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Il existe des monstres qui nous dévorent de l’extérieur, tandis que d’autres sont stimulés à l’idée de se nourrir de l’intérieur, de notre intimité et de notre vulnérabilité. Ces deux menaces sont impliquées dans Inside de Bishal Dutta, pour qui l’angoisse est avant tout le gage d’un bon drame familial. Entre les crocs d’une entité démoniaque et la lutte d’une adolescente indo-américaine pour s’intégrer au quotidien, il existe une histoire touchante de réconciliation.

Synopsis : Sam, une adolescente sans histoire, assiste à un phénomène surnaturel terrifiant dans son école. Sa meilleure amie en est la première victime. Elle sera la suivante, si ce qui est enfermé parvient à s’échapper…

Remarqué et primé pour son court-métrage Life In Color, où l’on suit un patient atteint de la maladie d’Alzheimer qui cherche à tout prix à préserver ses souvenirs, Bishal Dutta est rapidement courtisé par James Wan et sa filiale Atomic Monster, une ascension qui est notamment due à son terrifiant court Inferno. Il qui partage de nombreux points communs avec ce premier long-métrage qui nous arrive et dont l’identité visuelle n’aurait pas entaché une production Blumhouse. Le cinéaste en profite pour y mêler des fragments de son enfance en tant que fils de parents immigrés. À l’image de son héroïne, il souhaite questionner la perte d’identité dont il connaît les usages, ainsi que les dommages.

Bizutage

L’intrigue prend place dans une banlieue pavillonnaire qui serait presque le contrechamp des univers de Steven Spielberg. Il se passe bien des tracas dans cette petite bourgade, où l’on fera sans cesse des allers-retours entre le foyer de Samidha (Megan Suri), ou Sam comme elle préfère qu’on l’appelle, et son lycée. Une équipe sportive vedette, des pompom girls, des cours où certains s’instruisent, d’autres tombent amoureux et d’autres encore sont isolés de la masse. C’est évidemment le cas de Tamira (Mohana Krishnan) qui agrippe sans relâche un petit bocal de verre suspicieux. La lente et intrigante ouverture entrouvrait déjà ce réceptacle, afin de ne pas tergiverser plus longtemps. Un rite qui tourne mal, ou presque, annonce toute la lutte de jeunes adolescentes qui doivent faire face à leur amitié contrariée et à la fatalité que les ténèbres pourraient avoir le dernier mot dans cette sinistre histoire démoniaque.

L’aliénation mène inévitablement à l’isolement et c’est ce sur quoi la créature du bocal va insister. Quand il s’agit de capter l’angoisse de ses personnages, pris au piège dans l’obscurité, véritable angle mort des codes du cinéma d’horreur, le programme séduit, le timing un peu moins. Le hors-champ pèse également dans la balance, ce qui entretient une tension palpable, où les yeux du spectateur s’accrochent au maximum, afin d’encaisser la collision avec un éventuel jump scare. Sur ce point, le cinéaste a tout à gagner, car il parvient à créer une aura de paranoïa autour d’un nouveau folklore qui n’attendait qu’à être découvert sur grand écran. Le principal atout de son art, c’est bien entendu l’esthétique, ici macabre et teinté d’un rouge sang qui annonce le ton.

Le ventre mou

Dutta cite d’ailleurs assez souvent Les Griffes de la Nuit de Wes Craven, tout en gardant un pied dans le drame familial de Mister Babadook de Jennifer Kent. Tout le dilemme de l’héroïne réside dans le refoulement de sa propre culture. Le souci d’intégration se pose alors, à l’ère du numérique, qui nous déconnecte peu à peu à nos racines, à notre foyer. Entre deux sursauts prévisibles, Sam cherche à redevenir Samidha. Malheureusement, cette note d’intention perd tout intérêt dès lors que l’on commence à remettre en question le mode opératoire des screamers et autres soucis de cohérence dans les diverses interactions avec ladite créature.

