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Édité par Ad Vitam, Sous le ciel d’Alice est désormais commercialisé en DVD. L’artiste plasticienne et réalisatrice Chloé Mazlo y narre avec poésie une romance contrariée par la guerre civile libanaise.

La teneur douce-amère de Sous le ciel d’Alice transparaît d’autant plus clairement quand on effeuille le film de Chloé Mazlo. Dans un premier temps, la Suissesse Alice se voit gratifiée de plusieurs offres d’emploi ; elle considère à peine l’opportunité de rejoindre Fribourg, mais se montre en revanche instantanément conquise par l’éventualité de s’envoler pour le Liban et sa capitale Beyrouth. Dans un second temps, alors qu’elle est en contact téléphonique avec ses proches, elle leur annonce sa volonté de fonder une famille sur place ; elle doit alors se détacher de leur emprise et accepter définitivement les conséquences d’un déracinement. Enfin, alors que la guerre civile défigure déjà le Liban, un double plan fixe, d’abord large puis rapproché, l’immortalise tandis qu’elle prie pour le salut de son pays d’adoption. Aux promesses initiales, à savoir une forme d’exotisme et un mariage heureux, succèdent les drames des conflits politico-confessionnels et les déchirements familiaux adjacents. Cette union des enjeux (couple, famille, guerre) mériterait probablement à elle seule que l’on s’attarde sur le premier long métrage de Chloé Mazlo. Mais la jeune réalisatrice a la bonne idée d’y insuffler une poésie quasi permanente. Reprenons dans l’ordre : en Suisse, le stop motion s’invite parmi les prises de vues réelles ; lors de son arrivée au Liban, le matte painting enveloppe le cadre et une femme-cèdre (symbole du Liban) accueille avec prévenance Alice ; au moment de signifier à sa famille son amour pour Joseph, elle doit d’abord desserrer l’étreinte physique de son père (exercée à travers un split screen) et ensuite couper aux ciseaux, littéralement, les racines qui la maintiennent liée ; enfin, premier signe de division, ou du moins d’incommunicabilité, la Suissesse attend que son mari quitte le salon pour se désoler, seule, de l’état dans lequel se trouve le Liban qu’elle chérit tant.

Sous le ciel d’Alice brille souvent par son audace et sa sensibilité. Les coscénaristes Chloé Mazlo et Yacine Badday procèdent volontiers par métaphore et plus précisément, par métonymie. La femme-cèdre évoquée plus haut jalonne ainsi le récit de bout en bout : on la retrouve frotter le bitume ensanglanté de Beyrouth, traquée par un homme-squelette incarnant la mort (et déjà aperçu dans les courts métrages de Chloé Mazlo) ou écartelée entre deux camps rivaux retranchés derrière des barricades. Si le film fait l’économie des démonstrations belliqueuses, c’est par le truchement de la télévision et par le double recours à la théâtralité et au hors-champ sonore que sont perçus les épisodes d’attentats, de bombardements, de trêve (éphémère), de négociation (alambiquée) ou de paix (fragile). Plus généralement, le long métrage se constitue de flux et de reflux : l’espoir fait place au désespoir, l’amour aux meurtrissures ; le couple s’élargit à la famille, qui ensuite se rétracte ; les cigognes passent symboliquement, avant que tout le Liban ne se vide de ses forces vives ; Joseph, astrophysicien, ambitionne de construire une fusée avant-gardiste, puis se verra contraint de jeter un regard dépité vers son laboratoire rudimentaire, mis sens dessus dessous par un bombardement… Dans Sous le ciel d’Alice, le spectaculaire ne s’entrevoit qu’à travers ses angles morts. Un bombardement devient un prétexte pour filmer une famille en pyjama recroquevillée dans les escaliers d’un immeuble. Un Liban à feu et à sang se devine à ses coupures d’électricité, ses chansons antimilitaristes et ses familles déchirées, séparées par des centaines ou des milliers de kilomètres. Le tout se charge de sophistication sans jamais paraître empesé, dans une sorte de décalage maîtrisé avec son sujet – difficile à verbaliser.

