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Avec son univers étendu, Dune s’impose comme une œuvre majeure de la science-fiction. Créé par Frank Herbert et adapté au cinéma par David Lynch puis Denis Villeneuve, Dune nous transporte sur la planète désertique d’Arrakis, théâtre d’un conflit interstellaire pour le contrôle de l’épice, considérée comme la ressource la plus précieuse de l’univers. Cette histoire est désormais portée en bande dessinée, par Lilah Sturges et Drew Johnson.

Au cœur de Dune réside une bataille impitoyable pour le pouvoir et le contrôle d’Arrakis. La nomination du Duc Leto Atréides comme gouverneur de cette planète n’est pas un honneur mais un piège tendu par l’Empereur Shaddam IV, dans le but d’éliminer une maison noble devenue trop influente. Les Atréides se retrouvent face aux Harkonnen, rivaux dont la cruauté n’a d’égale que la soif de pouvoir. Cette lutte militaire se double d’un conflit politique, impliquant des alliances fragiles, notamment avec les Fremen, peuple autochtone d’Arrakis. La complexité des jeux de pouvoir dans Dune reflète les dynamiques qui entourent les ressources naturelles dans notre propre monde.

Religion, prophétie et identité

Paul, jeune héritier de la maison Atréides, se retrouve au centre d’une prophétie Fremen qui le désigne comme le leader messianique destiné à libérer Arrakis. Son évolution de noble à figure prophétique soulève des questions sur la nature de la foi, le rôle des mythes et des croyances dans la formation des sociétés, même si ces problématiques ne sont finalement qu’esquissées dans ce premier volume. Cette dimension religieuse s’ajoute, dans Dune, à un propos plus large sur la dualité entre destinée et libre arbitre, dans le sillage d’un jeune protagoniste de grande intégrité, dont les pouvoirs s’éveillent peu à peu…

Planète opéra

Une nouvelle fois, Arrakis constitue un personnage à part entière. Cette planète désertique, nantie de tempêtes de sable mortelles et d’une faune unique, notamment les gigantesques vers des sables, est le seul lieu de production de l’épice, élément pourtant indispensable aux voyages interstellaires. Les Fremen, autochtones, ont développé un mode de vie en symbiose avec ce monde hostile. Cela implique par exemple une marche des sables pour éviter de réveiller les monstres endormis tapis sous terre, mais aussi une consommation excessive de l’épice, à des fins hallucinogènes. Dune peut se gargariser d’être un modèle dans l’exploration des thèmes écologiques dans la littérature de science-fiction ; son récit, cette fois porté par Lilah Sturges et Drew Johnson, aborde les conséquences de l’exploitation des ressources et la nécessité d’une coexistence respectueuse avec l’environnement.

Dune s’articule autour de deux arguments de poids : Paul et Arrakis, tous deux porteurs de conflictualité et d’une mythologie forte. Derrière le paravent science-fictionnel, c’est évidemment nos instincts de prédation qui se dessinent : nos luttes pour les ressources, notre rapport à l’environnement et la manière dont nous forgeons notre destin collectif. L’univers de Dune se pose ainsi en miroir amplifié de nos propres complexités, et cela se ressent très bien dans l’adaptation proposée par Lilah Sturges et Drew Johnson, réussie en dépit d’un relatif académisme.

Dune, Frank Herbert, Lilah Sturges et Drew Johnson
Delcourt, février 2024, 136 pages

Les modes de rencontres amoureuses se métamorphosent sous l’impulsion des avancées technologiques. Dans Love, etc., Clothilde Delacroix dresse un portrait vivant et amusé de ces rendez-vous 2.0. Entre espoirs déçus et promesses d’avenir, son récit, découpé en bulles narratives autonomes, résonne comme l’écho d’un monde où l’amour se conjugue désormais avec applications et interactions virtuelles.

Love, etc., c’est avant tout l’expérience d’une mère célibataire quadragénaire décidant de se réinsérer dans le jeu de la séduction après une longue pause. Pour elle, cela se révèle être un véritable voyage initiatique. Elle ne maîtrise pas les codes de ces nouveaux outils que ses connaissances semblent manier avec une aisance qui lui est déconcertante. Ce qu’elle découvre peu à peu, ce sont les dessous de ces supermarchés (numériques) du désir, qui ont modifié en profondeur les dynamiques relationnelles.

