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À l’inverse du récent Un Varón et de sa sensibilité, L’Eden préfère plonger dans la noirceur et parler de la violence colombienne de manière bien plus métaphorique et universelle. Un premier long-métrage captivant, bien qu’ayant également quelques maladresses qui le rendent difficilement abordable.

Synopsis de L’Eden : Eliú, un garçon de la campagne, est incarcéré dans un centre expérimental pour mineurs au cœur de la forêt tropicale colombienne, pour un crime qu’il a commis avec son ami El Mono. Chaque jour, les adolescents effectuent des travaux manuels éprouvants et suivent des thérapies de groupe intenses. Un jour, El Mono est transféré dans le même centre et ramène avec lui un passé dont Eliú tente de s’éloigner…

Il est tout de même malvenu de comparer Un Varón de Fabián Hernández avec L’Eden d’Andrés Ramirez Pulido. Certes les deux œuvres possèdent quelques similarités, comme ce statut de premier long-métrage pour leur réalisateur respectif, ou encore la thématique de la violence chez les jeunes colombiens, livrés à eux-mêmes et baignant dans les vices (drogue, sexe…). Mais cela s’arrête là ! En effet, alors qu’Un Varón épousait un style documentaire – Hernández allant jusqu’à s’inspirer de son vécu –  pour livrer un film sensible tout en pointant du doigt une masculinité toxique, Pulido fonce à pieds joints dans la fiction pure et dure pour être avant toute chose une métaphore. Poussant L’Eden aux frontières du fantastique et du biblique, c’est pour dire !

Car si le long-métrage s’intéresse à un programme de réinsertion de jeunes criminels, c’est plus précisément pour nous dépeindre une nouvelle vision du purgatoire. Oubliant intentionnellement tout élément spatio-temporel, le récit suit un groupe d’adolescents condamnés à restaurer une hacienda défraîchie et ainsi bâtir, de manière imagée, un tout nouveau jardin d’éden. Mais pour eux, le chemin pour le paradis – qui se traduit ici sous forme de rédemption – ne sera pas facile à atteindre tant ils seront mis à l’épreuve. Que ce soit par leurs conditions de travail (en pleine jungle, en pleine chaleur, pouvant être vus comme des esclaves…) ou leurs démons qui ne cessent de revenir les hanter. Pour le personnage principal, Eliú, ces démons sont principalement représentés par la violence qui ne cesse de parasiter son quotidien. Entre son ami El Mono qui ne regrette en rien leur crime – avoir tué un inconnu en s’étant trompé de cible –, son frère qui semble suivre le même chemin, le neveu de la victime désirant se venger et le chef de garde plus apte à les mater que de leur montrer la moindre clémence… tout autour du protagoniste l’empêche d’abandonner sa noirceur d’âme. Même le directeur du programme, ancien détenu cherchant à aider les jeunes en difficulté, n’est pas épargné ! Lui, présenté comme un signe de bonté et d’espoir, voit son programme sans cesse remis en cause et devient une douloureuse alternative de ce que pourrait être Eliú. À savoir se laisser hanter au quotidien jusqu’à commettre l’irréparable dans un moment de folie.

Vous l’aurez compris, L’Eden est avant toute chose un récit imagé au possible, et pleinement assumé dans ce sens. Et autre que l’écriture, Andrés Ramirez Pulido offre par sa mise en scène et ses choix artistiques une ambiance qui ne cesse de renforcer l’aspect lourd et mystique de l’ensemble. Via une photographie soignée et une bande son qui sait être discrète quand il le faut, le cinéaste parvient à nous livrer des plans captivants. Comme ce halo de lumière à la limite du divin, dans une grotte obscure, ou bien cette scène tout droit sortie de l’Enfer où Eliú se baigne seul dans la piscine sale de l’hacienda parmi débris, qui pourraient s’apparenter à des têtes flottantes à la surface. Et sans oublier cette image où les jeunes se retrouvent adossés à des colonnes, donnant aux spectateurs l’impression d’être loin de toute réalité. Autant dire que pour son tout premier long-métrage, Pulido ne s’est en aucun cas reposé sur ses lauriers !

