LeMagduCiné

Katia est une jeune femme vivant dans l’ignorance de sa condition. Hypersensible au bruit et à la lumière, atteinte de phobie sociale, un peu maniaque, ayant appris à parler sept langues régionales pour le plaisir, trop franche, elle est donc autiste. Autour d’elle, règnent l’incompréhension et parfois l’agacement face à un comportement jugé « anormal ». Participant pour le journal où elle travaille à un documentaire sur l’autisme, Katia va entamer un voyage vers la connaissance et la reconnaissance de sa différence.
On ne voudrait dire que du bien de ce film de Lola Doillon, surtout quand on garde en souvenir le très beau et très juste « Et toi, t’es sur qui ? ». Mais Différente déçoit par son approche sous-naturaliste, plus soucieuse, semble-t-il, de traiter son sujet, comme on le dirait d’un reportage, que de produire une œuvre d’art.

Tout le long, Katia, le personnage de Différente, déploie ses manies pénibles et charmantes avec la systématicité d’un diagnostic. Voir la mère et le petit copain dans le déni semble presque comique tant l’évidence saute aux yeux. On serait injuste en disant que le portrait est grossier : il est plutôt fin et paraît documenté ; seulement, il ne laisse place à rien d’autre, et notamment à la vie biscornue dans son incompressible énigme. C’est qu’il ne faut pas qu’un doute s’insinue. Le spectateur doit être bien persuadé que Katia est autiste pour mieux percevoir sa détresse et les méprises que suscite son comportement, mais cette intention forcenée sacrifie l’ambiguïté des choses, leur mystère, et partant l’art lui-même.

Quand le diagnostic tombe, il agit comme une révélation religieuse, entraînant la division avant d’opérer la réconciliation. L’autiste, justifié dans son être, se présente comme le prototype d’une humanité sauvée par le diagnostic. De la psychiatrie, il reçoit son NOM, c’est-à-dire son identité. Tous inadaptés, nous sommes tous appelés à recevoir une place dans le royaume du salut médical. Comme dans la série de Tolédano et Nakache, En thérapie, le principe thérapeutique joue comme agent salvateur de toutes les divisions, au sein de la famille, au sein du couple, dans le monde du travail, etc. Or, par là même, c’est toute la complexité de la condition humaine qui est évacuée, dans sa dimension morale, politique et métaphysique. Il n’est pas certain que l’apposition d’un diagnostic et la reconnaissance de l’entourage suffisent à résoudre le drame de la condition autistique, qui n’est après tout qu’une déclinaison singulière de la condition humaine, même s’il contribue fortement à l’améliorer.

Le film est en lui-même une sorte de diagnostic : une description clinique devant servir à la reconnaissance de l’autisme, en particulier pour les mieux masqués d’entre eux. La belle intention, qui aura probablement, souhaitons-le, des développements heureux, semble entraver ici la dimension proprement artistique de cette œuvre. Tel son personnage principal qui travaille en tant que documentaliste, Lola Doillon a manifestement fait d’intensives recherches sur le sujet. Si l’on est heureux de rencontrer un profil moins caricatural que Rain Man, on y perd aussi en puissance cinématographique. La justesse du trait devrait servir la vie au lieu de la diminuer. Il est par exemple regrettable que la charge potentiellement comique du personnage de Katia soit si peu exploitée, ou que les ressources du cinéma n’aient pas été davantage investies afin de nous permettre d’approcher ce que peut être une expérience autistique du monde. À trop vouloir dérouler son programme, à trop vouloir « sensibiliser », « faire mieux connaître », Différente accuse de ce fait une texture lisse, sans aspérité, sans chaos. Comme contaminé par son sujet, le film s’avère lui-même un peu maniaque, un peu autistique.

Différente présente tout de même de solides qualités, à commencer par la direction d’acteurs. Tous sont d’une assez grande justesse, ce qui dans le paysage cinématographique français n’est pas si courant. Certaines scènes, notamment celles impliquant la mère de Katia, sont d’une vérité glaçante, poignante. Mais outre ces réussites ponctuelles, la mise en scène reste platement illustrative, et la narration tend à bégayer la même situation de malentendu entre Katia et le monde, et surtout entre Katia et son petit ami, jusqu’au dénouement final.
C’est au final un joli film un peu scolaire, qui a du moins le mérite de nous faire mieux comprendre et aimer ceux dont il explore la condition. À celui qui le sujet intéresse, je ne peux que conseiller la série-documentaire The Rehearsal, de Nathan Fielder, d’une drôlerie impayable, qui projette, sans le souligner, son spectateur dans l’esprit d’une personne autiste, interrogeant par la même occasion les thèmes de l’authenticité et du jeu social.

