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Martin Provost réunit les deux Catherine du cinéma français à l’écran, pour dresser les portraits de deux femmes que tout oppose dans Sage Femme.

Synopsis : Des retrouvailles entre deux femmes radicalement opposées après 40 ans avec leurs doses de rancoeur, de mensonges, de mystères et de bouleversement. Le seul point en commun qu’elles possèdent : une homme. Pour l’une, il était son père, pour l’autre il a été son amant.

Deneuve mène la danse.

Il est toujours intéressant de découvrir la rencontre entre deux personnes aux antipodes l’une de l’autre. C’est souvent très riche en comique de situation lorsque c’est bien mené. Il s’agit ici d’une deuxième rencontre : Béatrice revient dans la vie de Claire après des dizaines d’années d’absence et les retrouvailles ne vont pas être de tout repos. Les différences sont aussi attirantes que repoussantes et malgré leurs modes de vie radicalement opposés, Claire se refuse à laisser seule Béatrice. Si la première construit son quotidien avec sobriété et mesure, l’autre choisit le jeu et la séduction. Le caractère des deux femmes semble alors tout tracé au regard de leur vie, pourtant, on découvre tout le contraire dans le film. Celle dont la vie est la plus simple présente une force que l’on ignore au départ, alors que celle qui croit « aux vertus du plaisir » a terriblement peur de ce qui lui arrive et fait tout pour ne pas mourir seule. C’est d’ailleurs grâce à cela que les deux personnages se rejoignent. Si la symbiose est très souvent immensément belle à l’écran, les différences peuvent l’être aussi. Les rires et les reproches lancés à tout-va donnent le ton au film qui promet d’être tumultueux. Catherine Deneuve est incroyable et drôle dans son rôle envahissant tandis que Catherine Frot semble un peu plus dans le contrôle et la retenue bien que soit son personnage qui le veuille. Si Deneuve paraît aussi à l’aise, c’est aussi parce que l’on sent un naturel débordant qui émane de sa voix et de son corps, sans réel besoin de jouer finalement : son personnage lui colle à la peau. Il est vrai que l’on s’attendait à plus d’étincelles de la part de ce duo qui avait pourtant tout pour rendre cette rencontre explosive. Le spectateur attend cette confrontation avec impatience pour n’obtenir que quelques éclats de voix, très bons mais pas suffisants. Les personnages secondaires sont également très intéressants avec Olivier Gourmet et Quentin Dolmaire mais quelques fausses notes font perdre un peu de crédibilité à certaines scènes, bien que ce soit très vite rattrapé par d’autres moments drôles ou émouvants.

Sage Femme est de ce genre de film pas extraordinaire ni bouleversant mais agréable et plaisant à regarder. Sous ses airs de comédie dans laquelle se retrouvent deux immenses actrices, se cachent des thèmes plus subtiles où la mort et l’amour se mêlent vivement. Derrière leurs différences flagrantes subsistent quelques ressemblances : l’amour d’un même homme déjà, puis la fragilité de la vie qui leur permet finalement de se retrouver. L’une est sa fille. L’autre était sa maîtresse. L’une est sage-femme. L’autre va mourir. Autant de différences qui vont se transformer en correspondances au fil de l’histoire. Le rythme est assez lent et le film assez long, mais heureusement certaines touches d’humour nous réveillent un peu. Le personnage de Catherine Deneuve est là pour donner le ton et la cadence au film et finit par transformer celui de Catherine Frot, qui nous fait rire à son tour.
Bien que la force de ce long-métrage de Provost ne repose pas vraiment sur la mise en scène, sa simplicité nuit au rythme car elle a tendance à adoucir le film, qui manque souvent de rebondissements ou d’action. La musique, au contraire, relève le ton et ajoute les émotions là où elles peuvent manquer au spectateur. Rien de surprenant avec Grégoire Hetzel qui avait aussi très bien su sublimer l’histoire entre deux femmes dans La belle saison. Le réalisateur ne fait pas que mettre en image son amour des femmes et l’inspiration qu’elles lui offrent, il rend hommage au métier de sage-femme, pour qui il a un sens particulier puisque l’une d’entre elles lui a sauvé la vie.

