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Sous ses abords de comédie romantique hollywoodienne avec triangle amoureux, Materialists pourrait sembler prévisible et académique. Mais ce serait oublier que c’est Celine Song à l’écriture et la mise en scène, la cinéaste révélée par le magnifique Past Lives. On est finalement face à un film certes un peu romantique mais bien plus dramatique et doux-amer, qui décortique avec beaucoup de justesse les rapports amoureux contemporains. C’est enveloppé dans un mille-feuilles d’images à la fois chic et élégant. Et c’est surtout dialogué à la perfection, les paroles constituant le noyau dur et émotif d’un film étonnant, beau et d’une finesse rare. Pour ne rien gâcher, le trio d’acteurs qui mène la danse est impeccable, tout comme la musique. Second essai, second coup de maître !

Synopsis : Une jeune et ambitieuse matchmakeuse new-yorkaise se retrouve dans un triangle amoureux complexe, tiraillée entre le match parfait et son ex tout sauf idéal.

Si on sait peu de choses concernant Materialists avant de rentrer dans la salle, on se dit que le film se positionne comme la comédie romantique hollywoodienne de l’été. Banale, prévisible et formatée mais qui peut être tout à fait charmante si on est client. Le résumé en forme de triangle amoureux, l’affiche très conforme à ce genre codifié entre tous, le casting ultra glamour et à la mode ou encore le contexte new-yorkais ne nous contrediront d’ailleurs pas. On pourrait donc se préparer à deux heures partagées entre les rires et une bonne dose de sentimentalisme tendance mielleuse avec en bonus le micro suspense de savoir lequel, des deux protagonistes masculins, le personnage féminin va finir par choisir. Sauf que non. Materialists est un tout petit peu ça mais il est surtout beaucoup plus.

En effet, la personne qui a écrit et réalisé le long-métrage n’est autre que la géniale Celine Song qui nous avait littéralement enchantés avec son premier film, nommé aux Oscars : le magnifique et mélancolique Past Lives. Une œuvre qui touchait au sublime et qui montrait l’amour comme rarement, notamment les traces qu’il peut laisser lorsqu’il est empêché par le destin. Song passe à la vitesse supérieure ici puisqu’elle choisit de faire tourner des stars pour son second film et avec un budget bien plus important. Son art et son talent auraient pu être vidés de leur substance au sein du broyeur hollywoodien mais elle reste chez A24 qui est – avec Neon – le distributeur indépendant le plus pointu et en vue à l’heure actuelle. La cinéaste ne perd rien de ses aptitudes à parler de l’amour et des rapports amoureux dans son nouveau film et confirme ainsi tout le bien que l’on pense d’elle.

Pour qu’un tel projet fonctionne, il fallait un casting au diapason. Que l’alchimie entre les comédiens passe ou que la mayonnaise prenne. On n’aurait pas forcément misé sur une telle association mais on avait tort. Dakota Johnson irradie encore une fois le film de son charme et de sa classe. Son timbre de voix si singulier et sa beauté glamour convaincront ces messieurs. Pedro Pascal, nouveau sex symbol contemporain, est d’une justesse incroyable et nous propose son premier vrai grand rôle de love interest avec brio. Il n’en fait jamais trop et sa classe naturelle fait le reste. Enfin, Chris Evans nous prouve encore qu’il sait faire autre chose que des rôles musclés dans le MCU. Et ce serait oublier qu’il nous avait déjà fendu le cœur dans le magnifique Mary. Ici, en ex fauché, il est particulièrement touchant. Les deux acteurs masculins devraient chacun dans leur genre enchanter ces dames.

La grande force de Materialists réside clairement et en premier lieu dans son écriture. Song décrit l’amour comme une marchandise (étonnant prologue qui signifie beaucoup) et tisse son film autour de cela par le biais du personnage de Johnson, qui travaille dans une start-up faisant se rencontrer des célibataires. Un postulat idéal pour disséquer la manière dont on appréhende le mariage, les liaisons, le sexe, les rapports hommes-femmes et l’amour tout simplement. C’est d’une finesse et d’une acuité incroyable. Et au sein de ce script très bien pensé et écrit, les dialogues sont d’une puissance phénoménale et presque le moteur du film, comme le prouve la magistrale scène où Johnson explique à Pascal comment elle voit leur potentielle relation. Des répliques qui s’égrènent pendant deux heures en forme de caviar auditif. Un must !

