LeMagduCiné

Comment combler le vide laissé par l’absence, le deuil ou l’ennui ? C’est autour de cette question universelle que s’articule Le bonheur est une bête sauvage, deuxième long-métrage de Bertrand Guerry. Sur une île peu peuplée, les habitants cherchent, chacun à leur manière, à rompre avec la solitude et à se reconstruire. Entre la perte d’un proche, la quête de renouveau amoureux, ou encore le besoin de fuir une routine étouffante, le film embrasse un large éventail d’émotions humaines. Guerry les filme avec délicatesse, injectant à son récit une touche d’humour et de poésie.

Déjà explorée dans Mes Frères, l’île d’Yeu devient ici un personnage à part entière, à la fois refuge et prison. Bertrand Guerry retrouve les thèmes de la résilience et de la solidarité, mais s’appuie davantage sur le langage corporel et la mise en scène que sur les dialogues. Avec un humour aussi léger que la brise providentielle qui traverse ce nouveau film, cette île, battue par le vent et la mer, devient le théâtre silencieux d’une guérison collective.

Tristesse, ma liberté

La photographie de Florian Martin accentue cette ambiance flottante, entre réalisme et rêverie. L’utilisation des nuits américaines apporte une tonalité presque fantastique au récit. C’est dans cette lumière ambiguë que Jeanne (Sophie Davout), l’un des personnages centraux, évolue. Elle peine à faire le deuil de son mari disparu en mer, et semble vivre dans un entre-deux : elle nage, danse, erre, comme guidée par sa mélancolie et ses souvenirs en suspens.

Le film prend alors peu à peu des allures de film de fantômes. Jeanne est hantée, mais avec une forme de sérénité. Elle dissimule sa peine sous des gestes apaisés, presque joyeux. Le titre du film renvoie à une peau d’ours qu’elle conserve en souvenir de son mari – symbole d’un bonheur artificiel qu’elle se fabrique pour survivre. La lune, la mer et le vent deviennent les complices discrets de ces moments d’évasion intérieure.

Autour d’elle, d’autres personnages affrontent aussi leur propre solitude. Son neveu Tom (Sacha Guerry), 19 ans, aspire à une vie ailleurs. Marqué par la perte de sa mère, il s’invente des rôles, rejoue des scènes de films, se crée une fiction à lui. Ce besoin d’émancipation, qui contraste avec l’immobilisme de l’île, vient nourrir un conflit générationnel doux mais profond.

Partir sans rester

Le film adopte une narration chorale, ce qui permet d’élargir son propos sans s’éparpiller. Les habitants de l’île cherchent tous, à leur manière, à apprivoiser cette « bête sauvage » qu’est le vide intérieur. Viktor (Cédric Marchal) et Oskar (François Thollet), gérants du bar Le Bon Accueil, trouvent un exutoire dans leurs sessions de Blind Test, devenant crooners à leurs heures perdues. La bande-son acoustique, composée par Sébastien Blanchon et ses musiciens, accompagne avec finesse ces trajectoires individuelles, ajoutant une chaleur bienvenue à l’ensemble.

Par ailleurs, Guerry joue habilement avec les cadres et les hors-champs. Jeanne fuit souvent l’œil de la caméra, comme pour échapper à la réalité. Ce jeu symbolique culmine dans une scène où elle porte physiquement la frontière de sa ville, flirtant ainsi avec sa zone de confort. Mais si ce procédé est fort, il peut aussi créer une légère distance émotionnelle. Le film s’autorise aussi quelques touches d’absurde, proches du ton de Quentin Dupieux, mais sans jamais basculer complètement dans la comédie. Là où le film montre quelques faiblesses, c’est dans l’écriture de certaines intrigues secondaires. Inégales, parfois trop bavardes, elles peinent à toutes trouver leur juste place. Le jeu des acteurs non professionnels peut également manquer de naturel dans certaines scènes. Mais ces imperfections, loin de plomber le film, en soulignent paradoxalement la sincérité.

En somme, Le bonheur est une bête sauvage est un film sur la transformation douce des blessures en liberté. Ce n’est pas une œuvre spectaculaire, mais une chronique humaine, à hauteur d’homme, qui réconcilie avec l’idée que le collectif et la force de la jeunesse peuvent aider à guérir. Malgré ses fragilités, le film émeut par sa tendresse, son regard bienveillant et son invitation à réenchanter les vies ordinaires.