Sage Femme : Bande Annonce

https://www.youtube.com/watch?v=VlGBuZQa_dg

Sage Femme : Fiche technique

Réalisation : Martin Provost
Scénario : Martin Provost
Interprétation : Catherine Deneuve, Catherine Frot, Olivier Gourmet, Quentin Dolmaire
Image : Yves Cape
Musique : Grégoire Hetzel
Producteur : Olivier Delbosc
Sociétés de production : Curiosa Films, France 3 Cinéma, Versus Production
Distributeur : Memento Films Distribution
Durée : 117 minutes
Genre : comédie dramatique
Date de sortie : 22 mars 2017

2017 – France

Pour son long-métrage Going to Brazil, Patrick Mille s’arme d’actrices méconnues mais talentueuses pour offrir une comédie d’aventures de qualité sous fond de road-trip brésilien.

Synopsis : Trois jeunes amies d’enfance, Chloé, Agathe et Lily, vivent à Paris et sont invitées au mariage de Katia, qu’elles n’ont pas vue depuis plusieurs années. Le mariage se déroulant à Rio de Janeiro, les trois copines s’envolent dans une ville de fête, de plaisir et d’excès en tout genre. Cependant, Lily tue accidentellement le mari de Katia, Tinho, alors qu’il tentait de la violer durant une soirée. S’ensuit alors l’aventure de ces trois parisiennes pour s’enfuir du Brésil, accompagnées de Katia, enceinte de sept mois et craignant pour la vie de son enfant. Ensemble, elles doivent échapper au monstrueux père de Tinho, à la police locale et aux narcotrafiquants, tout en recréant une amitié au fil de la fuite…

Il est avant tout essentiel de dire une chose : Going to Brazil est un bon film. Ceci n’était pas un constat évident. Vendu un comme un Very Bad Trip féminin, Going to Brazil s’annonçait comme un divertissement formaté tentant en vain de copier les comédies américaines. Il n’en est rien. Bien que rempli de références à la sauce américaine, le deuxième film de Patrick Mille arrive à trouver sa propre identité.  Le projet de Going To Brazil était relativement simple dans son idée. Une bande de copines va connaître une descente aux enfers au Brésil après un meurtre accidentel. Le pitch du film est extrêmement classique. On retrouve ce genre d’intrigue à la source de nombreuses comédies. L’intérêt de Going To Brazil ne repose donc pas sur son scénario, mais dans son audace de proposer une comédie d’aventures menée par des actrices peu connues.

Un vrai faux Very Bad Trip

Le prologue du film n’emballe pas. Les personnages semblent stéréotypés et l’on redoute de passer un film entier avec une bande de protagonistes caricaturaux. Mais le film va surprendre rapidement. Le long-métrage joue sans cesse avec les attentes et parvient réellement à étonner le spectateur. Le premier twist arrive assez tôt lors d’une séquence de fête intense et inspirée. Ainsi Going to Brazil ne cesse jamais de faire empirer la situation de ces personnages dans des mésaventures et des retournements de situation inattendus. Pour une comédie, le long-métrage de Patrick Mille ne fait pas rire à gorge déployée mais surprend par son humour noir et impertinent. La révélation de l’identité de l’homme tué par la bande de filles fait basculer le film dans un autre ton et impose de vrais enjeux.