Malheureusement, tout comme Un Varón – et cela sera la dernière similarité, promis ! – L’Eden porte les stigmates d’une première œuvre. Car parmi ses indéniables qualités plastiques et d’intention, le titre ne parvient pas à cacher quelques maladresses venant alourdir le résultat. Ce constat, il se traduit principalement par le fait que le titre manque cruellement d’émotion, de sensibilité. Par « maladresses », il faut entendre par là le choix du cinéaste de prendre des comédiens majoritairement non professionnels pour leur spontanéité, mais qui n’ont pas suffisamment d’expérience pour donner vie à leur personnage respectif. « Maladresses » également dans la manière qu’à Pulido de traiter l’importance de la figure paternelle. En effet, si le réalisateur s’emploie à dire que l’absence d’un père ou bien la présence d’un parent toxique est le point de départ de la violence chez nos personnages, jamais cette thématique n’est abordée autre qu’en filigrane. Tout reste à l’état de dialogues ou de background (certains protagonistes ayant le statut de « bâtards ») pour finalement ne jamais prendre le dessus. À cause de ces défauts non négligeables, L’Eden peine à se sortir d’une pesante austérité qui vient contrebalancer avec son récit et son ambiance pourtant captivants.

Mais tout comme Fabián Hernández, il est évident qu’Andrés Ramirez Pulido saura rebondir pour la suite de sa carrière grâce à son savoir-faire. Avec L’Eden, le réalisateur colombien prouve qu’il est capable de livrer une œuvre à la mise en scène léchée, maîtrisée. Et surtout qu’il peut emmener le public dans son imaginaire. Ce n’est clairement pas pour rien que ce premier long-métrage ait brillé lors du dernier Festival de Cannes, lors de la Semaine de la critique – remportant à cette occasion le Grand Prix ainsi que le Prix SACD. Ne lui reste donc plus qu’à peaufiner certains éléments, certaines petites corrections, et sa prochaine œuvre ne pourra que marquer les esprits !

L’Eden – Bande annonce

L’Eden – Fiche technique

Titre original : La Jauría
Réalisation : Andrés Ramírez Pulido
Scénario : Andrés Ramírez Pulido
Interprétation : Jhojan Estiven Jiménez (Eliú), Maicol Andrés Jiménez (El Mono), Wismer Vásquez (Calate), Jhoani Barreto (Ider), Juan Diego Mayorga (Cabezas), Dubán Aguirre (Chucho), Felipe Ortiz (Matajudios), Miguel Viera (Álvaro)…
Photographie : Balthazar Lab
Décors : Johana Agudelo Susa
Montage : Julie Duclaux et Juliette Kempf
Musique : Pierre Desprats
Producteurs : Jean-Etienne Brat, Lou Chicoteau et Andrés Ramírez Pulido
Maisons de Production : Alta Rocca Films, Valiente Gracia et Micro Climat
Distribution (France) : Pyramide Distribution
Durée : 86 min.
Genre : Drame
Date de sortie :  22 mars 2023
Colombie, France – 2022

Si vous trouvez parfois les réactions de votre conjoint(e) exagérées, dites-vous que dans l’histoire du cinéma, un homme a éliminé l’équivalent d’un village, pour le meurtre d’un chien et le vol d’une voiture. Quand le premier opus de la saga John Wick est arrivé, en 2014, personne n’imaginait le formidable succès du personnage de Keanu Reeves. Nous voici donc, en 2023, 299 victimes plus tard. Il revient, plus en colère que jamais, et notre Baba Yaga s’attaque désormais à notre Paris bien-aimé.

Un sacré cœur

Si les trois premiers films de la saga se déroulent presque simultanément, renforçant au passage un effet de réaction en chaîne particulièrement savoureux, John Wick : Chapitre 4 est le premier à comporter une ellipse avec son prédécesseur. Toujours vivant (et on se demande bien comment), notre veuf particulièrement sanguin va se frotter une ultime fois à La Table pour retrouver sa liberté. Évidemment, l’organisation se montre légèrement agacée par cet assassin très doué pour réduire son effectif. Ainsi, c’est même le haut conseil que John s’est mis à dos, et il va tout tenter pour l’éliminer. Le coup classique.

