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Le nouveau film de Fatih Akin, Une Enfance allemande. Île d’Amrum 1945, renoue avec la meilleure veine du cinéaste, passé le temps flamboyant de ses premières réalisations.

Il est indéniable que Fatih Akin (25 août 1973, Hambourg) a peu à peu perdu la belle intensité, comme un vent de folie, qui animait ses premières créations cinématographiques et leur donnait sa marque, qu’il s’agisse de la splendeur sombre de Head on (2004) ou de celle, solaire, de Julie en Juillet (2000). Le fond ayant été, espérons-le, atteint avec le laborieux The Cut (2014), qui exposait à grand renfort de grimaces et de costumes maladroits une page de l’histoire turque.

Une certaine fraîcheur semble être parvenue à infuser de nouveau son cinéma avec Goodbye Berlin (2016) et les deux jeunes garçons qui lui apportaient leur énergie. Sans doute aussi Fatih Akin n’est-il jamais si bon — et on peut le comprendre — que lorsqu’il est galvanisé par un duo qui fonctionne, comme c’était aussi plus particulièrement le cas dans les deux premiers films cités.

Sa nouvelle réalisation, Une Enfance allemande. Île d’Amrum 1945, va de nouveau puiser aux sources de l’enfance, tout en se détournant radicalement — fait nouveau dans sa filmographie — de la Turquie. Il nous transporte sur l’île d’Amrum, la plus occidentale du chapelet d’îles qui s’étend au large de la région chère au peintre Nolde, le Schleswig-Holstein.

On y découvre Nanning (Jasper Billerbeck), douze ans, réfugié sur l’île avec sa mère et son frère, en 1945, dans les derniers jours de la guerre. Son père, encore au combat, est un haut gradé nazi, soutenu avec ferveur par Hille (Laura Tonke), son épouse, sur cette île qui a sa propre monnaie, son propre dialecte, et qui se positionne plutôt dans une forme de résistance au nazisme. Savoir quel regard porter sur le monde, discerner le bien du mal, sera la quête la plus fondamentale du jeune Nanning, alors que le nazisme plonge avec le suicide d’Hitler et que se révèle l’action peu glorieuse du couple parental vis-à-vis de l’oncle admiré, fugacement incarné par Matthias Schweighöfer, et de sa compagne bien-aimée.

Également au scénario, avec Hark Bohm, Fatih Akin crée une seconde quête, plus anodine et touchante, et qui emprunte à l’univers du conte : enceinte, puis fraîchement accouchée, Hille nourrit le rêve obstiné de pouvoir manger du pain blanc, tartiné de beurre et de miel. Il n’en faudra pas plus pour lancer son fils dévoué dans cette triple quête, afin de réunir ces trois éléments qui, véritablement comme dans un conte, l’exposeront chacun à des épreuves spécifiques. Parmi lesquelles le côtoiement d’un groupe de réfugiés, qui soulève le problème de l’accueil de l’autre.

L’ensemble du film repose sur les jeunes épaules de ce petit héros, dont le visage sympathique pourrait donner l’impression de retrouver un Gabin enfant. Loin des tableaux densément colorés que Nolde a réalisés sur la partie terrestre de cet état d’Allemagne, Karl Walter Lindenlaub, à l’image, recueille une palette infiniment nuancée de bleus et de gris magnifiques qui offrent à l’île une présence fascinante, apte à porter les fantasmagories enfantines tout autant qu’à accompagner, en douceur, les prises de conscience les plus douloureuses et l’acheminement réfléchi vers l’âge adulte.

Une enfance allemande, île d’Amrum 1945 : bande-annonce

Une enfance allemande, île d’Amrum 1945 : fiche technique

Titre original : Amrum
Réalisation : Fatih Akin
Scénario : Fatih Akin, Hark Bohm
Interprètes : Diane Kruger, Matthias Schweighöfer, Laura Tonke, Jasper Billerbeck, Lisa Hagmeister, Detlev Buck, Kian Köppke, Florentine Panizza
Photographie : Karl Walter Lindenlaub
Montage : Andrew Bird
Musique : Stefan “Hainbach” Götsch
Décors : Seth Turner
Producteurs : Lara Förtsch, Benedikt Maurer, Valerie Stangl, Mira Fellner
Sociétés de production : Bombero International, Rialto Film
Pays de production : Allemagne
Société de distribution : Dulac Distribution
Genre : Drame
Durée : 1h33
Date de sortie : 24 décembre 2025

Le cirque. Cercle détaché du monde, espace des rêves et des exploits physiques. Souvent approché par le cinéma, et par les plus grands : Ophuls, Fellini, Schlöndorff, pour ne citer qu’eux. Mais rarement à hauteur exclusive d’enfant. L’Enfant du cirque (Zirkuskind) suit ce principe.

