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Adapté d’une nouvelle de Joe Hill, The Cape revisite le mythe du super-héros en érigeant un loser aux failles psychologiques béantes en une sorte de terroriste capé.

La vie d’Éric est caractérisée par les chutes. Elles sont soudaines, brutales et irrémédiables. Dans l’un des nombreux flashbacks de The Cape, qui ouvre d’ailleurs l’album, on découvre un gamin encapé tombant lourdement d’un arbre, une mésaventure qui lui vaudra une hospitalisation de longue durée et des séquelles durables. En proie aux migraines, plus soucieux des jeux vidéo que de son avenir, Éric a vu sa vie basculer du jour au lendemain : qualifié de monstre par les uns, jaloux de la réussite d’un frère très protecteur à son égard, il s’engonce dans l’apathie et finit même, quelques années plus tard, par se séparer d’Angie, celle qui le soutenait à bout de bras depuis toujours – ou presque. Là est l’origine d’une seconde, puis d’une troisième chute, car non seulement le jeune homme, désormais seul, doit retourner vivre chez sa mère, mais, en remettant la main sur une cape dotée de pouvoirs surnaturels, celle-là même qui a occasionné son terrible accident, il va se trouver un courage et une force qu’il va employer à mauvais escient.

Malin, le romancier Joe Hill – le fils de Stephen King – a nanti la fameuse cape du titre d’un fort potentiel symbolique, que le scénariste Jason Ciaramella exploite en clerc. Éric est un homme diminué, presque émasculé, et considérablement frustré. En le gratifiant de pouvoirs inespérés, la cape agit comme un puissant agent désinhibant : le jeune homme désargenté et incapable de prendre son existence en main va enfin pouvoir infléchir le cours des événements. Excessivement jaloux d’un frère médecin, ancien de Harvard, et qu’il soupçonne de flirter avec Angie, furieux contre une mère qui lui a longtemps menti au sujet de la cape, il prend le parti de se lancer dans une vengeance sanguinaire et effrénée, parfaitement restituée sur le plan graphique par les dessins iconiques de Zach Howard. Crime passionnel, policiers attaqués par un ours, crash d’avion, visage brûlé : The Cape n’épargne rien aux lecteurs, qui explorent la folie meurtrière d’un homme dont le cheminement n’est pas sans lien avec celui de Travis Bickle (Taxi Driver).

Mais là où le long métrage de Martin Scorsese densifiait son propos par le portrait de la ville de New York contenu en creux, The Cape choisit de détourner et de corrompre la figure trop souvent virginale du super-héros. Les fêlures psychologiques d’Éric s’accentuent dès lors qu’il porte sa cape, qui aboutit à une forme détestable d’empowerment. Et ce bout de tissu est lui-même porteur de significations diverses, puisqu’il renvoie en seconde intention à la disparition tragique de son père – le logo des Marines cousu par sa mère – ou à ces doudous rassurants qui apaisent les craintes des enfants, au point que certains d’entre eux demeurent incapables de s’en détacher. Jason Ciaramella et Zach Howard déploient un univers vicié, désespéré et surplombé par un homme en totale perdition. Le doigt d’honneur adressé à un arbre ou le défilement des photographies sur un téléphone portable en attestent largement : Éric demeure prisonnier d’un passé douloureux qui explique sa dérive vers une violence débridée. C’est le ressort narratif principal de cet album entraînant.

The Cape, Joe Hill, Jason Ciaramella et Zach Howard
HiComics, juin 2022, 160 pages

Les éditions Delcourt publient Lucien, de Guillaume Carayol et Stéphane Sénégas. Personnage-titre, ce modeste balayeur personnifie la marginalité et la simplicité, mais voit son comportement affecté par les méchancetés environnantes.

Il faut le voir manier le râteau en clerc et faire tourbillonner les feuilles mortes, selon une chorégraphie quasi onirique, au milieu du parc public. Lucien n’est pas un cantonnier comme les autres : il y a de la passion, de la poésie dans les gestes qu’il effectue au quotidien. D’ailleurs, ce travail que d’aucuns trouveraient inintéressant suffit à combler ses attentes. Il en faut plus pour le contrarier. Et cela passe inévitablement par les comportements déplacés et vexatoires qu’il doit endurer au quotidien, de la part de ceux qui prennent son handicap pour une faiblesse méritant d’être soulignée et/ou punie.

