LeMagduCiné

Jérôme Commandeur a plus d’une corde à son arc : comédien, showman et maintenant réalisateur depuis trois films. Et c’est justement son dernier bébé qu’il vient présenter à Montréal pour la 31e édition du festival de films francophones Cinémania. Il y apporte un vent de fraîcheur dans une programmation qui a, une fois n’est pas coutume, mis l’accent sur les comédies pour « donner un peu de baume au cœur en ces temps anxiogènes » de l’avis même du directeur du festival. Arrivé un jour de première neige dans un festival perturbé par une énorme grève des transports en commun, sa bonne humeur est réconfortante et colle bien à l’image qu’on se fait de cet artiste. Rencontre pour la présentation de T’as pas changé.

► Le Mag du Ciné: Je viens de voir le box-office du film qui a pris la première place devant la grosse production hollywoodienne de la semaine (Prédator, Badlands ndlr.) et qui est votre plus gros démarrage. Alors, êtes-vous prêt pour le million ?

(Il sourit).

▷ Jérôme Commandeur: Alors prêt pour le million, je n’en sais rien, mais j’ai remarqué, que ce soit en tant que comédien ou réalisateur, que les prédictions sont toujours très fluctuantes. Ça pourrait être ça ou ça… C’est un peu comme la météo, là tout est ensoleillé mais ça pourrait devenir très vite nuageux. Je suis assez distant avec ça et je vais me satisfaire de ce qui est acquis pour le moment.

► Ensuite je voulais vous parler du casting. Est-ce que le trio en tête d’affiche, vous l’aviez en tête dès le début, est-ce que vous avez changé d’avis ou est-ce qu’il y a eu des refus?

▷ Non, j’étais vraiment sur eux dès le début. J’avais envie d’eux et j’avais aussi envie que l’on ressente que ce sont les retrouvailles des copains d’une même classe. Il y a beaucoup de films sur les retrouvailles d’une bande de potes mais beaucoup moins sur ceux d’une même classe. On a ici un rapport à la fois intime et distant, c’est-à-dire que par exemple si vous êtes à la gare de Lyon et que quelqu’un vous tape sur l’épaule en disant « Véronique Choupineau, terminale 2 du lycée untel! » et vous lui répondez « Ah oui, oui je me souviens bien » alors que vous lui avez dit deux mots à l’époque. C’était ce rapport-là que j’avais envie de traiter. Pour revenir à eux, j’avais envie d’être dans cette bande. À l’avant-première, je leur ai même dit que je voulais être sur une affiche en leur compagnie. C’était très important de se dire que pour toute la vie on sera ce petit quatuor de cinéma et que dans trente ans, si on revoit cette affiche, on se dira qu’on était vraiment ensemble pour ce film. Pour revenir aux acteurs, oui je suis un fan. Fan de Vanessa par exemple. Tout a déjà été dit sur Vanessa, sa simplicité, son élégance. J’ai rencontré quelqu’un qui connaissait ce métier par cœur et qui comprenait exactement ce que je voulais.

► D’ailleurs Vanessa Paradis n’a jamais été aussi rayonnante, elle pétille et elle a l’air de beaucoup s’amuser sur votre film.

▷ Oui, elle s’est beaucoup amusée, je vous le confirme. Quant à Laurent (Laffitte ndlr.) il est rentré dans le cercle très fermé des meilleurs comédiens de sa génération tandis que François (Damiens ndlr.) c’est un génie comique absolu. Laurent et François avaient déjà tourné ensemble, moi j’étais ami avec les deux. Mais je ne connaissais pas Vanessa alors que François, oui, puisqu’ils ont tourné L’Arnacoeur ensemble il y a longtemps.

► J’ai également trouvé qu’il y avait un grand soin apporté aux seconds rôles. Des acteurs pas forcément très connus comme Catherine Hiegel, très drôle, mais j’ai eu un coup de cœur pour une actrice que j’ai découverte peut-être comme vous dans « Les Pistolets en plastique », c’est Delphine Baril. C’était elle également ou vous êtes passé par un casting ?

