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Emmené par Virginie Efira à l’œuvre dans son nouveau statut d’égérie d’un certain cinéma français, Pris de court, le nouveau film de la trop rare Emmanuelle Cuau est un beau portrait familial teinté d’une douce mélancolie, sous ses faux airs de thriller.

Synopsis : Nathalie est joaillère et vient de s’installer à Paris pour un nouveau travail et une nouvelle vie avec ses deux fils. Mais la direction de la bijouterie change soudainement d’avis et lui annonce que le poste ne sera pas pour elle. Nathalie veut protéger ses enfants et décide de ne rien leur dire. De ce mensonge vont naître d’autres mensonges de part et d’autre. L’engrenage commence…

J’enrage de ton absence

Il existe sur Youtube tout un ensemble de parents blogueurs; on les appelle des Mum & Dad vloggers, le V de vlogger étant en rapport avec les vidéos qu’ils postent sur leur vie de famille, généralement des enfants en assez bas âge, des enfants multiples ou des fratries imposantes. Au-delà de l’émotion liée à la grande jeunesse des enfants, à leur côté pataud, à leurs divers apprentissages, l’attrait de ces vidéos réside précisément dans cela : la famille, les relations entre les membres de la famille, mais aussi les membres eux-mêmes. Le dernier film de la française Emmanuelle Cuau, Pris de court, parle exactement sous ces termes d’une famille, monoparentale en l’occurrence; il montre l’évolution, sous certaines circonstances, de l’interaction entre les trois personnes qui la composent.

Nathalie (Virginie Efira) arrive à Paris, depuis le Canada où son mari est décédé, et après un bref passage en province. On la découvre d’emblée avec ses deux garçons, Paul (Rénan Prévot), un adolescent de 15 ans et Bastien (incroyable Jean-Baptiste Blanc), son petit frère de 8 ans. C’est le soir, elle les emmène devant la devanture de la joaillerie où elle est censée prendre un poste dès le lendemain. Une belle petite séquence qui montre tout de suite les bases de la relation entre cette mère seule et ses deux enfants : une douceur, amplifiée par la belle lumière du soir que la chef opérateur Sabine Lancelin a choisie, une complicité sans faille, une confiance des enfants dans la capacité de leur mère à les mener à bon port malgré ce déracinement.

Quand le drame arrive sous la forme d’un petit mensonge de Nathalie, plantée par son employeur putatif et obligée d’accepter un boulot alimentaire tout en cachant la réalité à ses fils, le bel équilibre familial se rompt. Par ellipses, par allusions, la cinéaste installe un faisceau de faits, au travers d’une belle caractérisation de ses personnages, qui vont amener le jeune Paul dans une spirale d’actions douteuses : la solitude dans une nouvelle ville et un nouveau lycée, la prétendue trahison de sa mère (son mensonge en réalité), qui le pousse à la vengeance, la mort du père jetée comme une accusation au visage de Nathalie. Tout est suggéré par des petites phrases presque sèches, et pourtant très efficaces. Le passage est très progressif, le jeune Paul glissant par exemple sur ses rollers de manière tout aussi innocente pour déambuler avec sa mère et son petit frère que pour effectuer ses petites courses de petit malfrat presque malgré lui. La mise en scène est du même acabit tout au long du métrage, ainsi par exemple la nervosité croissante de la mère qui est mesurée à l’aune des cigarettes fumées dans l’appartement même et à un rythme de plus en plus effréné ; aucun surlignage, aucun surplomb, presque des images subliminales…

Pris de court est un drame familial qui s’embarrasse finalement assez peu du contexte social (mère seule et sans emploi dans une ville inconnue). De même, le pseudo genre policier n’est vraiment là que pour servir son propos : l’angoisse de Nathalie lorsque Paul et Bastien ne rentrent pas un soir est par exemple plus importante que la raison de cette inquiétante disparition. De même, la tristesse du petit Bastien (« Tout est nul en ce moment » dira-t-il en allant se blottir dans les bras de sa mère) est au centre même de certaines « scènes d’action », et les stratagèmes de la chef de famille pour tenter de les sortir du gué ne sont vus que de l’intérieur de la famille, impliquant à peine les autres protagonistes. Les deux jeunes acteurs sont formidables, trouvant toujours le ton et l’expression justes pour les différentes situations auxquelles ils sont confrontés. Virginie Efira montre une fois de plus des qualités insoupçonnées de sobriété, de justesse d’un jeu presque minimaliste tout en restant émouvant, que la nature des comédies dans lesquelles elle officiait jusqu’à très récemment n’a pas permis de laisser apercevoir. Seul Gilbert Melki, qui personnifie le méchant et représente la partie thriller du scenario, est sous-utilisé dans un rôle qui n’a pas beaucoup d’épaisseur, contrairement à celui du précédent film de la cinéaste, Très bien, Merci (2007),  où il tenait le haut du pavé.