Il faut le dire, le scénario n’a jamais été le point fort de la saga. Toutefois, ce 4ème opus tente de jouer la carte de l’affect. Du moins, plus que les deux précédents. Il offre même quelques belles surprises. L’antagoniste est réussi, accordant enfin au spectacteur un méchant digne de ce nom. De même, John va croiser la route de Caine, incarné par le formidable Donnie yen. Ancien ami et allié, cet assassin aveugle va traquer le Baba Yaga à contre cœur, offrant au spectateur les meilleurs moments du film. Le tout est impeccablement rythmé pendant les 2h50 du long-métrage. Oui, presque 3h de John Wick. Cela peut paraitre long, mais le tout tient particulièrement bien. Il semble, par exemple, bien plus court que les 1h40 d’Astérix et Obélix : L’Empire du Milieu, actuellement en salles. Non, c’est très divertissant, malgré deux énormes défauts.

Quand il me pend dans ses bras, je vois la vie en rouge

Vous le savez, trois choses font de la saga John Wick une franchise extrêmement appréciée et populaire : sa mise en scène, sa photographie et ses chorégraphies. Pour ce quatrième chapitre, deux éléments sont toujours sur le devant de la scène. On pourrait même aller plus loin et dire que John Wick 4 est, par ses décors, sa photographie, son sens du cadrage et de la lumière, l’un des plus beaux films d’actions jamais conçus, si ce n’est le plus beau. Oui, c’est somptueux. Chaque plan du film est un tableau. Chad Stahelski, toujours aux commandes depuis les débuts, s’est surpassé et il offre une véritable claque artistique. La mise en scène, bien qu’efficace, se révèle déjà plus classique. Le film réserve malgré tout quelques passages réellement hallucinants, avec des choix de placement de caméra surprenants (et géniaux).

Vous l’aurez donc compris, c’est sur les chorégraphies que cet opus pose problème. Ceux qui commenceront la saga avec lui se prendront à coup sur une véritable baffe. Malheureusement, le constat est tout autre quand on a vu les trois autres films, particulièrement le dernier. Si quelques scènes restent superbes, particulièrement grâce à Donnie Yen, le constat est là : pour John, on a déjà tout vu. Les combats se ressemblent beaucoup trop et offrent un immense sentiment de redite. Pire, le personnage ne se sert que trop rarement du décor pour mettre à mort ses adversaires. On se souvient du premier combat de Parabellum, où John ouvrait la mâchoire d’un assassin avec un livre, dans une bibliothèque. Ici, ce genre de chose n’arrive que très rarement. Dommage et frustrant, surtout dans un film qui fait tant d’efforts pour se montrer inégalé dans divers domaines.

John Wick n’est pas faible !

Dans John Wick 4, une partie des combats a lieu en extérieur. Le film offre d’ailleurs une belle visite guidée de Paris. Le scénario envoie notre assassin aux quatre coins de la ville, dans le seul but d’offrir des affrontements dans les  lieux cultes de la capitale. Dans l’idée, c’est bien, c’est beau, c’est divertissant. Dans les faits, c’est juste beau, à s’en pâmer, et divertissant. Malheureusement, une majeure partie de ces rixes sont trop longues et apportent au film son 2^ème gros défaut : John Wick est immortel. Dans les premiers opus, les gunfights et autres combats se faisaient majoritairement dans des lieux cloisonnés, permettant au héros de se mettre souvent à couvert. Avec les costumes intégralement pare-balles introduits dans Parabellum, les scénaristes se permettent d’offrir au spectateur des lieux plus aérés pour leurs scènes d’action. Mais John se contente, une grande partie du long-métrage, de se protéger avec sa manche pour bloquer les milliers de balles qu’il reçoit. Pas si forts ces assassins surentrainés… viser la tête n’est décidément pas à la portée des meilleurs tueurs de la planète.

La crédibilité en prend un coup, malgré toute notre bonne volonté pour accepter ce côté surréaliste présent depuis les débuts de la saga. Que personne ne se dise « tiens, je vais me poser 5 secondes et prendre le temps de viser la tête », pourquoi pas. Que John survive à une chute de quatre étages, avec un atterrissage qui aurait brisé en mille morceaux n’importe quel être humain, pour se relever indemne, ça passe déjà moins. Et, les quatre fois dans le film où il aurait dû mourir, il est sauvé par un personne ayant pour seule utilité d’être le deus-ex machina du film. Dommage. Finalement, ce quatrième opus est-il décevant ? Un petit peu. Il reste malgré tout très divertissant et toujours très au-dessus du lot dans le cinéma d’action. Et, bon dieu, il est incroyablement esthétique ! On veut l’Oscar de la meilleure photographie.