(De but en blanc). ▷ Ah non non. Je la connais depuis longtemps et c’était elle absolument. On a fait un sketch ensemble dans ma série Le monde magique sur Canal + et elle était ma femme dans mon film précédent Irréductible; c’est une brute en comédie. Il y a des gens, comme Laurent d’ailleurs, qui incarnent ça, qui le sont jusqu’au bout des ongles. Ils sont la comédie. Mais vraiment elle… C’est très dur de dire une phrase comme « Si vous faites un pas j’appelle Verisur » et d’être drôle, que les gens se marrent. Parce que ça raconte une sorte de quinquagénaire frustrée qui regarde toujours sa caméra, avec drôlerie. On entend un monde. C’est souvent ça les grands acteurs, notamment en comédie : quand ils disent un mot banal comme Verisur, on ressent la vie qu’ils ont et Delphine ou Laurent font partie de ceux-là.

► Je ne m’attendais pas du tout à voir dans le film des stars des années 90 telles que Lâam, les Worlds Apart et surtout Patricia Kaas. Comment avez-vous fait pour les convaincre d’apparaître dans le film ?

▷ Oui, davantage de guest stars des années 90. Alors les Worlds Apart c’est rigolo et je rends hommage à mon directeur de production parce que les membres du groupe n’habitent pas au même endroit, donc il faut les faire venir et réussir à accommoder les agendas. Quand ils viennent en France c’est pour des tournées un peu revival, celle qu’on a dans le film et qu’on parodie un petit peu. Ensuite, ils repartent et sont très dispersés. Donc on a eu des sueurs froides quant aux allers et venues des uns et des autres. Les concernant tous, j’aime bien dire que les plus grands artistes ont de l’autodérision. Et sur le tournage ils en redemandaient. En fait ils se marrent, ça les fait marrer et ils étaient ravis d’être là. Donc c’était assez aisé de tous les convaincre mais plus compliqué de les faire venir, niveau logistique en tout cas.

► J’ai beaucoup pensé à la chanson de Patrick Bruel « Place des grands hommes » et je m’attendais presque à l’entendre au générique, y avez-vous pensé?

▷ Non, parce qu’il y a ce « on s’était donné rendez-vous dans dix ans » dans la chanson et nous c’était trente donc ça ne collait pas. Mais en fait le titre T’as pas changé se suffit à lui-même comme une évidence. C’est un peu la phrase type des soirées de retrouvailles. On le dit pour combler un blanc ou on le dit très joliment, presque en passant sa main sur la joue de la personne, un ancien ami ou un ancien amour. Mais il y a aussi la version que je préfère, la vacherie déguisée, qui sous-entend « T’es toujours aussi con ». Le titre est même arrivé avant le film, cette phrase de politesse que tout le monde a au moins dit une fois dans sa vie. Et en fait, c’est marrant, parce qu’il y a toujours ce débat un peu philo à la fin d’une soirée un verre et une clope à la main où on se demande si on change ou pas. Et chacun y va de sa théorie… Mais je pense qu’on reste ce que l’on est mais qu’on enquille des choses, utiles ou pas. Alors forcément, à presque 50 ans, je suis plus aguerri, plus observateur, moins concon et moins niais. C’était coucou les petits oiseaux notre génération. Du genre « Beatrice elle veut sortir avec Sébastien, tu te rends compte !? » (On rit). Alors qu’aujourd’hui, les jeunes ils me larguent! J’ai des discussions avec des gamins de vingt ans qui sont les enfants de mes amis, ils me scotchent. On parlait d’identité, ils me conseillaient des bouquins très pointus, j’avais l’impression qu’ils étaient très très forts. Du coup, c’est ça que j’ai un peu voulu faire dans le film. On ne parle pas de la crise de la cinquantaine un peu « pushy », où le mari quitte femme et enfants pour partir sous les tropiques avec sa nouvelle compagne, ça a déjà été fait et très bien fait. Ici c’est juste de dire : « T’as pas envie d’aller un petit mieux parce que là t’es paumé ». Du coup j’ai probablement dû répondre à d’autres de vos questions avec ma diarrhée verbale.