Sans être fracassant, Pris de court est un film très bien réalisé, sans aucun temps mort, minimaliste mais tendu, et servi par des acteurs au top. Emmanuelle Cuau est une réalisatrice trop rare (un film tous les dix ans), et pourtant précieuse, faisant mouche à chaque fois avec son thème presque unique, celui des liens familiaux, fragiles et forts à la fois de son point de vue. Un beau moment qu’il serait dommage de rater…

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Pris de court : Bande annonce  

Pris de court : Fiche technique

Réalisatrice : Emmannuelle Cuau
Scénario : Emmannuelle Cuau, Eric Barbier, Raphaëlle Desplechin
Interprétation : Virginie Efira (Nathalie), Gilbert Melki (Fred), Maryline Canto (Muriel), Rénan Prévot (Paul), Jean-Baptiste Blanc (Bastien)
Musique : Alexandre Lecluyse
Photographie : Sabine Lancelin
Montage : Anja Lüdcke
Productrice : Julie Salvador
Maisons de production : Christmas in July, Ad Vitam
Distribution (France) : Ad Vitam
Durée : 85 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 29 Mars 2017
France – 2017

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Voici donc Gangsterdam, objet de scandale. Un film « abominable » selon certains, « prônant la culture du viol » pour d’autres. Et s’il s’agissait juste d’une simple comédie ratée comme il en sort des dizaines en France tout les ans? Et est-ce que l’on a pas mieux à faire que chercher la racine de tous les maux de la société dans le dernier film avec Kev Adams? 

Synopsis: Ruben, Durex et Nora sont trois étudiants, en dernière année de fac. Ruben a peu confiance en lui. Du coup, il a déjà raté une fois ses examens et n’ose pas avouer ses sentiments à Nora. Ruben découvre que Nora deale de la drogue et qu’elle va se rendre à Amsterdam, pour ramener un tout nouveau «produit». Ruben décide de l’accompagner, pour enfin la séduire. Mais c’était sans compter son ami d’enfance, l’envahissant Durex. Là-bas, ils vont découvrir une ville complètement folle et les choses vont se compliquer quand ils vont être en contact avec les plus grands criminels d’Amsterdam.

Au grand dam de tout le monde… 

Nouvelle ritournelle du cinéma français, chaque film avec Kev Adams amène son lot de réactions épidermiques. Entre une fanbase manifestement acquise à sa cause et ses détracteurs qui l’ont transformé en némésis du bon goût, on s’étonnera qu’un jeune acteur qui semblait ne rien demander à personne  se retrouve malgré lui au centre de l’éternel combat entre culture populaire et culture savante. Et tout cela commence à devenir franchement ridicule.

Après Les Profs, Les Profs 2 et Les nouvelles aventures d’Aladin, le nouvel objet du délit s’appelle donc Gangsterdam. Si la fanbase reste pour l’instant silencieuse, côté détracteurs on passe à la vitesse supérieure. Ce n’est plus au tournant que l’on attend le jeune comédien mais carrément devant la porte du garage.  Quelques bandes annonces, deux trois avant-premières et le mal est fait, le nouveau film de Kev Adams serait LE manifeste d’une panophobie toute franchouillarde (homophobie, racisme, sexisme et tutti quanti) avec le coup de grâce final : le film ferait l’apologie du « viol sympathique ».

Crevons donc l’abcès d’entrée de jeu. Oui il y a des blagues racistes et homophobes dans le film, un certain nombre en effet. Elles sont quasiment toutes le fait d’un seul personnage, le meilleur ami du héros répondant au doux prénom de Durex et explicitement décrit comme «raciste, homophobe, sexiste» pour finalement se révéler homosexuel refoulé, qui s’invente un personnage ultra-macho. Dans cette optique de caractérisation d’une jeunesse en perte de repères fixes, la tension constante entre l’envie d’être un «bonhomme» et une sensibilité plus délicate par moments est un rouage de comédie valide aux potentialités énormes. Bien utilisée, la tension entre les deux extrêmes peut dans certains cas déboucher sur des situations cocasses. Mais sinon le type est cintré et s’appelle Durex… Que vous faut-il de plus pour comprendre qu’il n’est pas à prendre au sérieux ? Un carton indicatif en début de film ? Quant à la séquence de viol qui aura tant fait couler d’encre, oui on peut la trouver marrante tant la suggestion désamorce complètement la montée dramatique et l’esprit de sérieux qui risquaient de plomber le dernier quart du film en substituant une situation inextricable à une autre encore plus aberrante. Bien sûr que tout le monde ne trouvera pas ça drôle, mais reprocher à Gangsterdam de faire l’apologie du viol tout en envoyant ses louanges à Pulp Fiction, aux 8 Salopards et aux derniers James Bond (qui pratiquent le même genre de désinvolture avec une gratuité encore plus affirmée), c’est porter la mauvaise foi à un niveau plutôt élevé. Où étaient ceux qui râlent aujourd’hui quand Samuel L. Jackson racontait avec jubilation le même genre de sévices pas plus tard qu’en janvier dernier?