Il y a peut-être quelques petites longueurs, on aurait aimé quelques touches d’humour plus présentes (le film est bien plus grave et triste que drôle), et il y a surtout un coup de mou dans la dernière ligne droite. Mais c’est tellement charmant, pertinent et agréable à écouter et regarder qu’on passe outre. Car, oui, il faut aussi préciser que la mise en scène est élégante, tirant parfaitement parti du décor citadin new-yorkais, mais aussi d’un final rural qui fait un clin d’œil au premier film de Song. La musique du film, nourrie de morceaux parfaitement choisis, est également réussie. Materialists est un excellent opus, chic dans son enveloppe et choc dans ce qu’il dit sur l’amour dans nos sociétés. Sous ses allures de film romantique, il est bien plus profond et puissant qu’il n’y paraît. On attendra donc la troisième proposition de la réalisatrice avec impatience.

Bande-annonce – Materialists

Fiche technique – Materialists

Réalisateur : Celine Song.
Scénaristes : Celine Song.
Production : A24.
Distribution: Sony Pictures Releasing.
Interprétation : Dakota Johnson, Pedro Pascal, Chris Evans, Marin Ireland, Lindsey Broad, …
Genres : Drame – Romantisme.
Date de sortie : 2 juillet 2025.
Durée : 1h49.
Pays : USA.

Dans la fournaise douce d’un été avignonnais, les corps suent, les voix résonnent, les affiches se déchirent au vent. Une troupe vacille entre espoirs froissés et éclats de rire, portée par le pouls vibrant du théâtre de rue. Johann Dionnet y glisse une romance fragile, prise entre des tréteaux de fortune, des bouffonneries de boulevard et de nobles cadences classiques. Le charme opère en partie, même lorsque le maquillage fond et que les masques, doucement, se fissurent.

Pour son premier long-métrage, Johann Dionnet prolonge le sujet de son court métrage de 2022, Je joue Rodrigue, qui se situe déjà pendant le festival d’Avignon. Le réalisateur nous immerge ainsi dans la réalité de ce magnifique festival, qu’il connaît très bien, créé en 1947 par Jean Vilar, et devenu aujourd’hui l’une des plus importantes manifestations internationales du spectacle vivant contemporain.

Dans une ville d’Avignon magnifiée par une mise en scène au cordeau, avec des images de ses remparts et de son célèbre pont (le dernier Lelouch, Finalement, y faisait également une superbe référence), l’atmosphère chaude et fébrile vécue par les troupes de théâtre en recherche de spectateurs et de notoriété dans les rues bondées de la ville et dans les salles, est très bien rendue. Les séances de tractage et de parade dans la ville, avec une scène envoûtante devant le fameux Palais des Papes, montrent ainsi parfaitement la lutte pour la différenciation des pièces de théâtre, clé pour l’avenir de leurs représentations et des financements associés.

A la fois film choral et film de troupe, vu sous l’angle d’une comédie romantique estivale, Avignon nous fait suivre particulièrement les vicissitudes et autres complications d’une équipe de comédiens, qui joue une pièce de boulevard au nom caricatural de Ma sœur s’incruste. Une troupe qui tire le diable par la queue et menace de se faire expulser en raison de la faible fréquentation de sa pièce, disons-le, de qualité médiocre. Le réalisateur nous fait aimer cette bande de comédiens, et notamment Serge le metteur en scène (interprété par un Lyes Salem très convaincant), Coralie sa compagne (jouée par une excellente Alison Wheeler qui crève l’écran par son sens des relations humaines) et Patrick campé avec brio par Johann Dionnet lui-même !

Dans ce groupe soudé, Stéphane est un acteur en mal de reconnaissance dans ses rôles actuels. Ami proche de Coralie, il rencontre par hasard Fanny, une ancienne connaissance, qui joue elle dans Ruy Blas de Victor Hugo, ce grand classique ! Tombant instantanément amoureux d’elle, il lui fait croire, pour tenter d’être à la hauteur, qu’il joue Rodrigue dans Le Cid de Corneille. Par un concours de circonstances, et certains quiproquos plutôt drôles, une sorte de jeu de dupes va s’installer entre eux, leur interdisant de se voir jouer pendant tout une partie du film. Cela fait naître une ambiguïté, dont on sort, comme on le sait, toujours à son détriment.

