Sorti en salle le 15 février 2017, Loving, le dernier film de Jeff Nichols paraissait terriblement d’actualité tout en racontant une histoire qui a plus de 50 ans. Retour sur le film et la vision que tente de transmettre son réalisateur sur le racisme.
Loving est le cinquième long métrage du jeune réalisateur américain Jeff Nichols (38 ans). Originaire du sud des États-Unis, c’est à cette population et à ses coutumes qu’il s’intéresse au travers de tous ses films. Il y mêle aussi sa vie personnelle, (sa jeunesse dans Shotgun Stories, son adolescence dans Mud, son mariage dans Take Shelter et sa paternité dans Midnight Special) ainsi que ses interrogations et ses peurs. Son dernier film marque en cela une exception. En effet, même si l’histoire se déroule dans le sud des États-Unis, Jeff Nichols adapte ici une histoire vraie. Celle de Richard et Mildred Loving qui en 1958 décidèrent de se marier malgré les lois de l’Etat où ils vivaient qui interdisaient le mariage entre noirs et blancs.
Je trouvais que le meilleur moyen d’avoir une conversation politique était justement de ne pas en avoir du tout au sein même du film.
Jeff Nichols
Pour traiter son sujet, Jeff Nichols a recours à la simplicité. Il ne s’intéresse pas à la lutte judiciaire qui a eu lieu. Dans son film il privilégie les actes aux paroles. Des actes d’amour au sein du couple dont il montre le quotidien. Même si le récit du film est linéaire, Jeff Nichols évite les poncifs du genre en ne commençant pas le film par la rencontre du couple mais directement par leur mariage et montrant ainsi immédiatement le couple dans sa quotidienneté. Un couple introverti, replié sur lui-même au sein d’une communauté de seulement quelques membres dans la campagne de Virginie ne souhaitant pas s’intégrer davantage à la société mais voulant vivre ensemble et s’aimer. Ainsi, il met les gestes et les regards de ce couple en valeur.
Mais durant tout le film, il distille également quelques plans sur les regards et les gestes des habitants qui les entourent. Il montre les regards de la population locale sur ce couple qui lui ne les voit pas ou les ignore. Ici, Jeff Nichols évite encore une fois par sa simplicité un écueil de ce genre, celui de la violence. Ne montrant aucune violence physique faite au couple, il préfère s’interroger sur la violence symbolique.
La violence symbolique est une théorie du sociologue français Pierre Bourdieu qu’il développa durant les années 60 et 70. Selon cette théorie, les dominés au sein d’une société perçoivent la hiérarchie sociale comme légitime et naturelle et intègrent la vision que les dominants ont du monde via l’éducation et les médias. Et c’est l’utilisation de cette violence qui permet au film d’éviter les affrontements physiques et le manichéisme. Cette violence symbolique est présente dans le film avec les regards accusateurs des citoyens, collègues, amis, voisins blancs comme noirs qu’ils croisent ou encore par le shérif, le juge et l’Institution. Tout cela créant une paranoïa au sein du couple qui craint en permanence pour sa vie.
La violence symbolique provoque l’exclusion de toute une gamme de possibles politiques et sociaux en présentant comme évident, acquis et établi une fois pour toutes ce qui, en réalité, appartient à la vision du monde que partagent les forces sociales dominantes.
Pierre Bourdieu
Ici aussi, comme dans ses films précédents, Jeff Nichols embellit, la campagne américaine. Il va même plus loin en rendant oppressants les quelques passages du film en ville et en utilisant ces différents lieux pour personnifier l’état d’esprit de ses protagonistes. Ainsi, pour rejoindre la théorie de la violence symbolique, à la toute fin du film, lorsque Jeff Nichols filme la Cour suprême des États-Unis à Washington D.C., il montre au spectateur une Institution, un bâtiment, mais il ne montre plus des individus contrairement au premier passage chez le juge au début du film.
Pour finir, ce combat donne naissance à l’arrêt de la Cour suprême des États-Unis « Loving v Virginia » en 1967 qui invalide toute loi qui apporterait des restrictions au droit au mariage en se fondant sur l’origine ethnique des époux. Cette loi va ainsi favoriser davantage de mixité sociale et devenir un symbole pour d’autres combats à venir.