Scénarisé et réalisé par Julia Lemke, également à l’image, et Anna Koch, qui forment le duo Badabum, ce documentaire s’ouvre sur le commentaire en voix off de Santino, au matin de son onzième anniversaire. En même temps que l’enfant découvre progressivement ses cadeaux et reçoit les congratulations de ses proches, il fait les présentations : Angie et Gitano, ses parents, Ehe, l’arrière-grand-père qui n’a pas loin de huit fois son âge… Sans compter les nombreux oncles, tantes, cousines et cousins.

Sur une année, rythmée par les saisons, les réalisatrices recueillent le quotidien, cyclique, de Santino. Un quotidien fait d’itinérance, de montage du chapiteau, d’entraînements, d’accueil et de représentations pour le public, de démontage, de trajets nocturnes… Jamais plus de deux semaines dans la même ville, et subséquemment dans la même école. En plus de ses performances au sein du cirque, chacun se voit dévolue plusieurs rôles, participe à tous les gestes communs, où les enfants ne sont pas oubliés.

Face à l’une de ses classes provisoires, Santino, encouragé par sa maîtresse, analyse avec autant de lucidité que d’honnêteté les richesses et les inconforts d’une telle vie, nomade : la solidité, essentielle, du cercle familial, la satisfaction de parcourir l’Allemagne, l’Europe, même, pour son arrière-grand-père, et d’élargir toujours un peu plus largement son cercle d’amis ; mais la tristesse, aussi, des séparations, l’impossibilité d’un attachement ; si ce n’est aux animaux, ceux du cirque, qui constituent comme un second cercle, tantôt protégé, tantôt protecteur, autour du cercle familial.

Les récits de l’aïeul Ehe sont soutenus, sans doute par égard pour le jeune public, par d’adorables dessins animés qui viennent donner forme à la représentation que s’en fait Santino, dans son écoute tendre et avide. Un éléphant tutélaire, qui a vécu plus de cinquante ans avec la troupe, mais que Santino n’a pas connu, y occupe une place essentielle, récurrente, presque autant que « mon Isolde », dans la bouche de Ehe, l’aïeule depuis longtemps disparue. Si bien que la frontière entre bêtes et hommes s’estompe avec beaucoup de délicatesse, soulignant l’absence de ségrégation dans ce groupe très humain, et l’importance décisive de ce qui est vivant, et aimé.

L’enfant du cirque : bande-annonce

Les Lettres de Moelln, quatrième documentaire de la réalisatrice Martina Priessner, se penche sur une étrange page de l’histoire allemande. Le 23 novembre 1992, un groupuscule d’extrême droite, par la suite arrêté et condamné, incendie nuitamment deux maisons dans la paisible ville de Moelln. Deux maisons habitées par des familles turques. Dans l’une, trois femmes, de la famille Arslan, perdent la vie.

Ce double attentat xénophobe, couvert par les médias, provoque une vague d’émotion et de compassion dans le pays. Les lettres de sympathie déferlent vers Moelln. Elles ne parviendront jamais à leurs destinataires, retenues, ouvertes, puis archivées en secret par la mairie de Moelln.

Pourquoi ces interceptions ? Pourquoi ce refus de transmettre ces marques de soutien aux familles si durement éprouvées ? Devenus grands et adultes, ce sont les questions que se posent, que posent activement les deux petits garçons rescapés de l’attentat, Ibrahim et Namik, les deux petits frères de l’une des victimes. Et c’est dans cette quête d’une parole juste, d’une élucidation sincère, que les accompagne la caméra de Martina Priessne, déjà réalisatrice de La Gardienne (Die Wächterin, 2020), documentaire consacré à la vieille gardienne d’une église, dans le village musulman de Zaz, au sud-est de la Turquie.

On assiste aux différentes rencontres, avec l’actuelle mairie, qui se dit incapable de répondre des actes de l’ancienne, avec l’archiviste vieillissant, avec différents représentants d’associations de soutien, avec d’anciens rédacteurs de ces lettres, avec d’autres familles également touchées par l’attentat. Les questions restent sans réponses… Seul progresse le destin des lettres, enfin rendues accessibles aux familles, puis destinées à être conservées dans un musée dédié à l’histoire de l’immigration allemande.

