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Dans Le Vent se Lève, Hayao Miyazaki abordait le pouvoir du rêve avec un réalisme sidérant et semblait constituer une conclusion séante à sa filmographie, par une porte vériste, infiniment sage et pragmatique. Naturellement, l’attente pour son nouveau métrage, Le Garçon et le Héron, était empreinte d’exaltation et d’appréhension, tant les premières images semblaient renouer avec un imaginaire pur et absolu. Ainsi, le cinéaste émeut profondément avec ce nouveau conte, grâce à une formidable audace mêlée à une maîtrise graphique d’une souveraineté sans précédent.

Synopsis : Après la disparition de sa mère dans un incendie, Mahito, un jeune garçon de 11 ans, doit quitter Tokyo pour partir vivre à la campagne dans le village où elle a grandi. Il s’installe avec son père dans un vieux manoir situé sur un immense domaine où il rencontre un héron cendré qui devient petit à petit son guide et l’aide au fil de ses découvertes et questionnements à comprendre le monde qui l’entoure et percer les mystères de la vie.

L’irruption formelle de l’imaginaire

Dans Le Garçon et le Héron, Hayao Miyazaki sonde sa carrière avec dignité et délicatesse en convoquant le trait enchanteur de Ponyo sur la falaise, le voyage initiative dans Le Voyage de Chihiro ou encore l’évocation du chambara dans Princesse Mononoké. Plus encore, l’ombre du regretté Isao Takahata, complice rival du cinéaste, plane au-dessus du film tant son tracé et sa simplicité transparaissent dans le métrage. D’ailleurs, l’armature graphique de Miyazaki est particulièrement surprenante dans Le Garçon et le Héron tant le cinéaste est souverain dans son propre royaume. Si Le Vent se Lève était une consécration technique du mouvement des airs, de la foule et de la pluie, Le Garçon et le Héron surprend par sa spontanéité et sa volonté de faire vivre le détail, préparant le terrain à l’irruption formelle de l’imaginaire.

Avant tout, Hayao Miyazaki entreprend une introspection minutieuse, tant au niveau narratif que technique, scrutant la trajectoire de son cinéma. De cette réflexion jaillissent des fragments de mélancolie, mais surtout, une profonde résilience. Et c’est dans ce sillage, plus particulièrement au travers de ses approches formelles, que se dégage une résurgence du thème de l’héritage. Cependant, cette notion demeure essentiellement abstraite, insaisissable, et semble infinie dans Le Garçon et le Héron. Paradoxalement, malgré des instants de pessimisme, elle est adroitement contrebalancée par la contemplation dogmatique du cinéaste. Aussi, il s’agit d’une exploration de la foi qui transcende largement la simple question de l’héritage de son cinéma. Le vague à l’âme surgit bien de cette recherche ésotérique.

La survie de l’âme 

À la clôture de son œuvre, Hayao Miyazaki réalise un film admirable et émouvant qui aborde le deuil, lui qui voudrait réaliser des films jusqu’à sa mort. Et tout commence par le déchirement vécu par son personnage, Mahito, qui perd sa mère, évoquant la figure maternelle centrale des films du cinéaste, sa propre mère Dola Miyazaki. En parallèle, le film plonge dans un deuil artistique et métaphysique qui, tout au long du récit, nous amène à la perspective de la mort, la survie de l’âme et les mystères de l’au-delà. Cette exploration est profondément bouleversante, racontée à travers les yeux d’un jeune garçon en quête de réponses, au gré de son voyage et de ses rencontres. Des entrevues avec des personnages qui incarnent les songes du réalisateur et ses peurs les plus profondes. D’ailleurs, le langage horrifique est plus présent que jamais dans Le Garçon et le Héron.

Surtout, le film est aussi une quête d’espoir et d’acceptation de sa propre condition. Il s’interroge sur la possibilité que le cinéaste doive un jour lâcher prise, délaisser voire renoncer à sa vocation pour se plonger dans sa psychologie, lui qui aura passé des décennies à écrire et mettre en scène des œuvres testamentaires. Ainsi, Le Garçon et le Héron, par le biais du fatalisme, mais également de la résilience de son auteur, dévoile une facette déchirante d’une filmographie qui, au fil de son évolution, se pare d’un mysticisme inattendu.