Pour aller plus loin…
Un article sur la violence symbolique chez Pierre Bourdieu par Jean-Michel Landry
Loving : Bande-annonce
Loving : Fiche technique
Réalisation : Jeff Nichols
Scénario : Jeff Nichols
Interprétation : Joel Edgerton (Richard Loving), Ruth Negga (Mildred Loving), Nick Kroll (Bernie Cohen), Marton Csokas (Shérif Brooks), Michael Shannon (Grey Villet), Jon Bass (Phil Hirschkop)…
Photographie : Adam Stone
Montage : Julie Monroe
Producteurs : Marc Turtletaub, Nancy Buirski, Sarah Green, Colin Firth, Ged Doherty, Peter Saraf
Sociétés de production : Big Beach Films, Raindog Films
Distribution (France) : Mars Film
Festival et Récompenses : Sélection Officielle de Cannes 2016
Durée : 123 minutes
Genre : Drame, biopic
Date de sortie : 15 février 2017
États-Unis– 2016
médies sont vraiment drôles. *Rires* Aux États-Unis, je trouve que beaucoup de comédies ne sont pas drôles, en raison de leur scenario. Les scénaristes ont tendance à faire passer les blagues au-dessus de leurs personnages pour faire rire les gens. C’est le cas dans toutes les sitcoms, où les personnages ne représentent rien, ils sont là pour faire rire le spectateur par les dialogues. À mon avis, c’est le personnage même qui doit rendre les choses drôles par ses humeurs. C’est le personnage qui rend une blague drôle, et non l’inverse. J’espère que j’ai réussi à le prouver dans War on Everyone.
Starsky et Hutch. Je sais que si nous nous trouvions face à eux, nous les battrions sûrement et nous prendrions toute leur cocaïne parce qu’ils vivaient dans les années 80. Les années 80, c’était le paradis pour ceux qui voulaient prendre de la cocaïne! On se demande souvent comment Starsky et Hutch font pour être si rapides, mais en fait, ils peuvent remercier la cocaïne ! Ensuite, nous irions encore boire un verre avec eux. Sérieusement, je suis un fan de cette série télévisée et de ces gars. Mais attention, je ne parle pas du film avec Ben Stiller et Owen Wilson !
Alors que vaut cette suite ? Pas grand chose. Pour discuter de la qualité du film, il faut avant tout interroger sa raison d’être. Le premier opus faisait concluait l’histoire avec la famille heureuse telle qu’on la connaît dans la bande-dessinée. Le foyer bien installé, il n’y avait alors plus aucune raison de filmer la famille Roba. Les producteurs avaient donc deux solutions, soit développer l’aventure dans un autre milieu apportant ainsi de nouvelles thématiques, soit ne pas faire de suite afin de pas abîmer encore plus l’oeuvre originale. Si Boule et Bill 2 sort au cinéma, c’est qu’aucun de ces deux choix n’a été retenu. Les presque 2 millions d’entrées du premier film ont motivé un deuxième film, qui décide de placer son histoire dans une banlieue tranquille, ne s’éloignant que très peu de l’univers du premier film. De par ce postulat, Boule et Bill 2 est avant tout une comédie très ennuyeuse qui peine à offrir une intrigue intéressante. L’absence d’utilité d’un deuxième opus se dessine à travers une mise en abyme volontaire ou non.
Le film devient alors une succession de petits gags sans aucun lien narratif qui peine à attacher le spectateur à des enjeux ou personnages. Si la bande-dessinée n’était parfois constituée que de gags en quelques cases, il est une lapalissade de dire que la bande-dessinée et le cinéma sont deux arts différents, fonctionnant sur un schéma très distinct. Là où le film aurait pu puiser dans les longs albums d’aventure de Boule et Bill afin d’offrir une certaine consistance, il préfère se complaire dans les gags faciles et lourdingues. Et ici est souligné le principal problème des adaptations de bandes-dessinées. Ce qui marche dans les pages d’une BD ne fonctionne pas pour autant sur le grand écran. Un long-métrage ne peut se suffire d’être un défilé de courtes situations. Le problème de Boule et Bill 2 n’est pas d’être une mauvaise adaptation, mais de ne pas exister en tant que long-métrage cohérent. L’argument de » c’est un film pour enfants » est irrecevable. « Films pour enfants » n’est pas synonyme de films crétins ou de films inconsistants. Une oeuvre peut être légère et destinée aux enfants, sans complaire dans l’humour pipi caca. On peut néanmoins reconnaître certaines qualités à Boule et Bill 2. Les enfants se retrouvent bien plus convaincants que les adultes, mention spéciale au très bon Charlie Langendries (Boule). On retrouve une certaine sensibilité et nostalgie dans les amourettes et querelles de cour de récré.