À cette quête minutieuse, qui exige autant de patience que de persévérance, se superposent de très délicates images concernant le travail des archivistes, qui consignent, mesurent, documentent et photographient le moindre objet, les mains gantées de blanc. Et l’on se surprend à éprouver un élan de gratitude pour le cinéma, à plus forte raison documentaire, qui, lui aussi, à sa manière, classe, archive, et pourfend l’oubli, en l’empêchant de tout ensevelir, même et surtout les pages les plus énigmatiques de l’histoire d’un pays…

Les Lettres de Moelln : bande-annonce

Les Lettres de Moelln : fiche technique

Titre original : Die Möllner Briefe
Titre international : The Moelln Letters
Réalisation et scénario : Martina Priessner
Avec İbrahim Arslan – survivant de l’attentat de Moelln en 1992, témoin central du film, Namik Arslan – frère d’İbrahim, également rescapé, Havva Arslan – membre de la famille Arslan, Yeliz Burhan – proche de la famille, témoin
Photographie : Ayse Alacakaptan, Julia Geiß
Montage : Maja Tennstedt
Musique : Derya Yıldırım
Producteurs : Friedemann Hottenbacher, Gregor Streiber
Sociétés de production : Inselfilm Produktion
Pays de production : Allemagne
Genre : Documentaire
Durée : 1h36
Distribution : Real Fiction Filmverleih / New Docs
Première mondiale Berlinale 2025 – Section Panorama (14 février 2025)
Prix : Prix du public Panorama (Berlinale), Prix Amnesty International

Ou les bienfaits qui surgissent d’une sortie du cadre ! Sad jokes, de l’acteur, auteur et réalisateur Fabian Stumm (1981, Allemagne – ), est un film qui ne ressemble à nul autre. N’est-ce pas la garantie d’un style, d’une signature ? Fabian Stumm a en effet beaucoup à dire. Et à montrer.

Le réalisateur, ici également au scénario et dans le rôle principal, aime s’inspirer de sa propre vie, s’entourer de ses proches, même à l’écran. Pour son deuxième long-métrage, il met en scène des situations simples, quotidiennes, ce qui n’interdit ni l’émotion ni l’intensité. En une succession de plans fixes, presque sans mouvement – de très rares zooms, très discrets, parfois un champ-contrechamp, mais tout aussi rarement, et jamais gratuitement -, il présente Joseph, lui-même, et sa meilleure amie Sonya, brillamment interprétée par Haley Louise-Jones, élevant tous deux leur petit Pino, alors que Joseph se remet difficilement de sa rupture avec celui qui fut visiblement un grand amour, Mark. Mais Sonya, bipolaire, supporte mal son maintien en clinique et Joseph, cinéaste, rencontre les pires difficultés à faire accepter son nouveau scénario par son producteur : trop original, imprévisible, mêlant les genres, brisant le carcan des cases bien formatées.

Servies par Michael Bennett, qui crée une image simple et lumineuse, ce sont précisément ces qualités paradoxales qui vont faire de chaque scène un moment savoureux. A la fixité du cadre répond une mobilité infinie des acteurs et des situations. On suit les scènes avec un sourire qui ne s’efface pas, tant l’humour, l’autodérision, l’esprit, mais aussi la sensibilité, la tendresse pour les personnages sont constamment présents. On passe de situations familiales intimes, parfois tendues, explosives, parfois tendres, désirantes, à des situations de rue ou d’espaces publics totalement désopilantes, puis à des situations professionnelles très serrées, où les répliques s’enchaînent comme dans un match et où les coups se comptent, bien évidemment toujours avec l’élégance d’un fleuret moucheté.

La lumière qui revient dans la salle tombe sur un spectateur étourdi et heureux, blotti dans son fauteuil mais avec la sensation qu’il vient d’être emporté dans une folle danse, pleine de spiritualité et de douceur. « L’Esprit souffle où il veut », dit la Bible. En effet. Mais quel bonheur, lorsqu’une telle brise se lève !

Sad jokes : bande-annonce

Sad jokes : fiche technique

Réalisation : Fabian Stumm
Scénario : Benjamin Kramme, Jennifer Sabel
Interprètes : Fabian Stumm, Haley Louise Jones, Justus Meyer, Ulrica Flach
Photographie : Michael Bennett
Montage : Kaspar Panizza
Sociétés de production : Postofilm
Pays de production : Allemagne
Genre : Comédie dramatique
Durée : 1h36

Qu’est-ce qui fait basculer un film de la réussite au demi-échec ? Les nuages sont faits de pluie, première réalisation de Benjamin Kramme (1982, Weimar -), jusqu’alors acteur — on l’a notamment vu et apprécié en Wenni dans Gundermann (2023), d’Andreas Dresen —, pose la question.