Le bonheur est une bête sauvage – bande-annonce

Le bonheur est une bête sauvage – fiche technique

Réalisation : Bertrand GUERRY
Scénario : Sophie DAVOUT
Interprètes : Sacha GUERRY, Sophie DAVOUT, Chris WALDER, Cédric MARCHAL, Myriam LENGAIGNE, François THOLLET, Marie WALDER, Colombe DE BAILLENCOURT, Thomas GUERRY
Directeur de la photographie : Florian MARTIN
Musique :  Sébastien BLANCHON
Monteur son – mixeur : Benoit RIOT LE JUNTER
Montage : Bertrand GUERRY
Chef Electricien : Mathis POIGNANT
Electricien : Joseph GUERRY
Perchman : Simon DUMETZ
Scripte : Absynthe PLUMAS
Directrice de production : Marion LAHEYNE
Régisseuse : Isaure PASQUIOU
Étalonneur : Florian MARTIN
Production : MITIKI Productions
Pays de production :  France
Distribution France : MIKITI
Durée : 1h35
Genre : Comédie, Drame
Date de sortie : 2 juillet 2025

Peut-on vivre éternellement au paradis ? C’est la question amère qui traverse Islands (Grand Prix à Reims Polar 2025), le nouveau film de Jan-Ole Gerster, comme un écho lancinant. Sous le soleil de Fuerteventura, Tom, entraîneur de tennis dans un hôtel de luxe, semble englué dans une routine hébétée : journées mécaniques sur le court, nuits d’ivresse et de solitude. Un quotidien de carte postale vidé de toute ambition, où les visages changent mais les gestes restent les mêmes. À la manière d’un rêve éveillé, le cinéaste allemand orchestre une mise en scène cérébrale, presque onirique, pour bousculer cet antihéros figé dans le temps.

Le synopsis ne trompe pas : lorsqu’une famille de vacanciers débarque, le fragile équilibre de Tom vacille. La complicité naissante avec Anne, son mari Dave, et leur fils Anton, agit comme un révélateur. Tom croit reconnaître Anne, comme si le passé cherchait à ressurgir sous cette lumière artificielle. Le malaise s’installe, et l’intrigue bascule lorsque Dave disparaît mystérieusement. Rapidement, Tom et Anne deviennent suspects. Mais plus qu’un simple polar, Islands est d’abord un voyage intérieur, un questionnement sur l’identité, le désir, et le renoncement.

L’enfer au paradis

Gerster poursuit ici sa réflexion entamée dans Oh Boy (2012), en scrutant la dérive existentielle d’une génération en suspens. Tom erre dans un lieu où le temps semble aboli, une station balnéaire transformée en purgatoire pour adultes fatigués. Derrière l’illusion du décor paradisiaque, la mise en scène saisit l’absurde de cette vie sans attache. Le moindre échange humain devient un effort, une brève accalmie dans une mer de superficialité. Même sa relation avec María, l’hôtesse d’accueil (interprétée par Bruna Cusí, aperçue dans Border Line), est marquée par une distance symbolique : un comptoir trop haut, des horaires jamais alignés, une intimité avortée.

Tout change avec l’arrivée d’Anne (Stacy Martin, envoûtante et ambiguë) et de sa famille. Gerster joue avec les codes du thriller hitchcockien, convoquant femme fatale, souvenirs troublants et disparition inexpliquée. Mais Islands se garde bien de s’y abandonner totalement. Le suspense reste diffus, presque secondaire. Ce qui compte, c’est le cheminement intérieur de Tom, incarné avec finesse par Sam Riley (Control, Sur la route, Radioactive, Orgueil et Préjugés et Zombies). Son jeu tout en retenue traduit à merveille ce lent retour à la vie – ou du moins à une forme de conscience. Peu à peu, il sort de sa torpeur, prend soin d’Anton, cherche une place dans ce microcosme éclaté. Peut-il devenir quelqu’un d’autre ? Peut-il enfin grandir ?

Des âmes à la dérive

La réalisation, elle, épouse la vacuité du lieu. Plans fixes, répétitions, décors arides. Gerster évoque parfois Un jour sans fin, sans l’humour salvateur. Ce choix, assumé, pourra désarçonner voire lasser. La narration avance au rythme d’un homme qui n’attend plus rien, et cela se ressent : les lenteurs pèsent, les dialogues s’effilochent, la tension s’effrite malgré les efforts de la partition élégante signée Dascha Dauenhauer.