13 Reasons Why ne traite pas seulement du harcèlement et cette accumulation de poncifs n’a d’autre objectif que de pointer du doigt les dangers du système scolaire. Seulement voilà, même si la série met certaines vérités à nu, cette démarche perd de son efficacité dès lors qu’elle s’entête à s’attaquer à tout et en même temps. 13 Reasons Why ou le Top 10 des pièges de l’adolescence ! A plusieurs occasions, l’émotion et la crédibilité pâtissent de ces campagnes de prévention contre la drogue, le sexe, l’alcool (au volant et ailleurs), l’homophobie, le harcèlement (scolaire et sexuel), le suicide, la violence, l’isolement… Il ne manquait que la cigarette sauf qu’aux EU, personne ne fume (autre cliché) ! Ainsi, malgré ces rappels à l’ordre multiples et virulents, le spectateur reste à distance du sujet. La plupart du temps.
Autre bon point de la série : ses musiques rétro rocks initiées par Tony Padilla (Christian Navarro), un personnage tout aussi cool et atypique. Dès le début, la chanson de 
Dès les premières notes du thème principal, on ne peut s’empêcher de penser à l’ouverture de Délivrance et à son fameux duel de banjo. La mélodie acoustique rappelant les vieux films américain des seventies est agréablement soutenue par des nappes de claviers et de violons discrètes. La suite confirme l’essai. L’efficacité des compositions, de l’orchestration aux synthés, en passant par les percussions et les guitares basses et banjo est rafraîchissante. Aux deux premiers titres beaux et planants du score, succèdent des plages d’angoisse évoquant le meilleur de Marc Snow (compositeur de la série 
Présentée aux spectateurs de la série mère l’année dernière lors d’un épisode spécial, The Blacklist dévoilait déjà l’intrigue qu’allait camper son spin-off, Redemption, consacré au personnage de Tom Keen (interprété par Ryan Eggold – 90210). Tom était pendant cet épisode recruté par Susan « Scottie » Hargrave (Famke Janssen – GoldenEye, Taken, 
The Blacklist : Redemption repose de fait sur le dysfonctionnement et le mystère familial des Hargrave. Ce qui fournit un poids émotionnel à la série. Mais, fidèle à sa sa série mère, le spin-off se base aussi sur l’activité d’espionnage de ses protagonistes. Telle mère, tel fils, Tom et Scottie forment un tandem de choc lors des missions opérées pour l’Organisation de mercenaires Halcyon Aegis, et les deux personnages finissent de convaincre les téléspectateurs de l’indéniable alchimie qu’il y a entre Famke Janssen qu’on ne présente plus, et le très charmant Ryan Eggold qui a pris du galon depuis son rôle du professeur Ryan Matthews dans Beverly Hills : Nouvelle Génération. On apprécie notamment la drôle de relation entre lui et son ennemi juré, le dangereux Matias Solomon (Edi Gathegi – 
Alors, une perte de temps cette saison 7 ? Pas vraiment. En effet, alors que nos héros ont passé la majorité de leur temps à pleurer la mort de leurs camarades et à s’apitoyer sur leur sort tout en tremblant rien qu’à la pensée de la nouvelle terreur du quartier, Negan, cette saison fut aussi l’occasion de nous présenter des nouvelles communautés : le Sanctuaire où vivent Negan et ses sous-fifres, les Saviors ; le Royaume d’Ezekiel où Morgan et Carol trouvent refuge ; Oceanside composée de « wannabe » valkyries qui accueillent pendant un temps Tara ; et les Scavengers de l’intrépide Jadis. On connaissait déjà le groupe des Wolves, disparu du jour au lendemain sans laisser de traces (Heath où es-tu passé ?) à la mort de leur leader Owen lors de l’épisode « No Way Out », et la colonie du Hilltop avec le charismatique Paul « Jesus » Rovia dont on savait qu’on en apprendrait plus pendant cette saison. Or, il va falloir dorénavant aussi compter sur toutes ces autres communautés pour conter le nouveau paysage de The Walking Dead.