La photographie surannée d’Hélène Louvart, les teintes pastel, les partitions inspirées du compositeur franco-libanais Bachar Mar-Khalifé et l’interprétation idoine d’Alba Rohrwacher contribuent tous avec succès à la coloration poétique de Sous le ciel d’Alice. Plénitude, urgence, détresse et fatalisme s’y projettent tour à tour sur les protagonistes, sans que ceux-ci soient en mesure d’en dominer ou même pondérer les effets. Les esprits chagrins pourraient certes regretter un manque de mouvement – ou de folie – dans la mise en scène, voire une description lacunaire des tenants et aboutissants de la guerre civile libanaise. Mais Chloé Mazlo injecte tant d’ingéniosité dans son cadre qu’elle peut se permettre de le stabiliser, tandis que le caractère universel du récit sort renforcé d’un conflit réduit à ses quelques lignes directrices. Il est peu judicieux, à notre sens, d’appréhender Sous le ciel d’Alice sous ces angles. On peut en revanche se féliciter des détails disséminés çà et là : sur le départ d’Alice de Suisse (« Je n’ai pas l’impression que ma place soit là-bas »), sur le drame du 17 octobre 1961 à Paris (« Il paraît qu’ils jettent les Arabes dans la Seine »), sur l’exil des Libanais (« Si personne n’a le courage de rester… »), sur les affres de la guerre (« Jamais personne ne sera coupable », « la guerre a gagné », « nous avons cessé de rire ensemble »…), sur un mur de plantes incarnant l’incommunicabilité, sur la fusée érigée en double refuge, symbolique et matériel…

Le premier long métrage de Chloé Mazlo est généreux, subtil, métaphorique, autant attaché à la grande Histoire qu’à celle de ses personnages. C’est d’ailleurs en les faisant entrer en résonance qu’il convainc le plus. À n’en pas douter, voilà une réalisatrice dont on suivra attentivement la carrière.

BONUS

Parmi les suppléments de cette belle édition figurent plusieurs scènes coupées, mais surtout deux courts métrages éminemment programmatiques, Asmahan, la diva et Deyrouth. Ces deux films portent en bandoulière la poésie dont est affublé Sous le ciel d’Alice. On retrouve dans le premier un mélange de prises de vues réelles et d’animation, du stop motion, des effets visuels métaphoriques (les langues de vipère par exemple) ou encore des jeux sur les couleurs et le noir et blanc. Le second évoque la guerre civile libanaise, reprend le motif de la mappemonde pour illustrer l’exil ou celui des racines pour symboliser les liens originels et prend appui sur une télévision savamment détournée pour narrer, avec beaucoup d’ironie, l’actualité désespérante du pays du Cèdre. La vue de ces deux courts métrages est édifiante quant à la sensibilité artistique de Chloé Mazlo. Si Sous le ciel d’Alice a été pensé et écrit à quatre mains, y compris dans ses propositions figuratives, la réalisatrice française n’en était pas à son coup d’essai. La contamination d’une réalité douloureuse (la guerre, un destin pour le moins capricieux) par des dispositifs visuels hybrides et poétiques formait déjà le cœur de Asmahan, la diva et Deyrouth.

Bande-annonce : Sous le ciel d’Alice 

Date de sortie : 2 novembre 2021
Editeur : Ad Vitam
Edition : Pal, Couleur, Stereo
Région : 2
Audio : français – Dolby Digital 5.1 / arabe – Dolby Digital 5.1 / italien – Dolby Digital 5.1
Vidéo : 16:9 compatible 4/3 format d’origine respecté 1.85
Sous-titres : français pour malentendants

Retour sur El Chuncho (Quien sabe ?), formidable western européen réalisé par l’un maître du polar mafieux italien, Damiano Damiani, à (re)découvrir dans une version Blu-ray signée Carlotta Films.

Synopsis : Mexique, années 1910. Alors que la révolution bat son plein, El Chuncho, moitié bandit moitié guérillero, s’est spécialisé dans les attaques de train. Il vole des armes et les revend à un révolutionnaire, le général Elias, contre de fortes sommes d’argent. Au cours d’un de ces assauts, Chuncho trouve une aide inattendue de la part d’un jeune dandy américain qui se trouvait à bord du train. « El Nino » rejoint la troupe des guérilleros et gagne rapidement la confiance de leur chef. Mais les motivations du yankee restent troubles…

Héroïsme, truandage et capitalisme

Apogée du « Western Zapata », sous-genre du western européen, El Chuncho tient du modèle narratif pour beaucoup de ses futurs congénères : un bourru truand mais au bon fond –révolutionnaire – travaille avec un spécialiste occidental à la position ambivalente. Ce dernier est-il là pour la cause ou pour l’argent, pour les deux ou ni l’un ni l’autre ?

Avant l’explosif Mercenaire de Corbucci et le brinquebalant Il était une fois la Révolution de Leone, El Chuncho s’amuse avec une ironie politique et nos attentes d’héroïsme. Le cinéaste et son scénariste Franco Solinas, qu’on retrouve aussi derrière Le Mercenaire, travaillent au corps l’ambiguïté de ses personnages. En effet, Gian Maria Volonté, qui incarne ici Chuncho, a dans un premier temps tout du truand bourru et crado, pour ensuite se transcender dans un même plan en un révolutionnaire convaincu et convaincant. Quelques minutes plus tard (voire secondes), le guérillero se mue à nouveau en un vaurien sympathique. Même ouvrage du côté de Lou Castel, « el niño », qui joue un américain habillé comme un gangster loin des rues de Chicago, froid, mais pourtant parfois très touchant dans sa misanthropie, se conduisant par la suite de façon amicale avec certaines rencontres.

