LeMagduCiné

Avant d’être un bon petit délire dont Quentin Tarantino a le secret, Once Upon a Time… in Hollywood est avant toute chose une déclaration d’amour du cinéaste pour le cinéma. À son histoire, à son fonctionnement et à ses techniques, auxquels le papa de Pulp Fiction vient apporter sa patte, son respect et surtout son savoir-faire qui ne sont plus à démontrer. L’ensemble pourra en dérouter certains, mais la réussite est bien là !

Synopsis : En 1969, la star de télévision Rick Dalton et sa doublure de longue date Cliff Booth poursuivent leurs carrières au sein d’une industrie hollywoodienne en pleine mutation, cette dernière pouvant les ranger au placard des « vedettes has been » à tout instant. En parallèle, l’actrice Sharon Tate et voisine de Rick Dalton rentre à Los Angeles avec son mari Roman Polanski pour profiter pleinement de sa vie de célébrité, sans se douter que son destin lui fera croiser le chemin des disciples de Charles Manson… 

Que pouvons-nous bien ajouter de plus quand tout a déjà été dit depuis sa présentation au dernier Festival de Cannes ? Surtout quand la rédaction du site même était présente sur la Croisette le 21 mai 2019 pour en délivrer une première critique (que vous retrouverez ici). Que dire quand la majorité des médias se montrent unanimes quant à la qualité et la prestance du film dans le paysage cinématographique ? Et ce depuis déjà quelques mois ! Autant dire que l’exercice s’avère plutôt difficile, étant donné que le risque de cette critique est d’arriver après la bataille. De paraître aux yeux des lecteurs comme une simple redite, rédigée à l’occasion de la sortie nationale du long-métrage. Surtout qu’aux vues de la note attribuée au titre, certains rétracteurs pourront y voir comme un effet « mouton suivant bêtement la masse ». Que le rédacteur de cette critique, plutôt que de se mettre les cinéphiles à dos, ait préféré aller dans leur sens pour ne pas les froisser parce qu’il s’agit d’un film de Quentin Tarantino. Réalisateur acclamé, pour ne pas dire intouchable. Oui, la situation est vraiment délicate ! Mais au lieu de se prendre la tête avec autant de questionnements, plongeons à corps perdu dans cette critique et disons-le clairement : oui, Once Upon a Time… in Hollywood est une vraie réussite, qui saura mettre tout le monde d’accord – contrairement au précédent film de Tarantino, Les Huit Salopards.

Mais il faut tout de même avouer que le film en déroutera plus d’un, à commencer par ceux n’ayant aucune affinité avec le réalisateur. Ne connaissant pour le coup aucun de ses critères de cinéaste, ils se lanceront à corps perdu dans un long-métrage qui semble mener nulle part. Car sur une durée de 2h41, Once Upon a Time… in Hollywood prend deux heures – si ce n’est plus – à suivre les déboires d’un acteur en perdition et de sa doublure. Deux heures à nous présenter une vedette narcissique has been en proie au doute lors de ses répétitions, sur les plateaux de tournage, dans sa villa, pendant ses crises de diva préoccupée par son image. Deux heures à montrer le quotidien de son homme à tout faire, insistant sur la route qu’il entreprend pour le voir rentrer dans sa caravane donner à manger à son chien. Sur une antenne de télévision qu’il doit réparer. Sur sa drague avec une parfaite inconnue. Deux heures à surligner l’amitié, pour ne pas dire la fraternité, qui unit les deux hommes, pouvant compter l’un sur l’autre jusqu’à passer une simple soirée devant la télévision avec des bières. Deux heures pour raconter tout cela, en y ajoutant en parallèle la vie de l’actrice Sharon State. Une autre intrigue qui ne se résume qu’à voir le personnage se dandiner à la moindre musique, la moindre soirée et se satisfaire au cinéma devant un film auquel elle apparaît au casting. En gros, en deux heures, Once Upon a Time… in Hollywood ne semble rien raconter. Ne pas avoir de but précis et ce même en essayant d’instaurer une menace avec « la famille Manson » comme un cheveu au milieu de la soupe. Et comme Tarantino est notamment connu pour prendre son temps, de prendre les minutes qu’il faut pour proposer des séquences de dialogues pouvant s’étirer sur des dizaines de minutes, le visionnage semblera paraître bien long et vain pour les néophytes. Mais même pour les habitués du réalisateur, Once Upon a Time… in Hollywood peut ne pas plaire. Et pour cause, Tarantino, qui nous avait habitués à des films mélangeant habilement violence et délire avec mafia et autres tueurs, nous offre ici une comédie dramatique. Quelque chose a priori plus calme qu’à l’accoutumée, qui attend d’exploser sans jamais y arriver. Est-ce ennuyeux et frustrant pour autant ? Rappelez-vous qui est à la barre !