Pour en finir avec ça, chercher à dénoncer publiquement la bassesse morale du film, c’est aussi nier l’obligation de la comédie d’aller chercher sa substance dans les marges du bon goût. C’est aussi admettre que le mépris que les tenants du « grand cinéma » disent porter à Kev Adams semble être plutôt un mépris de son public auquel ils refusent d’admettre une capacité de distanciation. Tous les spectateurs d’un film de l’acteur seraient-ils si décérébrés que l’on devrait avoir peur de les voir sortir de la salle en rut pour sauter sur tout ce qui bouge ? Faudrait-il un permis spécial pour pouvoir profiter d’une comédie un peu trash et subversive ? La critique n’a pas à faire un travail de censure et cette micro polémique nous donnerait presque envie de défendre le film et le porter comme étendard contre la culture officielle. Mais encore faudrait-il lui trouver des qualités.

Loué en 2012 pour Radiostar, ego/road trip sympatoche avec Manu Payet, Romain Levy, qui semblait être une nouvelle voix fraîche dans le paysage de la comédie française, ne transforme pas l’essai. Voulant marcher dans les pas de Guy Ritchie en tentant le canevas entre comédie de mœurs et film de gangsters, il se prend malheureusement les pieds dans le tapis en affichant une mauvaise gestion du rythme, un découpage brouillon des fusillades et une écriture pas toujours cohérente des personnages. Plutôt que de faire le choix d’un vrai film de flingue assaisonné par des pastilles comiques, Levy prend le parti de la comédie sur laquelle il applique un verni «action pop corn»  un peu grossier. Reprenant ça et là des gimmicks vus ailleurs, comme l’utilisation de Freebird sur un gunfight  ou encore des plans bateaux qui seraient du plus bel effet dans une pub Chanel. La mise en scène manque donc de cette cohérence qui éviterait que la moitié des blagues tombe à plat. Et malgré quelques idées intéressantes utilisant la barrière de la langue ou la confusion des genres (plusieurs moments montrent les rôles « prédéfinis » s’inverser), le gag le plus réussi reste une blague de prout qui s’étire sur une dizaine de minutes.  Accordons au moins ça au crédit du film en espérant que cela ne devienne pas une marque de fabrique du réalisateur.

Côté acteurs le trio principal s’en tire tout de même avec les honneurs. Kev Adams quant à lui reste un objet paradoxal. Assez lourdingue quand il reproduit ses éternelles mimiques d’ado naïf mais tout de suite plus sympathique lorsque qu’il tente un registre un peu plus mature de mec blasé dépassé par les événements. Le problème ne vient peut être pas de lui mais des rôles qu’on lui écrit. Il serait peut-être judicieux de tenter le coup du contre-emploi, qu’il nous montre un peu ce qu’il a dans le ventre, car après tout, si son succès est fulgurant, sa carrière n’en est encore qu’à ses débuts. Côté seconds couteaux, on retiendra un sympathique Patrick Timsit en père prof de physique gentiment à la ramasse, un Manu Payet finalement amusant en caïd germanopratin délicat et Hubert Koundé plutôt crédible en arnaqueur à la petite semaine. Pas de véritable révélation à l’horizon, mais pas non plus de couacs notables.

Gangsterdam n’est finalement pas grand chose. Ce n’est pas le renouveau de la comédie française. Ce n’est pas non plus le pamphlet homophobe et sexiste que certains voudraient qu’il soit (il reste moins dérangeant que, par exemple, Projet X qui était emprunt d’un racisme qui ne disait pas son nom). Ce n’est pas non plus la réalisation de ce fantasme inavouable de cinéphile de voir Patrick Timsit donner la réplique à Rutger Hauer. Certains aimeraient que Gangsterdam soit beaucoup de choses, mais ce ne sera jamais plus qu’une comédie française moyenne dont le seul défaut aura été d’être parfois maladroite et pas toujours claire dans ses intentions premières.

Gangsterdam : Bande-annonce

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Gangsterdam : Fiche technique

Réalisateur : Romain Levy
Scénario : Remy Four, Romain Lévy, Mathieu Oullion et Julien War
Interprétation : Kev Adams, Côme Levin, Manon Amez, Manu Payet, Patrick Timsit, Ruthger Hauer…
Musique : ROB
Producteurs : Alain Attal
Distribution : Studiocanal
Durée : 100 min
Genre : comédie, action
Date de sortie : 29 mars 2017
France – 2017

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Félicité est l’un des rares films africains à arriver jusqu’à nos salles obscures, il serait donc dommage de ne pas observer la vision qu’il propose de la ville de Kinshasa. La capitale congolaise apparaît, devant la caméra d’Alain Gomis, comme un univers tumultueux, mais c’est avant tout un portrait de femme qui est au cœur de sa mise en scène faite de musique et de spiritualité.

Synopsis : Félicité est connue dans tout son quartier en tant que chanteuse dans un bar très populaire et animé. Mais c’est en tant que mère qu’elle entame une quête puisqu’elle doit sauver son fils victime d’un accident de moto. Menée par son instinct maternel et son besoin de liberté, elle est contrainte de quémander dans les rues de Kinshasa. C’est finalement en tombant sous le charme de Tabu qu’elle va finalement trouver du réconfort.