Ce qui se joue avec ces corps comme avec les cosmos qu’ils traversent, c’est la lutte simple à concevoir comme spectateur, moins à appréhender en tant que sujet, du capitalisme contre l’éthique. Le profit peut-il être au service d’une justice universelle tout en étant fait aux dépens des plus faibles qui sont dans la plus totale impossibilité de se défendre, encore moins d’en tirer un quelconque bénéfice ?

La réponse sera plus qu’évidente pour Chuncho après avoir constaté un énième outrage – celui de trop -envers le peuple mexicain. Alors qu’un sentiment sincère d’amitié pour le premier naissait chez l’américain, notre truand devenu riche par le sang grâce à son « niño », obéira non pas à une logique éthique, mais à une pure intuition de justice. Chez Damiani et Solinas, l’anarchie, soit l’ordre sans état et système d’exploitation/domination, est d’abord un trait d’instinct avant d’être un état d’esprit. Ainsi, en un instinctif coup de revolver formidablement poudré d’ironie, Chuncho agit par nécessité héroïque. Sans être devenu soit un truand, soit un révolutionnaire, il s’accomplit en truandant  de manière révolutionnaire.

Ci-dessous, un extrait de la bande-son toute en ambiguïté de Luis Bacalov, en partie supervisée par Ennio Morricone.

Blu-ray pour El Chuncho

El Chuncho constitue le deuxième film de l’événement consacré au western européen par Carlotta Films. Si l’édition ne manque pas d’intérêt, il y a toutefois, à l’inverse de celle formidable consacrée à Django, un peu à redire.

En effet, le master présenté par l’éditeur est clairement daté : même si l’image est douce de nature, elle manque dans l’ensemble de détails. En effet, des filtres DNR (Digital Noise Reducer) ont été utilisés. La colorimétrie plutôt équilibrée, une bonne stabilité et quelques plans dignes du format sont à saluer mais l’expérience HD, certes correcte, est loin d’obéir aux standards actuels. Carlotta Films semble nous avoir présenté ici un master édité en 2012 aux États-Unis et déjà discutable à l’époque.

Du côté du son, la piste originale italienne est la plus efficace, même si on note un léger manque de graves. La piste anglaise est à l’inverse trop écrasée par les basses, rondement datée. La VF est équilibrée mais comme pour beaucoup de films doublés de l’époque, des effets sonores manquent à l’appel. Pas de quoi mettre à mal l’expérience du film, même si cela pourra en perturber plus d’un.

Trois bonus vidéo viennent compléter l’expérience du film. On trouve la bande-annonce internationale du film en HD, une présentation du film par Alex Cox de la même manière que l’édition Django. Précisément, une partie de cette présentation, qui revient de manière générale sur le genre et l’approche qu’a eu Cox vis-à-vis de celui-ci, est identique à celle de Django. Enfin, l’éditeur a repris le complément présent sur l’édition DVD signée Wild Side, soit un entretien avec Lou Castel revenant sur sa collaboration avec le cinéaste et sa vision de ce personnage avec lequel il n’a idéologiquement rien à partager.

L’édition de Chuncho en fera parler quelques-uns. Toutefois, elle reste une solide mise à jour pour toutes les vidéothèques prêtes à redécouvrir ce western grandiose.

Bande-annonce – Django / El Chuncho (Quien Sabe ?)

CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES

BD 50 – Master Haute Définition – 1080/23.98p – Encodage AVC – Version Italienne / Version Anglaise / Version Française DTS-HD MA 1.0 – Sous-titres français – Format 2.35 respecté – Couleurs – Durée du Film : 118 mn

COMPLÉMENTS

Alex Cox à propos de « El Chuncho » (11 mn – HD)

« El Chuncho », le western révolutionnaire (18 mn)

Bande-annonce internationale (HD)

Sortie le 3 novembre 2021 – prix public indicatif : 20,00 €

C’est un fait : la carrière américaine de Jean Renoir ne peut prétendre à la même célébrité que la française. Pourtant, comme le précise Pascal Mérigeau dans le livret accompagnant cette sortie, la réputation de Renoir de « plus Français des réalisateurs français » est pour le moins contestable, le cinéaste étant mort… américain. Cette édition splendide de son meilleur opus tourné dans sa nouvelle patrie, qui l’accueillit en 1941, devrait contribuer à une forme de réhabilitation. Artwork superbe, livret énorme et suppléments pléthoriques qui évitent soigneusement le remplissage : Sidonis Calysta n’a pas fait les choses à moitié. Œuvre la plus indépendante de Renoir aux États-Unis, Le Journal d’une femme de chambre lui offrit la liberté nécessaire à l’expression de son génie. Adaptation du roman anti-bourgeois d’Octave Mirbeau, ce film tourné en 1946 permit au cinéaste de renouer avec plusieurs thèmes qui lui étaient chers… et de chorégraphier plusieurs séquences où il brille de mille feux. Une redécouverte de ce chef-d’œuvre était indispensable, c’est le moins que l’on puisse dire ! 