Première joyeuseté : la prise en main. L’inscription sur ces plateformes, loin d’être une démarche anodine pour elle, constitue au contraire un processus fastidieux, impliquant la création d’un profil attractif et la sélection des photos les plus avenantes. Alors, notre quadra peu à l’aise avec son physique prend le temps de bien faire les choses, en se posant mille questions. Mais malgré tous les efforts déployés, les rencontres qui en découlent s’avèrent souvent décevantes. Les pseudonymes pathétiques, voire triviaux, et les photos de profil artificielles, ne laissaient, il faut bien le dire, rien présager de bon.

Comment donc trouver l’amour dans ce dédale d’interactions numériques et de rencontres éphémères ? C’est là que réside le défi majeur pour cette mère de famille pleine d’espoir mais aussi de doutes. Comment se comporter pour maximiser ses chances dans ce nouveau jeu de séduction ? L’humour, l’absurde, mais aussi la justesse, deviennent des alliés précieux pour Clothilde Delacroix dans cette quête où les codes semblent avoir été réécrits à la hâte sans manuel d’instruction. Un décrochage attentionnel de plusieurs années est presque synonyme de fossilisation numérique.

Dans ce ballet amoureux ô combien moderne, chacun revêt un masque social, surtout lors du premier rendez-vous, lissant les aspérités de sa personnalité pour paraître consensuel et facile à vivre. Mais cette façade, comme l’énonce très bien notre protagoniste, peut mener à une confusion des espoirs et des sentiments, où personne ne sait réellement sur quel pied danser. Décrypter les signes d’intérêt, éviter les maladresses dans les communications numériques, gérer les attentes et les déceptions deviennent des compétences essentielles dans ce grand jeu de séduction (et de dupes ?).

Certaines planches de Love, etc., sous leurs dehors humoristiques, illustrent de manière édifiante comment cette quête désespérée d’amour peut engloutir l’individu, le plongeant dans un abîme de solitude et de doutes. L’absence de tendresse et le flou des attentes peuvent laisser des cicatrices invisibles, altérant la confiance en soi et la capacité à s’ouvrir à l’autre. Clothilde Delacroix ne s’y trompe pas quand elle représente les états d’âme de son personnage, un peu égarée sur le chemin de l’intégrité émotionnelle.

Love, etc. offre un regard ironique mais perspicace sur la recherche d’amour à l’ère numérique. À travers les tribulations d’une quadra célibataire, l’autrice parvient à capturer avec finesse les dilemmes, les rires et les déceptions qui jalonnent ce parcours semé d’embûches. 

Love, etc., Clothilde Delacroix 
Delcourt, collection Pataquès, février 2024

L’intégrale de Congo Blanc, d’Éric Warnauts et Guy Raives, rassemble aux éditions Daniel Maghen trois récits emblématiques plongeant le lecteur dans les méandres du Congo belge, à différentes époques. Chef-d’œuvre à la fois esthétique et narratif, l’album offre une restauration d’exception avec des couleurs originales revitalisées, un nouveau lettrage et un cahier graphique inédit. À travers ses pages, l’ouvrage revisite l’histoire coloniale, mettant en lumière les complexités et les contradictions de cette période tumultueuse.

« Congo 40 », « Fleurs d’Ébène » et « Congo Blanc » composent cette trilogie graphique qui, sous les dehors de la fiction, invite le lecteur à problématiser le colonialisme belge. Chaque histoire, distincte dans son cadre et ses personnages, dépeint avec précision et justesse les réalités d’une époque marquée par l’exploitation, les conflits et des relations interpersonnelles complexes.

« Congo 40 » entame cette odyssée avec une immersion qui rappelle en premier lieu Au cœur des ténèbres, de Joseph Conrad – et cette fameuse descente du fleuve vers les comptoirs occidentaux. La narration transporte le lecteur des Alpes françaises aux brumes énigmatiques du Congo, tissant des liens entre les rencontres faites en Europe et celles qui ont lieu dans l’Afrique colonisée. Vincent, le protagoniste, est déchiré entre plusieurs femmes, il découvre la réalité la plus brutale de la colonisation et fait face aux accès de colère qu’elle provoque.