► Peut-être, oui. Le film alterne entre tendresse et humour un peu plus piquant. Est-ce que ça a été dur de trouver l’équilibre et de ne pas trop tomber dans l’un ou dans l’autre ?

▷ Merci d’en parler. Oui, parce que ça a été au cœur des discussions et on s’est un peu cogné la tête contre les murs sur ce sujet au montage. Car c’est vraiment l’endroit où on fait le film. Alors la comparaison est peut-être un peu simpliste mais c’est sur la table de montage qu’on pose les ingrédients du tournage et on fait le film véritablement à ce moment-là. Et c’est exactement là où j’ai ressenti ce que vous dites. Par exemple, quand on est au milieu de deux moments burlesques mais qu’au final on raconte quelque chose d’un peu triste est-ce que l’un ne va pas l’emporter sur l’autre? Mais il n’y pas vraiment de réponse, il faut laisser aller son intuition. J’ai montré des ébauches à des copains réalisateurs, au distributeur bien sûr, aux producteurs… J’ai eu de grandes discussions avec ma monteuse sur le sujet. Mais après il faut se dire que chacun va répondre de là où il se trouve avec ses goûts et ses valeurs. Par exemple, sur certaines séquences, elle me disait qu’elle n’aimait pas ce type d’humour mais je lui répondais que ce n’est pas parce qu’elle ne l’aime pas que ce sera le cas de tout le monde. Il faut donc toujours prendre des avis un peu « baromètres », médians. Puis j’ai fait des projections test et il y a une scène où le personnage de Laurent Laffitte chante une chanson au piano dans une gare. Et les gens disaient que cette scène les déstabilisait, qu’ils ne savaient pas si c’était censé être drôle ou pas. Alors j’ai tenu une fois, deux fois, trois fois, etc. Mais à force on cède, parce que ce sont des gens qui ne se connaissent pas entre eux et donc il y a une raison, il ne faut pas toujours insister. Mais ça reste un processus qui reste passionnant.

► Que a pensé votre mentor de cinéma, Dany Boon, de votre film ? Et lui avez-vous déjà demandé de faire des apparitions dans vos films ?

▷ Dans celui-là non. Mais oui j’aimerais beaucoup. Je sais qu’il a beaucoup aimé le film, qu’il l’a trouvé très tendre mais aussi grinçant.

► Et est-ce qu’un premier rôle dans un prochain film serait quelque chose de pertinent ?

▷ Ah oui j’aimerais beaucoup!

► Et donc on en vient à ma question suivante, avez-vous déjà une idée pour un prochain film et aborder d’autres genres ?

▷ Pas forcément le drame mais j’aimerais beaucoup un film historique ou un thriller. Je serais également heureux de faire un premier film ou le film d’un nouveau talent chez les cinéastes ou encore un film étranger qui sait, espagnol ou même québécois.

► D’accord mais en tant que réalisateur je voulais dire…

▷ Ah ok. Eh bien non puisque là je remonte sur scène fin 2026 et le one-man-show va me prendre plusieurs saisons comme le précédent. Et ça fait déjà quatre ans et ça me manque un peu.

► Eh bien merci. Dernière chose : avez-vous trouvé un distributeur ici au Québec ?

▷ Oui, oui c’est TVA Films!

Le Fifam 2025 a dévoilé son palmarès ce vendredi 21 novembre, suivi de la diffusion du film Vacances romaines de William Wyler. Un palmarès qui contient plusieurs de nos coups de cœur de cette édition très riche en pépites de cinéma, aussi bien documentaire que de fiction.

