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Toni, en famille est le second film de Nathan Ambrosioni. Le jeune réalisateur esquisse le portrait de Toni, mère veuve de cinq enfants qui désire reprendre des études. Une histoire jamais misérabiliste, faite de petites touches successives où Nathan Ambrosioni déploie son talent, autant dans les scènes de groupe que dans les séquences sur chaque personnage de la fratrie. Le casting est époustouflant, mené par Camille Cottin, parfaite dans un rôle écrit pour elle.

Tout sur ma mère 

Toni pourrait être l’héroïne d’un Jeanne Dielman revisité (prostitution mise à part, puisque Toni est chanteuse). Sa vie à elle aussi est rythmée par des tâches quotidiennes, une routine à laquelle elle ne peut échapper. Mère de cinq enfants tous ados, dont deux sont prêts à quitter le nid (les autres suivront dans les six ans à venir), Toni vit autant pour eux qu’avec eux. Elle vit également sur les restes d’une gloire passée dans un télécrochet musical. Pourtant, Toni n’a plus très envie de chanter, même si on lui dit que ceux qui chantent le font toute leur vie, ce n’est pas ce qu’elle désire. Pas plus qu’elle ne souhaite qu’être la mère de ses enfants. La question de son amour pour eux ne se pose pas, à aucun moment. Pourtant, elle veut se réinventer à l’aube de leur départ, surtout parce qu’ils ont grandi et qu’elle n’a pas vu la vie passer. Loin d’être misérabiliste, Nathan Ambrosioni regarde évoluer le personnage seule ou au milieu des siens. Il filme d’abord son périple (pourtant quasi immobile depuis sa voiture) pour récupérer ses cinq enfants sur un parking. Sa voiture est un peu capricieuse, les gens qui l’entourent aussi, et surtout ses enfants ne sont pas très contents de partager leur espace, leur temps avec tous ces frères et sœurs. Pourtant, la joyeuse troupe s’acclimate. Au fond d’elle cependant, Toni se sent l’âme d’une enseignante. Elle cherche le moment de le dire à ses enfants. Elle cherche à savoir aussi comment reprendre le fil interrompu de ses études.

C’est alors que se met en place la mise en scène de soi au sein de la famille. Toni se promène avec un phrasé inimitable et un certain détachement emprunt d’autorité. Ce personnage doit beaucoup à l’interprétation de Camille Cottin, qui ne lorgne ni du côté de la mère courage (trop galvaudée), ni de celui de la mère démissionnaire. Camille est simplement Toni. À côté d’elle, les jeunes acteurs rendent très crédible cette famille où chacun tente d’exister. Entre les moments de groupes – de la première scène en passant par une virée en voiture sur l’air du tube qui a rendu Toni célèbre – et les moments plus individuels où chacun s’exprime, l’écriture est la plus sincère et exacte possible. Nathan Ambrosioni y ajoute une touche d’humour. Dans cette mise en scène de soi, il filme le coming out du plus grand fils de la famille, moment qu’il voulait spectaculaire pour les abonnés de son vlog et qui s’avèrera anecdotique pour les siens : « d’accord », répond Toni à son fils qui annonce « je suis gay ».

Dans la famille que filme Nathan Ambrosioni, tout est à la fois léger et grave, rien n’est jamais vraiment dramatique (ou presque). La figure du père est peu présente, elle pèse pourtant dans l’esprit de Timothée, en pleine crise d’ado, qui cherche surtout à exister, être entendu. Là encore Toni se révèle dans sa relation à ce fils en souffrance, sans être ni invasive, ni laxiste. Déjà dans Les Drapeaux de papier, qui explorait la relation entre un frère et une sœur, la direction d’acteurs était remarquable. Ici, elle l’est d’autant plus que chacun existe au milieu de ce groupe indistinct qu’on appelle la famille. Et chacun existe avec intelligence et justesse, avec ce qu’il faut d’espace autant dans le champ de la caméra, qu’au sein de l’histoire. Le parcours de Toni en est sublimé : entre les remarques de ses enfants sur son âge, sa mère qui la rêve encore star, et pôle emploi qui la voit aide-soignante, elle poursuit son chemin. Autour d’elle, des ados formidables, et elle alors, a-t-elle le droit de se réinventer ?