L’intrigue autour de Negan n’en serait donc qu’à son début. Il est suggéré et même normal que son personnage soit présent pendant un certain nombre de saisons. Même le gouverneur, autre grand vilain de cette série, a fait plus d’une saison. Toutefois, Negan semble intouchable et l’effroi qu’il insuffle sur son passage suffit à étouffer toutes formes de rébellion à son encontre. Fort d’une interprétation mesurée de Jeffrey Dean Morgan, Negan, le tyran au sourire narquois se prend néanmoins d’ « affection » tout au long de cette saison pour certains personnages. Ses préférés, Daryl et Carl se retrouvent d’ailleurs à cette occasion sous le feu des projecteurs du radar Negan, et font partie des « veinards » qui voient l’intérieur du Sanctuaire. Le premier en tant que prisonnier/esclave, le second en tant qu’invité d’honneur.
Une saison beaucoup plus lente que les précédentes donc, mais un point reste inchangé dans la narration de The Walking Dead : le combat entre le bien et le mal. Quand Aaron rencontre Rick et son groupe au début de la saison 4, l’ancien policier lui dit « We are the walking dead », parfaitement conscient que les humains survivants de cet apocalypse sont en fait les véritables dangers de cette série. Les zombies sont d’ailleurs une espèce en voie de disparition au fur et à mesure des saisons. Relégués au second plan, comme une image de fond ou un moyen de fournir à l’occasion des scènes d’action grandioses, les zombies se révèlent être moins dangereux que les humains. L’Enfer ici c’est littéralement les autres. D’un méchant à un autre, nos héros enchaînent les guerres avec des communautés. Negan, dernier méchant, n’échappe pas à la règle et nous pousse à nous demander ce que les producteurs de la série ont encore en réserve pour nous d’ici la fin, surtout quand on sait que Scott Gimple disait lors du PaleyFest à Los Angeles que The Walking Dead pouvait encore continuer 20 ans.
1/ Le Joker (plusieurs films de Batman) : Créé en 1940 sous la plume de Bob Kane, Le Joker, par son charisme et sa cruauté, marque les esprits et devient la némésis du super-héros Batman. Plus qu’un simple personnage à travers ses différentes adaptations, le bad guy au maquillage est une icône. N’hésitant pas à faire preuve de cruauté mais toujours au service d’un idéal anarchique, Le Joker agit pour le chaos. Probablement l’un des super-vilains les plus complexes jamais créé, il marque les mémoires à chacune de ses apparitions. On explore alors la folie de ce personnage aussi dérangeant que fascinant par son approche pure du mal. Aucune bonté ne se dégage de cet homme, il n’inspire que crainte et magnétisme, déployant une aura mystique inégalée. À la fois effrayant et hilarant, tragique et passionné, Le Joker est un monument. 
2/ Dark Vador (Saga Star Wars) : À première vue, il est difficile de faire plus diabolique qu’un Jedi poussé par la haine du côté obscur. D’autant plus, si ce dernier s’est avéré être au final l’un des plus grands seigneurs Sith. Derrière sa silhouette imposante, sa voix caverneuse et sa lourde respiration, Dark Vador sème la terreur dans une galaxie très très lointaine. Son taux de midichloriens exceptionnel en fait un utilisateur de la Force particulièrement puissant, lui permettant de punir ses subordonnées les moins efficaces ou même d’assassiner son ancien maître Obi-Wan Kenobi. Que cela soit avec un sabre laser d’une couleur rouge sang ou une arme capable de détruire une planète, Anakin Skywalker de son vrai nom, fera tout pour éliminer la menace rebelle au nom de l’empereur Dark Sidious. Cela ne l’empêchera pas de trouver la rédemption auprès de son fils, non sans lui avoir coupé la main au préalable. 
3/ John Doe (Seven) : Derrière son physique frêle et son regard de chien battu se dissimule l’un des tueurs en série les plus machiavéliques de l’histoire du cinéma. En moins de sept meurtres (c’est dur d’en parler sans spoiler !), il a réussi à traumatiser toute une génération de spectateurs. Il faut reconnaitre que sa cruauté n’a d’égal que son ingéniosité à mettre au point des séances de torture aussi cauchemardesques que symboliques. En effet, le véritable moteur de ce psychopathe est sa foi chrétienne qui le pousse à se croire investi de la tâche de purger le monde dégénéré dans lequel il vit en « retournant chaque pêché contre son pêcheur ». Le plaisir qu’il prend à remplir sa mission et la façon qu’il a de se voir en martyr de cette cause divine font de lui l’incarnation même de l’extrémisme religieux au sens le plus redoutable du terme. 