Depuis son premier film Reservoir Dogs, Quentin Tarantino a tout de suite dévoilé son talent pour proposer à ses réalisations une écriture de très grande qualité. Le genre de plume qui parvient à donner du peps à n’importe quelle situation s’étirant pourtant à l’excès au premier abord. Dans chacun de ses précédents projets, le cinéaste a toujours su nous livrer des répliques d’une finesse exemplaire. D’une intelligence tout bonnement remarquable. Des dialogues sonnant à chaque fois juste pour emmener le film vers un délire verbal d’une jouissance tout bonnement extrême, permettant à une simple séquence de tenir la distance sur plus de quinze minutes. Si Reservoir Dogs en est le parfait exemple (car étant principalement un huis clos), nous pouvons également prendre comme exemple les discussions entre John Travolta et Samuel L. Jackson dans Pulp Fiction. Les monologues de Hans Landa (Inglourious Basterds) et de Calvin Candie (Django Unchained). Les Huit Salopards dans son intégralité – bien que la plume de Tarantino y trouvait ses limites. Once Upon a Time… in Hollywood ne déroge pas à la règle et s’offre une écriture une fois de plus de qualité. Une écriture qui permet donc de transformer ces deux longues heures a priori banales sur le plan scénaristique en un véritable plaisir de cinéma. Le quotidien des deux personnages principaux devient pour le coup léger, drôle et intense. Brad Pitt donnant à manger à son chien ? Un vrai gag qui provoque le rire. La détresse de Leonardo DiCaprio face à sa notoriété déclinante ? Tout simplement hilarante, en décalage avec le drame de la situation. Tout devient énergique rien que par la force des mots. Par cette envie d’apporter un peu d’absurde, de ridicule à des séquences qui ne le sont pas. Un constat qui se voit rehausser par le montage, se permettant d’agrémenter certains passages via d’autres scènes venant s’inscruster l’air de rien (des extraits des films de Rick Dalton, le souvenir de Cliff Booth à Bruce Lee…). Par la bande originale, bien punchy. Mais surtout par l’interprétation de tous les comédiens présents, Tarantino ayant toujours su bien s’entourer et diriger son équipe à la perfection. Et s’ils s’en sortent tous avec les honneur, la palme revient tout de même au trio de tête : Leonardo DiCaprio délicieusement pathétique et d’une incroyable justesse, Brad Pitt crève l’écran comme il ne l’a plus fait depuis belle lurette (peut-être bien depuis Inglourious Basterds, justement), Margot Robbie est pétillante et lumineuse à souhait comme jamais. Avec tout ça en poche, malgré son départ pouvant en rebuter plus d’un, Once Upon a Time… in Hollywood capte l’attention dès ses premières secondes comme tout film de Tarantino qui se respecte. En étant incroyablement fun et cool sans perdre un seul instant de vue ses personnages et son histoire.

Mais si au bout du compte Quentin Tarantino livre ici ce qui semble être son film « le plus sage » en matière de violence orgasmique et d’envolées percutantes, Once Upon a Time… in Hollywood se présente comme son œuvre la plus personnelle à ce jour. Il serait même réducteur de dire que le titre soit un long-métrage. Et pour cause, avec sa neuvième réalisation, Tarantino délivre une véritable déclaration d’amour. Une déclaration aux années 60, qu’il a pris soin de reconstituer avec une cohérence et une crédibilité à la limite de l’obsession maladive. Filmant le moindre accessoire pour renforcer l’authenticité de ces derniers (une boite de pâté pour chien, un paquet de cigarettes, un emballage de céréales, des télévisions…), le moindre costume qu’il dévore de son objectif, le moindre décor construit au millimètre près. Usant du personnage de Sharon Tate pour imager l’évolution qui s’est faite à cette époque – la voir danser et participer à des fêtes exprime cette envie de liberté, de casser les tabous de la société américaine de ces années-là. Une déclaration au genre du western, déjà exprimé avec Django Unchained et Les Huit Salopards. En filmant certaines séquences comme s’il réalisait un film de ce genre : les plans sur les chaussures des protagonistes, une partie du métrage axée sur ce que tourne Rick Dalton, Cliff Booth débarquant chez « les Manson » comme un étranger arrivant dans une petite ville du Far West… Mais avant toute chose une déclaration pour le cinéma. Pour son histoire avec un grand H, qui a donné naissance à de grands noms, de grands films, qui traversent encore les âges (Rick Dalton se souciant de son image et de sa notoriété, ses choix de projets…). Qui a connu maintes et maintes évolutions pour se bâtir au fil des décennie – le fait de situer son récit dans les années 60, transition entre le Vieil et le Nouvel Hollywood comme le furent les années 30 pour le cinéma muet et sonore. Pour ses techniques et procédés (répétitions, tournage, caméra, production, célébrité…) qui sont mis en valeur à chaque seconde, justifiant pourquoi Tarantino daigne prendre autant de temps sur le quotidien de ses personnages. Et ce en le critiquant – les personnages de Rick Dalton et de Sharon Tate, nombrilistes et noyés dans la débauche et dans leur petit monde sans jamais faire attention à ce qui les entoure (dont la menace du « clan Manson », la guerre du Viet-Nam…). Dès lors, les deux longues heures « entamant » Once Upon a Time… in Hollywood prennent tout leur sens. Par leur biais, Tarantino exprime toute sa passion pour cet art qu’est le cinéma. Et ce film est pour lui l’occasion de la partager pleinement, comme jamais.