Avant de se lancer dans la grande aventure sous le couvert de James Wan, Bishal Dutta en profite pour réviser ses classiques et montrer qu’il peut faire aussi bien que ses aînés. Ainsi, Inside nous invite à prendre du recul sur le drame familial qui frappe une communauté issue d’immigration, mais ne manque pas de croquer à pleine dent dans le lard du sujet. Cependant, la matière grasse n’est que trop visible dans la succession de clichés que l’on empile sans extravagance. Il s’agit d’un film qui cherche constamment à remplir un ventre vide, avec toutes sortes de mises à mort, suffisamment accessibles pour se donner le courage d’affronter une créature, plus symbolique que terrifiante. Dans ce sens, une histoire de réconciliation peut prendre forme, celle d’une ado à son amie d’enfance, à sa mère et à sa culture. Dommage que le propos soit forcé et maladroit dans la dernière ligne droite.

Bande-annonce : Inside

Fiche technique : Inside

Titre original : It Lives Inside
Réalisation & Scénario : Bishal Dutta
Photographie : Matthew Lynn
Décors : Tyler Harron
Costumes : Odessa Bennett
Musique : Wesley Hugues
Son : Nolan McNaughton
Montage : Jack Price
Production : Neon, QC Entertainment
Pays de production : États-Unis
Distribution France : KMBO
Durée : 1h39
Genre : Epouvante-horreur, Drame
Date de sortie : 6 septembre 2023

Intrigant et obsédant miroir à The Wastetown, Ahmad Bahrami évoque la tragédie de l’Iran en prenant soin d’émietter différentes formes d’impasses sociales dans une usine, dont la mort des salariés est programmée. Cette perspective est terrifiante dans The Wasteland, un drame qui n’épargne aucun citoyen, aussi loyal et intègre soit-il.

Synopsis : Quelque part perdue dans le désert iranien, une usine de briques est obligée de fermer face aux contraintes économiques. Les différents employés accusent très différemment le coup. Le superviseur Lotfolah joue les intermédiaires entre le patron et les ouvriers. Né et grandi sur place, il n’a jamais quitté l’enceinte de l’usine. Il va tenter d’accompagner les différents membres de la communauté – et notamment la belle Sarvar qu’il aime en secret.

Lauréat du prix Orizzonti à la Mostra de Venise 2020, le second long-métrage d’Ahmad Bahrami complète un double programme, où une mère s’acharne à imposer ses valeurs dans une décharge automobile de The Wastetown. Il est évident que les deux récits ont été écrits parallèlement, bien que le cinéaste insiste sur la notion de fuite dans celui-ci. Un travail répétitif et aucun avenir à l’horizon, l’état déplorable d’une zone industrielle laisse croître des tensions et de l’incompréhension au sein d’un groupe d’individus qui ne sont pas destinés à la même trajectoire.

Terre à terre

Une usine de briques au sud de l’Iran nous apparaît comme le vestige d’un monde qui a disparu. En décalage avec la démocratisation du ciment, le temps est compté pour cette entreprise perdue dans le désert. Ce qui semblait autrefois être une oasis bénéfique pour les employés est à présent devenu leur tombeau, au fur et à mesure qu’ils creusent dans l’argile. Il suffit de voir le pauvre Lotfolah (Ali Bagheri) hisser ses pains de glace pour ses collègues assoiffés pour se rendre compte de leurs misérables conditions de travail. La caméra prend soin de se caler sur son rythme et sa démarche un peu fébrile. Les nombreux travellings qui l’accompagnent peuvent toutefois manquer de passer devant certains échanges, en hors-champ, comme pour accentuer le phénomène de déphasage entre l’espoir qu’entretiennent les salariés et la réalité que proclame le patron des lieux (Farrokh Nemati).

Toute l’intrigue réside dans le désir de rattraper une chose qui manque cruellement à sa vie. L’argent en fait évidemment partie, bien que nous en voyions rarement la couleur. On circule ainsi, tels des fantômes dans un lieu où les derniers survivants de ce mode de vie s’apprêtent à prendre le large pour de bon. La crise financière brise ainsi des relations et limite les options des plus démunis. Il n’y a pas de place pour un peu d’amour dans ce milieu qui n’a pas de couleur et qui appartient déjà au passé. Il est possible d’y voir de la vie comme de la mort dans une même séquence. Ainsi, Bahrami tire le meilleur parti du décor naturel dont il dispose et braque la plupart du temps son regard sur des espaces vides à en donner le vertige. Le choix du noir et blanc n’est donc pas anodin, de même que le format serré du 4/3, qui écrase les personnages ou bien les isole dans leurs fantasmes.