Mamma Kinshasa 

Dès le premier plan, elle est là. Elle, c’est Félicité, incarnée par Véro Tshanda Beya Mputu. Cette actrice amateure, qui tenta sans conviction sa chance au casting, est le principal atout du nouveau long-métrage du franco-sénégalais Alain Gomis. La scène d’ouverture nous la présente en train de chanter. Un talent que son interprète a d’ailleurs dû travailler avant le tournage, et qui porte ses fruits puisque chacun de ses passages musicaux participe pour beaucoup au charme du film. Celui-ci démarre sur un postulat à priori assez simple, reposant sur l’idée de nous faire suivre un personnage contraint de faire le tour de la ville pour mieux nous la faire découvrir. Le meilleur exemple de ce dispositif est sans doute le Chien Enragé d’Akira Kurosawa, mais ici l’usage de la caméra au poing, la place donnée aux relations familiales et les décors aux allures de bidonvilles rappellent davantage le cinéma de Brillante Mendoza. Pourtant, contrairement au réalisateur philippin, Gomis donne davantage d’importance à la représentation des sentiments de son héroïne qu’au drame social inhérent à sa condition.

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Peut-être la principale faiblesse de sa mise en scène est-elle justement d’être trop attachée à la comédienne et de ne laisser que peu d’espace à la vision de ce qui l’entoure. Les rares plans larges nous permettant de profiter du foisonnement de la ville-monde sont en cela une véritable respiration. La collaboration du documentariste Dieudo Hamadi sur le scénario peut alors sembler limitée au regard de cette dramaturgie pour le moins limitée qui consiste à suivre le rôle-titre dans ses déambulations tour à tour endiablées et larmoyantes. Pourtant, le discours sur les efforts pour survivre n’est pas exempt d’une portée symbolique autour du lourd passé du peuple congolais. Cette dimension symbolique va même devenir inévitable car, tandis que les enjeux intimistes évoluent à mi-parcours, le naturalisme qui caractérise la première partie du film va peu à peu laisser sa place à un onirisme dont les allégories ne sont pas forcément simples à saisir pour le public européen que nous sommes (la visite du zèbre, par exemple, a sûrement une signification évidente pour les africains mais sera par chez nous totalement libre d’interprétation). La linéarité du récit s’efface donc pour une imagerie fantasmatique qui restera un peu floue.

Plus difficile encore à déchiffrer est le jeu de l’actrice. Sans nul doute le visage fermé de Félicité est-il davantage une caractéristique du personnage qu’un reproche à faire à son interprète. Preuve en est le regard que lui portent certains de ses proches, à commencer par les membres de son groupe, qui semblent ne pas toujours comprendre les réactions de cette femme forte et orgueilleuse. Depuis notre position de spectateur, il ne nous est donc pas évident de s’identifier à elle, et c’est une raison de plus pour laquelle la première partie du film ne parvient pas à pleinement nous faire nous immerger à ses côtés. Dans la seconde moitié du long-métrage en revanche, c’est au personnage de Tabu – qui apparait dans un premier temps comme un beau-parleur n’inspirant pas forcément confiance – que l’on s’attache plus facilement. Le scénario gagne alors en légèreté, et parvient à assurer une rupture de ton fort bienvenue au regard de la gravité du drame qui l’a précédé. Entre interludes musicaux, scènes chimériques, réalisme social et marivaudage, Alain Gomis nous concocte un étonnant mélange de genres qui fait de Félicité un film au demeurant agréable mais parfois abstrait.

On aimerait prendre plaisir à soutenir Félicité dans la dure épreuve qu’elle traverse et qui ira jusqu’à lui coûter sa voix, ainsi qu’à partager son plaisir romantique naissant, mais le long-métrage qui porte son nom ne cesse de nous égarer dans un traitement chargé en mysticisme dont le réalisateur n’a pas pris la peine de nous donner toutes les clefs. Dommage, sa finalité reste nébuleuse et son rythme très inégal malgré de très bonnes idées, parfois même expérimentales, en particulier lors des scènes chantées qui resteront assurément les meilleurs souvenirs à en garder.

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Félicité : Bande-annonce

Félicité : Fiche technique

Réalisation : Alain Gomis
Scénario : Alain Gomis, avec la collaboration de Delphine Zingg et Olivier Lousteau
Interprétation : Véro Tshanda Beya (Félicité), Papi Mpaka (Tabu), Gaetan Claudia (Samo), Nadine Ndebo (Hortense)…
Image : Céline Bozon
Montage : Alain Gomis, Fabrice Rouaud
Musique : Kasai Allstars, Arvo Pärt interprété par l’Orchestre Symphonique de Kinshasa
Décors : Oumar Sall
Costumes : Nadine Otsobogo-Boucher
Producteur(s) : Arnaud Dommerc, Alain Gomis, Oumar Sall
Production : Andolfi, Granit Films, Cinekap
Distributeur : Jour2fête
Récompenses : Grand prix du jury à la Berlinale 2017, Étalon d’Or de Yennenga au Fespaco 2017
Genre : Drame
Durée : 123 minutes
Date de sortie : 29 mars 2017

France/Belgique/Sénégal/Allemagne/Liban – 2016

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Avec son récit diffracté, Arnaud des Pallières nous bouleverse autant qu’il nous révolte à travers Orpheline, un récit de vie, celui d’une femme interprétée par les puissantes Adèle Haenel, Adèle Exarchopoulos et Solène Rigot.