Going to Brazil réussit bien plus dans l’aspect suspense que dans l’aspect comique. Le film s’avère très efficace dans sa dimension dramatique. Une réelle pression emporte tout le long du métrage, impliquant le spectateur dans les péripéties des quatre françaises au Brésil. Le pitch de base n’est finalement pas qu’un prétexte et retrouve un écho dans plusieurs des obstacles qui apparaissent au fur et à mesure du film. L’intrigue criminelle et la course-poursuite à travers le Brésil se révèlent vraiment prenantes et intenses. Ceci est assez rare dans les comédies pour être souligné tant les antagonistes sont souvent de simples McGuffin. Ici la menace de la mafia aux trousses des héroïnes a réellement un propos et installe un suspense jusqu’à la fin du film. On pourra justement reprocher une fin bâclée et assez invraisemblable.

Girl Power

Going to Brazil est aussi empreint d’un esprit féministe. On a rarement vu briller une équipe de personnages féminins et courageux au cinéma français. La plupart du temps, ces personnages-là ne sont définis par que leur statut de femme ou de  » demoiselle en détresse « . Tout démarre avec une fille qui arrive à faire face à une tentative de viol. Dans ce film, ce sont les femmes qui ont le pouvoir et cela fait du bien. Le long-métrage s’éloigne des clichés sexistes ou de l’humour beauf, qu’on retrouve dans de nombreuses comédies françaises. La bande de copines est constituée de Vanessa Guide (Les nouvelles aventures d’Aladin), Alison Wheeler (Studio Bagel), Margot Bancilhon (Five) et Philippine Stindel. Les actrices se révèlent naturelles et très convaincantes en tant que copines. Elles sont complémentaires et apportent chacune des nuances à leurs facettes bien définies. Tous les personnages masculins ne valent rien face aux quatre femmes  » badass », et cela fait plaisir de voir les rôles s’inverser pour une fois. Patrick Mille incarne lui un agent consulaire déluré et savoureux.

Going to Brazil n’est pas une comédie qui vous fera exploser de rire, mais un divertissement efficace qui met à l’honneur de personnages féminins forts. Espérons que le cinéma français de divertissement en tire une bonne leçon.

Going to Brazil : Bande-annonce

Going to Brazil : Fiche technique

Réalisation : Patrick Mille
Scénario : Patrick Mille, Sabrina Amara et Julien Lambroschini
Interprétation : Vanessa Guide, Alison Wheeler, Margot Bancilhon, Philippine Stindel, Patrick Mille, Chico Diaz,
Chef monteur : Samuel Danesi
Musique : Florent Marchet et Christian Chevalier
Décors : Claudio Amaral Peixoto
Costume : Marie-Laure Lasson
Producteur : Dimitri Rassam et Benjamin Elalouf
Société de production : Chapter 2 et Moonshaker
Distributeur : Océan Films
Durée : 94 minutes
Genre : Comédie / Aventure
Date de sortie : 22 mars 2017

France – 2017

Avec une intrigue attendue et des références qui viennent affaiblir un propos peu original, David Farr peine à convaincre avec London House, son premier film en tant que réalisateur.

Les autres

Pour son tout premier film en tant que réalisateur, le scénariste et showrunner David Farr se tourne du côté du thriller psychologique et cite rien moins qu’Hitchcock et son Vertigo comme référence. Référence dont il s’avère ne pas être à la hauteur. En effet, l‘intrigue de London House, bien que plantée dans un décor sophistiqué, est prévisible et d’une grande banalité (surtout pour les adeptes des téléfilms à la sauce M6). Tout commence par des plans de bonheur factice : les acteurs sourient, sont beaux et la femme enceinte semble épanouie. Seul bémol : la mère de la future mère (soit la grand-mère du futur bébé) est distante, voire absente. Pire, elle ne semble pas s’émouvoir de la naissance à venir. Cela affecte quelque peu Kate qui fantasme alors sur sa voisine, libérée et délivrée qui fait l’amour à grand bruit avec son mari et le rejoint tous les midis pour manger, quand elle ne tombe pas par hasard dans un vieux tiroir sur une photographie de son frère mort dans des circonstances mystérieuses (mais certainement liées au psychologique). Ce joli décor tombe à la renverse quand Theresa, la voisine également enceinte, perd son bébé à la suite d’une chute malencontreuse sur le félin de Kate, cette dernière n’ayant pas eu le temps de changer l’ampoule grillée du couloir. Le couple du bas a donc de la rancœur envers le couple du haut. Theresa effraie Kate, la fragile et celle qui ne voulait pas vraiment d’enfant, pour la faire passer pour folle. Comment ? A coup de gaz non éteint et de baignoire qui déborde. Bref, le thriller London House lorgne du côté d’un Rosemary’s Baby sans saveur. Par la suite, le couple redevient bucolique avant de retomber dans le cauchemar et tout cela jusqu’à la séquence finale qui elle, lorgne du côté de Vertigo…

