Tout le mois d’août, les rédacteurs de CineSeriesMag vous font découvrir les meilleurs films de l’été. Aujourd’hui, retrouvons la nostalgie de nos colonies de vacances avec Nos jours heureux d’Eric Toledano et Olivier Nakache.
« Mais tu sais c’que t’es toi ? T’es le roi des cons au pays des emmerdeurs. Un… Un petit con casse-couille qui chiale sa race toute la journée ! Connard ! Connard ! Petit enculé de merde ! » assène Joséphine de Meaux au bord de la piscine en maillot de bain, dans une séquence désormais culte. Qui aurait pu penser en 2006 lors de sa sortie que le film deviendrait une comédie culte et intemporelle ? Après Je préfère qu’on reste amis, Eric Toledano et Olivier Nakache s’essayaient avec ce film une seconde fois au long-métrage. Aujourd’hui à travers Intouchables et Samba, la réputation du duo a atteint un niveau supérieur. Mais dès Nos jours heureux, les bases de leur cinéma sont là : des dialogues qui respirent le vrai, des personnages attachants et des situations à la fois tendres et cocasses. En cela, Nos jours heureux fait partie de ce que le cinéma comique français sait offrir de mieux. Impossible de résister entre les questionnements idiots d’Arthur Mazet (sur cette route là, tu crois qu’il y a eu combien d’accidents de cars, là cette année ?), l’amourette partagé par Omar Sy et Marilou Berry ( J’suis bien d’accord avec la grosse là…) ou encore les tentatives de séduction d’un Jean-Paul Rouve maladroit.
La comédie de Toledano et Nakache a eu l’intelligence de placer son histoire dans les années 90, de ce fait Nos jours heureux n’a toujours pas vieilli et ne prendra sûrement pas une ride tant que des enfants seront là pour s’amuser loin de leurs parents. La totalité de l’histoire se déroule sur trois semaines de vacances au sein d’une colonie menée par le jeune directeur Vincent Rousseau. Autant de temps pour que le spectateur tombe en amour des personnages, au même rythme qu’eux-même s’attachent dans la diégèse du film. L’identification se fait en tous points. Le film démarre à travers de nombreux clichés entourant les parents, les enfants et les moniteurs. Toutes les intrigues seront des prétextes pour apprendre à connaître mieux les personnages et jouer avec, le tout dans le rire et la tendresse. Le long-métrage arrive déjà alors à reproduire les sentiments premiers lors d’une arrivée en colonie de vacances. Car la magie de la colo c’est d’arriver en pouvant être n’importe qui et de finalement devenir plus vrai avec nos nouveaux amis, que nous pouvons l’être dans la vie quotidienne.
La puissance de Nos jours heureux réside dans le fait savoir capturer l’esprit de nos vacances, de nos amourettes et de nos amitiés éphémères. Si la scène où Guillaume, vacancier timide, reprenant Long train running nous marque, ce n’est pas tant pour ce qu’elle raconte mais pour ce qu’elle nous évoque. Nos jours heureux fait sans cesse appel à l’enfant que nous avons été et à l’adulte qu’on ne sera sans doute jamais complètement. Les gamins ne sont alors que des représentations des tourments des adultes à l’image de Jean-Paul Rouve incapable de couper le pont avec son père. L’enchaînement des scènes se calque sur le propre défilé de souvenirs qui resurgissent dans la tête du spectateur. Le film atteint alors quelque chose de très beau lorsqu’il partage des souvenirs connexes avec le spectateur, en lui montrant le simple reflet de ce qu’il a déjà vécu.
Avec ce film, le duo initie leurs moments de lâcher-prise. Cette marque de fabrique on la retrouvera dans Tellement Proches où Vincent Elbaz se ré-improvise G.O le temps d’une soirée, dans la culte séquence de danse d’Intouchables où Omar Sy se rythme sur Earth Wind and fire ou encore dans la sublime scène finale du Sens de la fête. Revoir Nos jours heureux c’est revoir avec nostalgie le visage des amitiés passées et des amours juvéniles laissées sur le bord d’un feu de camp.