John Wick 4 : Bande-annonce

John Wick 4 : Fiche technique

Réalisation : Chad Stahelski
Scénario : Michael Finch
Casting : Keanu Reeves / Donnie Yen / Laurence Fishburne / Ian McShane / Lance Reddick /Bill Skarsgard
Durée : 2h50
Genre : Action
Musique : Carson X. MacDonald
Photographie : Dan Lausten
Production : Lionsgate
Société de distribution France : Metropolitan Filmexport

Ce n’est pas un hasard si le premier long-métrage de cette jeune documentariste talentueuse s’ouvre sur les images d’un frêle esquif fendant nuitamment les eaux du Rhône. Tout n’est affaire que de flux et reflux, chez Fanny Molins, et son documentaire centré sur l’éponyme « Atlantic Bar », en Arles, pourrait s’apparenter à un traité humain sur la mécanique des fluides.

Synopsis : A l’Atlantic Bar, Nathalie, la patronne, est le centre de l’attention. Ici, on chante, on danse, on tient les uns aux autres. Après la mise en vente du bar, Nathalie et les habitués se confrontent à la fin de leur monde et d’un lieu à la fois destructeur et vital.

Le projet a pris son origine en Arles même, suite à une exposition photographique où la jeune femme avait été remarquée. Est né le désir de tourner un court-métrage, sa première réalisation, sur les personnages qui font vivre et fréquentent ce petit bar, modeste et populaire. Bien vite, la richesse de ces figures a gonflé ce projet comme une vague, et la productrice, Chloé Servel, très engagée lors des deux tournages en été, puis automne 2021, a soutenu l’idée d’un long-métrage.

Naît ainsi une galerie de portraits, depuis les gérants, Nathalie, Jean-Jacques et leur fils Sandro, jusqu’aux clients les plus fidèles, essentiellement des hommes. Malgré la diversité des statuts, les parcours ne diffèrent pas tant, marqués par beaucoup de douleurs, des morts (surtout des frères), des abandons (par les pères), l’expérience de la rue, parfois de la délinquance, et, dans presque tous les cas, l’alcoolisme, passé, présent, ou latent, risquant de déferler à nouveau. Un peu comme si l’on rencontrait, chez Robert Guédiguian, non pas des acteurs, mais les modèles qui l’inspirent. Cette authenticité, cette véracité, donnent un grand prix à la première réalisation de la documentariste Fanny Molins, et lui ouvrent d’emblée l’accès à la cour des grands.

D’autant que la caméra très précise et sensible de Martin Roux excelle à recueillir la grâce là où elle se trouve, que ce soit dans le mouvement d’un fragment de corps ou dans la caresse d’un rai de lumière. Quelques plans, somptueux, sur les rues d’Arles, en captent magnifiquement l’altière beauté, hautement clamée jusqu’au cœur du délabrement.

On sait le réel souvent généreux en histoires. Il faut voir tel habitué raconter avec élégance, presque avec fierté, comment réussir un braquage. Ou tel autre livrer son rapport à la poésie et avouer son regret de n’avoir pas vécu au Moyen-Age, pour être bouffon du roi. Des adages sont créés sous nos yeux : « Les cimetières sont pleins de héros morts. Moi, j’aime mieux être un lâche vivant qu’un héros mort ! »…

Autre générosité du réel, donnant la main au hasard : un projet de mise en vente par le propriétaire du bar vient corser la vie de ce petit monde et créer une tension dramatique orientant dangereusement le destin du lieu vers l’avenir, tout en l’arrachant au lourd passé des êtres qui s’y retrouvent. Retour, bien actuel, du politique, à travers l’inflexible question du poids et du pouvoir financiers.

La musique écrite par le duo électroacoustique A Transient State, ponctuellement mais très joliment présente, achève de conférer au documentaire sa beauté, quand ce n’est pas le bar lui-même qui nous offre l’occasion, trop rare, de réentendre « La tendresse », par le subtil et paradoxal Bourvil. « Les gens sont des légendes », chantait, quant à lui, l’immense et regretté Bashung. Nous ne sommes pas près d’oublier les visages et les voix des naufragés de l’« Atlantic Bar ».

Bande-annonce : Atlantic Bar

Un Documentaire de Fanny Molins
22 mars 2023 en salle / 1h 17min /
Distributeur : Les Alchimistes

On attendait beaucoup de Mounia Meddour après le succès critique et public de Papicha. Pari gagné :  avec Houria, la réalisatrice s’inscrit dans la continuité de son film précédent tout en s’aventurant sur un chemin artistique aussi singulier qu’audacieux. Du cinéma à fleur de peau et d’images, habité par la pulsion de vie de son héroïne.