Une déclaration que le cinéaste effectue avec tout son cœur, tout son savoir-faire. Car s’il y ajoute sa patte comme nous le citions en amont de cette critique, il profite de Once Upon a Time… in Hollywood pour s’amuser comme un fou avec tout ce qu’il a expérimenté par le passé, tel un medley de sa filmographie. Comme changer à sa guise la réalité et faits historiques pour les besoins de son récit (le sort d’Adolf Hitler dans Inglourious Basterds) : la destinée de Sharon Tate et de ses agresseurs, le caractère hautain de Bruce Lee… Et ce sans jamais manquer de respect aux faits. D’ailleurs, il faudra une seule séquence – Margot Robbie jouant Sharon Tate au cinéma devant un film avec la vraie Sharon Tate – pour indiquer cette frontière entre réalité et fiction alternative. Apporter une explosion de violence visuelle d’une jouissance sans nom (le climax, avec des membres de la « famille Manson »), à l’instar de la majorité de sa filmographie. Parvenir à copier un style de film particulier visuellement et techniquement parlant (Boulevard de la Mort), par le biais de petites scénettes retraçant la carrière de Rick Dalton : ses westerns, ses productions italiennes, ses interviews, ses publicités (dont une faisant office de séquence post-générique)… Savoir créer un décalage hors norme avec la séquence filmée : Tex et « ses filles » se préparant à tuer rappelle fortement la scène tordante des cagoules de Django Unchained. Instaurer du danger et de la tension malgré le ton léger de l’ensemble (quand Cliff Booth se rend chez « les Mansons »). Se permettre des effets de mise en scène dont il a le secret, comme de long travellings et autres plans séquences (rappelez-vous celui du premier Kill Bill, en vue du dessus). Vous l’aurez compris, les exemples ne manquent pas à l’appel pour dire à quel point cette déclaration d’amour transpire le Tarantino par tous les pores. Le réalisateur partage sa passion avec sa liberté, son style, son énergie et son talent. Ce qui renforce en tout point le plaisir avec lequel Once Upon a Time… in Hollywood se savoure.

Peut-être long et vain au premier abord, Once Upon a Time… in Hollywood est pourtant bien plus qu’un « simple » film de Quentin Tarantino. Sans doute pas son plus inoubliable quand nous savons ce qui constitue sa carrière (Reservoir Dogs, Pulp Fiction…). Mais certainement le plus personnel. Le plus passionné et pour le coup le plus abouti de sa filmographie. Une véritable déclaration d’amour à ce qui lui a permis d’être le réalisateur adulé que tout le monde respecte, que nous soyons cinéphiles ou pas. Une intense et délicieuse plongée dans le monde du cinéma que nous ne sommes pas prêts d’oublier. Et si la question du moment est de savoir quel sera son dixième (et peut-être dernier) long-métrage – un film d’horreur comme il semble avoir envie de faire, un Star Trek, relancer Kill Bill 3…–, le passionné qu’il est saura toujours nous livrer une œuvre digne de ce nom. Car si pour certains aimer des artistes vénérés par la masse relève de l’effet « mouton » cité en introduction, Quentin Tarantino reste un metteur en scène de grand talent et ce même dans ses œuvres les plus imparfaites. Au point de ne jamais décevoir pleinement. Subjectivement parlant.