Sans être totalement abouti, Islands séduit par son audace formelle, son regard mélancolique sur la fin d’une époque, le désenchantement d’une jeunesse prolongée artificiellement, et la beauté morne de son décor. Il faut accepter de s’abandonner à son rythme alangui pour en saisir la portée émotionnelle. Entre drame existentiel et récit de rédemption, Gerster livre une œuvre fragile mais touchante, qui interroge avec intelligence notre rapport au vide, au fantasme, et à ce que signifie, au fond, vivre une vie qui n’avance plus. Une belle dérive, à la fois solaire et désabusée.

Islands – bande-annonce

Islands – fiche technique

Réalisation : Jan-Ole Gerster
Scénario : Jan-Ole Gerster, Blaz Kutin, Lawrie Doran
Interprètes : Sam Riley, Stacy Martin, Jack Farthing, Dylan Torrell
Directeur de la photographie : Juan Sarmiento Grisales
Musique :  Dascha Dauenhauer
Montage : Matthew Newman & Antje Zynga
Production : Jonas Katzenstein & Maximilian Leo
Sociétés de production : Augenschein, Leonine Studios, Schiwago Film
Pays de production :  Allemagne
Distribution France : Jour2Fête
Durée : 2h03
Genre : Thriller
Date de sortie : 2 juillet 2025

C’est par petites touches de grâce et de nostalgie qu’Amélie et la métaphysique des tubes parvient à faire ressurgir les premières sensations, souvenirs et émotions de l’enfance. Dans un récit initiatique balisé mais empreint de bienveillance, le film nous entraîne dans l’univers intérieur d’une petite fille en quête de sens et de repères. Une œuvre qui bouleverse par la richesse d’évocation de l’animation et le trouble persistant de la mémoire.

Présenté dans une relative discrétion au Festival de Cannes 2025, le film trouve son véritable public à Annecy, où il remporte le prix du public. Premier long-métrage de Maïlys Vallade et Liane-Cho Han, cette adaptation du roman autobiographique d’Amélie Nothomb séduit par sa sensibilité autant que par sa cohérence visuelle. Le style graphique — aplats de couleur, contours parfois absents, décors profonds et texturés — évoque inévitablement le travail de Rémi Chayé, avec qui les réalisatrices ont collaboré au story-board et à la conception des personnages (Tout en haut du monde, Calamity, une enfance de Martha Jane Cannary). Mais loin d’un simple hommage, ce choix esthétique prolonge de manière organique un imaginaire foisonnant.

La naissance d’un enfant

Ce qui aurait pu n’être qu’un exercice de style animé gagne en densité grâce à une mise en scène attentive à l’étrangeté du regard enfantin. Le film adopte un dispositif en voix off : une Amélie plus âgée commente son enfance avec distance et philosophie, superposant à la naïveté sensorielle une conscience réflexive. Cette double perspective, entre immédiateté de l’expérience et mise en récit, constitue à la fois la force et la limite du film. La narration parlée structure le récit, là où un abandon plus radical à l’épure poétique aurait pu offrir une immersion encore plus viscérale de l’enfance.

Comme dans J’ai perdu mon corps, le point de vue d’Amélie nous donne à voir comment elle transforme la réalité avec son imaginaire. Un geste conscient et inconscient qui la protège et qui l’aide également à s’aventurer dans le monde caché et merveilleux de l’enfance. Son rapport au monde est d’ailleurs ici envisagé comme un flux d’informations que l’enfant ne sait pas encore interpréter. Amélie se considère comme un tube. Elle perçoit tout, mais ne comprend rien. L’image, simple et efficace, irrigue toute la mise en scène. À mesure qu’elle s’ouvre au monde – notamment grâce à la figure bienveillante de Nishio-san –, elle apprend à trier, formuler, nommer et canaliser ses sens. Cette jeune japonaise, à la fois femme de ménage et cuisinière, devient le cœur émotionnel du film. Elle ne se contente pas d’accomplir des tâches domestiques. Nishio-san panse les failles d’une famille débordée et incarne un Japon apaisé, chargé de mémoire, et offre à Amélie un modèle d’amour maternel implicite, loin de la froideur de ses parents biologiques.

Les couleurs de l’enfance

Mais si la relation entre Amélie et Nishio-san touche autant, c’est aussi grâce à l’attention portée à la bande-son. La compositrice Mari Fukuhara signe une partition délicate, discrète, en osmose avec les mouvements intérieurs de l’héroïne. La musique, comme le trait animé, enveloppe sans écraser, accompagnant chaque variation émotionnelle avec une justesse rare. Le film joue également avec la symbolique des couleurs, sans jamais l’imposer comme un code figé. Si certains personnages évoquent des humeurs par leur palette chromatique, l’ensemble évite le systématisme. L’eau, omniprésente dans le récit – jusqu’à devenir l’élément-symbole d’Amélie – cristallise cette approche : miroir de l’âme, frontière entre vie et mort, elle traverse le film comme un fil conducteur invisible. Elle structure la pensée de l’enfant tout en renvoyant à une spiritualité diffuse que le récit effleure plus qu’il ne théorise.