Le déclin d’une nation

Dans un premier temps, le cinéaste iranien vient confronter plusieurs points de vue, en amont d’une annonce assassine. A la manière de Rashōmon d’Akira Kurosawa, on nous invite à mesurer les enjeux de différentes familles, qui attendent leur paie en échange d’une promesse douteuse de la part du patron. C’est en compilant ces vérités que l’on saisit l’impasse vers laquelle chaque protagoniste est amené à rencontrer. Lotfolah, qui est né et a vécu pour l’argile, ne saurait comment encaisser la fermeture de l’usine. La seule maison qu’il a connue voit peu à peu ses locataires déserter la zone ride et poussiéreuse. Conditionné à gérer les conflits internes et à seconder le boss, il voit sa loyauté se retourner contre lui. Et les trahisons ne font que s’enchaîner, à l’image des sentiments non réciproques qu’il éprouve pour Sarvar (Mahdieh Nassaj), une femme qui a déjà capitulé sur son sort, comme bien d’autres.

Que reste-t-il donc dans ce no man’s land où la vie semble aussi immobile que les dernières briques confectionnées et qui retourneront bientôt à la terre ? Que dire du patriarcat passif et ambiant, du patronat mis en échec et de tous les marginaux qui attendent qu’on les recouvre d’un drap blanc ? The Wasteland prend le pouls d’une société iranienne malade, où les inégalités sont bien trop nombreuses pour qu’une cohabitation se passe sans encombre. Une œuvre bouleversante qui ne craint pas les plans-séquences tétanisants et qui nous ramène à notre existence éphémère.

Bande-annonce : The Wasteland

https://vimeo.com/855374219

Fiche technique : The Wasteland

Titre original : Dashte Khamoush
Réalisation & Scénario : Ahmad Bahrami
Photographie : Masoud Amini Tirani
Montage : Sara Yavari
Son : Mohammad Shahverdi
Mixeur : Hassan Mahdavi
Costumes : Javid Javidnia
Musique : Foad Ghahramani
Production : Saeed Bashiri
Pays de production : Iran
Distribution France : Bodega Films
Durée : 1h42
Genre : Drame
Date de sortie : 6 septembre 2023

Savoir se retenir et savoir se contenir sont les vertus que prône La Beauté du geste de Shô Miyake. Sourde ne veut pas dire vulnérable et Keiko le fera entendre à tous ceux qui tenteront de la rabaisser ou de l’agresser. Si la langue des signes nous permet de nous connecter à elle, c’est avec les poings levés et la boxe que cette combattante trouve un sens à sa vie de solitude. Un récit d’apprentissage qui frappe droit au cœur !

Synopsis : Keiko vit dans les faubourgs de Tokyo où elle s’entraîne avec acharnement à la boxe. Sourde, c’est avec son corps qu’elle s’exprime. Mais au moment où sa carrière prend son envol, elle décide de tout arrêter…

Encaisser les coups

En 1976, la boxe et le cinéma ont célébré leur union, de même que le public et la critique ont célébré la vaillance de Rocky Balboa. Si ce film porte un regard saignant sur l’Amérique des années 70, il n’en reste pas moins optimiste et c’est ce qui rend tous les films de boxe profondément attachants. Le dernier long-métrage de Shô Miyake ne déroge pas à la règle et vient ajouter quelques exceptions pour encore sortir du lot. Au lieu de l’habituel corps massif d’un homme, à moitié brisé, c’est celui d’une femme qui nous apparaît. Nettement moins bavard que l’athlète affamé de Million Dollar Baby de Clint Eastwood, le cinéaste et son co-scénariste, Masaaki Sakai, se sont penchés sur le portrait de Keiko Ogasawara, qui fait ses débuts de carrière sur le ring. Adaptée de l’autobiographie d’une boxeuse sourde, cette pépite en 16mm venue d’Asie s’est fait une belle place à la Berlinale 2022, avant de compléter la dernière saison Hanabi.