Raconter le quotidien entre doutes, rires, disputes et conversations croisées tout en rendant chacun attachant et crédible, c’est le pari réussi de Toni, en famille. Quand Toni devient une silhouette parmi les étudiants, on se plait à y croire, sans que cela soit pourtant encore fait. « Toni m’intéresse car son statut social fait d’elle une réelle héroïne et une héroïne du réel. Elle se rend compte de façon très simple qu’être mère c’est fabuleux, mais c’est aussi une condition frappée par une obsolescence programmée, celle du jour où son dernier enfant quittera la maison » (voir le dossier de presse du film). Un point de départ tout simple que Nathan Ambrosioni rend solaire à chaque instant en véritable touche-à-tout (montage, écriture, réalisation) à la maturité impressionnante. Pas étonnant que Mommy de Xavier Dolan ait été pour ce réalisateur un véritable choc.

Toni, en famille : Bande annonce

Toni, en famille : Fiche technique

Synopsis : Antonia, dite Toni, élève seule ses cinq enfants. Un job à plein temps. Elle chante aussi le soir, dans des bars, car il faut bien nourrir sa famille. Toni a du talent. Elle a enregistré un single qui a cartonné. Mais ça, c’était il y a 20 ans. Aujourd’hui ses deux aînés s’apprêtent à rejoindre l’université. Alors Toni s’interroge : que fera-t-elle quand toute sa progéniture aura quitté le foyer ? À 43 ans, est-il encore temps de reprendre sa vie en main ?

Réalisation, scénario, montage : Nathan Ambrosioni
Interprètes : Camille Cottin, Léa Lopez, Thomas Gioria, Louise Labeque, Oscar Pauleau, Juliane Lepoureau
Photographie : Raphaël Vandenbusscbhe
Production : Chi-fou-mi Productions
Distributeur : Studio Canal
Durée : 1h36
Date de sortie : 6 septembre 2023
Genre : comédie dramatique

Le réalisateur portugais Marco Martins nous livre, avec Un Automne à Great Yarmouth, un sixième long-métrage complexe et fascinant, qui entrecroise avec art les intrigues et les genres cinématographiques.

Great Yarmouth est une station balnéaire du comté de Norfolk, ouvrant sur la mer du Nord au sud-est de l’Angleterre, et autrefois très courue par la classe moyenne britannique. De fait, le titre, Un Automne à Great Yarmouth, pourrait laisser entrevoir une villégiature d’arrière-saison. Mais Marco Martins, également au scénario avec Ricardo Adolfo et au montage avec Karen Harley et Mariana Gaivão, n’est pas un homme monolithique. L’affiche, avec ses tons bleutés de climat glacial et le visage grave de l’actrice principale, Beatriz Batarda, vue de profil, dément les promesses du titre et prépare à un « automne » qui n’aura rien d’une partie de plaisir. L’ouverture, dans les marais avoisinants, et qui superpose la voix le plus souvent off d’une sorte de garde-champêtre étique aux images magnifiques, mais hivernales en diable, de João Ribeiro, éveille des échos du renversant La Isla mínima (2014), d’Alberto Rodriguez, dans une version septentrionale et brumeuse, mais non moins dépouillée.

Avec un sens remarquable de la progression scénaristique, le réalisateur portugais entrecroise ainsi différents fils, mêlant du même coup plusieurs genres cinématographiques, en un affranchissement de toute catégorisation qui ne manque pas de panache. Un premier fil serait de nature presque documentaire, prolongeant les recherches que Marco Martins avait dû mener pour la réalisation de son précédent film, Saint Georges (2016), et porte sur la transformation qu’a subie Great Yarmouth du fait de son industrialisation, et plus encore depuis 2009. Il se centre ici sur une usine de volailles ayant nécessité le recours à de nombreux ouvriers portugais, exportés par cars entiers et logés plus que sommairement, entassés à trois par chambre. Malgré cette exploitation humaine et le sous-paiement d’ouvriers dénués du moindre recours, même en cas de blessure, l’usine sera contrainte à la fermeture, ce qui offrira l’occasion paradoxale de très beaux plans presque fantastiques sur ces lieux de souffrance animale à présent désertés, abandonnés à leurs ustensiles désormais sans objet