« Un domestique, ce n’est pas un être normal, un être social… C’est quelqu’un de disparate, fabriqué de pièces et de morceaux qui ne peuvent s’ajuster l’un dans l’autre, se juxtaposer l’un à l’autre […] »
Octave Mirbeau, Le Journal d’une femme de chambre

Lorsque Jean Renoir obtient, par l’entremise de Robert Flaherty, un visa de travail pour les États-Unis, il pense certainement voir aboutir un rêve depuis longtemps caressé : triompher à Hollywood. Il quitte la France avec sa nouvelle compagne (et future épouse) Dido Freire et arrive à Hollywood le 10 janvier 1941, ses ambitions nourries de l’exemple de nombreux cinéastes européens ayant quitté le Vieux Continent dans les années 30 pour un exil américain couronné de succès, parmi lesquels Fritz Lang, Otto Preminger, Billy Wilder, Douglas Sirk, William Dieterle ou Jacques Tourneur. Renoir déchante cependant rapidement et sa carrière américaine ressemblera davantage à celle de Max Ophüls que de Chaplin…

Célébré pour ses nombreux chefs-d’œuvre tournés au cours de la décennie précédente, le metteur en scène français bute en effet immédiatement sur le système hollywoodien, que ses difficultés avec la langue anglaise n’aident pas à appréhender au mieux. A la suite d’âpres négociations, il signe enfin avec la Fox pour réaliser en 1941 L’Etang tragique (Swamp Water). Epaulé par Dudley Nichols, le scénariste de John Ford, il doit composer avec le patron du studio, l’implacable Darryl F. Zanuck, qui lui impose de nombreuses contraintes de production, notamment l’interdiction de tourner en extérieur, là où Renoir se sent tellement à l’aise. Cette expérience ainsi que l’échec commercial du film poussent Renoir à rompre son contrat avec le studio. Au sein de la RKO, il réalisera ensuite deux films de résistance, Vivre libre (This Land Is Mine/1943) et le documentaire Salut à la France (A Salute to France/1944). Malgré son succès outre-Atlantique, le premier sera froidement accueilli en France, où l’on rejette cette histoire de résistance française incarnée par des comédiens anglo-saxons (Charles Laughton et Maureen O’Hara). Les deux projets suivants seront les meilleurs de Renoir à Hollywood : L’Homme du sud (The Southerner/1945), qui lui vaut une nomination à l’Oscar du meilleur réalisateur, et Le Journal d’une femme de chambre (The Diary of a Chambermaid/1946). Le metteur en scène clôture sa période américaine en 1947 avec un échec patent, La Femme sur la plage (The Woman on the Beach). Bien que profondément reconnaissant vis-à-vis de sa nouvelle patrie dont il prend d’ailleurs la nationalité, Renoir ne tournera plus aucun film aux Etats-Unis. Ses dernières œuvres seront en effet réalisées en Inde (Le Fleuve/1951), en Italie (Le Carrosse d’or/1955) et en France (cinq films).

Le Journal d’une femme de chambre est la seconde adaptation au cinéma de l’œuvre d’Octave Mirbeau parue en 1900 (en 1964, Buñuel en tournera une autre fort célèbre, suivie plus récemment de Benoît Jacquot), qualifiée par Jean-François Rauger de « brûlot anti-bourgeois » (cf. suppléments plus bas). La charge contre cette catégorie sociale, la cohabitation entre maîtres et serviteurs ainsi que l’atmosphère de fin d’une époque étaient autant d’arguments susceptibles de plaire à Renoir, dont l’adaptation fait forcément penser à un autre de ses opus majeurs, La Règle du jeu (1939). Le scénario signé Burgess Meredith mais rédigé principalement par le cinéaste, conte les aventures de la soubrette Célestine (Paulette Goddard), engagée dans le château d’une famille d’aristocrates normands nostalgiques de l’Ancien Régime, les Lanlaire. Elle va rapidement trouver sa place dans les jeux de pouvoir entre le couple de maîtres dominé par l’épouse (remarquable Judith Anderson, dans un rôle proche de celui de Mrs Danvers dans Rebecca d’Hitchcock), leur fils malade Georges (Hurd Hatfield) et le valet machiavélique Joseph (Francis Lederer).