Bande-annonce : Différente

• Titre original : Différente
• Réalisation : Lola Doillon
• Scénario : Lola Doillon
• Distribution : Jehnny Beth, Thibaut Evrard
• Musique : Jérémie Arcache et Leonardo Ortega
• Décors : Carmen Beillevaire
• Costumes : Suzanne Veiga Gomez
• Photographie : Pierre Milon
• Son : Cyril Moisson, Alexis Meynet et Olivier Guillaume
• Montage : Sahra Mekki
• Production : Dominique Guerin et Nicolas Blanc
• Société de production : Agat Films & Cie – Ex Nihilo et Ping & Pong Productions
• Société de distribution : Memento
• Budget : 2,1 millions d’euros
• Pays de production : France
• Durée : 100 minutes
• Dates de sortie : France : 11 juin 2025

Porteur d’un projet ambitieux et d’un univers visuel éclatant, Elio nous entraîne dans un voyage du troisième type signé Pixar. Le film suit un jeune garçon orphelin, en quête de sens après la mort de ses parents, espérant un renouveau dans l’immensité de l’espace. Dès ses premières scènes, l’œuvre semble renouer avec le meilleur du studio : inventivité visuelle, ton décalé, promesse d’émotion. Mais rapidement, le récit s’éparpille, absorbé par une démonstration graphique qui finit par faire de l’ombre à ses véritables enjeux narratifs. Les sous-intrigues restent inabouties, et le développement psychologique du héros, pourtant central, s’efface derrière une mise en scène luxuriante. Si le spectacle impressionne, il peine à masquer les aspérités d’une œuvre aussi séduisante que déséquilibrée.

Pixar poursuit sa dynamique commerciale après le succès colossal de Vice-Versa 2 (en attendant la percée probable du concurrent chinois Ne Zha 2), mais Elio s’inscrit dans un contexte plus fragile : celui d’un essoufflement créatif perceptible. Du côté de Disney, même constat – l’originalité est sacrifiée au profit d’une avalanche de remakes en prises de vues réelles, aux résultats inégaux.

Pixar reste pourtant un studio bâti sur un équilibre subtil : aborder des thèmes profonds avec légèreté, conjuguer émotion et merveilleux, et toucher un public intergénérationnel. C’est cette alchimie rare qui a fait de films comme Coco, Vice-Versa, Là-haut, Wall-E des jalons de l’animation hollywoodienne contemporaine. Ces dernières années, cette magie s’est quelque peu diluée dans des œuvres plus convenues. Toutefois, une nouvelle génération de créateurs continue d’incarner l’esprit pionnier du studio. Domee Shi l’a brillamment démontré avec Bao et Alerte Rouge, explorant les relations mères-filles et l’identité culturelle avec audace et sincérité. Madeline Sharafian, de son côté, a apporté une sensibilité douce et narrative avec le court-métrage Le Terrier. En les réunissant autour d’Adrian Molina, coscénariste de Coco, Pixar semblait former une équipe de choc pour porter Elio : un film de science-fiction animé capable, enfin, de transcender la malédiction du genre au box-office.

Car en effet, l’animation de science-fiction demeure un territoire miné pour les grands studios : Atlantide : L’Empire perdu, La Planète au trésor, Buzz l’Éclair, Avalonia… tous se sont crashés au box-office, à l’exception notable de Wall-E. Elio partage pourtant certaines de leurs thématiques : l’attrait pour l’espace, la quête de foyer, la solitude et le deuil. Le personnage principal, fasciné par les enlèvements extraterrestres, rêve de trouver un endroit – ou une famille – où il se sentirait à sa place. Après avoir perdu ses deux parents, il garde littéralement la tête dans les étoiles, malgré les tentatives bienveillantes de sa tante pour l’ancrer dans le réel. C’est alors qu’il est enlevé par des extraterrestres et, bien malgré lui, nommé ambassadeur de la Terre auprès du Communiverse, une instance galactique réunissant les représentants de toutes les civilisations de l’univers.