Un second fil, la trame fictionnelle essentielle, s’organise autour de l’héroïne, Tânia, incarnée, donc, avec une sensibilité à vif par Beatriz Batarda : portugaise également, elle est, comme l’appellent les ouvriers, « la mère des Portugais », dans la mesure où elle les accueille, les héberge, les prépare à ce qui les attend et leur sert d’interprète. Mais elle est elle-même écartelée entre ses origines, qui la rendent par instinct solidaire de ceux qu’elle exploite, et la pression exercée par son époux, britannique, Richard, l’excellent Kris Hitchen déjà aperçu chez Ken Loach (Sorry We Missed You, 2019), qui l’exhorte à toujours plus de dureté. Autre axe d’écartèlement, les deux langues entre lesquelles elle navigue, le portugais qu’elle pratique avec ses « protégés » de moins en moins dupes, et l’anglais, dont elle tente de s’imprégner à grands renforts d’écouteurs dans les oreilles, lui diffusant les phrases clés qu’elle rêve d’adresser à d’autres victimes : les vieillards britanniques auxquels elle proposerait à prix d’or son bâtiment actuel entièrement rénové. Nouvelle distorsion, cette fois entre la vie menée et la vie rêvée. Autre écartèlement, cette fois sentimental, relavant de ce que son mari nomme « des cachotteries » : son lien secret avec un Portugais, Raúl (Romeu Rona, excellent lui aussi, dans un rôle pourtant inconfortable) ; un écart bientôt redoublé par un autre écart, provoqué par l’arrivée de Carlos (Nuno Lopes, acteur intense, auquel le réalisateur se montre fidèle), à qui Tânia se met à vouer une passion irrépressible… Figure éminemment complexe que cette Tânia, chargée de ballots et de rêves, tirant et domptant constamment sa chevelure, tout comme elle doit tirer et dompter constamment ses sentiments et ses émotions.

L’intrigue se trouvant déjà dotée d’une belle richesse, Marco Martins aurait pu s’en tenir à ces aspects, suffisamment divers. Mais, on l’a dit, l’homme n’est pas avare de biens. Présent en réalité depuis les premières étapes, surgit un troisième fil, révélé par les ultimes scènes, et qui confère à cette fiction des allures de film de vengeance. Si l’on est loin des règlements de comptes éclatants, à grands coups de révolvers, la vengeance, toute discrète, subtile et larvée qu’elle soit, n’en est pas moins terrible. Le tout conduit dans les tons bleutés et morts annoncés par l’affiche. Le personnage de Carlos apporte bien, par moments, quelques touches plus chaleureuses, mais les bleus réfrigérés reprendront le dessus.

Marco Martins signe là un film troublant, fascinant, peut-être déroutant par son intrication des genres, mais qui démontre de façon imparable à quel point l’inhumanité – fût-elle limitée au terrain social, au début – ne peut qu’engendrer encore davantage d’inhumanité, contaminant et gangrénant l’ensemble de la scène humaine.

Synopsis du film : Octobre 2019, en Grande-Bretagne, trois mois avant le Brexit. Tânia organise le travail, transport et logement des travailleurs immigrés portugais de l’usine de volailles de Great Yarmouth, dans le Norfolk. Flottant dans un monde où les bâtiments sont délabrés et les conditions de travail des ouvriers à l’abattoir particulièrement dures, Tânia apprend l’anglais en rêvant d’ouvrir un jour un hôtel pour y accueillir les touristes du troisième âge.

Bande-annonce : Un Automne à Great Yarmouth

Fiche Technique : Un Automne à Great Yarmouth

Titre original Great Yarmouth: Provisional Figures
De Marco Martins
Par Marco Martins, Ricardo Adolfo
Avec Nuno Lopes, Beatriz Batarda, Kris Hitchen
6 septembre 2023 en salle / 1h 53min / Drame
Distributeur : Damned Distribution

Le Ciel rouge, de  Christian Petzold, est peut-être le deuxième film d’une nouvelle trilogie, sur les éléments cette fois, à la suite d’autres trilogies émaillant son œuvre. Après l’eau de Ondine, le feu couve ici, puis explose dans la nature et dans le cœur des hommes, avec le regard toujours acéré du cinéaste.

