoire du septième art !

Le réalisateur de l’imparfait mais singulier, méconnu et passionnant Vox Lux avec Natalie Portman (qui diagnostiquait déjà une certaine « Amérique malade » par le biais de ses tueries lycéennes et de ses pop stars dans un même film) réalise un tour de force avec The Brutalist qui a coûté à peine dix millions de dollars mais paraît en avoir coûté dix fois plus (coucou Francis Ford Coppola et son mégalomane Megalopolis complètement foiré qui en a coûté 120 !). Dans la même veine que le There will be blood de Paul Thomas Anderson, mais bien plus accessible et plaisante, cette chronique pharaonique sur le parcours de cet architecte hongrois sorti des camps de concentration est un long-métrage mémorable qui se révèle aussi puissant qu’intemporel. Comme s’il était impossible de le dater. Et qu’il sera encore impossible de le faire dans plusieurs années, entre testament passéiste fondu dans un écrin à l’ancienne mais aussi projet visionnaire, indéboulonnable et indémodable. Dès la scène d’introduction incroyable, on sent que l’on va assister à quelque chose d’unique, de rare et de mémorable, bien aidé par la musique imposante et extraordinaire de Daniel Blumberg, une partition qui résonne encore longtemps en nous après la projection.

The Brutalist entend à la fois parler du parcours d’un homme et de son métier (celui d’architecte) que d’Histoire et de la manière dont l’Amérique s’est créée. Comme si le film entendait rappeler les fantômes du passé à un pays de plus en plus malade. Et au vu de l’actualité improbable et effrayante de son pays, il arrive à point nommé! On dénote en filigrane les notions de capitalisme, de racisme ou encore de lutte des classes et d’art ainsi que tous les maux d’un pays fantasmé et bercé sous les oripeaux du fameux « American Dream ». Les thématiques invoquées par ce film fleuve sont multiples et pourraient avoir besoin d’une seconde vision tellement elles sont nombreuses. On sent pléthore d’allégories dans ce scénario à la fois riche mais concret et compréhensible par tous.

Certains pourraient être rebutés par la durée. Et si le film se révèle certes dense, touffu et pointu, il n’est cependant jamais trop versé dans les travers intellos du cinéma d’auteur bien qu’il soit certes très bavard et difficile à digérer. Quant à la mise en scène de Corbet, elle en impose à chaque seconde et fera date dans sa maîtrise impeccable des outils du cinématographe. Le jeune cinéaste enchaîne les plans marquants et ambitieux avec d’autres plus minimalistes et délicats. Que ce soit les plans inauguraux sur la Statue de la liberté ou ceux sur les carrières de marbre italienne, Corbet a une patte commune à nul autre.

Voilà donc un film aussi passionnant que foisonnant dont les deux parties distinctes coupées par un entracte de quinze minutes se répondent et ne font qu’une. On pourra reprocher tout de même une durée trop généreuse. Trois heures auraient probablement amplement suffi pour narrer ce portrait plus grand que nature étalé sur plusieurs décennies. Quelques longueurs dans la seconde partie se font sentir et il est vrai qu’elle est moins addictive et satisfaisante que le premier morceau. Mais c’est peut-être aussi ce qui fait la singularité d’un projet incroyablement maîtrisé de bout en bout où les moments épiques se situent aussi bien dans ce que l’on voit que dans ce que l’on entend et ressent.

La distribution est irréprochable en tous points et on ne saurait retirer une prestation plus qu’une autre même si le film est porté par un Adrien Brody qui nous rejoue un rôle aussi notable que celui qu’il incarnait pour Roman Polanski il y a vingt-cinq ans dans Le Pianiste, oscarisé plusieurs fois. Le tout est sombre et austère mais parfaitement en accord avec ce que le film souhaite évoquer. Certaines séquences feront date, notamment dans la seconde partie (celles en Italie ou le cri du cœur final du personnage de Felicity Jones) alors que la première apparaît pourtant plus homogène et agréable. Dans tous les cas The Brutalist s’inscrira au panthéon du grand cinéma et pourrait même, tel le bon vin, gagner en saveur avec le temps. Un film qu’il faut donc laisser maturer et qu’il faut digérer. Cinéphiles, tentez-le, ce genre d’expérience entière et monstrueuse en ambition n’est pas si commune.