Ce premier (et principal) récit est intéressant à plus d’un titre. On retrouve par exemple cette description désabusée des médias des années 1930 : « La presse se trouve entre les mains de gens intéressés qui, suivant leurs intérêts politiques, religieux, économiques, éclairent certains événements en en obscurcissant d’autres… » L’histoire est peuplée de personnages hauts en couleur, dont ce Massillon peu scrupuleux, caricature du colon hautain et prédateur, ou Laurence, la jeune femme qui fait basculer le récit, au cœur d’un mystère relativement confus (le rêve et la réalité semblent se réinjecter sans cesse l’un dans l’autre) mais édifiant quant aux travers de l’aventure coloniale.

La deuxième histoire, Fleurs d’Ébène, mêle suspense et critique sociale à travers une enquête policière qui dévoile l’hypocrisie de la mission civilisatrice des Blancs en Afrique. La complexité des relations interraciales, les enjeux de pouvoir et les préjugés sont exposés avec un réalisme saisissant, questionnant la légitimité et les conséquences du colonialisme. Éric Warnauts et Guy Raives y restituent parfaitement cet exotisme enivrant, ces tentations inconnues, qui exercent une fascination puissante sur celles et surtout ceux qui sont en poste au Congo. 

Congo Blanc clôt cette trilogie en abordant la période charnière de l’indépendance en 1960. Ce récit explore les tensions personnelles et politiques à travers le prisme d’un couple déchiré, symbolisant les conflits intérieurs et les dilemmes face au changement imposé par un retour au pays. La transition politique se caractérise comme un moment de remise en question identitaire profonde pour les personnages, ici le mari, pour qui l’Europe serait synonyme de nombreux renoncements – et de la fin d’un certain idéal. Peut-on hypothéquer sa famille pour l’ivresse de l’Afrique ?

De bout en bout, Congo Blanc arbore une qualité visuelle assez exceptionnelle. Les illustrations à l’aquarelle captivent par leur capacité à évoquer l’exotisme du Congo, à restituer avec authenticité et sensibilité la richesse de ses paysages et la complexité de ses enjeux. L’album n’est rien de moins qu’une exploration riche et nuancée des réalités coloniales, somptueuse sur le plan graphique et d’une grande densité sur le plan thématique, surtout en ce qu’elle révèle des hommes et de leurs appétits. 

Congo blanc, Éric Warnauts et Guy Raives
Daniel Maghen, février 2024, 192 pages

Le roman visuel expérimental de Martin Vaughn-James est réédité aux éditions Les Impressions nouvelles.

Presque cinq décennies après sa création, La Cage, roman visuel de Martin Vaughn-James, continue de captiver et d’interpeller ses lecteurs. Inclassable, à la croisée des chemins, il est aujourd’hui réédité par les Impressions nouvelles.

Dépourvu de personnages et de narration linéaire, La Cage se distingue par son approche expérimentale et son dessin graphique particulier. Véritable labyrinthe visuel et textuel, l’ouvrage défie les conventions et invite à une exploration mystérieuse, presque inaccessible, sans repères spatiaux ou chronologiques. Chaque élément, des chambres aux pyramides, en passant par les stations électriques ou les rues désertes, contribue à une atmosphère fascinante et insondable.

L’absence de personnages et de récit traditionnel n’est pas une limite mais plutôt un tremplin pour Martin Vaughn-James, qui ne se fait pas prier pour développer une narration innovante, qui fera date et inspirera des générations entières d’auteurs. Le lecteur, seul protagoniste de ce voyage, est invité à interagir avec l’œuvre, à chercher des liens, à décrypter des signes, dans un monde où le temps et la matière obéissent à leurs règles propres. La subjectivité est au cœur de l’expérience, qui paradoxalement mime l’objectivité photographique, tandis que le texte, parfois incantatoire, joue un rôle de contrepoint aux images, en s’inscrivant tantôt en appoint tantôt en rupture avec ces dernières.