Bande-annonce – Le Garçon et le Héron

Fiche Technique : Le Garçon et le Héron

Réalisation : Hayao Miyazaki
Titre original : 君たちはどう生きるか
Musique originale : Joe Hisaishi
Distribution française : Wild Bunch
Sortie le 1er novembre 2023
Japon – 2023 – 125 mins

Entre documentaire et comédie musicale, Au clair de la rue était sur nos écrans jeudi dernier. A travers une esthétique pop de clips vidéo, Julien Goudichaud dresse avec brio le portrait de chanteurs sans-abris. Tous membres de la chorale La Cloche, le groupe est créé pour accompagner les SDF à leur dernière demeure : le cimetière Thiais… Sans pathos, ni mélodrame, le film a conquis les écrans avec une audience dépassant les 200 000 spectateurs !

Mes amis, mes amours, mes emmerdes…

A 18h30, dans une salle de la rue Bréguet, des répétitions ont lieu. “Viens chanter ça pourrait tout changer, viens chanter, viens chanter, tout changeeeerrrrr…”. Pendant 1h30, le répertoire est mis à jour, les voix s’harmonisent et on donne des nouvelles. Personne ne se plaint, on se réjouit des petites victoires et après la pause, la séance reprend.

Ensuite, chacun retourne à sa vie. A travers le cadre bienveillant du documentariste, ils nous font entrer dans leur intimité. Intermittents du spectacle, gays ou handicapés, les choristes mêlent précarité et marginalité. 

En legging léopards et polaire rouge, Alexandra est la première à se confier. En pleine Foire du Trône, elle est entraînée à l’écart, loin du bruit et de l’agitation. Le bois sert de refuge, et elle aborde son statut d’étrangère, son handicap mental… Sans se laisser abattre, elle parle de ses solutions : son compagnon, les manèges… D’autres suivent son exemple. Bruno, l’un des fondateurs de La Cloche, raconte son divorce et la séparation avec ses enfants lors de son coming-out. Une cigarette entre les lèvres, il donne le secret de sa bonne humeur. “Y a aucune différence, que tu sois blanc, que tu sois noir, que tu sois gay, que tu sois hétéro. Tout le monde est pareil. On est là pour faire la fête, pour s’amuser !” 

Le film ne cesse de basculer entre plusieurs univers, laissant à tous une place pour s’exprimer. Les décors, les lumières et les ambiances changent pour chaque personnage. Maîtrisant autant l’esthétique que l’écriture, Julien Goudichaud parvient à aborder des thèmes durs, mais avec poésie et légèreté. C’est là que se trouvent l’intelligence et l’originalité du film, en suscitant notre sympathie et nos rires tout en nous informant. 

Laissez-moi danser ! 

“Non, rien de rien / Non, je ne regrette rien / Ni le bien qu’on m’a fait / Ni le mal / Tout ça m’est bien égal / Non, rien de rien / Non, je ne regrette rien / C’est payé, balayé, oublié / Je me fous du passé !” 

Un micro à la main, la Tour Eiffel en toile de fond et Edith Piaf remixée : voilà la mise en scène de ce docu-musical. Après les confessions, chacun exécute une reprise de chansons françaises. De Nougaro à Florent Pagny, bien chanté ou non, ces choristes ont le droit à la scène. A travers un cabaret improvisé, ils expriment leurs ressentiments en rimes et en octaves. Devant le bar El Hombre, Bruno réinterprète “Armstrong, je ne suis pas noir/ Je suis blanc de peau / Quand on veut chanter l’espoir / Quel manque de peau.” 

La caméra fluide, les travellings épousent leurs gestes plus qu’ils ne les dictent. Zigzaguant en vélib’ entre les passants, Maud, la bénévole, chante ses craintes, ses doutes et ses espoirs. “On peut trouver le bonheur au coin d’un rire / Même quand il pleut/ Quand nos yeux brillent / Qu’on élève nos voix / Je sens mon âme qui vibre au milieu de ce cœur qui bat/ Et je retrouve l’enfant en moi !”

Sans créer un nouveau genre, c’est une manière peu orthodoxe d’aborder le documentaire. Différent de Confinés Dehors, Au clair de la rue n’est pas une copie ou une imitation. Ainsi, le réalisateur crée une œuvre dynamique, humaine et inventive !

Synopsis : Rue Bréguet, 11ème arrondissement de Paris. Chaque mercredi, La Cloche est à pied d’œuvre. La Cloche ? Une chorale d’une dizaine de chanteurs, tous sans domicile fixe ou en situation de grande précarité. 

Dans la petite salle de répétition, les problèmes sont pudiquement laissés à la porte. Ici, on chante dans la joie et la bonne humeur. Et puis, plusieurs fois par an, au cimetière de Thiais, là où sont enterrés les SDF qui meurent seuls. La Cloche est là, pour leur rendre un dernier hommage, en chanson, et les dérober, in extremis, à l’anonymat le plus total. 