Le quotidien n’est pas tendre avec Keiko (Yukino Kishii), qui doit vivre avec la surdité et une épidémie du Covid-19 qui ne vient pas tout arranger. De nouvelles barrières s’ajoutent à son handicap, comme le port du masque chirurgical et la distanciation physique. Il n’est pas étonnant de la voir s’épanouir autour d’un sport de contact, celui qui rend les coups, telle une revanche sur la vie. Le ring devient alors le temple d’un exutoire assumé, qui compense l’hostilité de la société. Mais que pourrait-elle devenir alors que ce club s’apprête à mettre la clé sous la porte ? Que devient cette famille qu’elle s’est construite autour de son entraîneur (Tomokazu Miura) ? Les incertitudes s’empilent dans son esprit, mais rien ne vaut ce défouloir contrôlé, pas même la bienveillance qu’elle porte à son frère guitariste, et encore moins à son job d’agent d’entretien dans un hôtel de luxe.

Plus qu’une passion, un remède

Son engagement est à la hauteur de sa rigueur. Keiko notifie ses ressentis dans son journal d’entraînements. Il est d’ailleurs possible de relever : « J’ai du mal à récupérer. Je n’utilise pas bien mon corps. Mais j’ai peur de me reposer. » L’exercice peut paraître cyclique, mais cette dernière reste tournée vers le geste parfait qu’elle cherche à atteindre. La caméra de Shô Miyake se fait ainsi discrète, en plan fixe, afin que les mouvements nous paraissent de plus en plus amples et les impacts de plus en plus percutants. A travers ces petits gestes, répétés avec application, nous sommes capables de sonder la frustration du personnage, de même que sa volonté. Et c’est dans la vulnérabilité de Keiko que découle sa force et toute la sensibilité de son parcours.

Toute la magie de la boxe s’éveille dans ce film, particulièrement solaire et chaleureux, à en faire oublier les contraintes sociales d’une crise sanitaire. Tout le monde serre le poing pour une raison dans La Beauté du geste. L’héroïne choisit de le faire pour élever sa voix et pour trouver plus de sens à sa vie. Si l’œuvre biographique est moins extravagante que la majorité des champions américains (Raging Bull, The Fighter ou encore Ali), ce film avance un pas après l’autre, à l’image du père et mari endeuillé dans La Rage au Ventre. De cette manière, l’héroïne parvient à trouver l’équilibre pour ne plus retourner au tapis et gagner son indépendance vis-à-vis de son club de boxe et de ses différents coachs. La trajectoire de cette jeune femme nous rappelle ainsi que son combat n’est jamais limité par le son de la cloche et qu’il existe toujours un coup supplémentaire à renvoyer.

Bande-annonce : La Beauté du geste

https://vimeo.com/825917939

Fiche technique : La Beauté du geste

Titre original : Keiko, me wo sumasete
Réalisation : Shô Miyake
Scénario : Shô Miyake, Masaaki Sakai
Image : Yuta Tsukinaga
Lumière : Isamu Fujii
Son : Takamitsu Kawai
Directeur artistique : Daichi Watanabe
Montage : Keiko Okawa
Décors : Shimpei Inoue
Costumes : Nami Shinozuka
Maquillage & Coiffure : Shihomi Mochizuki, Naomi Toyama
Musique : Haowei Guo
Production : Nagoya Broadcasting Network, Comme des Cinémas
Pays de production : Japon, France
Distribution France : Art House Films
Durée : 1h39
Genre : Drame
Date de sortie : 30 août 2023

À l’approche de l’automne, Les Feuilles mortes, du finlandais Aki Kaurismäki, viennent déposer sur nos écrans une délicate pellicule d’amour et de poésie, sur fond de drame social. Kaurismäki oblige…

En 1990, on découvrait avec enthousiasme un Aki Kaurismäki (4 avril 1957, Finlande – ) totalement déjanté, imprévisible et hyper créatif, grâce à son survitaminé Leningrad Cowboys go America. Un tournant plus sombre s’amorçait mais la même énergie, quoique paradoxale, la même folie, se retrouvaient dans le magnifique J’ai engagé un tueur (1991), avec l’un des plus beaux rôles offerts à Léaud depuis Truffaut. La veine sociale y pointait déjà, occupant davantage le devant de la scène dans la réalisation précédente, La Fille aux allumettes (1990), et ne devant plus le quitter dans les suivantes, et cela dès La Vie de Bohème (1992).