Introduire cette dimension romantique dans le scénario est plutôt bien vu; elle apporte une forme de suspens sur l’avenir de cette relation, mais ce n’est que partiellement réussi :

• D’abord le casting de ce couple est décevant : ni Baptiste Lecaplain dans le rôle de Stéphane (bien meilleur tout de même que dans Jamais sans mon Psy), ni Elisa Erka (vue dans Tendre et Saignant en 2021) n’arrivent à être à la hauteur de leur rôle central, par un jeu manquant cruellement de relief dans les sentiments exprimés;
• La deuxième limite est d’opposer les grands classiques et le théâtre de boulevard, le second trop au détriment du premier alors que ces genres de théâtre ont leur public spécifique, comme au cinéma les films dramatiques et les comédies. Cela donne l’impression que le réalisateur accentue ce manichéisme uniquement pour faire rire, et ce n’est pas toujours réussi, comme le spectateur pourra en juger.

Malgré ces limitations, le réalisateur adresse une question essentielle de la relation amoureuse : doit-on se montrer plus beau que l’on paraît pour plaire, au risque de décevoir ? Et subtilement une scène très réussie fait une métaphore avec le personnage du valet Ruy Blas de Victor Hugo et son amour pour la reine d’Espagne, pour lequel il doit se fait passer pour le noble Don César; la fin est hélas dramatique pour Ruy Blas, lors de la découverte du pot aux roses ; en sera-t-il de même pour Stéphane et Fanny dans Avignon ?

Conclure le film hors des murs d’Avignon est par ailleurs assez décevant, voire un peu bâclé, même si on est soulagé pour l’avenir de la troupe de Ma Sœur s’incruste ! Mais on aura passé un bon moment devant cette belle comédie estivale, à quelques jours du démarrage du festival d’Avignon 2025. Et ce film est davantage une déclaration d’amour au théâtre dans sa dimension spectacle vivant, plutôt qu’une comédie romantique qui restera au fond presque anecdotique.

Bande annonce – Avignon

Fiche technique – Avignon

• Réalisation : Johann Dionnet
• Scénario : Johann Dionnet, Benoît Graffin, Francis Magnin
• Année de production : 2025, date de sortie en France : 18juin 2025
• Genre : Comédie romantique, film choral
• Pays d’origine : France
• Durée : 1h43
• Lieu de tournage : Avignon (Vaucluse)
• Production : Nolita Cinema
• Co-production : TF1 Studio, France 2 Cinéma
• Distribution : Warner Bros. France
• Attachées de presse : Audrey Le Pennec, Leslie Ricci, Camille Madelaine
• Musique originale : Sébastien Torregrossa
• Directeur de la photographie : Thomas Rames
• Montage : Sylvie Landra
• Direction du casting : Anne Fremiot
• Costumes : Dorothée Lissac
• Décors : Frédéric Grandclère
• Ingénieur du son : Philippe Welsh
• Direction de production : Jean-Marc Gullino

Casting principal

• Baptiste Lecaplain : Stéphane
• Élisa Erka : Fanny
• Lyes Salem : Serge
• Alison Wheeler : Coralie
• Johann Dionnet : Patrick
• Constance Carrelet : Amélie
• Rudy Milstein : Marc
• Amaury de Crayencour : David

Avec Peacock, Bernhard Wenger donne à voir le parcours résilient d’un individu qui avait perdu tout contact avec son intériorité. Sur un mode ironique et avec un bel art de la mise en scène. Réjouissant.

Matthias, un ami que tout le monde loue

« Suis-je réel ? » Le sous-titre autrichien est la question que se pose Matthias. On pourrait dire aussi « Qui suis-je ? ». Lorsqu’on a pour profession d’être un ami que l’on peut louer pour toutes sortes d’usages, le danger guette de voir se diluer son identité. Sophia, sa compagne, va encore le dire autrement : Matthias, tu n’es plus « vrai ».

Qui est le paon du titre ? Matthias, comme on le lit partout, ou plutôt tous ces clients qui l’engagent pour briller en société ? L’affiche ne montre-t-elle pas notre homme levant un verre devant une multitude de ces yeux constellant la parure de l’animal ?