La réussite d’Amélie et la Métaphysique des tubes tient donc dans cet équilibre fragile entre l’abstraction poétique et l’ancrage sensoriel. En choisissant de s’adresser autant à l’intelligence qu’à la sensibilité du spectateur, Vallade et Han signent une fable universelle, où la métaphysique reste à hauteur d’enfant. Une œuvre bouleversante, où penser, ressentir et se souvenir ne font plus qu’un. À découvrir en famille.

Amélie et la métaphysique des tubes – bande-annonce

Amélie et la métaphysique des tubes – fiche technique

Réalisation : Maïlys VALLADE, Liane-Cho HAN
Production : Nidia SANTIAGO (IKKI FILMS), Edwina LIARD (IKKI FILMS), Claire LA COMBE (MAYBE MOVIES), Henri MAGALON (MAYBE MOVIES), Jean-Michel SPINER, Mireille SARRAZIN
Scénario : Liane-Cho HAN, Aude PY, Maïlys VALLADE, Eddine NOËL
Graphisme : Eddine NOËL, Marietta REN (CREATION GRAPHIQUE ET DESIGN DES PERSONNAGES), Liane-Cho HAN, Maïlys VALLADE (CREATION GRAPHIQUE ET DESIGN DES PERSONNAGES), Remi CHAYÉ, Marion ROUSSEL (CREATION GRAPHIQUE ET DESIGN DES PERSONNAGES), Justine THIBAULT, Simon DUMONCEAU
Storyboard : Lucrèce ANDREAE, Olivier CLERT, Chloé NICOLAY, Alice BISSONNET, Jonathan DJOB NKONDO, Nicolas PAWLOWSKI, David CANOVILLE, Éléa GOBBÉ-MÉVELLEC, Alexander PETRESKI, Merwan CHABANE, Liane-Cho HAN, Marietta REN, Rémi CHAYÉ, Ahmed NASRI, Maïlys VALLADE
Layout : Marion ROUSSEL (DIRECTION DU LAYOUT POSING), Hanne GALVEZ (DIRECTION DU LAYOUT POSING), Eddine NOËL (DIRECTION DU LAYOUT DECOR)
Décors : Eddine NOËL, Camille LETOUZE (DESIGN PROPS), Marick QUEVEN (DESIGN PROPS), Justine THIBAULT (DIRECTION DU DECOR COULEUR)
Animation : Juliette LAURENT (DIRECTION DE L’ANIMATION), Joanna LURIE (DIRECTION DESSIN D’ANIMATION)
Musique : Mari FUKUHARA (MUSIQUE ORIGINALE ET ORCHESTRATION)
Son : Kevin FEILDEL, Fanny BRICOTEAU
Montage : Ludovic VERSACE
Compositing : Tevy DUBRAY
Direction artistique : Eddine NOËL
Pays de production :  France
Distribution France : Haut et Court
Durée : 1h17
Genre : Animation, Aventure, Comédie, Famille
Date de sortie : 25 juin 2025

Sous ses abords de comédie romantique hollywoodienne avec triangle amoureux, Materialists pourrait sembler prévisible et académique. Mais ce serait oublier que c’est Celine Song à l’écriture et la mise en scène, la cinéaste révélée par le magnifique Past Lives. On est finalement face à un film certes un peu romantique mais bien plus dramatique et doux-amer, qui décortique avec beaucoup de justesse les rapports amoureux contemporains. C’est enveloppé dans un mille-feuilles d’images à la fois chic et élégant. Et c’est surtout dialogué à la perfection, les paroles constituant le noyau dur et émotif d’un film étonnant, beau et d’une finesse rare. Pour ne rien gâcher, le trio d’acteurs qui mène la danse est impeccable, tout comme la musique. Second essai, second coup de maître !

Synopsis : Une jeune et ambitieuse matchmakeuse new-yorkaise se retrouve dans un triangle amoureux complexe, tiraillée entre le match parfait et son ex tout sauf idéal.