Adieu au langage

La danse, Houria a ça dans le sang. Ce n’est pas une échappatoire à son quotidien en Algérie, mais une question de survie : si elle ne bouge pas, elle s’éteint. On la découvre sur les toits de son immeuble, à danser jusqu’à l’épuisement. La physicalité de la caméra de Meddour ajoute à la beauté du geste : massive et légère, ancrée et aérienne, Houria chope le spectateur aux tripes. La grâce et l’effort s’enlacent, comme si la troupe de Pina dans le film documentaire de Wim Wenders montait sur le ring de Rocky, ou l’inverse. En quelques plans, la culture ouvre ses tripes au spectateur et redevient plus essentielle que jamais.

Puis survient l’agression, brutale, immédiate. Un destin se fait couper les ailes en plein vol. Comme tant d’autres dans un pays encore marqué par les plaies de conflits irrésolus. Blessée dans sa chair et dans son âme, Houria ne parle plus, ne bouge plus. Au contact d’un groupe de femmes tout autant figées dans leurs traumatismes, Houria va se réinventer artistiquement pour reconstruire collectivement. Ensemble, elles vont remettre les histoires en mouvement : la sienne, la leur, et celle d’une nation qui n’a plus de mots à mettre sur ses maux.

La fièvre aux corps

Partout ailleurs, le spectateur aurait été astreint à attendre que Houria retrouve la parole pour surmonter son drame. Mais ci-git la tombe de la communication verbale, expropriée par les tyrans et monopolisée par les agresseurs. La thérapie par l’art, ce n’est pas une lubie d’intermittent, mais une nécessité existentielle doublée d’une réalité filmique. Se réapproprier le langage, c’est reprendre le contrôle de son destin : les vérités que personne ne veut entendre, Houria va les exprimer par le corps et le mouvement, la langue des signes et la danse classique en même temps. La « danse des signes » en somme.

La cinéaste fait en sorte que le public s’approprie ces moments de grâce qui tapent systématiquement à l’estomac, et communique avec Houria et ses sœurs sur une fréquence qui échappe aux ondes du langage parlé. On pense à ces moments où le film s’en remet complètement à l’intelligence sensible du spectateur, et bascule dans un réalisme poétique qui renvoie au travail de Peter Weir. Notamment dans la propension à fabriquer un cinéma à la fois minéral et éthéré, en apesanteur et terrien, naturaliste et fantastique. La présence de Léo Lefèvre à la caméra (l’un des chefs op’ francophones les plus passionnants du moment) n’y est pas pour rien, et récupère parfois un scénario qui chancelle sous ses ambitions romanesques.

Une étoile (re)née

À l’instar de son héroïne, Meddour fait feu de tout bois, mais contrairement à elle son langage visuel ne trouve pas toujours le chemin de la synthèse. Il lui manque parfois ce sens du découpage, qui permet au spectateur de digérer la complexité du projet dans l’évidence d’un plan. Qu’on se comprenne bien : en l’état, Houria ne manque pas d’instants prégnants, mais ils s’additionnent plus qu’ils ne se multiplient.

Reste que même lorsque le récit s’enlise, Mounia Medour peut toujours compter sur le souffle de son actrice principale pour se maintenir en altitude. Tous les ouragans de catégorie 5 se nomment au féminin, mais celui-ci a droit à un nom en plus d’un prénom sur sa fiche d’état-civil. Lyna Khoudri, vous la connaissez déjà, mais peut-être pas encore l’étendue de sa puissance de jeu. L’actrice roule à 300% en permanence sans s’épuiser elle ou le spectateur, joue et danse comme si sa vie en dépendait. Houria s’impose ainsi comme une double-confirmation : Mounia Meddour est tout sauf un feu de paille, et Lyna Khoudri l’une des meilleurs choses qui soit arrivé au cinéma français et francophone depuis longtemps.

Bande-annonce : Houria 

Fiche technique : Houria 

Réalisatrice : Mounia Meddour
Par Mounia Meddour
Avec Lyna Khoudri, Rachida Brakni, Nadia Kaci
15 mars 2023 en salle / 1h 38min / Drame
Distributeur Le Pacte