Jean Renoir fit preuve d’une finesse rare dans l’adaptation de l’œuvre féroce de Mirbeau, lui retirant ses éléments trop ouvertement sexuels, impossibles à conserver dans un long-métrage destiné au public américain – de subtils détails révélateurs s’offrent néanmoins aux plus perspicaces –, tout en imposant ses thèmes fétiches. Le film se révèle étonnamment moderne, notamment grâce à son héroïne complexe, femme forte et libre (on la voit même prendre l’initiative d’un baiser, image rarissime dans le cinéma américain de l’époque), un personnage ambigu dont le caractère « socialement ductile » (Charlotte Garson/cf. livret) est au cœur de l’intrigue. Le ton à la fois enlevé mais aussi cruel et socialement violent rendent le film difficile à catégoriser, entre comédie (personnage du capitaine, scènes cocasses, répartie des personnages), thriller (personnage très sombre de Joseph, assassinats, violence sadique avec les oies) et charge sociale. Bref, une œuvre qui porte la marque du génial metteur en scène français.

La fin d’une époque, illustrée par cette aristocratie française qui vit à l’écart du monde et reste attachée à ses postures sclérosées, ses rapports de classe et ses intérieurs poussiéreux, trouve son apothéose dans une longue séquence finale prodigieuse, un 14 juillet qui renoue avec ses élans révolutionnaires, un exutoire libérateur magnifié par des mouvements d’appareil dont seul Renoir était capable à cette époque. Le Journal d’une femme de chambre ne peut certes prétendre au même statut que les chefs-d’œuvre intemporels de Renoir des années 1930, mais il mérite largement un statut privilégié dans une production américaine qui ne fut pas souvent à la hauteur du talent du cinéaste. Un grand film, tout simplement !

Synopsis : Célestine, une femme de chambre, est engagée dans le château des Lanlaire, en Normandie. Elle va découvrir progressivement une maison et une famille pleines de secrets et de zones d’ombre, dans un pays encore divisé entre les défenseurs d’une république naissante et ceux qui regrettent le monde d’avant 1789. Les Lanlaire ne vivent que pour leur fils, Georges, gravement malade. Celui-ci s’éprend de Célestine, et sa mère tente de les rapprocher. Mais Joseph, le valet de chambre, également amoureux de la jeune femme, essaie de contrecarrer ses plans. 

SUPPLÉMENTS

On ne peut que saluer bien bas le soin apporté par l’éditeur Sidonis Calysta à ce mediabook (combo Blu-ray, DVD et livret) non seulement très réussi sur le plan visuel, mais également rempli jusqu’à la garde de bonus passionnants.

Côté vidéo, on commence par une présentation d’un habitué de l’éditeur, feu Bertrand Tavernier. Si le cinéaste, hélas décédé en mars de cette année, commentait régulièrement des films américains (en particulier des westerns) dont il était un spécialiste incontestable, il ne faudrait pas oublier que ses connaissances en matière de cinéma français étaient tout aussi encyclopédiques, ce dont témoigne notamment son remarquable documentaire Voyage à travers le cinéma français (2016). Ayant en outre connu personnellement Jean Renoir, Tavernier rappelle tout d’abord que son parcours américain a souvent été mal interprété, que ce soit positivement ou négativement. Pour remettre les pendules à l’heure, il loue la qualité de la biographie que Pascal Mérigeau a consacré au célèbre metteur en scène ; ça tombe bien, c’est Mérigeau qui signe le premier (et le plus long) livret accompagnant cette sortie ! Tavernier évoque bien sûr les premières années difficiles de Renoir aux États-Unis, ses désillusions, sa découverte du système des studios hollywoodiens, etc., avant de conter la genèse du film qui nous intéresse. Il poursuit par un commentaire sur le film, notamment la conclusion fort différente du roman de Mirbeau (et des autres adaptations filmiques de celui-ci) ainsi que le cabotinage de Burgess Meredith dans le rôle du capitaine Mauger. Il loue en revanche les prestations de Paulette Goddard, beaucoup plus solaire et énergique que le personnage de Célestine dans le roman, et de Francis Lederer (Joseph), juif austro-hongrois qui joua notamment dans le Loulou de Pabst avant de demeurer aux États-Unis (il s’y produisait à l’époque à Broadway) par crainte du nazisme, autre déraciné dont Renoir fut proche. Enfin, Tavernier revient sur les années « discutables » du fils de Pierre-Auguste Renoir, notamment son flirt avec les autorités de Vichy dont témoignent ses lettres envoyées à Tixier-Vignancourt, même si le cinéaste refuse sagement de se poser en « procureur » d’un artiste qu’il admire et respecte.