Les nuages sont faits de pluie (Ich sterbe. Kommst du, traduisible en « Je meurs. Viens-tu ») coche pourtant toutes les cases des intentions respectables. Personnellement très engagé, à côté de ses activités professionnelles, dans le travail social auprès d’handicapés, de malades psychiatriques ou de personnes âgées, le réalisateur, co-scénariste avec son actrice principale, Jennifer Sabel, connaît son sujet. Ils imaginent une jeune mère, de caractère assez rugueux, confrontée à l’approche de sa propre mort, suite à un cancer du sein ayant échappé au contrôle de la médecine. Les débuts du film la présentent rejoignant, conduite par sa mère, l’établissement spécialisé qui accompagnera ses derniers temps.

L’émotion est convoquée, parfois présente, lors des échanges avec les autres malades, mais un peu forcée dans les contacts malheureux avec le jeune fils qui s’effraye devant sa mère rongée par le cancer et préfère souvent la fuir. Le scénario équilibre, comme pour un bon plat, moments de larmes et instants de rires, malheureusement peu crédibles, en ces circonstances ou dans la manière, très conventionnelle, dont ils sont amenés.

Sans doute aussi la figure de l’héroïne manque-t-elle de profondeur, de complexité, de sincérité, ce qui empêche une adhésion plus profonde face au tragique du sort qu’elle subit. On regrette d’autant plus cette distance qui s’installe finalement assez rapidement, et de plus en plus nettement, que l’image de Jean-Pierre Meyer-Gehrke est plutôt belle, subtilement travaillée, mêlant avec nuance teintes chaudes et froides, reflets de la vie qui continue et de celle qui s’en va ; et que l’on a le vif et trop passager plaisir de retrouver Judith Engel dans un second rôle émouvant et plutôt réussi, se réfugiant avec détermination dans ses rêves face à la maladie qui gagne du terrain. Une grande actrice, trop discrète, et qui porte avec elle toute la subtilité que l’on avait savourée dans le magnifique premier film d’Ann-Kristin Reyels, Des Chiens dans la neige (2007), ou encore Le Bois lacté (2003), de Christoph Hochhäusler.

Les nuages sont faits de pluie : bande-annonce

Les nuages sont faits de pluie : fiche technique

Titre original : Ich sterbe. Kommst du ?
Titre international : The clouds are made of rain
Réalisation : Benjamin Kramme
Scénario : Benjamin Kramme, Jennifer Sabel
Interprètes : Jennifer Sabel, Barbara Philipp, Hildegard Schroedter
Photographie : Jean-Pierre Meyer-Gehrke
Montage : Julius Holtz
Musique : Sebastian Schmidt
Sociétés de production : Mafilm, RBB
Pays de production : Allemagne
Genre : Drame
Durée : 1h38

Le trentième Festival de Cinéma Allemand de Paris s’ouvre sous les auspices d’un film grave, Sound of falling, baigné d’ombre plus souvent que de soleil, hanté par la mort et volontiers fasciné par elle, même si tous les modes de rapport à cette grande puissance sont explorés : d’autant plus crainte et redoutée que le grand âge la rend proche, planant comme une menace, voire presque un souvenir dès le plus jeune âge, recherchée, défiée, fuie, constamment envisagée ou alors épousée à l’adolescence…

Le propos du deuxième long-métrage de Mascha Schilinski (1984, Berlin -), Prix du Jury au 78ème Festival de Cannes, pourrait évoquer lointainement celui du monumental Heimat (2013), par sa manière de couvrir plusieurs générations attachées à un même lieu, un village dans la réalisation d’Edgar Reitz, ici une vaste cour de ferme et les bâtiments qui s’organisent à son entour. Mais autant les rêves d’ailleurs et de migration lointaine ouvraient l’horizon, autant la seule échappatoire qui s’offre, dans cette ferme isolée du Nord de l’Allemagne, se limite à la mort. Même effet de resserrement quant aux personnages centraux, variés et multiples chez Reitz, incarnés par des femmes, entre enfance et adolescence, chez Mascha Schilinski.