Perdus dans l’espace

Ce monde intersidéral bigarré, peuplé de créatures aux formes variées, regorge de textures, de styles hybrides (2D/3D), et d’idées visuelles réjouissantes. On y retrouve l’audace graphique de Soul, ainsi qu’un véritable amour du détail. L’ensemble fourmille de clins d’œil et de trouvailles qui justifieraient à eux seuls un second visionnage. Cependant, cette profusion esthétique agit comme un leurre. Elle détourne l’attention d’un fil émotionnel qui manque de cohérence et d’approfondissement. L’histoire du deuil d’Elio, centrale, reste sous-exploitée.

Le film cherche l’équilibre entre des influences fortes – E.T. l’extra-terrestre pour la douceur extraterrestre, Lilo & Stitch pour l’enfant marginal – sans jamais vraiment en retrouver l’intensité. Là où ces œuvres osaient l’insolence et la brutalité émotionnelle, Elio reste sage, parfois trop poli pour son propre bien. Certaines séquences, inspirées de classiques comme Body Snatchers, injectent un humour bienvenu, et la larve intergalactique qui accompagne brièvement le héros vole presque la vedette. Mais ces moments sont trop furtifs pour construire un attachement fort, et le climax peine à susciter le bouleversement espéré. Plusieurs arcs narratifs sont également laissés en suspens : la carrière de la tante dans l’aérospatiale, ou l’agressivité contre-nature du peuple de Grigon, suggèrent des développements abandonnés, sans doute à cause d’un remaniement durant la production – le film ayant déjà vu sa sortie repoussée d’un an. Ce sentiment d’inabouti affaiblit le potentiel émotionnel et thématique de l’ensemble.

Elio a besoin de s’égarer dans les étoiles pour mieux comprendre ce qui lui manque sur Terre. Le film exprime, avec une sincérité touchante, le besoin vital de connexion entre les êtres, malgré les différences, malgré les distances. Il met en lumière cette vérité simple : ce que nous cherchons ailleurs est souvent déjà là, autour de nous. Dans un monde où les interactions humaines sont minées par l’hyperconnectivité, Elio répond à la question existentielle « sommes-nous seuls ? » par un câlin. Un geste modeste, mais d’une grande portée symbolique.

Alors que la saison des blockbusters est envahie de remakes et de franchises zombifiés, Elio fait figure d’exception. Il ne révolutionne pas l’animation, mais il témoigne d’une vraie volonté de raconter autrement, de viser une sincérité rare dans le paysage contemporain. Les projections en 3D, particulièrement soignées, apportent une profondeur sensorielle bienvenue à cette œuvre imparfaite, mais pleine de bonnes intentions. Et même si tout n’est pas abouti, il est encore permis de s’évader et de rêver à travers le cosmos, en compagnie de personnages aussi étranges qu’attachants.

Elio – Bande-annonce

Elio – Fiche technique

Réalisation : Madeline Sharafian, Domee Shi et Adrian Molina
Scénario : Julia Cho, Mark Hammer et Mike Jones, d’après une histoire de Adrian Molina
Montage : Anna Wolitzky et Steve Bloom
Musique : Rob Simonsen
Producteurs exécutifs : Pete Docter, Lindsay Collins
Société de production : Pixar Animation Studios
Pays de production : États-Unis
Distribution France : Walt Disney Studios Motion Pictures
Durée : 1h38
Genre : Animation, Science-fiction, Aventure, Famille, Comédie
Date de sortie : 18 juin 2025

Wouah ! C’est la petite onomatopée qui semble la plus convenir à notre état d’esprit en sortant de la projection. Ce sublime film sorti de nulle part loupe de peu le qualificatif de très grand film – voire de chef-d’œuvre – par la faute d’un troisième acte un chouïa bavard, en deçà des deux précédents, avec sa révélation finale moins imposante qu’attendue. Pour le reste, on enchaîne les moments de grâce et de magie qui confinent au somptueux (ces scènes de danse !) pour un conte métaphysique merveilleux, qui vous surprend à chaque instant, vous met des étoiles plein les yeux et vous fait aimer la vie. En filigrane, ce long-métrage consacre Mike Flanagan comme un très grand cinéaste. Merci Mike, et merci Chuck !

Synopsis : La vie extraordinaire d’un homme ordinaire racontée en trois chapitres. Merci Chuck !