Reflets dans des yeux d’hommes*

On peut bouillonner, être agacé(e), énervé(e) en voyant Orpheline qui donne l’impression que l’héroïne fragmentée interprétée par quatre formidables actrices, est tributaire du regard des hommes. Pourtant, il ne faudrait pas oublier qu’Orpheline est du côté de la vie avant tout et que le regard porté sur Kiki, Karine, Sandra et Renée qui ne font qu’une n’est jamais figé, mais mouvant, tremblant, émouvant. Si certaines scènes sont dures, elles n’en sont pas moins aussi tendres qu’éphémères, car Arnaud des Pallières ne porte pas de jugement sur ce qu’il filme, il admire plutôt le point de vue du personnage principal, une vraie héroïne. Ce point de vue évolue car le personnage lui-même évolue. Et c’est bien là la force du film : dire à quel point nous ne sommes jamais tout à fait les mêmes d’une vie à une autre ou, plutôt, de décennies en décennies. Le film est avant tout une quête d’amour qui passe par un désir sexuel assez insaisissable et pas toujours enviable. Insaisissable, Karine l’est aussi. Son corps n’est jamais complètement le même, malgré ses lèvres qu’elle recouvre de rouge d’années en années. Le procédé utilisé par des Pallières est un artifice, bien sûr, quatre actrices pour une même femme, mais pas superficiel. Il ne cherche ainsi pas à vieillir son actrice au fil du temps qui passe. Une fois le morceau de vie achevé, elle laisse place à une autre qui est elle-même et celle d’avant en même temps.

« Moi je voulais juste un corps, je cherchais seulement des bras, un lit de réconfort, des délices sous les draps… »**

Ce récit de vie éclaté, éclatant et parfois écarlate, tant le sang coule de manière symbolique face à la violence des rapports hommes/femmes qui sont ici racontés, est souvent très déstabilisant. Si ce que fait l’héroïne ne nous plait pas toujours, on peut dire qu’elle n’est jamais filmée comme une victime ou alors de ce qu’elle n’ose pas dire, n’ose pas faire. Ce qu’elle veut, c’est de l’amour et elle le demande un peu maladroitement selon ce qu’elle pense que les hommes attendent d’elle et, comme ils ne la contredisent jamais ou presque, elle ne comprend pas pourquoi changer. Au-delà de l’amour, elle veut aussi survivre sans trop savoir comment autrement que dans la débrouille qui passe souvent par le biais d’un homme, malgré elle. Le récit n’est pas linéaire, ce n’est pas nouveau mais, ici, cela ajoute à la volonté du réalisateur de mettre le spectateur en inconfort, de le forcer à voir au-delà de l’image, à ne pas s’arrêter à son premier regard. C’est souvent troublant, entêtant, révoltant. On voudrait la voir s’émanciper du regard des hommes, s’y refléter autrement. On sent aussi l’imperceptible mouvement, changement qui s’opère en elle. Les hommes, quant à eux, sont patauds, souvent incapables de sortir du regard que Karine (il semble que ce soit son véritable nom) porte sur eux. Elle ne leur laisse pas la chance d’essayer la tendresse. Deux scènes au moins en témoignent, quand le mari (Jalil Lespert) de Renée (le dernier âge de ce personnage multiple) lui dit « j’ai envie de toi quand tu pleures » ou encore quand à 13 ans elle embarque dans la voiture d’un homme et que ce dernier découvre son âge, panique et se prend sa violence à elle en pleine figure (mais que recherchait-elle vraiment?). Cette dernière scène fait d’ailleurs écho à une autre, tournée il y a 10 ans, où l’on retrouvait Adèle Haenel. C’était dans Naissance des pieuvres. Floriane, persuadée de devoir être quelqu’un qu’elle n’était pas en vérité, draguait un homme plus âgé avant de se retrouver dans sa voiture. Les deux corps se rapprochaient quand soudain surgissait Marie qui ramenait Floriane à son âge « laisse ma copine, il y a son père qui nous attend ». La violence était alors du côté de l’homme. Voilà pourquoi nous sommes heurtés, c’est à la fois parce que homme comme femme dans Orpheline sont tributaires du regard de l’autre. Orpheline nous révèle finalement nos propres contradictions.