Remontant quatre générations en arrière à partir de nos jours, la réalisatrice, également au scénario avec Luise Peter, a confié l’image, fruit d’un travail admirable, à Fabian Gamper. Chaque époque a sa lumière, son éclat, qui préserve avant tout ses mystères, ses énigmes, ses non-réponses. Dardant son clair regard hypnotique depuis les temps les plus anciens, un regard qui ne se baisse jamais et affronte les réalités les plus noires, la toute jeune Alma, prometteuse Hanna Heckt, ose sonder l’omniprésence de la mort et sa façon presque indifférente de ployer toute vie. Temps de dureté, d’inflexibilité, où les maîtres avaient pratiquement droit de vie et de mort sur leurs serviteurs, à peine plus que les hommes sur les femmes, et où les survivants se faisaient photographier aux côtés de leurs défunts avant de confier ces derniers à la terre. Une pratique qu’avait exploitée à l’extrême l’impressionnant Les Autres (2001), d’Alejandro Amenábar. Cette époque a le fini mat et presque légèrement poussiéreux des tableaux de Hammershøi, les éclats de lumière et de clarté en moins.

Suivent Erika (Lea Drinda), et sa fascination pour un corps d’homme inapprochable, puis Angelika (excellente Lena Urzendowsky), son diable au corps, son attirance pour des hommes que leur proximité familiale rend interdits, son esprit de défi et d’indépendance ; la seule, peut-être, pour qui une fuite sera réellement possible… Enfin Lenka (Laeni Geiseler), notre contemporaine, issue d’une famille berlinoise, heureuse, pour laquelle cette ferme et sa cour ne recueillent que des temps de vacances, de rires et de loisirs…

Cette présentation restaure une chronologie à ce qui n’en a aucune dans le film. Les scènes nous sont offertes sur un mode totalement éclaté, fragmenté comme les éclats du souvenir (d’où le titre français Les Échos du passé) ou comme le miroir du Diable au début de La Reine des Neiges d’Andersen. D’où l’importance du travail sur la qualité des lumières, des décors, parfois même de la pellicule, qui sont autant de points de repère et d’ancrage pour le spectateur : les bruns plus chauds du début XXème, les orangés des années soixante-dix, la polychromie plus diversifiée, de nos jours…

Une diversité que reflète bien la divergence des titres, selon le pays de sortie du film : le titre français, axé sur la rémanence du passé, a été évoqué ; le titre anglais, sous lequel le film est diffusé lors de ce Festival, est Sound of falling, que l’on pourrait traduire par « Le bruit d’une chute », l’une des thématiques en effet récurrentes dans cette œuvre ; quand le titre original, « In die Sonne schauen », est elliptique, ouvrant une phrase laissée en suspens – « Au soleil elles semblent… », si l’on choisit de féminiser un sujet encore informulé – et qui apporte, à son tour, une lumière totalement autre…

Entre diversité et constance, voire récurrence, ostinato : telle est bien l’une des grandes forces du film, peut-être même sa supériorité, par delà l’éclatement et la fragmentation. Que s’impose de façon si claire, finalement lumineuse, ce qui fait lien : bien que soumis, ou parce que promis à la mort, la prégnance du corps, à quelque occultation ou maltraitance qu’il puisse être voué selon les époques ; le règne du désir, qui jamais ne s’éteint, sans doute métaphorisé par l’importance des regards interstitiels, entre les lattes, les fentes, par les trous de serrure… Le tout emmené par un montage fluide, volontiers orchestré par une inflation des sons, et qui semble courir de l’avant comme le temps ; et comme l’eau, très présente à travers la rivière limitrophe qui coule non loin de la ferme. Une eau grecque, philosophique, qui nous rappelle que, si elle entraîne et emporte toute chose, elle peut aussi bien garder les souvenirs, tout autant qu’un tombeau.

Sound of falling : fiche technique

Titre original : In die Sonne schauen
Titre international : Sound of falling
Titre français : Les échos du passé
Réalisation : Mascha Schilinski
Scénario : Mascha Schilinski, Louise Peter
Interprètes : Lena Urzendowsky, Laeni Geiseler, Susanne Wuest
Photographie : Fabian Gamper
Montage : Evelyn Rack
Musique : Michael Fiedler, Eike Hosenfeld
Production : Lucas Schmidt, Lasse Scharpen,, Maren Schmitt
Sociétés de production : Studio Zentral, ZDF
Société de distribution : Diaphana Distribution
Pays de production : Allemagne
Genre : Drame, historique
Durée : 2h39
Date de sortie : 7 janvier 2026