Nos Jours Heureux : Bande-annonce
Nos Jours Heureux : Fiche Technique
Réalisation : Olivier Nakache et Eric Toledano
Scénario : Olivier Nakache et Eric Toledano
Casting : Jean-paul Rouve (Vincent), Marilou Berry (Nadine), Omar Sy (Joseph), Lannick Gautry (Daniel), Julie Fournier (Lisa)
Photographie : Rémy Chevrin
Musique : Frédéric Talgorn
Montage : Dorian Rigal-Ansous
Production : Prune Farro
Sociétés de production : Quad Productions
Société de distribution France : SND
Durée : 103 minutes
Date de sortie : 28 juin 2006
Dans le sens contraire, on peut adorer vouloir assister à la transposition de certains passages. 
Connaitre le matériau de base provoque des attentes, et les attentes sont toujours nuisibles à l’objectivité qu’on aura devant le long-métrage. Il est alors nécessaire de dissocier le film de la production dont il est tiré. Cependant connaître cette production permet de reconnaître les différences avec celle-ci lors du visionnage de l’adaptation, ainsi il est plus facile de comprendre les motivations du réalisateur quand son long métrage fait des écarts. S’il change la nature d’un personnage pour les besoins de l’intrigue ou s’il se sert d’un autre seulement pour faire du fan-service par exemple. Parfois, ce qui naît d’une adaptation peut se muter en phénomène incroyable. La saga Harry Potter en est le meilleur exemple. Les deux formats finissent par en profiter, les long-métrages se nourrissant du contenu des livres et les fans du long-métrage se dirigeant vers les livres. Parfois le format même du film peut trahir la pellicule qui se veut trop fidèle. Le dernier tome d’Hunger Games a été divisé en deux parties afin de retranscrire au mieux les événements du livre. Malheureusement deux films rendent beaucoup plus ennuyeuse et barbante la révolution contée dans l’ouvrage.
Le pourtant très bon V pour Vendetta de James McTeigue trahirait l’essence du roman graphique dont il est issu, seulement par son existence, selon les dires de son auteur Alan Moore. Le récit de la rébellion perdrait tout son sens si découvert à travers le média passif qu’est le cinéma. Le fait même d’adapter V pour Vendetta en film nuirait à son propos. L’auteur ajoute alors que seule la lecture, qui assure un investissement actif de la part de l’individu, peut se concilier avec le propos activiste du livre. Cela interroge donc sur une autre question importante : est-ce que tout peut être adapté ? Cette interrogation est d’autant plus justifiée lorsqu’on voit que toutes les adaptations de film tirées d’un jeu vidéo se vautrent. Ce qu’on aime dans un jeu vidéo (l’immersion que le gameplay propose par exemple) a énormément du mal à être retranscrit à l’écran. Personne ne veut voir un film qui joue les mêmes séquences du jeu vidéo à sa place. Un bon film ne peut être qu’une bonne copie de l’œuvre qu’il adapte. Ce sera sans aucun doute une bonne adaptation mais un mauvais objet de cinéma. Le passage au cinéma doit apporter une plus value, dépasser la base pour proposer autre chose. Même idée que pour les remakes. Un bon long métrage doit se valoir tout seul. 