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Le film est tout entier pris dans le regard de l’héroïne. Quand elle fait l’amour, la caméra se rapproche des corps pour capter son regard à elle sur le grain de peau des autres. Elle fait écho à deux autres femmes dont le désir (ou l’idée du désir, même pour la survie) salvateur ou destructeur a été récemment filmé au cinéma dans Fidelio, l’odyssée d’Alice et The young Lady. La volonté d’amour était puissante là aussi, même pleine des clichés rattachés aux deux sexes, hommes et femmes, même d’une violence déchirante. Une chose est sûre, Orpheline est un objet cinématographique fascinant car impossible à catégoriser. Il vit longtemps en nous et dit très bien, comme Céline Sciamma déjà citée, que nos identités ne sont jamais figées et que nous apprenons des autres autant qu’ils nous enferment dans des images de nous. Des images vouées à n’être plus que des souvenirs. Bouleversant. Au final, tels des personnages à la Christophe Honoré, les hommes et les femmes de ce film cherchent juste des corps, des bras, des lits de réconfort, de quoi se sentir un peu aimés, quel qu’en soit le prix à payer. L’orpheline est après tout celle qui n’a plus de père, ni ne mère et qui doit donc suivre seule sa route, sans boussole. 

*Titre détourné que l’on doit à l’excellent Reflets dans un œil d’homme de Nancy Huston
**Citation de la chanson J’ai cru entendre d’Alex Beaupain pour le film Les chansons d’amour de Christophe Honoré

Orpheline : Bande annonce

Orpheline : Fiche technique

Réalisateur : Arnaud des Pallières
Scénario : Arnaud des Pallières, Christelle Berthervas
Interprètes : Adèle Haenel, Adèle Exarchopoulos, Solène Rigot, Gemma Arterton, Jalil Lespert, Nicolas Duvauchelle, Vega Cuzytek, Sergi Lopez
Photographie : Yves Cape
Montage : Emilie Orsini, Arnaud des Pallières, Guillaume Lauras
Production : Michel Klein, Serge Lalou
Sociétés de production : Les Films Hatari, Les Films d’Ici, Arte France Cinema
Distribution : Le Pacte
Durée : 111 minutes
Genre : Drame
Date de sortie : 29 mars 2017

France – 2017

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L’âme et le corps, deux entités que la philosophie s’est évertuée à vouloir concilier et séparer, dans un même mouvement schizophrène. Esprit libre de toute entrave physique ou Ghost in the Shell, chevillé irrémédiablement au corps ? La question se pose toujours.

Synopsis : Dans un futur proche, le Major est unique en son genre : humaine sauvée d’un terrible accident, son corps aux capacités cybernétiques lui permet de lutter contre les plus dangereux criminels. Face à une menace d’un nouveau genre qui permet de pirater et de contrôler les esprits, le Major est la seule à pouvoir la combattre. Alors qu’elle s’apprête à affronter ce nouvel ennemi, elle découvre qu’on lui a menti : sa vie n’a pas été sauvée, on la lui a volée. Rien ne l’arrêtera pour comprendre son passé, trouver les responsables et les empêcher de recommencer avec d’autres.

Humaine après tout

La possibilité de la naissance spontanée d’une nouvelle forme d’intelligence engendrée par l’informatique est clairement envisagée par les scientifiques aujourd’hui. Nul besoin de préciser que la littérature et le cinéma se sont emparés de cette hypothèse il y a déjà longtemps. L’œuvre Ghost in the Shell, dont le film de Rupert Sanders est une adaptation, est foisonnante. Depuis le manga initial publié en 1989, en passant par le premier long-métrage animé de 1995, suivi d’un deuxième opus en 2004, d’une série animée et de plusieurs OAV, le matériau propose de multiples entrées pour aborder un sujet complexe. Se saisir d’une telle masse pour créer un film calibré pour la salle de cinéma, ne dépassant pas les deux heures et ayant pour vocation d’attirer le public le plus large possible est à ce titre une gageure. Rupert Sanders, dont Ghost in the Shell est le deuxième film après Blanche-Neige et le Chasseur, a évoqué cette difficulté à faire face aux exigences radicales d’une production hollywoodienne tout en composant avec ce qui constitue le cœur de l’œuvre de départ. Une adaptation n’est pas mauvaise parce qu’elle prend des libertés avec la création originale, elle peut le devenir lorsqu’elle n’assume pas pleinement ses choix et oscille entre l’hommage policé et la proposition personnelle.

Comme pour Blanche-Neige et le Chasseur, Rupert Sanders s’est vu proposer la réalisation de Ghost in the Shell. Steven Spielberg, le détenteur des droits de l’œuvre, le sachant très attaché à l’animé de 1995, lui a laissé le soin de s’attaquer au remake live. Compte tenu des conditions de production rigides du cinéma industriel, il est probable que Sanders n’ait pas eu son mot à dire quant au scénario à partir duquel il a travaillé. Ce dernier associe des éléments du premier long-métrage de 1995 pour l’intrigue principale et d’autres issus du second opus intitulé Innocence, notamment pour ce qui concerne les questions éthiques soulevées par le rapport entre les humains et des machines intelligentes. La différence majeure du film de Sanders réside dans le rapport des personnages à la technologie. Dans l’animé, la technologie est présentée comme un acquis, possédée par les êtres humains de longue date. Le Major Kusanagi, la protagoniste de l’histoire, a troqué son corps organique contre un corps synthétique lui offrant des performances accrues dans son travail au sein d’une cellule antiterroriste. L’acte est réalisé sciemment, en pleine conscience des conséquences que cela pourrait avoir. Bien entendu, cela ne signifie pas que l’humanité ne puisse pas être dépassée par l’émergence d’une forme d’intelligence artificielle, qui fera l’objet de l’intrigue. A l’inverse, le Major du film de Sanders est une victime de la technologie, comme l’ensemble des personnages du film. La défiance envers les machines est très marquée dans le remake. Le Major est l’unique spécimen de cyborg, et elle n’a pas choisi de faire subir à son corps ces modifications. A ce titre, elle est constamment ramenée à son statut de produit (plus précisément d’arme, ce qui en dit long quant à l’usage qui est fait des nouvelles technologies) conçu par la science pour servir l’humanité, rien à voir avec son aïeule dont le libre arbitre est déterminant dans le déroulement de l’histoire. Cet argument de la méfiance envers la technologie a du sens parce qu’il trouve un écho dans notre société. On sent d’ailleurs que la thématique est chère aux yeux de Sanders lorsqu’il évoque la genèse du film :