Un peu sorti de nulle part malgré les grands noms derrière sa création, ce film inclassable, presque suranné et hors des modes, est un véritable enchantement. Mieux vaut en savoir le moins possible avant d’entrer dans la salle. Il était précédé d’une réputation flatteuse depuis son Prix du Public au Festival de Toronto (le fameux TIFF) et devrait être en bonne place dans la course aux Oscars tant il coche toutes les cases de ce que l’Académie aime (dans ses meilleures périodes, surtout les plus neutres et éclairées). Life of Chuck est le genre de film qui agit comme une bénédiction, un petit miracle de cinéma, et qui nous fait ressortir de la salle le sourire aux lèvres, avec l’envie d’aimer la vie et de la croquer à pleines dents.

On n’est pas du tout dans l’horreur ou le fantastique (ou très peu), et pourtant, c’est bien Stephen King qui a écrit la nouvelle dont le film est adapté, et c’est le nouveau roi des frissons pleins d’émotion, Mike Flanagan, qui en signe la mise en scène. Les deux semblent sortir de leur zone de confort, mais finalement pas tant que cela, puisqu’on retrouve des thèmes chers à l’écrivain (le deuil, la mort…) et l’appétence du réalisateur pour les œuvres gorgées d’émotion et de tendresse, qu’il glissait toujours dans ses productions horrifiques. D’ailleurs, cela confirme qu’il est un auteur incontournable de notre époque, après sa magnifique et sous-estimée suite de Shining (le trop oublié Doctor Sleep), ou ses séries qui confinent au chef-d’œuvre, de The Haunting of Hill House à La Chute de la Maison Usher.

Life of Chuck a la particularité de se dérouler en trois actes montés à l’envers, et cette construction à rebours est autant une force, par son originalité et sa logique narrative, qu’une faiblesse – la seule, en vérité. En effet, le dernier acte est un peu moins fort, un peu moins puissant que les deux premiers, ce qui termine le film sur une note moins magistrale qu’attendue, d’autant que la révélation finale s’avère moins imposante qu’espéré. Et cette dernière partie, légèrement trop bavarde, aurait peut-être gagné à être resserrée de quelques séquences. Si ce n’est cela, préparez-vous à un torrent de beauté, un déferlement de magie, un tourbillon d’instants de grâce.

S’il fallait donner une définition du merveilleux, on pourrait montrer Life of Chuck. Le film débute par une fin du monde comme on n’en a jamais vu. Le long-métrage cristallise toutes les angoisses et les potentielles causes de la fin de notre civilisation à travers des dialogues et des images d’infos. Dans ce contexte a priori effroyable, on suit deux personnages en train de voir le monde s’effondrer, mais ce qui se passe en creux dépasse largement la crainte viscérale de l’apocalypse. Entre séquences poétiques, considérations mélancoliques et petits moments empreints d’une grande magnificence, le premier acte est une expérience inédite qui vous traverse le corps et le cœur, jusqu’à cette annihilation de notre univers d’une beauté épique rarement vue sur grand écran. Impossible à décrire : il faut le voir pour le ressentir.

Puis vient la seconde partie, où s’illustre Tom Hiddleston dans l’une des séquences les plus incroyables vues en salles depuis des lustres. L’épicentre de ce moment : une scène de danse complètement dingue, qui nous ramène aux plus grandes heures des comédies musicales d’antan, et qui donne envie de se lever tout en nous brisant le cœur tant c’est sublime. On avance souvent que le cinéma est un subtil mélange d’émotions ; que pour réussir, un film doit trouver le bon équilibre entre ses ingrédients. Eh bien, cette scène est la quintessence de ce que le septième art peut offrir de plus grand.

Life of Chuck est un conte métaphysique qui dévoile ses tenants et aboutissants dans une dernière partie presque spielbergienne, avec cet esprit de cinéma des années 80 qui enchantait petits et grands. C’est mignon, même si, comme on le disait plus haut, un peu en deçà de la maestria des deux premiers tiers. La voix off prend tout son sens ici – on est bien dans un conte – et le film dévoile alors son propos, ses contours. D’un certain point de vue, c’est une bonne chose, mais on aurait probablement toléré une absence d’explication tant tout ce qu’on voit est beau. Les acteurs sont tous exceptionnels, les notes de musique discrètes sont un délice pour nos oreilles, et la mise en scène de Flanagan est fidèle à la douceur qui irrigue ses œuvres passées. On est bouleversé, touché, ému… et ce petit film, qui a tout d’un grand, s’impose sans conteste comme l’un des plus beaux de l’année. Bravo !