Once Upon a Time… in Hollywood – Bande-annonce

Once Upon a Time… in Hollywood – Fiche technique

Titre original : Once Upon a Time… in Hollywood
Réalisation : Quentin Tarantino
Scénario : Quentin Tarantino
Interprétation : Leonardo DiCaprio (Rick Dalton), Brad Pitt (Cliff Booth), Margot Robbie (Sharon Tate), Emile Hirsch (Jay Sebring), Margaret Qualley (Pussycat), Timothy Olyphant (James Stacy), Julia Butters (Trudi Fraser), Austin Butler (Charles ‘Tex’ Watson)…
Photographie : Robert Richardson
Décors : Barbara Ling
Costumes : Arianne Phillips
Montage : Fred Raskin
Producteurs : Quentin Tarantino, David Heyman et Shannon McIntosh
Productions : Columbia Pictures, Sony Pictures Entertainment, Heyday Films, Bona Film Group et Visiona Romantica
Distribution : Sony Pictures Releasing
Budget : 90 M$
Durée : 161 minutes
Genre : Comédie dramatique
Date de sortie : 14 août 2019

États-Unis, Royaume-Uni – 2019

Playmobil, le Film est l’exact contraire de La Grande Aventure LEGO. Plutôt que d’être un bijou d’animation diablement intelligent, cette adaptation de la gamme de jouets allemande s’avère être d’une banalité mercantile affligeante. Un film d’animation français qui livre le minimum syndical pour plaire aux plus jeunes et vendre des tonnes de produits dérivés, rien de plus !

Synopsis : Suite au décès de ses parents, la jeune Marla doit s’occuper de son petit frère Charlie, devant mettre de côté ses rêves et son esprit d’aventures. Devant un soir ramener son cadet ayant fugué dans un magasin de jouets, Marla va se retrouver projetée dans l’univers magique des Playmobils. Aidée de Del, un vendeur-ambulant un brin escroc et de l’espion Rex Dasher, elle va devoir parcourir les différents mondes qui s’offrent à elle pour pouvoir sauver la vie de son petit frère, transformé en redoutable guerrier capturé par l’infâme empereur Maximus… 

En 2014, les réalisateurs Phil Lord et Chris Miller (Tempête de Boulettes Géantes, 21 Jump Street et sa suite) avaient surpris tout le monde. Et pour cause, à partir d’un projet qui sentait l’opération mercantile à des kilomètres, ils ont su tirer de La grande Aventure LEGO un film d’animation savamment travaillé. Un objet cinématographique d’une très grande intelligence, porteur d’un message sur l’imaginaire et notre société actuelle. Se permettant même de critiquer le manque de liberté artistique propre à Hollywood qui limite ses créations par des « règles » (cahiers des charges à respecter, réussite commerciale à atteindre, aseptisation des projets pour contenter le public…). Une véritable surprise qui donna naissance à un énième univers étendu perdant de sa saveur au fil des titres : un LEGO Batman sympathique mais limité dans sa mise en abyme, un Ninjago basique au possible, une Grande Aventure LEGO 2 singeant son aîné… Et si nous entamons la critique par un récapitulatif de la saga LEGO, c’est pour mieux insister sur le fait qu’il n’était pas étonnant de voir débarquer un jour sur grand écran la gamme de jouets rivale des petits briques jaunes. À savoir les petits bonshommes en plastique qui berçaient notre enfance – qui a pu oublier le slogan télévisuel « En avant les histoires » ? – : les Playmobils. Et revenir sur le parcours des LEGOs permet également de dire que les jouets allemands n’ont clairement pas eu la même chance que leurs homologues danois. En effet, Playmobil : le Film se présente comme l’exact contraire de La Grande Aventure LEGO : un pur produit marketing qui fait le minimum syndical pour amuser le jeune public.

Il faut tout de même avouer qu’il est très difficile de passer après la réussite de Phil Lord et Chris Miller. Le duo de réalisateurs avait trouvé un angle tellement original pour les LEGOs qu’on pouvait se demander si les Playmobils pouvaient faire le poids. Devaient-ils suivre la même logique, au point d’être un banal copié-collé ? Piocher dans d’autres œuvres ? Ou bien tenter quelque chose de totalement différent qui puisse mettre en valeur les jouets dont le film est l’adaptation ? Pour le coup, il est compréhensible que ce dernier ait choisi la facilité en se présentant comme un pot-pourri de ce qui a déjà été fait dans le cinéma pour enfants. Comme le fait d’avoir une trame qui voit nos héros propulsés dans un univers qui les dépasse. Des similitudes avec La Grande Aventure LEGO comme cette diversité de mondes (entendre par-là de décors) et ce mélange entre film live et d’animation. Une histoire partant sur de mauvaises bases (le décès des parents, une sœur et son frère aux relations tendues) qui va évoluer vers un happy end attendu (la sœur et le frère qui vont se retrouver sur le plan relationnel). Bref, du déjà-vu, du réchauffé, du classique ! Mais le classique peut encore se montrer efficace s’il est traité à bon escient, comme le cinéma a pu nous montrer au fil des décennies. Playmobil, le Film aurait très bien pu surprendre l’assistance avec de bons artisans à sa direction : Lino DiSalvo à la réalisation – ancien animateur chez Disney ayant travaillé sur Chicken Little, Bienvenue chez les Robinson, Raiponce et La Reine des Neiges – et les producteurs de la merveille qu’avait été Le Petit Prince en 2015. Peine perdue de croire cela…