Thierry Groensteen, dans sa longue « autopsie » du livre, met en lumière l’expérimentation audacieuse et la richesse interprétative de La Cage, soulignant son caractère abscons et la multiplicité des lectures qu’il permet. L’œuvre, bien qu’atypique et parfois irritante par la confusion qu’elle peut générer, s’offre comme un objet littéraire non identifié, ouvert à tous les points de vue (il en est beaucoup question), et s’affranchissant de toute catégorisation convenue.

Avec son influence notable sur la bande dessinée moderne, La Cage demeure un testament de la vision de Martin Vaughn-James, un artiste qui a repoussé les limites de son médium pour créer un univers unique, presque abstrait, en perpétuelle mutation. Cette réédition est une invitation à redécouvrir une œuvre fascinante, qui continue de surprendre et enchanter, offrant à chaque lecteur une expérience de lecture rare et mémorable.

La Cage, Martin Vaughn-James
Les Impressions nouvelles, février 2024, 240 pages

Le sous-titre indique qu’il s’agit d’un « nordic noir » de Linhart. Effectivement, en suédois Röd y Snön signifie littéralement « Rouge et neige » ou plus exactement « Rouge sur la neige » ce qui correspond parfaitement. Quant à l’auteur, malgré son nom, il est… Espagnol !

L’objet lui-même, la BD se présente sous un format à l’italienne assez inhabituel qui contribue (avec l’illustration de couverture) à retenir l’attention. Pris en main, il procure immédiatement des sensations agréables, avec sa couverture souple qui permet d’ouvrir ce volume relativement épais (242 pages non numérotées) sans l’abimer. De plus, en le feuilletant, on sent d’emblée une ambiance particulière avec des éléments inhabituels et un style qui donnent envie de se plonger dans la lecture. Ainsi, les deux premières planches, sans dialogue, sont déjà très caractéristiques, avec deux dessins en format type cinémascope pour la première et deux bandes et six dessins en tout et pour tout pour la suivante, avec des personnages qui s’observent. La première planche nous met face à un bâtiment (en vue large, légèrement en hauteur) dont l’observation attentive nous apprend qu’il s’agit d’un petit aéroport, avec sa tour de contrôle minimale et une queue d’avion qui dépasse sur sa gauche. Le titre du chapitre 1 indique le lieu : Karlsbacka (Suède), visiblement un patelin paumé. Y débarque un homme au crâne dégarni et à la barbe blanche. Il est détaillé par un petit personnage grimaçant : bonnet, yeux ronds et cigarette au bec. Un gamin qui l’attend à-côté d’une camionnette. Le détail qui donne immédiatement à réfléchir, c’est que sur l’illustration de couverture, le chauve qui atterrit à Karlsbacka est assis sur un canapé avec son double. L’indication « nordic noir » incite à se demander s’il ne s’agirait pas d’une référence à Tintin avec les Dupondt.

Une étrange affaire

Le chauve s’appelle Arne Gunnarsson. Il est inspecteur d’assurances et vient de Stockholm pour une affaire liée à un certain Jakob. Après une nuit perturbée, Arne se présente au poste de police du coin. Il y rencontre l’adjudante Anya Lundberg qui tient le poste à elle seule et qui lui explique l’affaire, du moins les éléments dont elle dispose. En mars, Jakob Olsson est venu la voir pour lui remettre une note qui mentionnait que lui, Jakob Olsson avait une communication importante à faire à l’ensemble des habitants de Karlsbacka. Dans sa note, il indiquait une date et un lieu. Il était vital que tout le monde assiste à cette réunion où il s’expliquerait. Or, le jour dit et à l’heure dite, si tout le monde était bien présent, Jakob Olsson s’est fait attendre et n’est jamais venu. Après quelques recherches, on l’a retrouvé mort dans un coin perdu de la forêt, la figure écrabouillée par des coups portés à l’aide d’une grosse pierre, le corps amputé des deux mains, celles-ci introuvables depuis. Au village, tout le monde pense connaître le coupable : Hölger, le voisin irascible de Jakob, parti le premier de la réunion avortée. Il faut dire qu’Hölger est un cas, avec ses tendances violentes, son caractère de cochon (d’ailleurs, il en élève) et sa façon d’interdire à sa fille Elsa de sortir de leur maison (raison pour laquelle, probablement, il part le premier en la faisant monter dans leur camionnette sans ménagement). Pourtant, Elsa avait un petit ami plutôt bien reçu chez les Hölger, mais ça c’était avant la disparition de la mère d’Elsa. Cette femme ne s’entendait pas du tout avec son mari et quand elle a disparu, tout le monde a considéré qu’elle était partie refaire sa vie loin de lui. De toute façon, plus personne n’a jamais eu de ses nouvelles depuis.