Manque de saveur

En effet, David Farr se joue de références notamment lorsque Theresa porte le chignon à la Vertigo. C’est justement là tout le problème, on sent les intentions du réalisateur tout le long du film, intentions louables, mais bien trop prévisibles et un peu maladroites. L’intérêt moindre pour l’intrigue n’est même pas sauvé par le casting, exceptée Clémence Poesy, qui reste quand même assez fade dans ce rôle de personnage fêlé de l’intérieur qui tente de se construire. Plongé dans la peur, l’angoisse et la solitude, le personnage évolue finalement peu. Le réalisateur tente plutôt de jouer sur ce que les personnages savent et sur ce que le spectateur découvre avant eux, mais ça ne marche pas toujours, car les ficelles sont plutôt grossières (comme pour le coup du babyphone dans lequel on entend une respiration alors que le personnage du mari de Theresa est annoncé absent dès le début de la soirée). Résultat, tout sonne assez faux et on finit par s’ennuyer devant une intrigue qui aurait pu être haletante. L’opposition et la construction des personnages sont survolées, trop scolaires par rapport aux modèles invoqués et déjà évoqués. London House n’est finalement qu’une bien triste contribution au monde du thriller psychologique et à celui des twists de fin à la Shutter Island.

London House : Bande annonce

London House : Fiche technique

Réalisateur : David Farr
Scénario : David Farr
Interprètes : Clémence Poesy, David Morissey, Stephen Campbell Moore, Laura Birn
Photographie : Ed Rutherford
Montage : Chris Wyatt
Compositeur : Adem Ilhan
Production : Nikki Parrott
Sociétés de production : BBC Films, Cuba Pictures, Tigerlily Films
Distribution: Septième Factory
Durée : 86 minutes
Genre : trhiller
Date de sortie : 22 mars 2017

Grande Bretagne – 2017

Présenté à la Quinzaine des Réalisateurs, Fiore, le nouveau drame italien de Claudio Giovannesi met à l’honneur une idylle carcérale entre une jeune fleur rebelle, dénommée Daphné, et Josh. Une histoire d’amour entre interdit et liberté, au cœur de la pénitence… 

Synopsis : Daphné est une adolescente de 17 ans, frêle, jolie, paumée, qui survit dans le métro de Rome en braquant les usagers pour leur voler leur téléphone. Arrêtée, condamnée, elle atterrit dans une prison mixte pour mineurs. Elle y rencontre Josh, rebelle, romantique, à fleur de peau – comme elle. Au sein d’un univers répressif où tout contact entre filles et garçons est interdit, au rythme des conversations échangées d’une cellule à l’autre et des messages clandestins, Daphné et Josh tombent amoureux.

L’adolescence : l’éclosion d’un âge

C’est à travers le point de vue de Daphné, l’héroïne de ce drame italien, que se déroule l’intrigue. Caméra à l’épaule, les plans-séquences semblent épouser dès les premières minutes le point de vue de la jeune femme. En choisissant ainsi la voie du réel, Claudio Giovannesi espère toucher le spectateur en plein cœur. L’histoire de cette idylle interdit fait naître en nous, une sorte d’empathie pour cette héroïne prisonnière d’un choix : s’assagir au détriment de sa relation, ou bien violer les limites carcérales pour vivre son amour avec Josh. Peu importe sa décision, Daphné est emprisonnée dans un véritable tourment, aux lourdes conséquences. Une seule question se pose alors : est-il possible de vivre l’amour, dans un lieu où ce sentiment est interdit ?