Dès les premières minutes du film, le manque de qualité se fait irrémédiablement ressentir. Démarrant directement sur du live, le long-métrage nous montre à quel point le réalisateur ne sait pas diriger. Que ce soit la pourtant talentueuse Anya Taylor-Joy (The Witch, Morgane, Split, Le Secret des Marrowbone, Glass), en totale roue libre et manquant de crédibilité. Ou bien tout simplement une scène, dont la photographie bas de gamme et la mise en scène plate rappellent un mauvais téléfilm de Disney Channel. D’ailleurs, pour faire la transition avec le passif du réalisateur chez Mickey, ce dernier offre à son film des séquences chantées affligeantes. Car étant forcées comme ce n’est pas permis (à chaque apparition de personnage) et d’un vide intersidéral (aucune magie, aucune poésie, aucune écriture digne de ce nom…). Avec une telle entrée en matière, difficile de s’attacher aux personnages ou de s’intéresser à l’ensemble ne serait-ce une seule seconde. D’autant plus que le tout paraît limité au jeune public qu’il semble cibler avidement, arborant pour le coup une légèreté et un humour pour le moins discutables (entendre par là beaucoup trop enfantins). Et s’il n’est question ici que d’une dizaine de minutes de films live, cela ne s’arrange pas au passage à l’animation…

Visuellement, c’est plutôt laid. Est-ce parce qu’il s’agit d’un film français, qui ne possède pas le même budget d’une production hollywoodienne ? Les récents Le Domaine des Dieux et Le Secret de la Potion Magique prouvent que nous pouvons livrer des films d’animation de bonne tenue sur le plan graphique. Tout comme nos voisins européens, à l’instar des films du Belge Ben Stassen (dont Le voyage extraordinaire de Samy). Non, il faut se rendre à l’évidence que, malgré son expérience auprès de Disney, Lino DiSalvo n’est pas l’homme de situation. Faisant de Playmobil, le Film un long-métrage d’animation techniquement similaire aux pauvres séries animées diffusées à la télévision sur TF1, France 3 et consorts. D’autant plus que le bonhomme, contrairement à ce qui a été fait sur La Grande Aventure LEGO – déjà plus marquant pour son animation rappelant l’image par image propre aux briques danoises – ne s’amuse jamais à reproduire les caractéristiques propres aux jouets. S’il le fait pendant quelques secondes (l’héroïne ne parvenant pas à se relever à cause de la rigidité de son corps), nous nous retrouvons avec de banals personnages en plastique n’ayant aucune limite : des membres qui se plient normalement, des cheveux qui ne sont pas figés, des chevaux avec des poils et qui galopent… Bref, à aucun moment nous avons l’impression de faire face aux Playmobils. Pour le reste, cela suivra la route tracée par l’introduction live, à savoir un amoncellement de niaiseries, de blagues immatures et de thématiques beaucoup trop enfantines pour convaincre.

Mais encore une fois, seul le jeune public semble visé. Nous, adultes, ne sommes clairement pas concernés par ce bidule mercantile faisant office de film. Et en essayent de retrouver son âme d’enfant – de très jeune enfant –, il faut avouer que le long-métrage Playmobil peut fonctionner. Car en s’y repenchant un peu, il remplit en quelque sorte le cahier des charges d’un film d’animation acceptable : des blagues, des personnages hauts en couleurs, des chansons, de la magie, des décors variés, de l’action… D’autant plus que même si l’intrigue et les thématiques sentent le réchauffé à plein nez, le titre n’est pas avare en leçon de vie pour les enfants. Comme le deuil (qui procure au film son seul soupçon de sérieux et de maturité), l’amitié, les liens familiaux, le désir d’aventures, le passage à l’âge adulte, l’imaginaire… il y a suffisamment de quoi faire pour faire passer un agréable moment aux plus jeunes. Entendre en fin de visionnage leur contentement par des « J’ai aimé ! » et des « C’était trop bien ! » confirme que le divertissement est à la hauteur de leurs attentes. Mais tout comme nous qui devons nous contenter de produits hollywoodiens fades et aseptisés, il est vraiment regrettable de voir que nos enfants doivent également s’accommoder de si peu pour être amusés…