Une seconde longue (près de 40 minutes) présentation du film nous est proposée par le critique Jean-François Rauger. Si celui-ci revient sur plusieurs sujets déjà abordés par Bertrand Tavernier (la carrière américaine de Renoir, les comédiens principaux, l’écriture du scénario, le financement du film, etc.), il s’attarde aussi sur d’autres plus originaux, tels que les libertés prises par Renoir dans son adaptation du roman (combinaison de plusieurs personnages, récit linéaire, héroïne moins négative, réduction des références sexuelles), et les différences entre cette adaptation et celle qu’en proposera plus tard Buñuel. D’autres angles d’analyse pertinents concernent les deux types de rapports de domination dans le film (sociale et conjugale) ainsi que l’importance des pulsions sexuelle et de mort (tous les personnages y cèdent, sauf Joseph qui est un sadique et qui utilise dès lors ses pulsions pour arriver à ses fins). Enfin, Rauger analyse finement le personnage complexe de Madame Lanlaire joué par Judith Anderson, qui possède tous les vices de la bourgeoisie (avarice, arrogance, froideur), mais qui est également très humaine dans son désir de garder près d’elle son fils tuberculeux.

On achève les suppléments vidéo par un documentaire britannique (dont on ignore la date) intitulé « Renoir en Amérique ». Évidemment, celui-ci traite d’un sujet déjà abordé par Tavernier et Rauger, mais l’intérêt est ailleurs : voir s’exprimer Renoir lui-même, ainsi que son fils Alain et un aréopage d’invités prestigieux : Bertrand Tavernier (qui apparaît donc deux fois dans ces suppléments, à plusieurs décennies d’intervalle !), Orson Welles, Claude Chabrol, Burgess Meredith, Louis Malle ou encore Bernardo Bertolucci. On notera qu’il faut interpréter le titre littéralement : une moitié seulement s’intéresse aux films « américains » du metteur en scène, la seconde moitié concerne tous ses projets tournés ailleurs… mais Renoir garda jusqu’au bout sa nationalité américaine et mourut dans sa nouvelle patrie.

Comme si tout cela ne suffisait pas, deux textes sont encore proposés dans un volumineux livret. Pascal Mérigeau, auteur en 2012 d’un ouvrage consacré à Renoir qui obtint le prix Goncourt de la biographie, en signe la pièce de résistance, « Jean Renoir en Amérique ». Le ton est engagé, parfois ouvertement critique, ce qui change des trop fréquentes hagiographies. Le spécialiste s’intéresse évidemment plus particulièrement au Journal d’une femme de chambre, livre plusieurs paragraphes remarquables sur la noirceur du film (qui déplut au public américain) nourrie de l’état du monde mais aussi de la vie personnelle du cinéaste au sortir du conflit mondial, contrastant avec son image de « bon papa qui aime tout le monde et que tout le monde aime », image que le cinéaste contribua lui-même à forger. Il loue également la virtuosité de la seconde partie de l’œuvre, et surtout la longue séquence du 14 juillet, à juste titre décrite comme « un des très grands moments du cinéma de Jean Renoir et, donc, un très grand moment de l’histoire du cinéma ». On ne saurait mieux l’exprimer ! Ce texte passionnant est complété par de courtes notices biographiques de Renoir et Goddard (qui eut pour époux successifs Charlie Chaplin, Burgess Meredith et Erich Maria Remarque !).

Le tour d’horizon des suppléments s’achève avec le second texte du livret, « La France sur le motif », proposé par Charlotte Garson, critique aux Cahiers du Cinéma et sur France Culture, notamment, et elle aussi autrice d’un ouvrage sur Renoir. L’intérêt de cette analyse très fine réside dans le fait qu’elle se concentre sur Le Journal d’une femme de chambre, complétant ce qui a déjà été dit ou écrit par ailleurs grâce à diverses grilles de lecture originales :  le caractère « socialement ductile » de Célestine, la subtile allusion à la relation extraconjugale entre Mme Lanlaire et Joseph, le jeu de Judith Anderson par rapport à son rôle dans Rebecca (« Elle a la même façon de s’approprier les êtres, le même fétichisme ardent pour certains vêtements, les mêmes lèvres pincées, la même coiffure et le même regard cristallin […] »), la violence du film, les liens avec La Règle du jeu et sa société « ignorante des périls immédiats comme de sa propre décomposition », ou encore le personnage de Harriet qui, cinq ans plus tard dans Le Fleuve, tiendra elle aussi un journal intime.