Le Death Note de Netflix est décrié par tous les fans depuis qu’ils ont appris que le personnage de L était noir et que Light n’allait pas être le personnage charismatique et populaire qu’il est dans le manga. Il est déjà nécessaire de clarifier que le film se veut comme une transposition américaine, donc il était inévitable que le look des personnages allait changer. Et de toute manière, avons-nous besoin encore d’un copier/coller du manga après une série animée et deux films live japonais dont un extrêmement fidèle à l’intrigue de base ? Quand une polémique entourait le fait que Zendaya, actrice afro-américaine puisse jouer la rousse Mary-Jane dans le dernier Spiderman, James Gunn, réalisateur des 
Si le résultat est souvent controversé, pourquoi l’industrie cinématographique s’acharnerait à adapter le premier livre populaire qui passe ? Premièrement, c’est parce que le film peut se reposer sur des fans qui iront se précipiter pour le voir. Deuxièmement, c’est un grand effort créatif en moins de partir de tout un univers et d’une galerie de personnages déjà établis. Le produit final est très fréquemment à double tranchant. Car si bonne adaptation ne signifie pas un bon film, adapter une œuvre pour de mauvaises raisons donne toujours un mauvais résultat. Dragon Ball : Evolution ne respecte en rien le manga dont il est tiré. Doublé de son irrespect pour l’univers dont il puise son existence, le long métrage de James Wong est un très mauvais moment de cinéma. Derek Padula, scénariste du film a lui-même avoué avoir écrit le film » sans passion » et que cela ne peut donner que » des résultats décevants et parfois de la merde« . Les producteurs utilisent une licence pour capitaliser sur la présence des fans. Mais si ces mêmes fans sont légion, les producteurs visent toujours plus loin. C’est pourquoi un film tiré d’une adaptation s’écarte parfois totalement de l’essence de celle-ci pour cibler un tout autre public. Le personnage de 
la dernière partie du film nous plonge dans une époque froide et tragique, à savoir la Première Guerre Mondiale, ses jeunes citoyens envoyés au front contre leur gré, les pénuries et la famine, le marché noir, mais aussi les épidémies en tous genres, de la scarlatine à la grippe espagnole, mal qui emportera Egon Schiele à seulement 28 ans. Les amours sont fanées, la joie est lointaine, les anciens amis d’Egon Schiele délaissent le pinceau pour les armes, les femmes se mobilisent à l’arrière, les hauts lieux de la vie nocturne sont désertés, le Prater en ruines est laissé à l’abandon -vestige d’une gloire passée-, et Schiele se meurt, consumé par une fièvre qui ne le lâche pas, mais également par le chagrin, celui de la perte de sa bien-aimée Wally, à qui il dédiera un tableau, « La Jeune Fille et la Mort ». Adapté d’un livre qui retrace la vie du peintre, ce film, qui romance avec beauté et finesse les dernières années du peintre et ses amours tourmentées dans un Vienne tour à tour ensoleillé et sépulcral, use d’une image léchée et d’une lumière délicatement travaillée pour nous plonger dans une époque qui a vu culminer bien des arts. Dieter Berner dépeint son Schiele un peu à la manière de Peter Watkins avec son Munch, en filmant de façon subjective et intime les affres d’un homme prêt à mourir pour ses toiles, dans un bel écrin historique.
Gastón Duprat et Mariano Cohn se sont beaucoup amusés à créer Daniel Mantovani, un écrivain fictif plus vrai que nature. Il s’agit au départ d’une sorte de « vengeance » face à certaines justices : en réalité, aucun auteur argentin n’a jamais remporté le Nobel de littérature (même pas Borges, pourtant cité dans le long-métrage), contrairement à Mantovani dans le film. Le « délire » est même allé plus loin dans la création du personnage principal : un roman de ce soi-disant Mantovani a été publié par Random House Mondadori et d’autres textes devraient voir le jour dans les librairies. Cela n’a évidemment rien d’exceptionnel (des romans du personnage fictif télé Castle – incarné par Nathan Fillion – sont sortis pour ne citer que cet exemple). Pourtant, ce prix-là, aussi prestigieux soit-il, tout le monde s’en fiche à Salas, le village natal de Mantovani qu’il a longtemps fui. Paradoxalement, Salas a aussi été sa principale source d’inspiration. Et il n’y retourne que pour pouvoir pondre sa prochaine création littéraire. Là-bas on peut brûler ses romans et même s’y torcher, aussi bien au sens figuré que littéral. Si les réalisateurs ont réussi à venger l’Argentine toujours absente dans le palmarès des Nobel de littérature, en revanche, certains individus veulent se venger d’être devenus des personnages de fiction peu glorieux. La bête littéraire se retourne alors contre son créateur.