Ne livrant que le strict minium sur tous les plans, Playmobil, le Film peine à convaincre. Sans aucune envergure, l’adaptation des jouets allemands ne parvient même pas à rivaliser avec Ninjago et La Grande Aventure LEGO 2, les deux titres les plus faibles de la saga LEGO. Initialement prévu comme le départ d’une trilogie – et comme peut en témoigner la séquence post-générique –, il n’est pas certain que l’aventure continue vu la piètre qualité de l’ensemble. Et vu la notoriété décroissante des LEGOs au cinéma, pas sûr que les Playmobils puissent faire mieux, surtout avec une adaptation aussi peu mémorable. Seul le jeune public sera décider du sort de cette prétendue saga commerciale.

Playmobil, le Film – Bande-annonce

Playmobil, le Film – Fiche technique

Titre original : Playmobil : The Movie
Réalisation : Lino DiSalvo
Scénario : Greg Erb, Blaise Hemingway, Jason Oremland, Lino DiSalvo et Michael LaBash, d’après les jouets créés par Hans Beck et Horst Brandstätter
Doublage : Anya Taylor-Joy (Marla), Gabriel Bateman (Charlie), Jim Gaffigan (Del), Daniel Radcliffe (Rex Dasher), Meghan Trainor (la Bonne Fée), Kenan Thompson (Bloodbones), Adam Lambert (l’empereur Maximus)…
Animation : Julien Rossire
Montage : Maurissa Horwitz
Musique : Heitor Pereira
Producteurs : Moritz Borman, Dimitri Rassam et Alexis Vonarb
Productions : ON Entertainment et ON Animation Studios
Distribution : Pathé Distribution
Durée : 99 minutes
Genre : Animation
Sortie : 07 août 2019

France – 2019

À la fois mise en bouche à Fast & Furious 9 et fruit de problèmes d’ego en coulisses, le spin-off Hobbs & Shaw est avant toute chose un buddy movie bourrin et décérébré à l’image de la saga. C’est efficace question divertissement, mais cela confirme également l’essoufflement d’une série ayant roulé trop longtemps sur ses acquis depuis 2011 avec Fast & Furious 5.

Synopsis : Luke Hobbs est un agent fédéral et père de famille, courant après la justice et faisant tout ce qu’il faut pour sauver le monde. Deckard Shaw, ancien militaire des forces spéciales, est désormais un mercenaire offrant ses services aux plus offrants. Deux hommes que tout diffère qui vont devoir s’allier à nouveau pour contrecarrer les plans de Brixton Lore. Ce dernier, un soldat cybernétiquement modifié, cherche à mettre la main sur un virus détenu par la soeur de Deckard, Hattie, qui pourrait l’aider à éradiquer la moitié de la population mondiale… 

Il est vrai que pour certaines critiques, nous prenons notre temps à la rédaction. Et pour cause, il nous arrive de publier des articles bien après que les films en question sont sortis en salles. Cela peut être l’ordre de quelques jours comme d’une semaine entière. Mais quelque part, pourquoi donc se presser ? Ici, nous ne sommes pas là pour tirer la couverture au maximum en fonçant sur la première occasion. Nous ne sommes pas du genre à vouloir diffuser nos écrits avant les autres juste parce que les médias sont une course à l’information, où la même chose va être répétée en boucles des jours et des jours. Nous préférons laisser le temps à nos rédacteurs de voir les films selon leur disponibilité et de pouvoir pousser l’analyse avec du recul. Oui, vaut mieux légèrement appuyer sur le frein plutôt que de pousser à fond l’accélérateur ! Chose que semble faire la saga Fast & Furious depuis le succès surprise de son cinquième opus. Une série qui n’a dès lors roulé que sur ses seuls acquis sans se renouveler, atteignant l’overdose du n’importe quoi (Fast & Furious 8). Et comme si cela ne suffisait pas, voilà que la fameuse « famille Vin Diesel », si parfaite jusque-là, se retrouve prise au piège dans sa course au succès, enchaînant les conflits et autres bad buzz (confrontation entre Diesel et Dwayne Johnson, le pétage de plombs de Tyrese Gibson, Michelle Rodriguez ne mâchant plus ses mots…). C’est d’ailleurs à partir de cela que les producteurs ont voulu suivre la mode des univers étendus et offrir aux spectateurs un spin-off. Un projet en guise de mise en bouche à Fast & Furious 9 (prévu pour 2020) mais surtout un projet écartant Diesel, afin de mettre en avant ses deux rivaux du moment que sont Dwayne Johnson et Jason Statham. Deux personnages introduits dans la saga et qui se sont retrouvés en un rien de temps dans le cœur du public, au point de faire gonfler bien des egos. Et de montrer que courir après le succès avec autant de précipitation ne peut engendrer qu’une sérieuse perte de vitesse.