Le monde du cinéma a toujours été traversé par des drames, relatant avec émoi la période fugitive qu’est l’adolescence. Parmi eux, Virgin Suicides (2000), Le Monde de Charlie (2013), ou encore Clip (2012). Ces derniers, aussi distincts soient-ils, contribuent à mieux comprendre cet âge de transition vers la maturité. L’incompréhension et la dépression, faisant souvent figure de sentiments rencontrés durant cette période passagère, sont volontairement passées sous silence dans ce drame romanesque. Pourquoi ? À en croire le réalisateur, Fiore est avant tout une leçon de vie, sur la persévérance. En exposant cette histoire d’amour dans cet univers de pénitence, Claudio Giovannesi souhaite insister sur le fait que cette contradiction n’entame en rien la volonté d’accomplissement de ses propres choix.

Fiore met ainsi au goût du jour le drame adolescent, en insistant sur le désir quasi obsessionnel de liberté. Daphné, fleur rebelle, est comme de nombreux jeunes, confrontée à la recherche d’elle-même. Auparavant poussée par un excès de délinquance, cette jeune femme en quête d’identité semble peu à peu se reconstruire grâce à la force de l’amour.

Dépeindre la réalité

Claudio Giovannesi réussit un challenge ambitieux, celui de reconstituer l’univers carcéral avec un réalisme transcendant. À aucun moment le réalisateur ne tombe dans l’exagération.

C’est donc avec un naturel singulier que Claudio Giovannesi passe sous silence les sombres conditions de la vie carcérale telles que la maltraitance, l’hystérie ou encore la violence. Fiore mais ainsi à l’honneur l’indifférence de ce milieu, où règne pourtant tout désespoir.

« Malgré l’environnement carcéral du film, ce qui nous émouvait, ce n’était pas tant le récit moral sur le délit et la peine mais les sentiments des adolescents contraints à l’enfermement. » Claudio Giovannesi

De plus, les acteurs choisis pour incarner les personnages principaux et figurants sont des amateurs. Ce choix, pour le moins stratégique, permet aux acteurs d’insuffler à leur rôle une part de leur personnalité, expériences… Bref une part d’eux-même. Séduit dès les premières secondes de l’intrigue, le spectateur se retrouve ainsi au cœur d’un réalisme profond, tantôt touché, tantôt troublé par cette histoire à la limite du Bonnie and Clide.

« Je travaille avec des acteurs non-professionnels. Ce sont eux qui font la richesse de mes personnages. » Claudio Giovannesi

Tout comme la beauté d’une fleur, Fiore restitue l’univers carcéral en y ajoutant cette petite lueur d’espoir et ce grand torrent d’amour. Une petite pépite cinématographique d’un nouveau jour, à découvrir sans plus attendre.

Fiore : Bande annonce

Fiore : Fiche technique

Réalisation : Claudio Giovannesi
Scénario : Claudio Giovannesi, Filippo Gravino, Antonella Lattanzi
Interprétation : Daphne Scoccia (Daphné), Josciua Algeri (Josh), Valerio Mastandrea (Ascanio Bonori), Laura Vasiliu (Stephania)…
Image : Darius Khondji
Montage : John Axelrad
Musique : Claudio Giovannesi, Andrea Moscianese
Décors : Daniel Frabetti
Costume : Olivia Bellini
Producteur : Rita Rognoni, Beppe Cashetto
Société de production : Pupkin Production, IBC Movie, Rai Cinema
Distributeur : Paradis Films
Durée : 109 minutes
Genre : Drame
Date de sortie : 22 mars 2017