Suppléments du mediabook :

• Présentation par Bertrand Tavernier
• Présentation par Jean-François Rauger
• Documentaire sur Jean Renoir
• Livret de Pascal Mérigeau
• Livret de Charlotte Garson

Note concernant le film

Note concernant l’édition

Le cinéma indépendant a fourni nombre de thrillers et films d’épouvante intéressants. En témoigne ce What Keeps You Alive de Colin Minihan, le réalisateur des remarqués Grave Encounters 1&2 et du plus récent Spiral (2019). Les éditions ESC proposent en DVD/Blu-Ray ce survival horrifique porté par un duo d’actrices convaincant.

Du classique et des surprises

Jackie, une charmante trentenaire, invite sa femme Jules pour un séjour romantique dans sa maison de famille, en pleine forêt. Le chalet est inhabité depuis longtemps et les seuls voisins du secteur résident de l’autre côté du lac qui borde la propriété. C’est dans ce cadre idyllique que le week-end en amoureuses va bientôt virer au cauchemar. Si la situation initiale pose les éléments classiques du film d’horreur – maison inquiétante, couple isolé… –  le scénario de What Keeps You Alive réserve quelques surprises. A commencer par le choix d’un couple d’homosexuelles, une option finalement peu fréquente dans le cinéma d’horreur que le réalisateur reprendra également dans Spiral.

Chasse à l’homme

Le film reprend la plupart des thèmes de la chasse à l’homme – ou devrait-on plutôt dire ici de « chasse à la femme ». Avec un clin d’œil appuyé à La Nuit du Chasseur et sa célèbre scène de la barque s’éloignant du rivage. Un jeu du chat et de la souris en mode survival où les deux actrices vont s’avérer particulièrement convaincantes, chacune dans leur rôle. Hannah Anderson troublante d’imprévisibilité et Brittany Allen convaincante dans un scénar qui ne la ménage pas. Pour le meilleur (twist and twist again) comme pour le moins vraisemblable.

Réalisation OK

S’il y a à redire sur le scénario, la réalisation est en revanche impeccable. On voit que Colin Minihan trouve matière à inspiration avec ces grands espaces naturels. Il propose une écriture cinématographique stylisée, ménageant ses effets sans trop en faire non plus. Quelques plans séquences bien troussés, des placements de caméra intéressants et un montage apportant la fluidité nécessaire au récit. Côté bande originale, la partition signée Brittany Allen herself n’est pas mal non plus. Au final un thriller qui se tient.

Bande annonce (spoiler) :

Fiche technique :

• Titre original et français : What Keeps You Alive
• Réalisation et scénario : Colin Minihan
• Producteur : Colin Minihan, Chris Ball, Kurtis David Harder et Ben Knechtel
• Producteur exécutif : Brittany Allen, Brandon Christensen, Jeremy Guilbaut, James McKenzie Moore, Chris Scordo et John Upton
• Musique : Brittany Allen
• Pays d’origine : Canada
• Langue originale : anglais canadien
• Format : couleur
• Genre : Thriller, horreur
• Durée : 98 minutes
• Dates de sortie :
  • États-Unis : 10 mars 2018 au South by Southwest festival
  • Australie : 8 juin 2018 au Festival du film de Sydney
  • Canada : 1^er août 2018 au FanTasia
  • France : 17 janvier 2019 (DVD)

Contenu :

– Fourreau Blu-Ray ou DVD

L’éditeur ESC commercialise en combo DVD/BRD Planète hurlante, le long métrage d’anticipation de Christian Duguay. Le cinéaste québécois y met en scène un futur dystopique marqué par les tensions énergétiques et des intelligences artificielles échappant à tout contrôle.

La colonie minière de Sirius 6B est caractérisée par de vastes étendues désertiques, des bases retranchées derrière des murs de béton éventrés et des portes en acier. Dès son ouverture, Planète hurlante matérialise la détresse qu’inspirent les lieux. Un groupe d’individus observe à travers un système de surveillance un messager victime des « hurleurs », des robots autonomes dotés de scies circulaires et réagissant aux pulsations cardiaques. Le décor est planté : si à l’intérieur de l’enceinte, on est condamné à tuer le temps en pariant des cigarettes, à l’extérieur on s’expose à un danger de mort. « Marre de cette planète », précise-t-on d’ailleurs, comme pour dissiper tout malentendu.