Synopsis :  Une petite maison de vacances au bord de la mer Baltique. Les journées sont chaudes et il n’a pas plu depuis des semaines. Quatre jeunes gens se réunissent, des amis anciens et nouveaux. Les forêts desséchées qui les entourent commencent à s’enflammer, tout comme leurs émotions.

Le cinéaste allemand Christian Petzold nous comble souvent. C’était le cas avec des films comme Barbara, Phoenix ou Ondine ; c’est encore le cas avec Le Ciel rouge, un film dans la droite lignée de ce qu’il sait si bien faire : une histoire minimaliste, un drame en toile de fond (ici, les incendies de forêt, et son corollaire le réchauffement climatique), des acteurs avec une forte présence, ou encore une fluidité d’image due à une collaboration de plus de 30 ans avec son directeur de la photographie Hans Fromm.

Labellisé un peu rapidement film d’été, Le Ciel rouge est en réalité nourri de bien plus de dimensions. Il est vrai que le choix de la mer Baltique, tout au nord de l’Allemagne, apporte immédiatement cette atmosphère estivale un peu saturée, qui caractérise certains films dits d’été, évanescents, à la Rohmer. Entre parenthèses, ce choix, qui se porte plus précisément sur l’ancienne partie est-allemande de la côte, est également un des marqueurs du cinéaste. Ce dernier n’oublie jamais de parler de son Allemagne chérie sous un aspect ou un autre, ici un hommage à la RDA avec le choix de ce Land, l’évocation de Uwe Johnson, un écrivain transfuge de l’Est, ou une petite raillerie sur la propension des anciens est-allemands à adopter des prénoms américains à l’écriture hasardeuse (il y a un Devid dans le film), cette Amérique qui nourrissait leurs rêves.

Le film commence avec des accents pseudo-horrifiques. Leon  (Thomas Schubert) et Felix (Langston Uibel) traversent une forêt sombre et silencieuse dans une Mercedes rouge. Felix, le conducteur, annonce que quelque chose ne tourne pas rond. Son voisin endormi se réveille en sursaut, passablement ennuyé. Le moteur explose, et en dernier recours, Felix se propose d’aller en reconnaissance trouver un raccourci à travers la forêt vers leur destination, une maison de vacances isolée appartenant à ses parents. Il revient, les personnages emportent  leurs bagages sur les épaules, l’un en sautillant presque (Felix), l’autre en bougonnant (Leon).

Mais le cinéaste met vite de côté ces marqueurs de films d’horreur pour entrer dans le vif du sujet. Leon et Felix veulent s’isoler ici quelques temps pour avancer dans leur projet respectif : le premier termine son deuxième roman, d’une manière acharnée mais paradoxalement peu convaincue ; le deuxième prépare un portfolio pour concourir aux Beaux-Arts, d’une façon plutôt dilettante bien qu’assez efficace. Leon est mal dans sa peau, engoncé dans un corps qu’il dissimule, tourné vers l’intérieur de lui-même, jamais content, très peu sûr de lui.  Felix est au contraire un extraverti, un garçon positif et lumineux. Lorsqu’ils découvrent, tels les nains de Blanche-Neige, qu’ils ne sont pas seuls dans la maison de vacances, la tension engendrée par l’attitude de Leon est à son comble. Nadja (Paula Beer, intense comme jamais), la mystérieuse colocataire, s’avère radieuse et amicale autant que Leon est renfrogné. Elle se fait connaître des deux autres d’abord par ses ébats nocturnes et bruyants, évidemment trop bruyants pour Leon. Plus tard, elle et son partenaire s’amusent avec Felix, pendant que Leon décline toutes les invitations, car le « travail ne le permet pas », ainsi qu’il le ressasse sans arrêt, et sans justification puisqu’il passe plus son temps à fouiner qu’à travailler. Et plus la magnétique Nadja l’attire, plus sa réponse est abrupte.

Bien que les protagonistes ne soient pas des adolescents, le film est une sorte de coming of age, d’éveil. Divers sentiments plus ou moins naissants sont montrés par Christian Petzold, au risque d’ailleurs de se perdre un peu (sans parler des incendies de forêt, pourtant à l’origine du titre, qui ne sont évoqués que de manière anecdotique), mais ce sont les ressentiments de Leon qui dominent. Ils sont pénibles, dramatiques ou doloristes, mais ils sont aussi la source d’une vraie veine comique qu’on n’a pas l’habitude de rencontrer chez le cinéaste. Une insécurité si bien décrite qu’on peut se demander si elle ne touche pas son auteur, scénariste de ses films, d’une certaine façon.