Matthias a une palette variée. Il peut être engagé pour aider une jeune femme à éteindre un incendie de voiture de golf, transformant celle-ci en héroïne. Pour valoriser une dame âgée en se faisant passer pour son amant doté d’une belle culture musicale à l’issue d’un concert de violoncelle expérimental. Pour coacher une épouse qui veut apprendre à bien se mettre en colère, afin de pouvoir quitter son mari violent. Pour faire couple avec un homo qui veut obtenir un splendide appartement. Pour rendre fier un jeune garçon dont le père est au chômage ou exerce un job honteux, lors d’une présentation des métiers des papas de la classe, en se présentant en uniforme comme pilote de ligne. Pour aider un riche sexagénaire à se faire élire président d’une fondation en se faisant passer pour son fils débitant un beau discours. Un vrai caméléon.

Nulle prostitution dans cet emploi : la dame âgée lui proposera bien de prendre un dernier verre, mais l’agence ne parle que de louer un ami. On ne cherche pas des comédiens, précise le patron, mais des gens ayant un bon relationnel. Pour cela, Matthias est le meilleur : il s’adapte, ne se met jamais en colère, encaisse lorsque la situation se gâte.

Quand la machine s’enraye

De quoi finir par se perdre. Tout se détraque dans la vie de notre héros, signe que quelque chose ne va pas : sa chaudière émet un bruit inquiétant, une plombière se présente alors qu’il n’a rien demandé, l’assistant vocal de sa voiture n’exécute plus les ordres qu’il lui lance, le toit ouvrant ne veut plus se refermer. La question de Sophia le remet profondément en cause. Le couple n’allait pas très bien, en tout cas sexuellement : pour le figurer, Bernhard Wenger se contente de montrer à plusieurs reprises Matthias plongé dans un livre alors que sa compagne s’est endormie. On peut voir aussi l’achat (ou la location ?) d’un gros chien aux testicules pendants comme une discrète allusion à l’insatisfaction de madame. Ce n’est pas le seul problème : Sophia aimerait briser la placidité constante de son compagnon. Elle fait ainsi manger le chien sur le canapé du salon pour qu’il réagisse. En vain. Alors elle le quitte.

La solitude subie de Matthias représente celle du monde contemporain, où tout est devenu artificiel. Son seul ami est David, son patron : il accourt dès que Matthias est saisi d’angoisse, le conseille, le réconforte en lui faisant un câlin. Mais cette amitié a ses limites : lorsque Matthias voudra tout arrêter, David lui signifiera que ce contrat-là est trop important.

Se frotter au réel

Pour briser sa solitude, Matthias loue un yorkshire, qui ne s’appelle par Matthias mais Aaron. Lorsqu’il le retrouvera noyé dans sa piscine, l’agence lui en fournira un autre puisqu’il avait contracté une assurance tous risques. Dans le monde de Matthias, tout est confortable mais rien n’est vrai. D’où la frayeur qui va le saisir le jour où il va être confronté au mari de la femme qu’il a coachée pour qu’elle le quitte. Là, on est dans le concret, avec ces armes aux murs au milieu de trophées de chasse. Face à ce fou furieux qui le pourchasse, Matthias va être contraint de se frotter au réel : en le repoussant il le blesse et l’envoie à l’hôpital. Une autre scène participe de la conversion de notre homme : au restaurant, alors qu’un candidat que David et lui auditionnaient manque de s’étouffer, Matthias le saisit au thorax et parvient à le sauver. La conversion de notre héros s’achèvera dans l’ultime scène du film.

À la recherche de l’âme sœur

Avant cela, il va devoir passer par d’autres péripéties. Sur les conseils de David, il expérimente un centre de remise en forme à base de yoga, de chi qong et de diverses activités douces. Le gourou des lieux, au visage recouvert de tatouages, l’accueille en lui recommandant une méditation… en écoutant l’herbe sur laquelle on s’est allongé. C’est là que Matthias va retrouver une jeune femme croisée au concert de violoncelle. Ina semble intéressée par une liaison, suggérant qu’elle aimerait avec lui rejoindre un cercle de personnes nues. Il la retrouve en boîte de nuit, pour la mettre comme prévu dans son lit, en un plan troublant : le coït, flou, est relégué en fond d’écran, le point étant fait sur le chien sur le canapé, la piscine qui va bientôt le noyer apparaissant à gauche, façon split screen. Superbe.