Quoique ce spin-off, sobrement intitulé Hobbs & Shaw, pourrait être vu comme une véritable mise en abyme de ces différends cités plus haut. Et pour cause, le film met sur le devant de la scène deux personnages qui s’étaient déjà croisés dans la saga principale et qui, par leurs différences (de caractère, leur physique, leur façon de se battre…), font de chaque instant un véritable concours d’ego. Leur rivalité certaine, présentée dans Fast & Furious 7 puis transformée en une sorte de running gag dans le 8, devient ici le centre d’intérêt de tout un long-métrage, durant lequel ces deux personnages éponymes ne vont pas arrêter de se lancer des vannes à tout bout de champ. De se comporter en véritables gamins malgré les situations périlleuses se présentant à eux. Bref, de savoir lequel des deux est meilleur que l’autre ! Et c’est en cela que Hobbs & Shaw, sortant au milieu de toutes ces polémiques entourant l’envers du décor – la dernière en date faisant état des lieux de contrats limitant le nombre de coups reçus par les protagonistes –, aurait très bien pu se voir comme un film d’auteur usant de ces histoires pour exister voire même dénoncer. Ou bien un blockbuster à la production bien huilée, créant de fausses polémiques pour aider sa propre publicité – la mésentente entre Vin Diesel et Dwayne Johnson avait démarré quand nous apprenions que Fast & Furious 8 présentait un Diesel/Toretto abandonnant sa « famille » pour passer du côté des méchants. Oui, derrière ce blockbuster décérébré pourrait très bien se cacher un objet beaucoup plus pointu et intelligent que prévu. Mais au visionnage du film, ce dernier nous rappelle dès ses premières minutes que nous avons affaire à un simple film Fast & Furious, qui ne fait que reprendre la formule de ses prédécesseurs et rien d’autre…

Après, ne nous voilons pas la face : depuis le cinquième opus, le moindre Fast & Furious a toujours su amuser la galerie, jusque-là sans trop forcer : faire le plein de grosses séquences d’action spectaculaires, être débile à souhait tout en l’assumant et aller à fond les pédales dans cette direction. Hobbs & Shaw ne déroge donc pas à la règle et se livre à nous comme un gros blockbuster assurant le spectacle comme il se doit, au risque de déplaire aux plus pointilleux par son sérieux manque de scénario. Et comme le film se concentre sur la rivalité caractérisant ses personnages éponymes, il devient pour le coup un véritable buddy movie tout droit sorti des années 80-90. Dans lequel la majorité des ressorts comiques, d’action et d’intérêt va se focaliser sur les aptitudes de ses protagonistes : les muscles et la force exagérément herculéenne de Dwayne Johnson, le combattant aguerri et froid qu’est Jason Statham… Procurant au film sa dose de joutes verbales et de scènes au corps-à-corps bien senties, que viennent par ailleurs souligner la mise en scène du réalisateur David Leitch (John Wick, Atomic Blonde, Deadpool 2). Si le bonhomme n’a pas de style bien particulier ni de patte bien à lui, il parvient à donner ce qu’il faut d’efficacité et de peps à l’ensemble, bien loin de l’aspect mollasson qu’avait eu F. Gary Gray sur Fast & Furious 8 (la séquence d’évasion de Johnson et Statham). En plus d’avoir des interprètes qui semblent s’amuser malgré leurs différends et des petits nouveaux tout aussi excités de faire partie de l’aventure (mention spéciale à Vanessa Kirby, révélée dans Mission : Impossible -Fallout), le spin-off est un spectacle appréciable, qui saura divertir sans la moindre difficulté. Mais qui est bien, bien loin de la jouissance qu’il aurait pu nous procurer avec son postulat et ses têtes d’affiche.