Fiche technique : Au clair de la rue

Réalisé par Julien Goudichaud

Avec Gilles, Bruno, Aleksandra et Jean-Louis, Maud et tous les membres de la chorale de la Cloche

Disponible jusqu’au 19 novembre sur France.tv / FranceTVSlash / 52 min / Documentaire

Qui connaît les Osages ? C’est pourtant vers cette tribu amérindienne d’Oklahoma que nous entraîne le fascinant documentaire de Francis Fourcou, sur les pas d’une ancienne amitié née en novembre 1829 et liant ce peuple aux Occitans de Montauban.

Il est des pages d’Histoire qui restent largement méconnues, alors qu’elles offrent de si réconfortantes raisons de croire en l’humain… Ainsi de ces trois membres de la communauté Osage qui, errant en Europe après une éphémère notoriété jusque dans la cour de Charles X, eurent l’idée de rejoindre Montauban pour la bonne raison qu’un évêque, anciennement de leur connaissance, y résidait. Bien leur en prit. Cet homme, aidé du maire de la ville, leva auprès des habitants une collecte qui permit le retour des Indiens sur leurs terres nord-américaines et fonda l’amitié des deux peuples.

En 1989, sous l’impulsion de Jean-Claude Drouilhet et de son épouse, une association voit le jour, désireuse de raviver la flamme de cette amitié, qui n’avait pas non plus été oubliée outre-Atlantique. Le réalisateur, lui-même occitan, puisque né en 1955 à Toulouse, est informé du projet et se joint à une expédition qui lui permet de tourner ses premières images auprès des Osages en 2002. Il peut ainsi filmer, deux ans avant sa mort, un précieux entretien avec Lucile Robedeaux, l’une des trois dernières locutrices de la langue osage qui semble alors vouée à disparaître, tout comme a pu l’être, naguère, l’occitan.

C’était compter sans la puissance des rêves, leur énergie propre, et le sursaut de plusieurs Indiens de la communauté qui, ayant sondé le précipice qui les lorgnait, entreprirent, avec succès, de sauver leur langue. On rencontre ainsi l’universitaire Herman Mongrain Lookout qui, soutenu, en 2014, par le chef osage Jim Gray, entreprend de créer tout un alphabet propre à la langue osage et apte à transcrire ses phonèmes singuliers, faisant ainsi de cette langue jusqu’alors exclusivement orale une langue accédant à l’écrit, donc promise à une plus ample longévité et une plus vaste diffusion. De fait, depuis 2002, les locuteurs osages se sont multipliés et leur langue n’est plus menacée de disparition.

Respectant une équité parfaite, le documentaire entremêle deux axes, à la fois parallèles et conjoints : une visite de la poétesse Osage Chelsea Tayrien Hicks en Occitanie ; une visite de la comédienne et chanteuse Isabelle François en Oklahoma. Les langues occitane, Osage et américaine, prononcées par ces deux narratrices en voix off, accompagnent des images souvent somptueuses par leurs mélodies et leurs rythmes envoûtants, comme un phylactère délicat et volontiers poétique, louant, au féminin, la résistance linguistique.

S’ouvrant sur les hauts plateaux lunaires de l’Aubrac, qui nouent sans difficulté le dialogue avec les plaines ondulées de l’Oklahoma, le long-métrage fait affleurer comme naturellement les profondes proximités qui relient les deux peuples. Ainsi, au-delà deux langues aux sonorités fascinantes, menacées puis sauvées, surgit soudain une évidente parenté entre les bisons peints de la Grotte de Niaux, en Ariège, et ceux, encore tout de chair, d’os et de longs poils, qui paissent tranquillement les terres états-uniennes. Les danses de fêtes populaires occitanes paraissent soudain bien proches des danses rituelles osages, dans lesquelles les Indiens tressautent au rythme saccadé de leurs chants.

À l’heure où des communautés humaines s’entre-déchirent, où règne la haine, et où Scorsese évoque cette même communauté Osage, mais sous l’angle de la violence, dans Killers of the Flower Moon (18 octobre 2023), il est bienfaisant d’être témoin d’une telle fraternité et entente entre des peuples. Sans doute, certes, le rapprochement est-il plus aisé, moins risqué, lorsqu’un océan sépare ces peuples, nécessitant qu’un pont soit jeté, plutôt que lorsque ceux-ci vivent en voisins, tombant dans le sinistre schéma des  frères ennemis.