« Le progrès technologique sans encadrement pourrait se révéler nocif. On peut faire des choses formidables mais il faut avoir en tête les conséquences que cela aura. Prenez ces voitures qui se conduisent sans chauffeur, en cas d’accident mortel leur logiciel va les amener à effectuer des choix logiques sur le plan mathématique mais qui d’un point de vue éthique peuvent être discutables. Par exemple lors de la collision de deux voitures, l’une avec cinq personnes, l’autre avec un conducteur isolé, le logiciel fera le choix de sacrifier la personne seule pour préserver les cinq autres, la même mécanique se mettrait en place si on avait affaire à un conducteur jeune et un conducteur âgé, le plus âgé serait tué au profit du plus jeune. »¹

Le problème de cet argument dans cette nouvelle adaptation de Ghost in the Shell, c’est qu’il est traité de manière grossière, comme si nuance et promesse de blockbuster ne pouvaient être associées. Les personnages sont très peu caractérisés et se réduisent à des stéréotypes frustrants pour certains, carrément grotesques pour d’autres. Juliette Binoche, interprétant le docteur Ouelet, la scientifique en charge de la création du corps synthétique du Major, est réduite à une figure maternelle mal dégrossie. Hollywood voit dans la figure d’une mère non-maternelle l’incarnation du Mal absolu et est incapable de produire des personnages qui détacheraient la femme de son éternel statut de mère aimante, tout en restant un protagoniste positif. Peter Ferdinando interprétant Cutter, le directeur d’Hanka, l’entreprise de composants cybernétiques, est le personnage le plus bancal et le moins convaincant. Il n’est qu’un méchant lambda dont les motivations sont faibles. Il est associé aux forces militaires, il est donc mauvais et c’est tout ce qui le définit. Ce traitement infligé aux personnages est dramatique, il leur ôte du même coup tout intérêt mais vient aussi affaiblir considérablement la portée du film. Dans un film qui se prétend héritier de l’animé Ghost in the Shell, force est de constater que la richesse psychologique des personnages et la complexité de l’univers présenté (l’intrigue politique est, elle aussi, malmenée dans le film de Sanders et réduite à une forme embryonnaire ridicule au profit des scènes d’action) sont les grands absents de cette adaptation hollywoodienne.

En choisissant de transformer le récit d’une enquête policière dans un monde futuriste aux accents cyberpunk en un récit initiatique centré sur une héroïne à la recherche d’elle-même, cette nouvelle adaptation n’opère pas un mauvais choix. On a de l’empathie pour ce Major et sa quête d’identité, son histoire est plus cruelle, les enjeux personnels sont donc plus forts. Scarlett Johansson, bien que s’éloignant nettement de son illustre ancêtre animée, propose une performance intéressante du Major Kusanagi. Elle joue sans exagération outrancière son rôle de cyborg errante, sans surenchère dans l’émotion (exceptés les quelques passages avec le Dr. Ouelet, qui s’accordent mal avec le reste). Mais une protagoniste intéressante ne suffit pas à rattraper la vacuité des autres personnages qui l’entourent et les maladresses scénaristiques. En voulant faire un hommage appuyé à l’œuvre originelle, Sanders multiplie les inserts tirés de l’animé, parfois sans trop de logique, uniquement pour tenter de satisfaire la base de son public connaissant le manga. Esthétiquement, le film est beau, les effets visuels ne sont pas invasifs et viennent servir l’action plutôt que de prendre le pas sur elle. A ce titre, la première scène qui suit le générique d’ouverture est très représentative ; elle dépasse la scène d’origine avec de vraies propositions visuelles spectaculaires. Par ailleurs, de nombreux éléments de décors, et surtout de costumes (le squelette cybernétique du Major dans la scène d’introduction notamment), ont été fabriqués pour rendre palpable l’univers du film. Cependant tout l’environnement urbain qui nous est présenté manque cruellement de présence humaine. C’est dommage, le film en pâtit beaucoup en termes de véracité.