Au petit matin, Ina a disparu : décidément, toute relation « vraie » se dérobe à Matthias. Il finit par la retrouver, pris d’un doute : et si Ina avait été embauchée par David ? Ne venait-il pas de lui présenter une fille dans la boîte, celle qui s’avèrera être la copine du DJ ? « Do you suggest that I would be… a prostitute ? » lui lance cette Norvégienne qui s’exprime en anglais. Ina est simplement une femme qui ne cherche pas une relation sérieuse. Pas de chance pour Matthias qui, du coup, tente de reconquérir Sophia, à l’aide d’une mise en scène bien préparée : deux vieux se font agresser dans la rue, Matthias vole à leur secours. On reconnaît le candidat du restau dans l’un des deux malfrats. Cette scène répond à une séquence précédente, où David racontait qu’il avait assisté à une agression dans la rue sans se décider à intervenir. Devant Sophia, Matthias enfonce grossièrement le clou : « je n’ai pas hésité une seconde ». Sophia ne sera pas dupe.

Une mise en scène tout en finesse

C’est toute l’intelligence de Bernhard Wenger que de donner ainsi sens à certaines scènes après coup. Ainsi la performance d’art contemporain dans un théâtre annonce-t-elle celle du banquet final. Dans la première, un vieil homme nu se couvre de peinture et vient percuter violemment des pans immaculés de mur pour y laisser son empreinte multicolore, sur fond d’une (magnifique) musique contemporaine. Matthias ressent un malaise face à ce spectacle, tente de sortir du rang, suscitant l’ire du public. On avait pu assister à ce type de relation glaciale dans une scène précédente, au restaurant avec Sophia, alors qu’on cherchait le propriétaire d’un break noir : les voisins de table avaient tôt fait de condamner Matthias, finalement à tort. Lorsque Matthias et Ina avait entamé une conversation au centre de remise en forme, ils s’étaient également fait fusiller du regard par l’un des pensionnaires. L’irritabilité de la société autrichienne, qui ne supporte plus le moindre dérangement, est ici dénoncée.

Dans la scène du banquet final, le programme du jour proposé par le sauna à base de bain de boue va trouver un débouché : alors qu’on a enjoint à Matthias de changer de chemise car celle-ci a été légèrement souillée par sa collègue maladroite (scène là aussi annoncée par une autre équivalente au bureau), notre homme fait mine de s’y résoudre, pour finalement choisir de débouler dans la salle du banquet entièrement nu et recouvert d’argile. Stupeur, scandale, qui interrompt même la harpiste. Jusqu’à ce que quelqu’un suggère qu’il s’agit d’une performance, vraiment réussie.

Bernhard Wenger, le Ruben Östlund autrichien ?

Impossible de ne pas penser à The Square. Comme la première Palme d’Or de Ruben Östlund, Peacock comporte une satire de l’art contemporain. Des œuvres d’art au mur de l’agence où l’on accroche une veste à l’ours polaire positionné à l’entrée de l’appartement de Matthias, en passant par l’usage de l’électro dans un concert classique et la performance du vieil homme évoqué ci-dessus, les deux films se rejoignent.

Comme le Suédois, Wenger fait preuve d’un joli sens de la composition, et ce, dès le plan d’ouverture, ironique, avec cette voiturette de golf en feu et ces éoliennes en arrière-plan (photo). Dans toutes les scènes de groupe ensuite, au centre desquels trône Matthias : parmi l’auditoire du concert, au sein d’une photo de groupe, avec les pères qui attendent de témoigner dans la classe… à chaque fois Matthias ressort comiquement de la foule. C’est encore la composition qui provoque le rire avec ce gros chien immobile dans le salon que Matthias découvre, avant de lancer, toujours placidement : « Nous avons donc un chien ? ». Un peu plus tôt, Sophia avait suggéré une sculpture de chien plutôt que d’ours polaire. Le chien ne bouge pas d’une oreille, laissant croire à une statue.

On saluera également le choix des couleurs : le bleu de la chemise de notre homme s’accorde parfaitement à l’eau de sa piscine, le rouge qu’il revêt pour retourner voir Ina est assorti aux boiseries de son immeuble. L’image est lisse, soignée, en phase avec le propos. On pense au Little Joe de la compatriote de Wenger Jessica Hausner, qui présentait le même type de caractéristiques.

Mais c’est surtout Östlund qui s’impose, au visionnage de Peacock. Les scènes dont on ne comprend le sens qu’après coup sont une caractéristique du Suédois, ainsi que le goût pour tout ce qui suscite le malaise et la dénonciation d’une société devenue incapable d’empathie. Comme le dit Télérama, voilà pour le trublion Ruben un sérieux concurrent, qui sait imposer sa patte personnelle.