Bande-annonce – The Brutalist

Fiche technique – The Brutalist

Réalisateur : Brady Corbet.
Scénaristes : Brady Corbet & Mona Fastvold.
Production : Proton Cinema.
Distribution : Universal Pictures France.
Interprétation : Adrien Brody, Felicity Jones, Guy Pearce, Joe Aylwin, Stacey Martin, Alessandro Nivola, …
Genre : Drame.
Date de sortie : 12 février 2025.
Durée : 3h37.
Pays : États-Unis.

À peine réchappée de l’excellent Heretic dans lequel elle faisait face à un Hugh Grant délicieusement cabotin, Sophie Thatcher persiste et signe dans le genre « horrifique » avec Companion. Où comment la voir filer un parfait (?) amour avec Jake Quaid (The Boys) au détour d’un week-end pour le moins sanglant dans ce qui s’apparente ni plus ni moins qu’à un croisement entre une rom-com des années 2000 et le meilleur de Black Mirror.

Car oui, quiconque aura posé ses yeux sur la bande-annonce (ou à fortiori l’affiche) comprendra aisément que l’héroïne jouée par Sophie Thatcher a autant d’humain en elle que Donald Trump n’a d’empathie en lui. C’est un sexbot, ou comme le dirait si bien l’un des personnages masculins du film « un robot de soutien émotionnel qui baise », entraînée malgré elle dans une relation à sens unique où elle n’existe que pour plaire à son « utilisateur ». Et pourtant, dès l’entame du film, celle-ci n’est pas au fait de sa condition. Elle se remémore via des « souvenirs » sirupeux à l’excès sa rencontre avec son homme et comment le contenter lui et son apparente bonhommie semble être aussi vital que respirer. Et ça n’est pas l’apparente luminosité de l’ensemble ou la bienveillance du début qui nous permette à nous spectateurs et spectatrices d’y voir plus clair. Dès lors, saper LA révélation de la sorte (dans la bande-annonce notamment) pourrait passer comme un souci d’écriture (ce qui est légion en ce qui concerne les premiers films) mais étonnamment pas ici car le réalisateur Drew Hancock a une autre idée derrière la tete. Et cette idée, au-delà de la jouer technophobe comme la série susmentionnée, est à aller chercher derrière le jeu des apparences et le vernis de la soi-disante humanité que les personnes de chair et de sang pensent avoir en plus par rapport à leur homologue cybernétique. Puisqu’ici, les mécanismes de domination qu’utilise son copain/utilisateur contre elle ressemblent un peu trop à de véritables injonctions que les femmes subissent au quotidien : ne pas trop parler et afficher son intellect, auto-alimenter une rivalité avec ses congénères et accepter docilement le mépris que ce dernier affiche envers elle. De facto, sa nature de robot importe peu puisqu’à la place d’un énième pensum sur les dangers de la technologie, on se retrouve avec un charge nettement plus intéressante contre les incels et la masculinité toxique.

L’Homme est un loup pour l’homme…

La technologie ne devenant alors qu’un prétexte à l’histoire, le combat mené par notre héroïne pour retrouver son libre arbitre et somme toute sa liberté apparaissent comme un récit d’émancipation somme toute classique certes mais surtout terriblement contemporain. Il suffit de regarder le comportement de l’utilisateur, Jake Quaid, qui excelle dans le rôle de ce good guy autoproclamé et dont le rêve de compagne ultra docile et robotique ne fait que décomplexer chez lui des travers misogynes bien présents qui auraient fini par émerger tôt ou tard ; pour comprendre que c’est lui le pire dans l’histoire. Dès lors, sa chasse par l’androïde/Terminatrice Sophie Thatcher a un coté grisant et qu’on se le dise presque salvateur pour quiconque a jamais réussi à s’extirper d’une relation toxique et souhaité le pire pour son ex-moitié. La violence qui en découle, forcément exagérée et qu’on se le dise très assumée, apparait autant comme un reflet de notre siècle dopé à la banalisation des actes de la sorte, que comme un acte quasi subversif.  Las, c’est sans doute sur ce dernier point que le film pêche par endroits, tant derrière sa durée paradoxalement appréciable, il se pense à l’abri de quelconque critique vu sa contemporanéité. Pourtant, quiconque réalise un film dans l’air du temps ne peut se prévaloir de la facilité inhérente à ce choix et ne peut donc qu’assister en somme à une critique somme toute adéquate ici : c’est con(venu). Mais parfois, aller à l’essentiel, ça a du bon. Un peu comme ici. Juste que ça aurait pu être mieux.