Bande-annonce – Life of Chuck

Fiche technique – Life of Chuck

Réalisateur : Mike Flanagan.
Scénaristes : Mike Flanagan d’après l’oeuvre de Stephen King.
Production: Intrepid Pictures.
Distribution: Nour films.
Interprétation : Ton Hiddelston, Chiwetel Ejiofor, Karen Gillian, Mark Hamill, Jacob Tremblay, Kate Siegel, …
Genres : Drame – Conte.
Date de sortie : 11 juin 2025.
Durée : 1h51.
Pays : USA.

Raphaël Quenard dans « I Love Peru » : un acteur électrique au cœur d’un docu-fiction déjanté. Entre confidence crue et performance théâtrale, ce film explore l’amitié, la gloire fulgurante et l’art du traquenard cinématographique. Décryptage d’un ovni signé Quenard et Hugo David, où vérité et fiction s’entrechoquent comme dans un rêve de condor ivre.

La personnalité de Raphaël Quenard explose ou aspire les limites de l’ordinaire acteur de cinéma. Le septième art nous a pourtant habitués aux bêtes de scène, de Marlon Brando à Depardieu, en passant par Nicholson et Delon. Raphaël Quenard, par ses acrobaties verbales, son sens aiguë du romanesque, sa fibre tragi-comique et surtout ses outrances naturalistes, réinvente l’acteur en majesté avec impétuosité lyrique et inquiétude romantique.

Nouveaux Compères

Dans le duo de compères qu’il forme avec Hugo David, rencontré sur le making of du tournage de Chiens de la casse, Quenard a trouvé tout à la fois un frère en vagues à l’âme, errances, vadrouilles, embrouilles et élégance, un double introverti, un témoin de ses extravagances, un SPECTATEUR TOTAL de ses glissades vraies ou fausses, une sorte de psy omniprésent qui le filme dans tous ses atours, des plus géniaux aux plus triviaux.

Si ce I love Peru, dont il est le coauteur avec Hugo David, manque de cinéma, l’être-Quenard, lui, n’en manque pas.

De prime abord, il nous faut interroger si un tel documentaire passerait la rampe s’il n’était phagocyté et donc aussi consumé et/ou embrasé par l’art de Quenard, sa tchatche inlassable, ses fougues et ses trouilles, sa manière poético-populaire de s’adresser face caméra à son pote et de dire des pitreries ou des insanités. Il faut interroger l’objet cinéma face à une industrie sévère où le documentaire a toujours davantage de peine à exister dans les salles . La perplexité en première impression est de mise : le film est maladroit, sans réelle fugurance cinématographique, sa seconde partie au Pérou inutile et trop longue, l’écriture paraît inexistante et l’on serait tenté de le classer à la va-vite comme un film potache trop intime que feraient des potes entre eux au téléphone ou à l’appareil photo sans réfléchir à ce que peut être faire un documentaire. Tel que Sophie Letourneur avec la même matière intime peut le faire. Quenard se réfère au duo Alban Teurlai et Thierry Demaizières, coauteurs du remarquable et percutant Cœur sanglant, et de fait on peut se demander ce que deviendrait Raphaël Quenard filmé par Teurlai/Demaizières ?

Le énième degré comme destination

Alors de quoi s’agit-il au juste dans ce documentaire de 1h05 produit par Hugo Selignac, l’autre complice de l’ascension Quenard ? D’une histoire d’amitiés (donc d’amour) comme dans Chiens de la casse, celle de David et Quenard, sorte de Laurel et Hardy, duo de travail cocasse et improbable, l’un voulant réussir en tant que metteur en scène, l’autre rencontrant le premier alors même qu’il était encore inconnu et trouvant en miroir un jumeau, une oreille, une écoute. Hugo David se trouvant à accumuler des dizaines d’heures de rush sur son nouvel ami Quenard, et assistant médusé à la transformation de son statut d’acteur-figurant à celui de star.

I love Peru n’est peut-être pas un grand documentaire, mais il vaut incontestablement comme pacte d’amour et déclaration royale d’amitié entre ces deux-là. Il vaut aussi comme état des lieux d’un passage, sociologie d’un phénomène : comment passe-t-on en si peu de temps de l’anonymat de figurant, second rôle à l’ultra-médiatisation de Raphaël Quenard ? Le film ne donne pas de réponse, il prend la mesure d’un acteur on the edge.