On nous avait promis « un jeu d’échelle entre l’intime et le monumental » et nous n’avons pas été déçus. Parmi nos coups de cœur, quelques-uns ont été primés, notamment le magnifique Ce qu’il reste de nous qui a fait battre le cœur du public. Cette fresque historique et humaniste sur l’histoire d’une famille palestinienne mélange à elle seule l’intime de la famille et le monumental de l’histoire d’un pays, d’un exode, d’un génocide, en réussissant le tour de force d’être bouleversant sans être simpliste et larmoyant.

Les visibilités queer mises à l’honneur ont quant à elles retenu l’attention des étudiants avec une mention spéciale pour Pédale rurale. Ce documentaire d’amitié pudique et sensible sur une figure qui refusait de se limiter à son militantisme, préférant une vie libre, avant d’ouvrir son cœur, a sans aucun doute marqué le festival par un personnage attachant, proche de la nature et de l’artisanat dont l’histoire se mêle à celle d’une gay pride du terroir visant à offrir un espace de représentation à tous les queer isolés.

La guerre a marqué le festival, notamment avec des films tels que Still Recording ou À Gaza. C’est finalement le moyen métrage Still Playing qui a été récompensé. Le film nous avait marqué par sa simplicité, suivre le quotidien d’un père et ses enfants à Naplouse au travers de compétitions de robot, tout en racontant la créativité du personnage principal qui tente d’éveiller les consciences à travers un jeu vidéo ultra réaliste. Les réactions filmées de joueurs américains, tantôt choqués, tantôt blasés, nous auront accompagnés longtemps après la projection. Le concepteur du jeu vidéo montré à l’écran en développe un nouveau autour de l’histoire d’une femme qui en fuyant les combats a saisi un oreiller dans la panique, laissant son nourrisson sous les bombes. Une histoire glaçante qui vient heurter de plein fouet l’univers en apparence divertissant du jeu vidéo.

Enfin, l’intime et la famille étaient également à l’honneur d’un festival sensible au « filmer collectif ». La vie après Siham a reçu le grand prix du festival. Le réalisateur Namir Abdel Messeeh a filmé sa famille dans de nombreux films, notamment sa mère. Il lui avait promis de refaire un film avec elle. Après sa mort, il décida de continuer à filmer les traces de son existence dans la vie de ses proches. Notamment son père, qu’il interroge ; ce dernier résiste et se livre. Namir Abdel Messeeh tente de construire un récit à partir de ceux de ses parents, parfois contradictoires, sur leur rencontre, sa naissance ou même la signification de son prénom.

Un film drôle et tendre, souvent déchirant, qui l’emmène jusqu’en Égypte sur les traces de sa tante, qui l’a élevé un temps, et de sa grand-mère, elle aussi décédée. Le réalisateur met également en scène ses enfants et un citronnier qui résiste au passage du temps et les regarde grandir. Une déclaration d’amour à la force du cinéma et à la survivance du lien maternel au-delà de la mort. Le réalisateur pourrait faire siens les mots de Guy de Maupassant : « On aime sa mère presque sans le savoir, sans le sentir, car cela est naturel comme de vivre ; et on ne s’aperçoit de toute la profondeur des racines de cet amour qu’au moment de la séparation dernière ».

Les films de famille ont marqué l’édition du Fifam 2025, racontant à la fois le lien intime et la société dans laquelle il se forme et se transforme. L’image d’archive est au centre de cette réflexion, comme elle est la matière de l’autoportrait commenté par ses ex que propose Chloé Barreau dans Fragments d’un parcours amoureux. Documenter sa vie, la filmer, c’est s’offrir la possibilité de partager son histoire et de faire des allers-retours entre intime et universel pour faire œuvre commune d’humanité.

Le palmarès complet de la 45e édition du festival international du film d’Amiens :

Lors du Fifam 2025, plusieurs moyens métrages sont diffusés dont Fanny à la plage de Raphaëlle Petit-Gille et La Fille à la recherche de la cabane de Phane Montet. Cette séance est animée par Mona Schnerb. Deux portraits d’hommes et de femmes entre monde moderne et traces du passé.