Si on sait peu de choses concernant Materialists avant de rentrer dans la salle, on se dit que le film se positionne comme la comédie romantique hollywoodienne de l’été. Banale, prévisible et formatée mais qui peut être tout à fait charmante si on est client. Le résumé en forme de triangle amoureux, l’affiche très conforme à ce genre codifié entre tous, le casting ultra glamour et à la mode ou encore le contexte new-yorkais ne nous contrediront d’ailleurs pas. On pourrait donc se préparer à deux heures partagées entre les rires et une bonne dose de sentimentalisme tendance mielleuse avec en bonus le micro suspense de savoir lequel, des deux protagonistes masculins, le personnage féminin va finir par choisir. Sauf que non. Materialists est un tout petit peu ça mais il est surtout beaucoup plus.

En effet, la personne qui a écrit et réalisé le long-métrage n’est autre que la géniale Celine Song qui nous avait littéralement enchantés avec son premier film, nommé aux Oscars : le magnifique et mélancolique Past Lives. Une œuvre qui touchait au sublime et qui montrait l’amour comme rarement, notamment les traces qu’il peut laisser lorsqu’il est empêché par le destin. Song passe à la vitesse supérieure ici puisqu’elle choisit de faire tourner des stars pour son second film et avec un budget bien plus important. Son art et son talent auraient pu être vidés de leur substance au sein du broyeur hollywoodien mais elle reste chez A24 qui est – avec Neon – le distributeur indépendant le plus pointu et en vue à l’heure actuelle. La cinéaste ne perd rien de ses aptitudes à parler de l’amour et des rapports amoureux dans son nouveau film et confirme ainsi tout le bien que l’on pense d’elle.

Pour qu’un tel projet fonctionne, il fallait un casting au diapason. Que l’alchimie entre les comédiens passe ou que la mayonnaise prenne. On n’aurait pas forcément misé sur une telle association mais on avait tort. Dakota Johnson irradie encore une fois le film de son charme et de sa classe. Son timbre de voix si singulier et sa beauté glamour convaincront ces messieurs. Pedro Pascal, nouveau sex symbol contemporain, est d’une justesse incroyable et nous propose son premier vrai grand rôle de love interest avec brio. Il n’en fait jamais trop et sa classe naturelle fait le reste. Enfin, Chris Evans nous prouve encore qu’il sait faire autre chose que des rôles musclés dans le MCU. Et ce serait oublier qu’il nous avait déjà fendu le cœur dans le magnifique Mary. Ici, en ex fauché, il est particulièrement touchant. Les deux acteurs masculins devraient chacun dans leur genre enchanter ces dames.

La grande force de Materialists réside clairement et en premier lieu dans son écriture. Song décrit l’amour comme une marchandise (étonnant prologue qui signifie beaucoup) et tisse son film autour de cela par le biais du personnage de Johnson, qui travaille dans une start-up faisant se rencontrer des célibataires. Un postulat idéal pour disséquer la manière dont on appréhende le mariage, les liaisons, le sexe, les rapports hommes-femmes et l’amour tout simplement. C’est d’une finesse et d’une acuité incroyable. Et au sein de ce script très bien pensé et écrit, les dialogues sont d’une puissance phénoménale et presque le moteur du film, comme le prouve la magistrale scène où Johnson explique à Pascal comment elle voit leur potentielle relation. Des répliques qui s’égrènent pendant deux heures en forme de caviar auditif. Un must !

Il y a peut-être quelques petites longueurs, on aurait aimé quelques touches d’humour plus présentes (le film est bien plus grave et triste que drôle), et il y a surtout un coup de mou dans la dernière ligne droite. Mais c’est tellement charmant, pertinent et agréable à écouter et regarder qu’on passe outre. Car, oui, il faut aussi préciser que la mise en scène est élégante, tirant parfaitement parti du décor citadin new-yorkais, mais aussi d’un final rural qui fait un clin d’œil au premier film de Song. La musique du film, nourrie de morceaux parfaitement choisis, est également réussie. Materialists est un excellent opus, chic dans son enveloppe et choc dans ce qu’il dit sur l’amour dans nos sociétés. Sous ses allures de film romantique, il est bien plus profond et puissant qu’il n’y paraît. On attendra donc la troisième proposition de la réalisatrice avec impatience.

Bande-annonce – Materialists

Fiche technique – Materialists

Réalisateur : Celine Song.
Scénaristes : Celine Song.
Production : A24.
Distribution: Sony Pictures Releasing.
Interprétation : Dakota Johnson, Pedro Pascal, Chris Evans, Marin Ireland, Lindsey Broad, …
Genres : Drame – Romantisme.
Date de sortie : 2 juillet 2025.
Durée : 1h49.
Pays : USA.