4/ Jack Torrence (Shining) : « Je ne veux pas te faire de mal Wendy … Je veux juste te défoncer la gueule ! » Qui ne prendrait pas ses jambes à son cou face à cette interpellation d’une rare violence ? Surtout si elle provient de votre propre mari ! Possédé par l’esprit malveillant d’un hôtel dont il assure la garde, Jack Torrance, sous ses airs de mari et père idéal, devient petit à petit psychologiquement instable avant de basculer irrémédiablement dans la folie schizophrénique et devenir le plus terrifiant des meurtriers. C’est armé d’une hache, maniée furieusement, qu’il va commencer à poursuivre sa femme et son garçon à travers les couloirs de l’hôtel dans le seul but de les éliminer. Incarné par un Nicholson en transcendance totale, tout en hurlements, sourires et rires sadiques, Jack Torrance n’est pas qu’une simple représentation du mal : il en est l’incarnation même ! 
5/ Norman Bates (Psychose) : Norman Bates est surement un des schizophrènes les plus célèbres du cinéma mondial. Avec son motel, comme partie intégrante du personnage, Norman Bates est redoutable, mais tout de même fondamentalement intriguant. Par une personnalité complexe et réfléchie se dessine une singularité, un profil atypique que seuls les esprits complexes réussiront à cerner dans son entièreté, si cela s’avère possible. De l’homme émane un charme qui ne laisse personne indifférent. Son franc-parler et son discours tantôt incisif, tantôt langoureux, font de lui un méchant parfait, qui réussit les combines pour assouvir ses fantasmes. Magnifiquement interprété par Anthony Perkins, Norman Bates reste gravé dans les mémoires avec un regard qui hantera encore longtemps les spectateurs… De quoi frémir lorsque l’on prend sa douche, ou que l’on va dans sa cave… 
5 ex-aequo/ Anton Chigurh (No Country for Old Men) : Ce qu’il est important de constater à propos d’Anton Chigurh, c’est qu’il ne tue jamais sans raison. Il abat ses victimes pour atteindre son objectif, quel qu’il soit. Et si les causes de ces meurtres brutaux semblent souvent insignifiantes ou même obscures, elles restent des causes. L’arme qu’il utilise, un pistolet à air comprimé tel qu’on entrouve dans les abattoirs, est une extension de cette vision morale : Anton fait juste son travail. Malheur alors à qui croisera sa route, assistera à son œuvre, ou même lui laissera entendre qu’il est fou car le mal qu’il incarne est instoppable. Avec une interprétation parfaite de Javier Bardem, Joel et Ethan Coen nous ont offert l’un des tueurs les plus froids de l’histoire du cinéma. La réalisation des 2 frères nous montre le mal sous sa forme la plus réelle et glaçante : un homme avec une arme et une morale déviante. 
6/ Hannibal Lecter (plusieurs films adaptés de l’oeuvre de Thomas Harris): « Ange déchu » selon Thomas Harris, Hannibal Lecter est l’incarnation même d’une forme de divinité supérieure issue des déviances humaines. Il n’est pas régi par les mêmes codes moraux que ses contemporains et n’éprouve aucun remord car il ne conçoit pas la monstruosité de ses actes. Extrêmement intelligent et raffiné, il est un dandy moderne qui consume tout. De la connaissance à l’art ou les hommes eux-mêmes, étant cannibale. Le cinéma n’en a gardé que sa forme la plus carnassière et romantique, sa folie la plus pure. C’est à 
7/ Jigsaw (saga Saw) : Jigsaw, alias John Kramer est le personnage emblématique de la saga horrifique, Saw. Également nommé le Tueur au Puzzle, il est le créateur d’un jeu empreint de sadisme. Son but ? Piéger ses victimes en les forçant à s’infliger des tortures à la fois physiques et psychologiques : d’une sévère mutilation aux sacrifices de ses membres. Jigsaw est au centre d’une problématique bien plus profonde que la simple thématique de la violence gratuite. Ce personnage est l’auteur de crimes qu’il n’a pourtant jamais commis. Véritable tortionnaire, Jigsaw est un voyeur passif, qui n’agit que par le biais d’une manipulation mentale : au bout de ce jeu, aucune alternative. La victime se retrouve torturée face à ses propres erreurs. Pure allégorie du mal, Jigsaw, c’est l’union du sadisme lié à la réflexion. 