Fanny à la plage

Synopsis : Carte postale des vacances à la mer d’une mère célibataire. Portrait d’une femme « décoiffée » confrontée à ses désirs impossibles, entre colère et tristesse, avec ses deux jeunes garçons.

Fanny est déboussolée, dépassée par ses vacances dans le sud. Ses enfants la dévorent et elle ne parvient pas à se reposer vraiment alors que les galères s’enchainent. Tout est filmé au plus près de cette femme que la caméra vient comme empêcher, entourer, autant qu’elle l’est dans son quotidien (avec les grandes bouées qu’elle trimballe depuis le bus jusqu’au camping). Un soir alors qu’un voisin (qui lui a prédit qu’ils passeraient la nuit ensemble) vient lui proposer une bière, Fanny en profite pour s’évader de son quotidien. C’est alors que sa peau se mêle à d’autres peaux après une baignade interdite vite interrompue. Cependant, une fois encore Fanny échappe à l’assignation d’être en couple pour reprendre son rôle de mère, toujours en courant, toujours débordée, mais avec tendresse.

Le film, au-delà du côté vacances populaires, met en scène l’épuisement d’une femme, d’une mère, un épuisement qui passe inaperçu puisqu’elle est seule avec ses enfants. Tout tourne autour de cet épuisement puisque même la mer est polluée et qu’il faut passer par dessus un portail fermé pour pouvoir se baigner clandestinement. Ce portrait montre une femme qui se noie mais qui parvient à sortir doucement la tête de l’eau en s’offrant une échappée, interprétée par une actrice à fleur de peau. Sans grands dialogues explicatifs le film parvient en quelques scènes, quasi muettes, à planter son décor et à nous mettre en empathie avec Fanny, qui est bien loin des clichés attendus.

L’actrice Marie Denys, impressionnante dans son jeu impressionniste, a reçu le prix d’interprétation féminine au Festival européen du film court de Nice.

La Fille à la recherche de la cabane

Synopsis : La réalisatrice suit les traces de l’artiste de rue Bilal Berreni qui, en 2011, s’est isolé dans une cabane en Suède pour écrire et dessiner. Dix ans après sa mort, elle part à la recherche de cette cabane et du monde qu’il dépeignait.

Alors qu’elle est étudiante en documentaire, Phane Montet découvre l’histoire et le travail de Bilal Berreni (alias Zoo project), dessinateur mort assassiné à vingt-trois ans à Détroit. Elle rencontre cet homme à travers ses dessins, ses graffitis et surtout son séjour dans une cabane en Suède où il s’est isolé pour dessiner et écrire un journal presque intime, alors qu’il écrivait peu sur lui-même. Il va y affronter le froid lui qui se sait et se décrit comme peu résistant et peu sportif.

Dans ses dessins, la réalisatrice semble voir les traces d’une confession, alors même que Bilal ne se savait pas condamné. Pourtant, quelque chose la touche au-delà de ce destin tragique. Elle cherche donc ses traces de lui partout et il semble lui échapper tout le temps. Si dans un premier temps, Phane reconnaît trait pour trait les dessins et les paysages qu’elle voit, notamment la gare, peu à peu leurs regards divergent. Bilal a vu un peuple libre et nomade quand Phane voit des touristes et un village.

Pourtant, sa quête la mène bien au-delà de Bilal lui-même, dans une résonance avec la nature, où elle donne vie, à travers le talent d’illustration et d’animation de Mona Schnerb, aux personnages à tête d’oiseau ou d’ours de Bilal Berreni. C’est certainement ce qui manquait à la réalisatrice de I love and hate Russia quand elle cherchait la vloggeuse Olga dans une Russie désertique.

Dans cette nature où la neige peut prendre des teintes bleutées et alors que Phane Montet s’enfonce loin de la civilisation, de grandes figures quasi mythologiques semblent sortir tout droit d’un compte enfantin aux allures inquiétantes, un peu comme les peurs dessinées de Dieu est timide. La voix de Phane Montet accompagne la force du projet. Une voix aussi introspective, intime, que touchante en s’adressant à Bilal comme à un ami qu’on aurait raté dans une vie pour mieux le retrouver à travers l’art.