Un enquêteur particulier

L’enquête d’Arne l’amène à aller voir successivement tous les habitants de Karlsbacka. C’est l’occasion de se faire une idée des mentalités, relations diverses, faits marquants, etc. C’est aussi l’occasion de découvrir de nombreuses bizarreries, chez la plupart des locaux, mais également chez Arne. On découvre ainsi qu’il a des tendances violentes qui se manifestent par des sortes de bouffées au cours desquelles il se voit réagir à certaines situations comme il le voudrait vraiment s’il en avait le courage. Mais cela reste régulièrement au stade du fantasme. Tout cela date apparemment de son enfance où il fut un élève solitaire et malmené par les autres à l’école. Jusqu’au jour où il s’est trouvé un ami, le genre si discret que lui seul en profite, même si cela ne va pas sans quelques moments de tension. Bref, si les habitants du coin sont un peu givrés, Arne n’est pas en reste. Il a également des flash où il voit des animaux à la place de personnes. C’est ainsi qu’il observe un renard qu’Anya la policière voit régulièrement, pour une relation semble-t-il aussi affective que s’il s’agissait d’un membre de sa famille proche.

Qu’en penser ?

En ce qui concerne l’enquête, le premier chapitre qui occupe plus de la moitié de l’album se clôt sur une décision amère, inévitable au vu des circonstances. Mais, de retour à Stockholm, Arne poursuit sa réflexion, car la conclusion ne le satisfait pas. Tant mieux, nous aurons quelques surprises. En tant qu’habitué des histoires policières, je considère que quelques indices peuvent mettre sur la bonne voie. Mais, on est trop pris à la lecture pour prendre le recul nécessaire. C’est dire l’efficacité du scénario. Il faut dire qu’on a affaire à un auteur chevronné qui, sans trop chercher à nous égarer sur des fausses pistes, enchaine suffisamment de révélations toutes plus inattendues les unes que les autres, qu’on a tendance à lire en suivant la réflexion d’Arne plutôt qu’en cherchant à réfléchir avant lui. En ce qui concerne le dessin, il tend vers le minimalisme, aussi bien pour les décors que pour les personnages. Mais en y regardant de près, tout cela colle avec le propos et l’ambiance, car Linhart joue également sur les couleurs (irruption du rouge dans les situations de tension et pour toutes les situations bizarres), alors que sinon dominent des nuances entre le blanc de la neige et le gris du ciel. Les cadrages, les attitudes et expressions suffisent largement pour un rendu qui fonctionne (excellente lisibilité graphique). N’oublions pas cette intrusion du fantastique qui passe sans doute mieux avec un dessin qui contribue à l’ambiance bizarre qui s’instaure du fait des lubies des personnages et du caractère étrange des situations. Linhart se donne également le temps pour instaurer son ambiance avec des moments qui ne sont pas en lien direct avec l’intrigue. Ainsi, les flashbacks sur le passé d’Arne nous sortent de l’atmosphère bizarre de Karlsbacka pour nous immerger dans le malaise profond des origines de sa personnalité. Quoi qu’il en soit, ce que nous montre Linhart de la Suède profonde amuse et intrigue. Et l’enquête se révèle évidemment plus complexe que ce qu’on imagine en l’abordant.

Röd y Snön, Francisco Torres Linhart (traduction de Léa Jaillard)
Bang ediciones. Sorti le 17 janvier 2024 (France)

Dans un ouvrage graphique leur étant entièrement dédié, et publié par La Boîte à bulles, le groupe The Velvet Underground est dépeint, de sa genèse jusqu’à ses cassures, par Koren Shadmi. Groupe parmi les plus influents de l’histoire du rock, la bande de Lou Reed et John Cale a eu des origines complexes et des dynamiques internes conflictuelles.