Au final, cette nouvelle adaptation de la franchise Ghost in the Shell est un divertissement qui se laisse regarder mais dont les approximations viennent parasiter le visionnage. On a affaire à une adaptation simplifiée et lissée d’une œuvre initiale plus ambiguë qui laissait plus de place au spectateur et à sa réflexion. Dans l’animé on trouve de nombreuses scènes sans dialogue servies par une musique inoubliable de Kenji Kawaï (Death Note, le film, Ring) qui appellent à la contemplation et à l’introspection. Elles n’existent pas dans le film de Sanders. Le cinéma américain s’inscrit pour l’essentiel dans une industrie du divertissement : flatter le consommateur, aller vers une uniformisation inoffensive du regard et ne pas lui présenter un produit jugé trop subversif pour espérer le faire revenir. En disant s’inscrire dans la filiation de l’œuvre première, Sanders espérait produire avec ce film « des images qui nous hanteraient », le succès est en demi-teinte, l’oubli n’est jamais loin.

Ghost in the Shell : bande annonce

Ghost in the Shell : fiche technique

Réalisateur : Rupert Sanders
Scénario : d’après le manga The Ghost in the shell de Masamune Shirow
Jamie Moss, William Wheeler
Interprétation : Scarlett Johansson (Major), Pilou Asbæk (Batou), Takeshi Kitano (Aramaki), Juliette Binoche (Dr. Ouelet), Michael Pitt (Kuze), Chin Han (Han), Danusia Samal (Ladriya), Lasarus Ratuere (Ishakawa), Yutaka Izumihara (Saito), Tawanda Manyimo (Borma), Peter Ferdinando (Cutter), Anamaria Marinca (Dr. Dahlin) etc…
Image : Jess Hall
Montage : Billy Rich, Neil Smith
Musique : Lorne Balfe, Clint Mansell
Producteurs : Ray Angelic, Ari Arad, Avi Arad, Michael Costigan, Steven Paul
Producteurs exécutifs : Tetsuya Fujimura, Mitsuhisa Ishikawa, Jeffrey Silver
Distribution : Paramount Picture
Durée : 107 minutes
Genre : Science fiction
Date de sortie : 29 mars 2017

États-Unis – 2017

Les Mauvaises Herbes : un feel-good movie québécois signé Louis Bélanger qui met en œuvre trois protagonistes attachants et émouvants. Impossible de s’ennuyer.

Synopsis : Un comédien de théâtre fou de jeux d’argent (Jacques) se retrouve endetté auprès d’un mafieux. Dans sa fuite, il se retrouve pris en otage par Simon, un anachorète de religion singulière : la culture du cannabis. Une amitié peu commune nait entre ces deux protagonistes, et sera perturbée par l’arrivée de Francesca, une jeune femme aux valeurs différentes.Une symbiose se crée et sera troublée par l’arrivée du créancier qui voudra récupérer son dû.

À chacun son herbe.

Il est de ces films où l’intrigue saute aux yeux dès les premières minutes, Louis Bélanger réussit à travers Les Mauvaises Herbes à mener par le bout du nez, minute par minute, le spectateur. Avec une trame peu commune, on se laisse facilement bercer par le fil de l’histoire, et on rentre dans le monde de Jacques, Simon et Francesca. Trois personnages qui, à première vue, n’ont rien en commun et qui pourtant ont tout pour s’entendre.

Tous trois ont été rongés par leurs passés, l’un est endetté, l’autre tente de reconquérir son fils en cultivant du cannabis, et enfin la dernière est presque orpheline et veut s’affirmer dans une société qui va à l’encontre de ses principes. Trois mauvaises herbes qui, à priori, cherchent une solution à leur problème et qui réussissent finalement à s’en débarrasser en formant à eux trois une coalition, une famille dont la complicité est née de manière peu habituelle.

La technique au service de la trame

Une réalisation et un casting efficaces et dynamiques viennent souligner les différentes tournures que l’histoire prend. Impossible de s’ennuyer quand les angles de caméras sont bien faits, que la musique (au soin du frère du réalisateur, l’auteur-compositeur-interprète Guy Bélanger ) est bien sélecte.

Les différents plans subjectifs sont appréciés, on arrive à se mettre dans les souliers des personnages.
 Certaines séquences nous ont bien plus, telles que la course poursuite au début du film, bien déstabilisante au vu des lignes directrices obliques qui rendent la scène moins monotone et dont la convergence nous a déséquilibrés.

Une comédie dramatique comme on n’en a pas vu depuis un moment ! On recommande vivement !

https://www.youtube.com/watch?v=J5r7sFmA7VM

Les mauvaises herbes : Fiche technique

Réalisation : Louis Bélanger
Scénario : Louis Bélanger, Alexis Martin
Interprétation : Alexis Martin, Gilles Renaud, Luc Picard, Emmanuelle Lussier-Martinez, Myriam Côté, Bénédicte Décary, François Papineau, Sylvio Archambault, Stéphane Jacques, Gary Boudreault et Patrick Hivon.
Chef monteur : Claude Palardy
Musique : Guy Bélanger
Costume : Sophie Lefebvre
Producteur : Lorraine Dufour, Luc Vandal
Société de production : Christal Films
Distributeur : Les Films Séville
Durée : 108 minutes
Genre : Comédie dramatique
Date de sortie : 5 avril 2017

Canada – 2017