La réalisatrice a filmé parfois seule en se rendant en Suède, parfois entourée d’une équipe réduite et de Mona Schnerb. Les voilà toutes les deux rendues à la nature, à l’affût de la beauté de l’instant, et des traces d’un être dont les dessins révélaient autant l’intériorité qu’une porosité sensible au monde qui l’entoure.

Présenté dans le cadre de la carte blanche à l’actrice Agathe Bonitzer, The Watermelon Woman de Cheryl Dunye nous plonge dans une enquête sur une actrice noire des années 1930 souvent réduite à des rôles stéréotypés. L’occasion d’une plongée décalée dans l’histoire des femmes effacées de l’histoire.

The Watermelon Woman peut être considérée comme un film culte, une œuvre marquante dans l’univers queer. C’est un film américain indépendant réalisé par une femme noire à Philadelphie, fort bastion queer, en 1996. La réalisatrice y fait autant référence à l’histoire des Noirs américains, ou au cinéma indépendant, que des clins d’œil à la communauté queer de Philadelphie. On y retrouve, comme chez Spike Lee, un vidéo-club comme décor d’une amitié forte et fondatrice.

Cheryl et June sont amies et ne cessent de bavarder ensemble du film de Cheryl, des amours de Cheryl, des erreurs de Cheryl. Cette dernière veut réaliser un film sur une femme noire qui a marqué l’histoire du cinéma en étant simplement créditée comme « the watermelon woman » ou qui n’était même pas créditée. Elle enquête donc tout en cherchant l’amour dans des night-clubs ou à travers des recommandations de films. On la voit d’ailleurs tomber amoureuse et faire l’amour aussi librement et fougueusement (une très belle scène d’amour, les corps filmés en gros plans, où les peaux frémissent et se dévorent) que dans la célèbre série The L Word où amours et amitiés s’entremêlent. La fascination de Cheryl augmente d’ailleurs quand elle découvre que l’actrice qu’elle admire était lesbienne. Elle raconte même sa tendre histoire d’amour avec une femme dont elle retrouve la trace avant de la perdre à nouveau.

Une autre relation reste dans l’ombre : celle de Fae Richards (la Watermelon Woman) avec la réalisatrice qui l’a longuement filmée. Une relation interraciale et lesbienne dans les années 1930 ? Personne ne veut y croire. Pourtant Cheryl en est persuadée, le documente, et l’expérimente même ! Quitte à se fâcher avec sa meilleure amie. Un vrai drama qui n’oublie pas de mettre en lumière son personnage effacé de l’histoire. Même sous couvert d’humour, le propos est politique.

Le film de Cheryl Dunye est culte par sa forme libre et morcelée, jouant constamment entre fiction et réalité. On y voit d’abord un vrai-faux mariage mis en scène pour les besoins de la caméra puis Cheryl enchaîner en filmant les rues pauvres de la ville tout en commentant le piment que cela ajoutera aux souvenirs de mariage du couple. Trait cinglant, tant cela contraste avec le faste dudit mariage.

Comme beaucoup de films de la sélection du Fifam, The Watermelon Woman est une autofiction dans laquelle la réalisatrice commente face à la caméra ou en voix off le film en cours de réalisation (on pense notamment à La Vie après Siham où le réalisateur raconte le film qu’il va faire sur sa mère tout en le réalisant). Elle y ajoute des images d’archives (photos et vidéos) ainsi que des vidéos amateurs qui se mêlent aux images de cinéma créées pour le documentaire. On suit les difficultés de Cheryl pour reconstituer la vie de Fae Richards, tous les endroits où elle doit se rendre et où elle se heurte soit à des catégories inadaptées, soit à l’ignorance sur le sujet des experts auxquels elle s’adresse. Toutes ces aventures sont mises en scène dans une forme de précipitation permanente, que ce soit parce que June ne doit pas être en retard à un rendez-vous ou parce que Cheryl « vole » des images interdites, en filmant des archives secrètes.