Car si Hobbs & Shaw pouvait prétendre au blockbuster d’action de l’été, il est irrémédiablement rattrapé par la marque Fast & Furious dont il dépend. Même s’il semblait vouloir s’en éloigner en mettant de côté bolides et autres pépés en petite tenue, le long-métrage n’arrive pas à se défaire des défauts de la franchise pour autant. Le scénario ? Bien qu’il soit aux abonnés absents et qu’il ne s’en cache pas, il reste désespérément cliché et vide au possible, au point de donner l’impression d’un projet en roue libre totale. Le rythme ? Des vannes qui s’étirent parfois longuement pour faire patienter jusqu’à la prochaine séquence d’action. Les effets spéciaux numériques ? D’une laideur sans nom pour un titre de ce calibre (la cheminée d’usine qui s’effondre, la « chenille » de véhicules reliés à l’hélicoptère), bien que ce spin-off privilégie bien plus les véritables cascades que ses prédécesseurs. Les invraisemblances ? Il y en a bien moins que dans Fast & Furious 8, mais le film reste toute de même à un bon niveau de n’importe quoi pouvant être indigeste même si c’est pleinement assumé (certaines cascades, Hobbs en chute libre pour rattraper des mercenaires en rappel, encore une fois la « chenille » de véhicules…). La crédibilité ? Après les invraisemblances des autres films et la geek ultime jouée par Charlize Theron (Fast & Furious 8), vous aurez ici droit à un antagoniste certes badass mais tout droit sorti de l’univers des G.I. Joe (super-soldat avec force surhumaine et yeux bioniques) – qui confirme la rumeur selon laquelle les scénaristes désireraient emmener la saga dans le domaine de la SF, pour notre plus grand déplaisir. Et si vous n’êtes toujours pas convaincus, attendez-vous un à un climax qui sent bon le Fast & Furious à l’excès. Car si le film évite jusque-là certains écueils de la franchise, il plonge dans sa dernière partie dans le gnangnan niaiseux (le fameux esprit de « famille » de la saga) et le WTF sans nom (Dwayne Johnson se livrant à un haka ridicule). Ajoutez à cela le fait que le film, bien qu’efficace, n’ose jamais aller plus loin dans son délire. Que ce soit le postulat, n’allant jamais dans la mise en abyme citée en amont de cette critique, ou bien la mise en scène de David Leitch, menée avec savoir-faire mais se reposant sur ses lauriers, n’ayant de « délirant » que le générique de début en split-screen, c’est pour dire…

Tout cela pour dire qu’il était inutile de foncer tête la première pour rédiger une critique de Fast & Furious : Hobbs & Shaw. Bien avant que le film ne se dévoile via sa promotion, nous savions déjà à quoi il allait ressembler. Vu comment la saga se présente depuis quelques années, nous pouvions faire une critique de ce spin-off sans même l’avoir vu. Et puis, se presser pour dire qu’il s’agit d’un buddy movie efficace mais loin d’être jouissif à cause d’une formule usée jusqu’à la gomme, cela n’en valait clairement pas le coup. Cependant, prendre autant de temps permet de voir que la folie des grandeurs de la franchise commence à lasser – le film peine à attirer le public, étant bien loin des scores pharaoniques de ses prédécesseurs au box-office. Est-ce à cause du postulat, qui s’éloigne de la saga principale et de ses personnages attitrés ? De la surdose d’une série qui s’éternise au point d’être prévue jusqu’à un dixième voire onzième opus ? De cette avalanche de polémiques qui casse l’envie de poursuivre l’aventure (de part leur propos et/ou leur ridicule) ? Du manque de renouvèlement certain de la franchise ? Tant de questions qu’un film Fast & Furious parvient à poser, cela relève presque de l’exploit ! Aussi bien pour la saga que pour le paysage hollywoodien actuel, ce dernier étant devenu tout aussi tape-à-l’œil et grandiloquent qu’une voiture customisée. Hobbs & Shaw est certes efficace et divertissant, ne le cachons pas. Mais il en devient vraiment insultant de devoir se contenter de si peu. D’être obligé de rouler à cadence réduite alors que la nitro de notre moteur attend patiemment d’être activée pour une bien meilleure course.

Fast & Furious : Hobbs & Shaw – Bande-annonce

Fast & Furious : Hobbs & Shaw – Fiche technique

Titre original : Fast & Furious Presents : Hobbs & Shaw
Réalisation : David Leitch
Scénario : Chirs Morgan et Drew Pearce, d’après les personnages créés par Gary Scott Thompson
Interprétation : Dwayne Johnson (Luke Hobbs), Jason Statham (Deckard Shaw), Idris Elba (Brixton Lore), Vanessa Kirby (Hattie Shaw), Eiza González (Madame M), Eddie Marsan (professeur Andreiko), Helen Mirren (Magdalene Shaw), Cliff Curtis (Jonah Hobbs)…
Photographie : Jonathan Sela
Décors : David Scheunemann
Costumes : Sarah Evelyn
Montage : Christopher Rouse
Musique : Tyler Bates
Producteurs : Chris Morgan, Hiram Garcia, Dwayne Johnson et Jason Statham
Production : Universal Pictures
Distribution : Universal International Pictures
Budget : 200 M$
Durée : 137 minutes
Genre : Action
Date de sortie : 07 août 2019

États-Unis – 2019