Dans l’ensemble, on peut affirmer que Le Ciel rouge est un long-métrage plus accessible que les autres de Christian Petzold, et qu’une forme de légèreté ne nuit pas à son travail ; cependant, on aurait aimé un film plus rassemblé. Mais le réalisateur construit une œuvre cohérente (n’était-ce pas Rohmer, déjà, qui parlait de cohérence), solide et agréable à suivre. Fort de son Ours d’argent à Berlin, il n’est sans doute pas près de s’arrêter. Pour notre plus grand plaisir.

Le Ciel rouge– Bande annonce

Le Ciel rouge – Fiche technique

Titre original : Roter Himmel
Réalisateur : Christian Petzold
Scenario : Christian Petzold
Interprétation : Thomas Schubert (Leon), Paula Beer (Nadja), Enno Trebs (Devid), Langston Uibel (Felix), Matthias Brandt (Helmut)
Photographie : Hans Fromm
Montage : Bettina Böhler
Producteurs : Anton Kaiser, Florian Koerner von Gustorf, Michael Weber Maisons de Production : Schramm Film Koerner & Weber, ZDF/Arte, Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF)
Distribution (France) : Les Films du Losange
Durée : 102 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 06 Septembre 2023
Allemagne – 2023

Doit-on se faire désirer pour s’en sentir aimer ? Entre fantasme, cauchemar et réalité, Visions en appelle aux archétypes hitchcockiens, semant ainsi des pulsions obsessionnelles que Diane Kruger restitue avec discernement. Dommage que le film souffre perpétuellement de la comparaison avec ses prédécesseurs, ce qui rend le voyage aberrant et ironiquement soporifique. Accrochez bien votre ceinture, car les turbulences ne sont jamais très loin.

Synopsis : Pilote de ligne confirmée, Estelle mène, entre deux vols long-courriers, une vie parfaite avec Guillaume, son mari aimant et protecteur. Un jour, par hasard, dans un couloir d’aéroport, elle recroise la route d’Ana, photographe avec qui elle a eu une aventure passionnée vingt ans plus tôt. Estelle est alors loin d’imaginer que ces retrouvailles vont l’entraîner dans une spirale cauchemardesque et faire basculer sa vie dans l’irrationnel…

Après avoir résolu le crash d’un vol commercial dans Boîte Noire, Yann Gozlan garde la tête levée vers le ciel, trouble et difforme. C’est dans cette optique qu’il ouvre son cinquième long-métrage, un peu comme si le maître du suspense nous conviait dans sa Quatrième Dimension. Souvent cité et rarement égalé, le spectre d’Alfred Hitchcock hante ce thriller psychologique qui n’est vraiment pas le plus mémorable. Ajoutons à cela une nette inspiration de Bunny Lake a disparu d’Otto Preminger, une étude paranoïaque pleinement assumée dans Images de Robert Altman. Tout prend peu à peu du sens, même lorsque l’on confond impunément la lenteur et la patience.

Les désenchaînés

Pilote de ligne long-courrier, Estelle suit un programme méthodique et millimétré, si bien qu’elle vise la perfection, que ce soit aux commandes de son appareil ou bien dans sa récupération à base de smoothies fruités. Son boulot requiert des conditions physiques exemplaires et mécaniques, où l’émotion ne doit pas interférer avec le contrôle qu’elle doit préserver. Assez proche du Burn Out qu’a vécu Tony le motard de nuit, des visions, voire des hallucinations se présentent à elle. Est-ce une affaire de prémonitions ou simplement des souvenirs reconstitués ? Les repères temporels sont troublés par le montage en cut ou par des fondus enchaînés, mettant ainsi en avant le jetlag permanent qui l’accompagne. Il fallait au moins une Diane Kruger magnétique et habitée par le doute pour ce rôle, rappelant ainsi la vulnérabilité de Grace Kelly et l’intensité émotionnelle de Jodie Foster, à l’apogée de leur carrière.