La force de The Watermelon Woman est sa forme de mockumentaire, et donc sa volonté ouvertement satirique et dénonciatrice. En effet, à la fin du film, un texte apparaît à l’écran, expliquant que l’histoire qui vient d’être racontée est une création : « Sometimes you have to create your own history. The Watermelon Woman is fiction ». Un pied de nez qui dit que lorsque des images ou des imaginaires, des représentations n’existent pas (c’est aussi ce que raconte le frère du réalisateur de Grands Garçons), il faut les créer de toutes pièces. Les fameuses images manquantes qu’évoque Céline Sciamma pour raconter son cinéma peuplé de femmes, d’amoureuses et de coming-out sans larmes.

The Watermelon Woman est un film culte qui a peiné à être distribué et a été remis en lumière en 2016 par la Berlinale avant d’être diffusé par le ciné-club d’un cinéma de Montreuil qu’Agathe Bonitzer fréquente, ce qui l’a décidée à en faire profiter le public du Festival International du Film d’Amiens pour parler de « grandes et petites amies » de cinéma.

Fiche Technique : The Watermelon Woman

Genre : Fiction / Faux-documentaire / Drame
Réalisation & Scénario : Cheryl Dunye
Pays de Production : États-Unis
Année de Production : 1996
Durée : 90 minutes (1h30)
Acteurs Principaux : Cheryl Dunye, Guinevere Turner, Valarie Walker
Prix Notables : Teddy Award du meilleur film (Berlinale 1996)
Synopsis : Cheryl, une jeune réalisatrice afro-américaine lesbienne, enquête sur une actrice noire des années 30 des rôles stéréotypés, qui était créditée uniquement comme « The Watermelon Woman », et tente de lui rendre son histoire.

Dans le cadre de la compétition courts métrages, le FIFAM 2025 a sélectionné Hyena d’Altay Ulan Yang, Loynes de Dorian Jespers, Burning Night de Demon Wong et Dieu est timide de Jocelyn Charles. Des univers sombres et habités au programme de ces courts exigeants et passionnants.

Hyena 

Genre : Drame
Réalisation & Scénario : Altay Ulan
Pays de Production : Chine
Année de Production : 2024
Durée : 25 minutes

Synopsis : Dans un château isolé, des étudiants se préparent à un examen crucial. Alors que l’attente atteint son paroxysme, une tempête éclate. Piégé entre les murs qui s’effondrent, leur sanctuaire académique devient une prison, et les esprits commencent à craquer.

Hyena plonge dans les souvenirs hantés et ultra-violents d’un homme qui a cédé à l’effet de groupe. Un jeune homme dans une école de préparation à de hautes études artistiques, en Chine, est isolé, maltraité, jusqu’au jour où un autre étudiant, nommé 90, débarque dans l’école. 90, c’est sa note aux examens, la meilleure note jamais atteinte dans cette compétition exigeante où seuls 1 % des aspirants réussiront. Il devient alors l’homme à abattre. Pourtant, plus il est indifférent aux attaques dont il est la cible, plus 90 (on ne connaîtra jamais son prénom car « personne ne s’en souvient », dit la voix off — déshumanisation ultime) déchaîne la violence. Au milieu de cet univers de brimades, celui qui veut être accepté accepte à son tour l’inacceptable et se prête au jeu de l’humiliation. L’histoire est racontée en noir et blanc, il pleut, les sons sont exacerbés et un crocodile rôde. Tout est stylisé, même le sang, les statues tombent et l’art ne sauve plus : il divise et il s’effondre. Deux figures se dégagent, elles pourraient se soutenir mais elles se défigurent. Hyena est une œuvre de montée de la violence très graphique qui ne laisse pas indifférent. La beauté n’y est que sang, rage et déshumanisation.