Si l’on aurait sans doute davantage apprécié que le film soit plus confiant dans ses choix (la plupart des personnages passant leur temps à expliquer leurs actions), reste que Companion est suffisamment solide et surtout nanti d’une durée appréciable pour qu’on apprécie ce jeu de massacre shooté à la sauce cybernétique.

Companion : Bande-annonce 

Synopsis :  Une sortie entre deux couples d’amis le week-end dans une propriété reculée le long d’un lac bascule dans le chaos et la violence, lorsque Iris découvre le terrible secret : elle est le robot sexuel de son compagnon.

Companion : Fiche technique

Réalisation et scénario : Drew Hancock
Casting : Jake Quaid, Sophie Thatcher, Lukas Gage, Mena Suri, Rupert Friend
Décors : Kendall Anderson
Costumes : Vanessa Porter
Photographie : Eli Born
Montage : Brett W Bachman et Josh Ethier
Production : New Line Cinema, BoulderLight Pictures et J.D Lishfitz
Distribution : Warner Bros Pictures
Budget : 10.000.000
Durée : 97 minutes
Date de sortie : 29 Janvier 2025
Etats-Unis – 2025

Dans le documentaire Cœur Sanglant de Thierry Demaiziere et Alban Teurlai, Vincent Lindon se dévoile comme jamais. À travers une mise à nu brutale et intime, les réalisateurs brossent le portrait d’un homme en proie à ses doutes, sa solitude sauvage et ses blessures d’enfance. Entre quête de rédemption, lutte des classes et introspection psychanalytique, ce film révèle la profondeur émotionnelle d’un acteur au sommet de son art.

Le documentaire de Thierry Demaiziere et Alban Teurlai Cœur Sanglant est un extraordinaire document psychanalytique sur Vincent Lindon. Franc, rugueux, à vif. Les portraitistes livrent un Vincent Lindon désespéré et hanté, intransigeant et profondément seul.

Cœur Sanglant montre ce que l’enfance fait à l’adulte, ce que la vie fait aux êtres quels qu’ils soient, ce que la haine de soi fait au cœur. Ce que le cœur et l’émotion font : une œuvre de bonté. Nous sommes les obligés de la peine perdue. Les obligés du cœur. De notre détresse infinie. C’est de cela dont nous parle Vincent Lindon.

For intime

Rares sont les documentaires qui s’aventurent si loin dans la mise à nu et le for intime. Dans le dépouillement et l’analyse psy. Sans artifice. Sans complaisance. (Certains y verront narcissisme et complaisance tant le dévoilement brutal peut se révéler en son contraire). Sans vis-à-vis autre que Vincent l’homme-père-fils face à lui-même.

Sauvage solitude

Les deux portraitistes ont demandé à l’acteur dans ses moments de creux de s’enregistrer et de se filmer au téléphone. Des moments de vide, de solitude aride, Vincent Lindon comme nous tous en a. Disons qu’ils sont plus saisissants par le contraste qu’ils opèrent, par l’inimaginable entre le fantasme de ce que peut être la vie d’un acteur de sa stature et le réel morne avéré. Entre deux tournages où il est sans cesse entouré, sollicité, accaparé par des équipes donc une tribu d’autres, sa solitude, celle d’un acteur-samouraï, proche de Delon (dans son incapacité à être au monde avec quiétude), dans la blessure originelle d’enfant insuffisamment aimé, apparaît ample. Lancinante, insatiable et sauvage.