Long en bouche, suscitant suffisamment de mystères pour stimuler le spectateur après coup (pourquoi cette chaudière aux bruits étranges ? cet appartement où l’on descend lorsqu’on entre ? cette collègue qui ne cesse de renverser du liquide sur Matthias ?), surprenant par ses embardées loufoques (le canard qui est entré dans la voiture par le toit ouvrant, l’imitation de la démarche d’un caméléon d’abord par Sophia puis par Matthias), impeccablement servi par Albrecht Schuch dans le rôle principal, le film de Wenger s’achève en beauté : un homme nu, sorti d’une rivière, marche tranquillement vers les bois. Nu, donc authentique. Enfin vrai.

Peacock – bande-annonce

Peacock – fiche technique

Titre original :  Pfau – Bin ich echt?
Scénario et réalisation : Bernhard Wenger
Interprètes : Albrecht Schuch, Julia Franz Richter, Anton Noori, Theresa Frostad Eggesbø, Salka Weber, Maria Hofstätter
Image : Albin Wildner
Montage : Rupert Höller
Production : NGF Geyrhalterfilm, CALA Filmproduktion
Distribution : Pyramide Distribution
Pays de production : Autriche
Genre : Comédie, Drame
Durée : 1h42
Date de sortie : 18 juin 2025

Dans le genre suite que l’on n’attendait pas (dans tous les sens du terme), 28 ans plus tard se pose là. Mais le duo initial à la barre (Alex Garland au scénario et Danny Boyle à la réalisation) réinvente le premier opus et le surpasse grâce à une ribambelle d’idées folles, aussi bien dans la narration que dans la mise en scène. Encapsulé entre un prologue et un épilogue dingues, le film ose tout et se positionne comme l’un des meilleurs (si ce n’est le meilleur) films de zombies de la décennie. L’horreur est extrême et graphique, et paradoxalement ancrée dans des paysages naturels d’une splendeur stupéfiante.

Synopsis : Cela fait près de trente ans que le Virus de la Fureur s’est échappé d’un laboratoire d’armement biologique. Alors qu’un confinement très strict a été mis en place, certains ont trouvé le moyen de survivre parmi les personnes infectées. C’est ainsi qu’une communauté de rescapés s’est réfugiée sur une petite île seulement reliée au continent par une route, placée sous haute protection. Lorsque l’un des habitants de l’île est envoyé en mission sur le continent, il découvre que non seulement les infectés ont muté, mais que d’autres survivants aussi, dans un contexte à la fois mystérieux et terrifiant…

L’étincelle créative

Si 28 jours plus tard n’avait pas forcément cartonné en salles — loin s’en faut —, il avait acquis une belle petite réputation critique à sa sortie et s’était fait un nom dans le cinéma horrifique avec le temps. Danny Boyle avait ajouté une pierre notable à l’édifice assez populeux du film de zombies. Bien gore, avec beaucoup d’idées, un Cillian Murphy génial encore peu connu en tête d’affiche, et un Londres plein d’images chocs, infesté de contaminés au virus, pour une bonne série B qui fonctionne encore à l’heure actuelle.

Pour la suite, 28 semaines plus tard a été confié au réalisateur espagnol Juan Carlos Fresnadillo, qui avait conféré son savoir-faire à ce second opus dans la même lignée. Un temps évoqué, 28 mois plus tard ne s’est jamais fait. Plus de vingt ans après, on passe directement à ce 28 ans plus tard. Une suite qu’on n’attendait pas vraiment : parce que trop tardive et aux velléités apparaissant mercantiles, tout autant qu’elle s’avère inattendue.

Bien mal nous en a pris, car Danny Boyle reprend les rênes de la réalisation et Alex Garland fait une pause entre ses propres réalisations (pour rappel, on lui doit des pépites comme Men ou Annihilation dans l’horreur, et des œuvres moins convaincantes dans l’action telles que Civil War ou Warfare) pour revenir à ses fondamentaux d’écriture. Leur association fait de nouveau des étincelles, tant ce troisième opus est impeccablement scénarisé et réalisé. L’intrigue est surprenante et ose des détours passionnants comme des sorties de route audacieuses, quand, de son côté, la mise en scène enchaîne fulgurances visuelles et expérimentations tordues, mais souvent incroyables. Alors bien sûr, dans les deux cas, il y a quelques ratés, mais c’est le prix à payer de l’originalité et du risque. Et que c’est bon de voir un film qui essaie constamment des choses et cherche à surprendre son auditoire.