Ponctuellement, Mathieu Kassovitz apparaît sous les traits de son époux Guillaume, étrangement prévenant et protecteur. Un homme idéal ? Le couple forme ainsi un tandem assez lunaire et leurs plannings respectifs contribue à créer une aura particulière autour d’eux. Le retour inespéré et inattendu d’Ana, une vieille amie d’Estelle, change tout de même la donne et les nœuds scénaristiques vont graduellement se multiplier. Gozlan semble conscient des limites qu’il impose, à force de jongler sur plusieurs fronts. Il prend cependant le risque de noyer plus d’un spectateur en amont des bouleversements que l’on peut avoir anticipés, si le bagage culturel le permet.

La femme qui n’en savait pas assez

Dans tous les cas, il reste la fascinante performance de Marta Nieto, qui a notamment été découverte dans l’exceptionnel Madre, un thriller de Rodrigo Sorogoyen. Femme fatale aux jeux de séduction et de manipulation implacables, elle incarne cette Ana, qui s’offre les clichés qu’elle désire de ses conquêtes. Estelle en fait évidemment partie, mais son point de vue n’intéresse guère l’œil qui hante les cauchemars de cette dernière. Les éventuelles causes sont ainsi listées au fur et à mesure : médicaments, fatigue, souvenirs approximatifs et traumatismes. Tout cela est sèchement justifié à l’appui d’une simple ordonnance que David Lynch aurait clairement refusée. Peut-être bien que les cinq paires de mains passés sur le scénario, incluant la collaboration d’Audrey Diwan, n’ont pas été pertinents à tous les niveaux et c’est ce que l’on constate volontiers dans l’irrégularité des séquences un brin fantastiques.

Il reste alors peu de place pour le jeu de Diane Kruger, dont les yeux écarquillés et le teint pâle ne sont pas exploités au maximum. Les effets de style l’emportent sur tout, car le cinéaste semble en abuser, comme en témoignent des reflets qui se superposent sans cesse aux allers-retours d’Estelle entre ses crises d’insomnie et toute son hygiène de vie qui se dégrade. De même, on mise un peu trop sur la partition de Philippe Rombi, qui trouve la viscéralité par endroit, mais qui se révèle sans éclat dans une seconde partie qui n’a plus grand-chose à dévoiler. Gozlan en profite également pour greffer un jeu d’enquête auditive sur un répondeur, tout en sollicitant les autres sens pour que son héroïne s’affirme dans ce monde qui semble l’empêcher de satisfaire ses pulsions.

Nombreux se sont frottés aux thrillers hitchcockiens. Malheureusement, très peu d’entre eux ont trouvé l’équilibre et la consistance du suspense. Brian de Palma en est son digne héritier, usant habilement d’un montage alterné, tout en limitant le point de vue des protagonistes et des spectateurs aux cadres proposés. Yann Gozlan ne parvient malheureusement pas à moderniser le genre et à le modeler à sa guise. Visions manque de clairvoyance dans sa démarche, trop axée sur la forme, que le fond en devient indigeste et finit par brûler les ailes de sa protagoniste. Ce que l’on garde en interrogations, au bout d’une séance riche en répétitions, est une ambiguïté mal placée, qui laisse la porte ouverte au débat sur le sens de la narration. Et une fois que l’on a repris de l’avance sur l’intrigue, difficile de replonger dans la même distorsion qu’au départ.

Bande-annonce : Visions

Fiche technique : Visions

Réalisation : Yann Gozlan
Scénario : Michel Fessler, Aurélie Valat, Jean-Baptiste Delafon, Yann Gozlan, Audrey Diwan (collaboration)
Mise en scène : Natalie Engelstein
Image : Antoine Sanier
Montage : Sara Yavari
Son : Olivier Dandre
Costumes : Olivier Ligen
Maquillage/Coiffure : Fabienne Robineau
Décoration : Thierry Flamand
Montage : Valentin Féron
Post-production : Gaëlle Godard-Blossier
Musique : Philippe Rombi
Production : Eagles Team Entertainment, 24 25 Films
Pays de production : France
Distribution France : SND Groupe M6
Durée : 2h
Genre : Thriller
Date de sortie : 6 septembre 2023