Loynes

Genre : Comédie dramatique, Historique
Réalisation : Dorian Jespers
Année de Production : 2025
Durée : 25 minutes

Synopsis : À Liverpool, au XIXe siècle, un drame judiciaire absurde et kafkaïen raconte le procès d’un cadavre qui n’a ni nom ni passé. Des dizaines de personnes se sont rassemblées pour assister à cette cérémonie déroutante.

Loynes commence dans les cieux comme une chute vertigineuse d’objets filmée à pleine vitesse. On prend de l’altitude avant de plonger parmi les mortels. Que font-ils ? Un procès absurde aux allures kafkaïennes, filmé par neuf caméras de télévision avec des acteurs en pleine forme. Le fond ? L’histoire vraie du pape Formose dont le corps, après sa mort, a été exhumé et jugé. Il avait été revêtu en tenue d’apparat pour son procès. Par sa mise en scène et son montage ultra-cadencé qui colle au plus près des réactions de tous les personnages, le réalisateur crée une ambiance de comédie presque malaisante et emplie d’un mystère épais. Tout débute autour d’une tombe puis de ce corps qui échappe au jugement et qui ne fait que disparaître. C’est presque une farce avec des personnages très stéréotypés : on les voit coincés dans leurs rôles comme dans la société. De ce huis clos, la caméra s’évade soudain, elle aussi, pour une échappée en Chine, aérienne, qui vient épaissir le mystère d’un propos désabusé qui traverse les époques et les continents.

Burning Night 

Genre : Drame
Réalisation & Scénario : Demon Wong
Année de Production : 2025
Durée : 28 minutes

Synopsis : Au cœur des mouvements de protestation à Hong Kong, un jeune homme, à la veille de son départ pour l’étranger, revoit sa ville et son passé à travers une série d’événements marquants sur une nuit de veille agitée.

A la fin de Burning Night l’air a comme un goût de fumée. Une voiture, entre autre, a brûlé la nuit entière dans une ville embrasée, prête à exploser. Le peuple de la nuit, ceux dont la révolte explose dans le noir, a mis le feu dans la ville puis l’a regardée flamber. Ils sont  une armée à observer le feu détruire la carcasse du véhicule de marque japonaise.  Nous sommes à Hong Kong au cœur des protestations contre le Japon. Au centre du film, un jeune homme et son groupe d’amis qui se promènent sans prendre part aux revendications mais qui jettent des pétards sur les voitures étrangères. Le groupe se sépare et l’étau semble se resserrer autour du jeune protagoniste qui court, haletant, à travers la ville en feu. Tout bruisse, tout explose dans ce court, jusqu’à ce que notre protagoniste retrouve la chaleur de son foyer avant de reprendre la route et d’exploser encore.

Dieu est timide

Genre : Animation
Durée : 15 minutes
Réalisation : Jocelyn Charles
Musique Originale : P.R2B
Interprétation (Voix) : Danièle Evenou, Alba Gaïa Bellugi, Anthony Bajon

Synopsis : Lors d’un voyage en train, Ariel et Paul s’amusent à dessiner leurs plus grandes peurs. Gilda, une passagère étrange, s’invite dans leurs confidences. Son expérience de la peur semble néanmoins moins innocente que leurs dessins.

La peur surgit dès les premières secondes de Dieu est timide, à travers les dessins de deux jeunes voyageurs. Ils jouent à se faire peur. Le style est très graphique, les dessins font appel à l’imaginaire du cauchemar. Dans ce contexte surgit une passagère qui ressemble étrangement au dessin de peur de la jeune femme. Elle prétend pouvoir communiquer avec Dieu à travers l’inconscient de son mari, sa mémoire trouée et endormie. Au-delà du récit raconté par la voix hallucinante de Danièle Evenou et de la peur bizarre qu’il distille, le style graphique impressionne par son univers aquatique. Le réalisateur Jocelyn Charles cite parmi ses influences l’artiste japonais Junji Ito. Ce mangaka signe des livres d’horreur graphique. Cependant, l’univers de Jocelyn Charles est très coloré, la violence y est, là encore, stylisée.