Les petites failles d’un grand film

Au rayon des moins bonnes choses, on pourra surtout citer un arc narratif peu passionnant, qui fait le pari de l’émotion. Il s’agit de celui autour du personnage de Jodie Comer et, par ricochet, celui de Ralph Fiennes. Ce dernier incarne un protagoniste passionnant et dingue qu’on aurait voulu voir davantage évoluer, avec d’autres enjeux que ceux personnifiés par Comer. La tentative d’insérer une dose de tragique est méritoire, mais c’est clairement le moins palpitant du film, et cela fait fortement redescendre la tension dans le dernier acte. Ensuite, on aurait souhaité un bouquet final horrifique et d’action plus impressionnant. Peut-être que, bercés par des schémas hollywoodiens ou prémâchés, on s’est trop habitués à voir les scènes les plus impressionnantes dans le final. Ce qui peut apparaître un peu frustrant quand ce n’est pas le cas… mais rien de grave.

En effet, la toute dernière séquence rattrape cela comme il faut : un épilogue complètement dingue, imprévisible et what the fuck, comme le diraient les anglophones. Une conclusion qui répond à un prologue tout aussi dingue, vu dans les bandes-annonces, où l’on n’hésite pas à massacrer des enfants. Ces deux morceaux de bravoure extrêmes encapsulent admirablement le long-métrage, le faisant commencer sur les chapeaux de roue avec du gore sans concession, pour l’achever sur un cliffhanger prometteur pour une probable suite, en cas de succès. On n’en dira pas plus…

Si le film de zombies est un sous-genre horrifique qui peut paraître galvaudé — entre les blockbusters à la World War Z, la version found footage espagnole REC ou l’interminable série phare du genre The Walking Dead —, 28 ans plus tard parvient à renouveler le genre. Et Danny Boyle se surpasse et se dépasse avec cet opus. Inédit dans le traitement, visuellement comme sur le fond, on pense parfois au méconnu The Last Girl – Celle qui a tous les dons, tant, malgré le côté extrême des séquences avec les infectés, il se dégage parfois ici une certaine poésie. Celle-ci se manifeste notamment par la grâce du décor rural des côtes anglaises verdoyantes. Les paysages bucoliques sont magnifiques, et ça tranche avec l’horreur de ce qui se joue, donnant un cachet délicieusement singulier au film.

Un trip sensoriel

Et Boyle en profite pour nous gratifier de multiples scènes d’une beauté formelle stupéfiante : entre plans aériens sur des aurores boréales, jeux d’ombres avec des silhouettes d’infectés sur une colline, ou cadrages champêtres en contre-plongée. Le réalisateur anglais tente plein de choses, s’amuse, et nous régale. Son montage étrange fonctionne à plein régime, la bande sonore et sa voix off bizarre rendent le tout épique, et la manière dont il opère les séquences sanglantes et les mises à mort de zombies s’apparente à du jamais vu. 28 ans plus tard regorge d’idées folles, et mon Dieu, que c’est bon.

Le casting est véritablement limité à cinq acteurs ici, tous excellents. Aaron Taylor-Johnson a une sacrée carrure, comme l’a prouvé le récent Kraven, le chasseur, tandis que Ralph Fiennes rassure en n’en faisant pas trop dans un rôle qui faisait craindre un jeu en roue libre. On retrouve aussi le jeune acteur suédois de la série Young Royals, Edvin Ryding, dans un contre-emploi étonnant et probant. Jodie Comer se débrouille bien également, malgré un rôle ingrat, mais c’est le jeune Alfie Williams qui remporte tous les suffrages en s’emparant avec panache du rôle principal. Encore un jeune acteur prometteur.

Vous l’aurez compris : ce troisième opus est, malgré quelques petits défauts, une petite bombe, et probablement le film de zombies de la décennie ! Vivement la suite !

Bande-annonce – 28 ans plus tard

Fiche technique – 28 ans plus tard

Réalisateur : Danny Boyle.
Scénaristes : Alex Garland.
Production: Sony Pictures.
Distribution: Sony Pictures Releasing France.
Interprétation : Alfie Williams, Aaron Taylor-Johnson, Jodie Comer, Ralph Fiennes, …
Genres : Horreur – Anticipation.
Date de sortie : 18 juin.
Durée : 1h55.
Pays : Royaume-Uni.