Synopsis du film : Des grandes plaines osages d’Oklahoma aux montagnes d’Occitanie, deux cultures autochtones se parlent et se répondent. Deux femmes nous racontent ces cultures  aux langues menacées. Isabelle l’Occitane chez les Osages, Chelsea, l’Osage chez les Occitans, parcourant les paysages et l’histoire des plaines d’Amérique et des montagnes d’Occitanie. 

Un pont au-dessus de l’océan : Bande-annonce

De Francis Fourcou
Par Francis Fourcou
25 octobre 2023 en salle / 1h 40min / Documentaire
Distributeur : Ecransud Distribution

Le bon art de vivre en communauté, c’est avant tout l’art du partage. Ce n’est évidemment pas ce qui prévaut dans cette utopie, où la grande majorité des outils technologiques révolutionnaires ont remplacé les êtres organiques. Cela pointe une certaine déconnexion avec la vie et à la nature. Et ce bouleversement est significatif dans The Pod Generation, car la conception des bébés a trouvé une nouvelle voie, l’ectogenèse. Ce processus de procréation, qui permet le développement de l’embryon et du fœtus dans un utérus artificiel, teste ainsi les limites d’un couple qui appréhende la parentalité.

Synopsis : Dans un futur proche où l’intelligence artificielle prend le pas sur la nature, Rachel et Alvy, couple new-yorkais, décident d’avoir un enfant. Un géant de la technologie, vantant les mérites d’une maternité plus simple et plus paritaire, propose aux futurs parents de porter l’enfant dans un POD. Alvy a des doutes, mais Rachel, business-woman en pleine ascension, l’incite à accepter cette expérience…

Le meilleur des mondes

Reparti bredouille des festivals Sundance et Deauville, le film de Sophie Barthes (Âmes en stock, Madame Bovary) n’a pas manqué de susciter curiosité et intérêt. La science-fiction de la cinéaste française brosse le portrait, pas si lointain, d’un monde dans lequel l’innovation et le profit vont de pair. Le progrès tend à soulager les humains de leurs tâches les plus laborieuses ou les plus élémentaires, comme la préparation d’un repas au bon temps de cuisson souhaité. La technologie se spécialise donc davantage et se personnalise tout autant, dès lors qu’un nouveau produit phare de la société Pegazus troque l’inconfort de la grossesse contre l’intimité de leurs clients. Résoudre la problématique de l’accouchement est leur devise, mais sommes-nous préparés à un tel changement ?

Pitch idéal pour un épisode de Black Mirror, l’intelligence artificielle et les nouvelles technologies supplantent les lois de la nature jusqu’au processus de conception, où les enfants du futur naissent dans des pods, œufs qu’une multinationale commercialise auprès des parents souhaitant se soustraire aux inconvénients d’une maternité. Avec un tel produit sur le marché, nous ne sommes pas loin des critères d’une société totalitaire, où une minorité de gens pensent savoir ce qui est bon pour les autres. C’est en tout cas l’angle qu’a retenu la réalisatrice, en évoquant l’écrivain britannique George Orwell, auteur de 1984 et La Ferme des Animaux. Il y a également de quoi nous rappeler les dérives qu’Aldous Huxley a magnifiquement su hiérarchiser dans Le Meilleur des Mondes, un titre ironique et adapté à notre époque.

Les protagonistes évoluent ainsi dans un décor influencé par la culture japonaise et scandinave, avec des couleurs plus douces, pastels, ainsi qu’un côté rétro qui rappelle l’esthétique de Her de Spike Jonze. Sur ce point, il n’y a rien à signaler, c’est un plaisir à regarder. Le film fourmille vraiment d’idées, qui ne sont cependant jamais abouties. Elles sont simplement juxtaposées, créant un faux rythme qui ampute l’intrigue d’un fort capital sympathie.

Un esprit artificiel dans un corps saint

Une routine ne démarre pas sans aller à petits pas. Pourtant, elle semble suffisamment calibrée pour catapulter Alvy (Chiwetel Ejiofor) et Rachel (Emilia Clarke) dans leur journée ensoleillée, car l’intelligence artificielle prend une place conséquente dans leur demeure et leur couple. Il s’agit d’une aide précieuse qui remonte le moral de Rachel, en délicatesse dans sa carrière, contrairement à Alvy qui n’a rien besoin d’autre qu’un baiser de sa compagne pour affronter le jardin botanique qu’il entretient dans son université. On sent évidemment un décalage entre les deux membres du couple, dans l’attente d’un enfant pour les lier de nouveau. Cependant, Rachel n’est pas rassurée à l’idée de perturber son travail au bureau, tandis qu’Alvy est en contradiction avec cette naissance dans l’œuf, sans son consentement. Cela donne lieu à un sujet pertinent où la maternité et la paternité se confondent, sachant qu’ils finissent tous les deux par s’attacher à leur nouvelle acquisition.