L’ouvrage s’ouvre sur une scène qui aurait dû être poignante : les funérailles d’Andy Warhol. Mais Koren Shadmi en profite pour énoncer l’ironie de la situation : le père du pop-art, figure paternelle équivoque pour Lou Reed, aurait probablement apprécié le cirque médiatique qui entoure l’événement, avec ces micros tendus et ces caméras indiscrètes.

Si l’on débute par le chant du cygne warholien, c’est en raison de l’importance déterminante que l’homme a eu sur la formation et l’évolution du groupe qui nous intéresse. Sans Andy Warhol, The Velvet Underground n’aurait jamais existé, Lou Reed et John Cale n’auraient jamais foulé le sol du Factory et la chanteuse Nico n’aurait pas eu affaire aux deux hommes…

Les origines de la révolte

L’album revient amplement sur les jeunes années de Lou Reed et John Cale, marquées par le rejet, la rébellion et une quête effrénée de liberté. Lou Reed, homosexuel et drogué, ivre de rock et d’affranchissement, a été victime de traitements inhumains (électrochocs) sous prétexte de normalisation, avec l’assentiment de ses parents. John Cale, abusé par l’organiste de sa paroisse et incompris au sein de sa propre famille, s’est lancé dans une odyssée personnelle, où la musique est devenue le véhicule de sa révolte intérieure. Koren Shadmi explore avec sensibilité et sans ambages ces trajectoires douloureuses, mettant en lumière les cicatrices précoces qui nourriront leur art.

La formation du Velvet Underground

L’ascension du Velvet Underground, de ses premières expérimentations sous le nom de The Primitives à sa consécration dans la Factory d’Andy Warhol, est narrée avec une acuité qui souligne l’interdépendance entre innovation musicale et désintégration relationnelle. Repérés et réunis par le producteur Terry Phillips, Lou Reed et John Cale échouent à percer, puis forment un nouveau groupe avec Nico, sous l’égide amicale et souvent paternaliste d’Andy Warhol.

Partant, les conflits internes, nombreux, vont à la fois miner le groupe et alimenter sa créativité. La musique du Velvet Underground forme un cri contre les conventions et une exploration des limites de l’expression artistique. Mais plusieurs écueils se mettent sur la route du groupe : problèmes de management, de contrat, refus des radios locales de jouer leur musique, échec commercial de leur premier disque…

De l’humain par-delà la musique

Là où Koren Shadmi se montre particulièrement convaincant, c’est dans l’énonciation des rapports humains. Lou Reed est à la recherche d’un père de substitution mais, révolté dans l’âme, il froisse à plusieurs reprises Andy Warhol, en plus de se compromettre en raison de la consommation de drogues ou de crises d’ego et de jalousie.

Les interactions au sein de la Factory sont traitées avec une attention particulière pour leur impact sur la dynamique du groupe. Chaque personnage lutte pour sa place dans un microcosme régi par l’ambition artistique et les jeux de pouvoir. La relation complexe entre Lou Reed et Andy Warhol, la relation de ce dernier avec les femmes qui l’entourent, l’oscillation permanente entre admiration et antagonisme, constituent autant de fils rouges qui traversent l’ouvrage…

La trajectoire du Velvet Underground est marquée par des sommets de créativité et des abîmes de discordes, culminant avec le départ de John Cale, organisé par Lou Reed, et l’attaque contre Warhol. Koren Shadmi ne se contente pas de narrer ces événements ; il les contextualise dans une perpective plus vaste de l’évolution de la musique et de la culture de l’époque.