La ligne du Condor : ligne de l’air, de hauteur, d’amplitude

Tout l’art de Quenard et de David est de jouer sur cette ligne impalpable, fragile, touchante, drôle, parfois ennuyeuse, cabotine et folle, où le spectateur ne sait jamais au juste si ce qui est raconté est du lard ou du cochon, si vraiment l’intime semblant être filmé à l’improviste est celui de Quenard ou une construction fantasmagorique. Le duo Hugo David-Raphaël Quenard prolonge ici cette veine troublante et intrigante commencée avec leur court-métrage L’Acteur ou la surprenante vertu de l’incompréhension. Jouer toujours sur second degré, implanté au cœur du dispositif narratif : ne jamais savoir le régime de vérité ou de feinte, le degré d’ironie ou de véracité des images filmées n’est pas sans rappeler le cinéma de Dupieux. Ce énième degré surtout résonne avec l’entêtante force de frappe de l’acteur Quenard, sa magie verbale et son charisme étrange. Interrogé sur ce qui l’anime profondément, Raphaël Quenard répond : un amour divin du jeu, un désir de voler toujours plus loin, plus haut, tel le condor qu’il poursuit au Pérou, et qu’il lui a bien fallu cela pour résister au monstre du rejet dont il fût l’objet dans ses débuts.

La vérité, il n’y a pas de vérité

Cette fissure permanente entre la (pseudo) authenticité de l’acteur filmé jusque dans son plus simple élément (cul à l’air, trou de balle flouté) et l’ambiguïté sur le statut véridique ou pas de ce qui est dit résonne avec la citation de Pablo Neruda qui ouvre I love Peru. La vérité c’est qu’il n’y a pas de vérité ! Ce fil narratif-là (qui rappelle le très fort documentaire d’Armel Hostiou, Le Vrai du faux) est la plus grande réussite du duo David-Quenard en même temps qu’il s’ajuste parfaitement à l’image que projette l’acteur Quenard : une immense sensation d’authenticité vrillée en son cœur par des éléments de profonde ambivalence.

Péroraison Artaudienne sur les vertus du trou de balle

Il faut voir Quenard entamer tout à coup une péroraison culottée et démente sur les formes et vertus de son trou de balle pour mesurer ce degré de vérité et de jeu. Dans cette scène où son jeu ne va pas vers l’ironie ni le second degré, c’est Artaud qui apparaît, tout le théâtre et son double, un acteur brûlé, cramé par sa notoriété fulgurante en même temps qu’un autre Quenard.

Celui-là même qui sans cesse nous dit à nous spectateurs : rien de ce que je dis n’est vrai, soyez témoin de ma falsification. Ou soyez témoin de mon incandescence. Moi je ne m’importe pas, voyez-moi comme un acteur. Et qu’est-ce qu’un acteur ? Une imposture. Un trou. Une balle. Un rêve de condor.

C’est sans doute là la beauté intrépide de I love Peru : bifurquer sans cesse du sujet principal de cette virée au Pérou dont tout le monde se fiche, cette façon qu’ont les deux réalisateurs de ne filmer que Quenard et jamais David (alors qu’on pourrait supposer des plans de lui aussi) sans jamais se perdre dans un narcissisme vain, toujours aller creuser l’énigme Quenard, l’art qui rime avec son nom, le coup monté qu’il nous joue et dans lequel il se perd lui-même. C’est tout Quenard et son traquenard. Stylé. Barré. Gérard Philipe ressuscité brûlant et enfiévré dans le Cid.

LE PÉROU C’EST LE JEU-BORDER D’UN ACTEUR FÉTICHISÉ, LE PÉROU C’EST L’AMOUR.

Cette hyperbole d’un acteur aimé, admiré (« léché, lynché, lâché » entend-on dire comme leitmotiv des nouvelles stars) tout autant qu’esquinté et carbonisé par ses excès, son amour fou des fondations du jeu, est la grâce dingue d’I love Peru, sa malice espiègle, son intensité désinvolte.

Raphaël Quenard est un showman, Hugo David un œil-oreille, espérons que les deux poursuivent leurs aventures sur les planches d’un théâtre pour un seul en scène.

I love Peru : bande-annonce

I love Peru : fiche technique

Réalisation et scénario : Hugo David, Raphaël Quenard
Montage : Méloé Poillevé
Son : Alexis Place, Antoine Citrinot, Niels Barletta
Musique : Théodore Vibert
Étalonnage : Arthur Paux
Sociétés de production : Lipsum Productions, Chi-Fou-Mi Productions, Wašté Films
Pays de production : France
Distribution France : Le Pacte
Durée : 1h09
Genre : Documentaire
Date de sortie : 9 juillet 2025