Alvy y voit de la vie à l’intérieur, tandis que Rachel n’y voit qu’un outil supplémentaire dans sa panoplie technologique. Ce qui donne lieu à des situations cocasses, mais assez peu jouissives. Malheureusement, cette thématique de fond jongle constamment avec la comédie satirique de la société américaine que l’on développe parallèlement. Un débat environnemental par-ci, un procès sur l’innovation par-là. L’intrigue change trop souvent de direction et ne prend pas soin de laisser le spectateur s’investir à mi-chemin des deux pôles. Au lieu de cela, nous déambulons sur un grand sentier balisé, désamorçant ainsi plusieurs effets de surprise. Une pointe d’ambiguïté n’aurait pas fait de mal, même dans un discours aussi radical. C’est ce qu’Andrew Niccol a parfait avec Bienvenue à Gattaca, qui faisait la démonstration d’une vie artificielle, où la réussite n’était plus seulement due aux performances humaines, mais bien due au code génétique qui constitue les êtres. Les imperfections font pourtant partie de l’humanité. Jusqu’où peut-on aller avant de renoncer à notre identité ?

D’une certaine manière, ces questions-là reviennent en boucle. Mais, il s’agit de l’ADN des grandes industries que l’on analyse ici. Rachel en fait partie et rentre dans le rang, comme un bon petit soldat dans Starship Troopers. Rappelons que dans cet univers, les droits ne sont accordés qu’aux citoyens ayant finalisé leur service militaire. Cette condition est également nécessaire afin d’obtenir un permis pour tomber enceinte. Ce qui arrive à Rachel n’est pas si éloigné de cette fantaisie. Sophie Barthes convoque le féminisme radical, régi par les codes du capitalisme au sein d’une société qui ne jure que par la performance et la compétitivité. Le film serpente entre les caricatures pour mieux émietter des situations révoltantes, comme le fait de ne pas mettre une photo de son enfant au risque d’être cataloguée comme une « mère distraite ». Une initiative des employeurs, afin d’établir des conditions de travail qui poussent les femmes à se conduire comme des hommes.

Face à une telle pression, Rachel trouve refuge auprès d’un œil géant en guise de psychologue, à l’image du Dr. Know dans A.I. Intelligence Artificielle, un moteur de réponses voisin de ChatGPT. Ce qui est loin d’être concluant. À côté de ça, Alvy invite ses étudiants à manger des figues dans ce qui continue sans doute le dernier espace vert en ville. Bien que l’attitude de chacun pour trouver du réconfort semble extrême, voire absurde, ils ne restent pas moins humains et c’est dans le dernier acte que le duo finit par tourner le dos à toute cette hostilité ambiante et passive. Preuve qu’il n’est jamais trop tard pour guérir.

Baby on board

L’intelligence artificielle pend à la langue de tout le monde de nos jours. S’il s’agit d’une fiction, la réalité finit souvent par rattraper les problématiques qu’on y présente et l’avertissement de Sophie Barthes n’est certainement pas le dernier. Lorsque l’outil parvient à remplacer nos facultés, c’est une partie de notre humanité que nous perdons. Ce discours de rejet envers la technologie et les intelligences artificielles constitue un socle plutôt encourageant et bienveillant du côté de Blade Runner ou du récent The Creator de Gareth Edwards. A contrario, ce que The Pod Generation souligne avec sa dystopie cynique et comique, c’est que notre hygiène de vie devient de moins en moins compatible avec notre mode de consommation. L’avertissement est pertinent, la pédagogie un peu moins.

Bande-annonce : The Pod Generation

Fiche technique : The Pod Generation

Réalisation & Scénario : Sophie Barthes
1ère Assistante réalisatrice : Marion Richoux
Scripte : Julie Ghesquiere
Directeur de la photographie : Aandrij Parekh
Montage : Ron Patane, Olivier Bugge Coutté
Musique :  Evgueni et Sasha Gasperine
Producteurs : Geneviève Lemal, Yann Zenou, Nadia Khamichi, Martin Metz, Olivier Rroskill
Production : Scope Pictures, Quad Productions
Pays de production : États-Unis
Distribution France : Jour2Fête
Durée : 1h51
Genre : Science-fiction, Comédie, Romance
Date de sortie : 25 octobre 2023