L’adversaire intime

La solitude de l’acteur (au firmament de sa carrière mais en questionnement féroce face à ce qu’il vit) dont il parle et qu’il questionne lorsqu’il se retrouve à la Closerie des Lilas pour dîner – ayant passé auparavant 15 coups de téléphone pour essayer d’avoir un ami avec lui -, cette violente solitude qui a pour autre nom la haine de soi ou le déficit d’affection de ses parents, c’est l’ennemi, l’autre, l’adversaire intime avec lequel Vincent se bat.

Peine perdue

Cœur Sanglant ne cesse de nous montrer un homme saignant éperdument d’amour, de quête héroïque de bonté, de tentative d’être le fils remarqué de ses parents. Thierry Demaiziere et Alban Teurlai ont été chercher dans l’écriture ce qu’aucun acteur ne dit : la vérité d’un inassouvissement, la vérité d’une blessure infinie, d’une frustration hémorragique, la vérité d’une peine perdue.

L’obligé de la lutte des classes

Vincent Lindon y livre un Vincent mensch, un homme parmi les hommes, en proie à ses doutes, ses colères, sa rage, sa volonté de se battre, ses larmes d’enfant aux Césars et son impossible réconciliation avec la détresse, la non-joie de cette même enfance. Un homme à l’idéal grandiose, celui qu’il incarne dans ses choix de rôles, un homme digne d’admiration, possédant un caractère noble. Un bourgeois certes, qui va défendre l’ouvrier aliéné de Marx et devenir l’obligé de la lutte des classes. Il n’a que faire de la psychologie des personnages. Et nous lui rendons grâce de cela. Mais il choisit des personnages qui l’obligent (cf. la trilogie de Stéphane Brizé).

Le document que constitue ce film est à la fois risqué et remarquable. Il faut pouvoir envisager l’œuvre, le travail des portraitistes. Leur parti-pris est délicat, courageux et âpre. Avec l’entière confiance et sincérité de Lindon, ils construisent une sorte de cas Lindon au sens le plus noble et psychanalytique de Freud.

La séquence où l’acteur évoque sa mère est monstrueuse d’émotion. C’est une fiction à part entière. Son plus beau rôle. Ce film est un réservoir à fictions futures émanant des obsessions de l’acteur. Gageons que cela autorise certains à lui confier un rôle Outre-Atlantique ou ici, dans des zones aussi inattendues que Titane.

Les mots sont du cœur

Surtout soyons attentifs à la parole. Sa parole. Aux mots ici qui sont du cœur. Jamais pour rien. Urgents et vitaux. A quoi sert une vie, un rôle, un métier ? A quoi sert un dimanche sans âme où d’évidence il n’y a rien à tracer, rien à transmettre de grandeur et hauteur d’âme, des journées vides de remplissage à faire semblant d’avoir des rendez-vous importants surlignés en différentes couleurs sur un mini-agenda pour être « pressé de ne rien faire ».

A quoi sert de faire si on ne fait pas de sa vie une mémoire, une œuvre, une trace ? Ah oui, mais cela, c’est Delon. Alors, pour Lindon, quel est l’intérêt si on ne fait pas de sa vie un parfum ?

Bande-annonce : Cœur Sanglant

https://www.youtube.com/watch?v=ExYj1PYQqDY

Fiche Technique : Cœur Sanglant

• Réalisateurs : Thierry Demaizière, Alban Teurlai
• Scénaristes : Thierry Demaizière, Alban Teurlai
• Image : Alban Teurlai
• Son : (information non disponible)
• Genre : Documentaire, Introspection
• Thèmes : Introspection, solitude, quête de rédemption, métier d’acteur, célébrité
• Acteur principal : Vincent Lindon
• Durée : 1h23
• Production : (information non disponible)
• Année de production : 2024
• Date de sortie : 29 janvier 2025
• Distribution : (information non disponible)
• Langue : Français
• Plateforme de diffusion : Arte.tv (disponible jusqu’au 5 mai 2025)