8/ Annie Wilkes (Misery) : Seul antagoniste féminin cité dans notre classement, Annie Wilkes est le personnage principal de Misery, roman à succès de l’auteur Stephen King. Au sein du récit, Misery est également le nom d’une saga littéraire qu’Annie Wilkes affectionne particulièrement. Lorsque son auteur n’hésite pas à de tuer le personnage principal, elle n’hésite pas à s’en prendre au romancier, qu’elle forcera à écrire un nouveau roman pour faire revivre son personnage adoré. Elle ira jusqu’à le torturer psychologiquement et physiquement. Démesurée et déconnectée de toute réalité, Annie Wilkes est un antagoniste fort dans le sens où elle incarne ce qu’il y a de plus machiavélique pour des raisons dérisoires. Plus qu’un grand méchant de cinéma, c’est un personnage fondamentalement ancré dans une société où la réalité et la fiction se confondent. Interprété par Kathy Bates en 1990 dans l’adaptation de Rob Reiner, il lui vaudra l’Oscar de la Meilleure Actrice. 
9/ Keyser Söze (Usual Suspects) : Keyzer Söze est devenu grâce à Usual Suspect de Brian Singer et surtout l’interprétation sans faille de Kevin Spacey une marque déposée en matière de faux-semblant et d’usurpation d’identité. Apposé à la vraisemblable incompétence des autorités (le spectateur n’aurait pas fait mieux et en cela l’ironie n’est que plus bluffante), ce personnage déploie, par un twist de fin, un manichéisme feint et une puissante perversion pour la manipulation. Ce personnage au nom de pâtisserie allemande aux multiples saveurs est un des plus apprécié par son génie sourd noyant le soupçon dans un whisky sans glaçon. Si l’on oublie deux secondes l’interprétation de l’acteur à double niveau, la psychologie de Keyser Söze à la fois tronquée et magnifiée par un instinct de survie primaire laissant place à toute l’empathie nécessaire pour le placer dans notre top. 
10 / Paul et Peter (Funny Games et Funny Games US) : Paul et Peter. Ces deux noms ne vous disent peut-être rien et pourtant c’est le duo de méchants le plus diabolique du cinéma. Qui sont-ils, d’où viennent-ils, que veulent-ils ? C’est peut-être leur absence de passé qui les rend si effrayants. En effet, leur jeu favori est de piéger des familles dans leur maison pour les massacrer, en jouant préalablement avec leurs nerfs (et les nôtres). Méthodiques, flegmatiques, ils ne perdent jamais leur sang-froid même devant les tortures les plus horribles. On suppose que c’est Paul le cerveau des opérations, mais rien n’est moins sûr tant ce monstre à deux têtes semble agir en parfaite harmonie. On ne sait même pas s’ils en sont à leur première attaque ou pas. Le pire, c’est que même les exploser au fusil de chasse ne semble pas avoir d’effets sur eux… 
Il y a quelques semaines, 
La première conséquence de ce tempo très saccadé se fait ressentir dès les premières minutes, alors que l’introduction très factuelle du personnage principal ne nous permet pas de poser sur lui un quelconque jugement moral. Ce flou restera jusqu’au bout de ce scénario et atteindra tour à tour chacun des nouveaux protagonistes de l’histoire, et ce malgré les interprétations irréprochables des acteurs. Après Paeso, l’ancien agent secret aux contours difficiles à cerner, c’est ainsi au tour de Roldán dont on ne saura jamais clairement s’il doit être considéré comme un politicard malhonnête ou comme une victime maladroite. Cette absence de traitement manichéen dans la caractérisation n’est pas intrinsèquement un mal mais, le souci le plus gênant de cette construction éclatée (et parfois brouillonne) de la narration est qu’il ne prend pas, en deux heures, le temps de développer ces individus qui, de fait, apparaissent comme froids et énigmatiques, et suscitant ainsi peu d’empathie. Un manque à gagner puisque leurs contradictions intimes et l’évolution de leurs relations apparaissent comme la source d’enjeux à priori majeurs.
leur succession sur un mode didactique -mais pas forcément clair pour autant- ne parvient pas à constituer un récit à la hauteur de son potentiel dramaturgique. 
force de cette reconstitution historique.