Passionnant

Finalement, que retenir de The Velvet Underground ? Ses pérégrinations autour de la création artistique, son observation des liens complexes entre art et vie, un intérêt historique indiscutable… À travers un récit visuellement riche, Koren Shadmi nous invite à redécouvrir le Velvet Underground en tant qu’icône de la musique, réceptacle des humeurs humaines et miroir d’une époque révolue et pourtant étrangement proche de nous…

The Velvet Underground, Koren Shadmi
La Boîte à bulles, février 2024, 192 pages

Alicia Keys, Girl on fire prend pour cadre le Brooklyn contemporain. Inspiré par la chanson éponyme d’Alicia Keys et conçu par Andrew Weiner et Williams Brittney, ce roman graphique plonge le lecteur dans la vie tumultueuse de Loretta « Lolo » Wright, une adolescente de 14 ans confrontée aux dures réalités de l’existence : racisme, racket, rejet…

« Lolo » et son frère James sont dans la même classe malgré leur différence d’âge. Et pour cause : l’une est aussi studieuse que l’autre nonchalant. Ils sont élevés par leur grand-mère maternelle et leur père, qui dirige une société de déménagement. Leur mère les a quittés sans prévenir.

Un soir, alors qu’ils s’arrêtent dans une supérette, James est brutalement arrêté par des policiers. Cet événement va avoir deux répercussions profondes : il va troubler le jeune homme au point de le plonger dans un mutisme partiel durant les semaines qui suivent, mais il va surtout révéler les capacités télékinésiques extraordinaires de Loretta.

Des pouvoirs révélateurs et leurs conséquences

La découverte des pouvoirs de « Lolo » n’est pas seulement un moment de bascule pour elle, mais aussi un symbole puissant de résilience face à l’adversité. Alors que ces nouvelles capacités pourraient être une bénédiction, ils attirent l’attention de Skin, caïd local qui met Brooklyn en coupes réglées. Ce dernier approche Loretta, qui refuse de lui prêter main-forte. Il décide alors d’envoyer Michael, un adolescent orphelin avec qui « Lolo » partage une connexion étroite, à la rencontre du père Wright, pour obtenir de lui une prime garantissant sa protection…

Le but de la manoeuvre est évident : provoquer Loretta de manière à la persuader que la collaboration est la meilleure solution pour éviter tout problème à ses proches.

La famille et l’amitié, piliers de l’existence

Au cœur du récit, les thèmes de la famille et de l’amitié jouent en effet un rôle central. Malgré les épreuves, les liens indéfectibles qui unissent Lolo à son frère, son père, et ses amis, notamment sa meilleure amie Nia, sont une source constante de force. Le retour inattendu de sa mère, avec ses propres secrets et capacités, ajoute une couche supplémentaire de complexité à cette dynamique familiale, tout en offrant une chance de réconciliation et de compréhension.

Entretemps, le père aura cherché à protéger au mieux ses enfants, « Lolo » aura expérimenté racisme et mépris de classe, le monde adolescent aura été mis à nu à travers Samantha et Eric, et Michael, à qui l’on a refusé la possibilité de rejoindre l’équipe de football en raison de sa petite taille, aura dû choisir entre l’argent facile et l’intégrité.

Plus qu’une simple histoire de super-héros

Alicia Keys, Girl on fire surfe certes sur les récits de super-héros, mais c’est avant tout un prétexte pour explorer des thèmes plus profonds tels que l’identité raciale, le féminisme et la lutte contre les inégalités sociales et économiques. À travers l’expérience de « Lolo », le récit aborde des sujets d’actualité avec sensibilité, offrant une réflexion sur l’empouvoirment de l’individu face aux structures oppressives. Andrew Weiner et Williams Brittney restent toutefois à hauteur d’adolescent et leur histoire, bien rythmée, plutôt convaincante, n’a pas pour objectif de livrer une étude sociologique très originale. Il faut tenir compte de ces paramètres au moment d’explorer ce roman graphique.

Résilience, initiation, volonté de justice : Alicia Keys, Girl on fire n’épingle peut-être pas le super-pouvoir que l’on croit. Face aux épreuves, Loretta et ses proches parviennent à garder la tête haute et leurs principes intacts. Ils se serrent les coudes, refusent les chemins de traverse et sortent ainsi grandis des obstacles qui se dressent sur leur route.

Alicia Keys, Girl on fire, Andrew Weiner et Williams Brittney (d’après l’oeuvre d’Alicia Keys)
Glénat, février 2024, 224 pages