Le réalisateur québécois Christian Duguay réalise Planète hurlante en 1995. S’il s’appuie en grande partie sur la nouvelle Nouveau modèle, de Philip K. Dick, il opère néanmoins plusieurs changements majeurs. L’histoire est ainsi délocalisée sur une planète extraterrestre et les enjeux énergétiques y occupent une place de choix. Le bérynium conditionne en effet tout ce qui a préexisté au récit : les mineurs envoyés sur Sirius 6B ont fait sécession quand leurs commanditaires du Nouveau Bloc Économique (NBE) ont décidé de rester sourds aux émanations radioactives mortelles du minerai. Il s’ensuivit une grève de quatre ans, puis, en guise de ripostes, des attaques à la bombe nucléaire et bactériologique, ce qui a contraint les rares colons survivants à se réfugier dans des bunkers…

« On n’avait pas le choix, il fallait les inventer », car « sans les hurleurs, on aurait perdu la guerre ». Nous sommes en 2078 et les robots créés par les colons scientifiques de l’Alliance ont échappé aux fameuses lois d’Isaac Asimov. Visionnaire, Philip K. Dick place en effet au frontispice de sa nouvelle des machines auto-apprenantes, lesquelles finissent par se retourner contre les hommes. La dystopie charpentée par Christian Duguay mêle ainsi aux tensions énergétiques, aux colonies spatiales et à une humanité divisée une menace robotique, des messages hologrammiques et des IA suffisamment « conscientes » pour produire de manière autonome des créatures destinées à tromper la vigilance des hommes – dont des androïdes enfants demandant de l’aide.

En ce sens, Planète hurlante est pourvu d’une densité telle qu’elle explique probablement pourquoi le film est devenu culte après une réception plutôt mitigée en son temps. On peut aussi mesurer sa portée à l’actualité de ses messages (même si, en l’occurence, des films tels que Soleil vert ou Blade Runner, inspiré du même Philip K. Dick, le devancent amplement). On y trouve aussi des échos plus ou moins prononcés aux séminaux Terminator (les robots auto-apprenants et menaçant l’humanité), The Thing (la dualité potentielle de tout individu, les décors polaires, les bases isolées) et surtout Alien. À ce sujet, il est intéressant de noter les ressemblances manifestes entre la typologie de la base de Sirius 6B et celle des colonies humaines de LV-426 dans Aliens, le retour, de même qu’il n’est pas interdit de constater des intentions communes entre la manière de filmer les lieux, les couloirs ou les tuyaux de Christian Duguay, Ridley Scott, James Cameron et même David Fincher. Ajoutons-y les androïdes, les enfants à secourir, l’espace, les slogans publicitaires jouant sur une même terminologie et le scénariste Dan O’Bannon, et la parenté n’en apparaît évidemment qu’accentuée.

Le film de Christian Duguay est certes lacunaire – son rythme languissant, ses pérégrinations répétitives, ses explications trop verbeuses, sa romance superflue, ses effets spéciaux parfois datés… –, mais il propose une vraie réflexion sur l’humanité et ses reliefs (l’abnégation, la nostalgie de la vie sur terre, l’instinct de prédation, y compris écologique…). Il se caractérise aussi par une mise en scène discrète mais astucieuse (avec l’emploi du Steadicam et une vraie science du cadre), quelques tirades mémorables (« Je ne savais pas que Shakespeare existait en BD ») et surtout une association matte painting/design sonore du plus bel effet.

BONUS

Cette belle édition, techniquement appréciable, comprend en guise de suppléments une interview de Christian Duguay, ainsi qu’un document intitulé Les Simulacres de Philip K. Dick, dans lequel intervient le critique et essayiste Étienne Barillier. Le premier raconte comment il a étoffé la nouvelle Nouveau modèle, en quoi les conditions de tournage ont été difficiles (le froid, le matériel altéré par les températures négatives, les heures de travail) ou encore la place du matte painting et du Steadicam dans le film. Le second revient sur la production de Philip K. Dick, ses réflexions sur l’homme, la paranoïa qui en découle, mais aussi les nombreuses adaptations, directes ou indirectes, dont il a fait l’objet, au cinéma comme à la télévision – du Truman Show à Black Mirror. Ensemble, ces deux documents éclairent très bien à la fois le film et la nouvelle dont il est tiré.

Trailer : Planète hurlante

Fiche technique

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.85:1
Classé ‏ : ‎ Tous publics
Réalisateur ‏ : ‎ Christian Duguay
Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope
Durée ‏ : ‎ 1 heure et 48 minutes
Date de sortie ‏ : ‎ 21 avril 2021
Acteurs ‏ : ‎ Peter Weller, Roy Dupuis, Jennifer Rubin, Andrew Lauer, Charles Edwin Powell
Doublé : ‏ : ‎ Anglais, Français
Sous-titres : ‏ : ‎ Français
Langue ‏ : ‎ Anglais (DTS-HD 5.1), Français (DTS-HD 5.1), Anglais (DTS-HD 2.0), Français (DTS-HD 2.0)
Studio  ‏ : ‎ ESC Editions
ASIN ‏ : ‎ B08STZGVDG
Pays d’origine ‏ : ‎ France
Nombre de disques ‏ : ‎ 2