Aussi se retrouve-t-on en pays connu, devant Les Feuilles mortes qui, comme le veulent les saisons, commenceront à se déposer sur les grands écrans français le 20 septembre 2023. Mais il semblerait que, le cap des soixante-cinq ans étant franchi, le maître finlandais ait souhaité, en esthète passionné, multiplier les hommages, dans cette dix-septième réalisation : deux humbles seront bien évidemment ses vedettes, des obscurs recevant de plein fouet la précarité sociale et la tyrannie des patrons. Ansa (Alma Pöysti) croise par hasard le chemin de Holappa (Jussi Vatanen) dans la nuit d’Helsinki, la nuit des pauvres, celle des karaokés et des bars miteux. Ils se plairont, se parleront, se perdront, se chercheront, se retrouveront, se reperdront, se reretrouveront… Les lieux sont ceux que Kaurismäki semble avoir définitivement adoptés : lieux du quotidien, supermarchés, usines, cabanes de chantier, habitats misérables… Même la mer n’est vue que depuis les quais des docks… L’image de Timo Salminen recueille excellemment cette noirceur, d’autant plus qu’elle est volontiers nocturne, tout juste traversée par l’éclat de quelques couleurs vives tout droit venues des années ‘60. Et l’attention accordée aux sons par Pietu Korhonen permet de rendre sensible cet univers où le mécanique semble l’emporter sur l’humain. L’un des héritages de Charlot, assurément.

Mais ce primat de la machine sur l’homme n’est pas le seul des tributs versés à l’univers de Charlie Chaplin : s’y ajoutent une forme d’humour, à la fois tendre et en réalité assez désespéré, et une certaine raideur dans le jeu des personnages, même si celle-ci, tout comme l’économie de mots, n’est pas sans évoquer la planète guère moins déjantée du cher duo belge formé par Fiona Gordon et Dominique Abel. Car outre la référence à son propre univers et à ses propres marottes, le réalisateur, scénariste et co-producteur a jonché ce long-métrage de renvois à ses prédécesseurs du cinéma mondial, par le biais d’extraits et d’affiches tapissant les murs, aussi bien privés que publics.

Pensées pour ses pairs qui ne le détournent toutefois pas totalement de lui-même, puisque l’hommage aux grands réalisateurs, aux grands films et aux grands acteurs inclut les siens propres. On croit souvent reconnaître, dans le public assez âgé qui hante les établissements fréquentés par les héros, les visages hautement singuliers des Leningrad Cowboys, et le générique de fin identifie avec certitude au moins l’un d’eux, Sakari Kuosmanen. Certaines tenues vestimentaires masculines effectuent leur retour de film en film, notamment la veste en cuir noir trop large de quelques tailles. Enfin, aussi représentées et aussi éclectiques que les films salués, les musiques, généralement intégrées à l’action, par le truchement d’un poste allumé, d’un karaoké, d’un concert… Depuis Ständchen, de Schubert, rarement utilisé de façon aussi émouvante, jusqu’à des romances radiodiffusées, en passant par des concerts rocks ou des créations islandaises underground et hautement déprimées, mais magnifiques, chantées par une chanteuse en robe de chambre…

Une grande poésie, une grande douceur, se dégagent de l’ensemble, par delà le prosaïsme des lieux, un peu à la manière du très beau film allemand, Une Valse dans les allées (2018), de Thomas Stauber. Une fois de plus, une seule richesse semble permise aux humbles, celle d’un lien créé, comme si Kaurismäki, de film en film, du moins dans sa veine actuelle, n’en finissait pas d’illustrer le refrain de Brel : « Quand on n’a que l’amour à s’offrir en partage…

Synopsis du film : Deux personnes solitaires se rencontrent par hasard une nuit à Helsinki et chacun tente de trouver en l’autre son premier, unique et dernier amour. Mais la vie a tendance à mettre des obstacles sur la route de ceux qui cherchent le bonheur.

Bande-annonce : Les Feuilles mortes

Fiche Technique : Les Feuilles mortes

Titre original Kuolleet lehdet
De Aki Kaurismäki
Par Aki Kaurismäki
Avec Alma Pöysti, Jussi Vatanen, Janne Hyytiäinen
20 septembre 2023 en salle / 1h 21min / Drame, Comédie, Romance
Distributeur : Diaphana Distribution