En ce sens, Lucien apparaît comme une ode à la tolérance. Dessiné au crayon et en noir et blanc, d’un trait expressif et volontiers hachuré, le récit de Guillaume Carayol et Stéphane Sénégas radiographie la manière dont est perçue la différence dans nos sociétés contemporaines. Heureusement pour Lucien, il pourra compter sur l’amitié indéfectible, mais parfois maladroite, du jeune Paul, fasciné par ce grand gaillard qui contraste tellement avec le reste du monde. Leur amitié sera l’un des fils rouges de l’album, dont la tendresse se mâtine souvent d’amertume. Car le drame social va se mêler à la poésie, et des personnages tels que Maria ou Kadeg vont venir nervurer une narration plus complexe qu’il n’y paraît.

Est-ce que l’enfer, c’est les autres, comme le postulait Jean-Paul Sartre ? Dans Lucien, tout porte à le croire. Mais l’émotion affleure ailleurs, à travers les pages du carnet intime d’un enfant, ou par le truchement de la statue d’une violoniste disparue. Tour à tour léger et grave, le trait de crayon se prête parfaitement à la tonalité générale de l’album, qui érige finalement Lucien en révélateur. C’est en effet à son contact que l’humanité des autres s’effeuille et se met à nu. Les normes sociales, l’incommunicabilité, la liberté se voient questionnées tout au long d’un récit d’une grande justesse, dont la couverture comporte déjà une forme de dualité et une menace sous-jacente qui seront explicitées en son sein.

Lucien, Guillaume Carayol et Stéphane Sénégas
Delcourt, juin 2022, 264 pages

Retour sur quelques nouveautés marquantes en BD datées de mai et juin 2022. Au programme : Tony : L’Enfant des rivières, Les Minions (tome 5 et 6), Estampillage, Donald et la mission Jupiter ! et Little Katherine Johnson.

Tony : L’Enfant des rivières. Le sport est un vivier inépuisable d’émotions fortes. Il implique de la détermination, de la résilience, de l’abnégation et une émulation renforcée dès lors que la compétition se révèle ardue. Triple champion du monde de canoë monoplace, Tony Estanguet a une histoire sportive intimement liée à son histoire familiale. Son père, professeur de sport, a été son premier coach, ses grands frères, ses premiers modèles et rivaux. Enfant, il rêvait déjà d’égaler leurs performances, de naviguer sur les mêmes eaux qu’eux. Il enrageait de ne pouvoir leur emboîter le pas sous prétexte qu’il était encore trop jeune. Ce que l’on comprend à la lecture de ce premier tome intitulé « L’Enfant des rivières », c’est à quel point cette expérience précoce fut formatrice pour lui. Elsa Krim et Fred Campoy nous plongent dans la psyché du sportif, dont les sentiments sont verbalisés à la première personne. De son initiation au kayak à son entraînement au canoë en passant par sa rivalité avec le Slovaque Michal Martikan ou son duel face à son frère Patrice pour obtenir sa qualification aux JO de Sydney, Tony Estanguet se révèle par le menu dans cette première moitié de diptyque, à la fois intimiste et passionnante. Admirateur de Carl Lewis, travailleur acharné (tant sur le plan physique que mental), le céiste français nous est conté sous trois dimensions : la famille, le sport et leur relief psychologique. La collection « Coup de tête » des éditions Delcourt démontre une nouvelle fois à quel point les compétiteurs de haut niveau sont « bédégéniques ».

Tony : L’Enfant des rivières, Tony Estanguet, Elsa Krim et Fred Campoy
Delcourt, mai 2022, 64 pages

Les Minions (tome 5 et 6). En 2010, le film d’animation Moi, moche et méchant mettait sur le devant de la scène de petits bonshommes jaunes pratiquement indissociables les uns des autres et chapeautés par l’odieux Gru. Ces créatures à grosses lunettes et aux rondeurs enfantines vont rapidement prendre le pas sur les autres personnages du film, au point de bénéficier de leur propre franchise, et désormais de leur série en bande dessinée. Volontiers gaffeurs, s’exprimant dans un charabia caractérisé par l’alternance codique (de l’anglais, du français, de l’espagnol, de l’italien…), ces minions, sortes de taupes facétieuses, bénéficient désormais des traits (de crayon) de Renaud Collin et (d’humour) de Stéphane Lapuss’. En ce mois de juin 2022, les éditions Dupuis proposent deux nouveaux albums les mettant en vignettes, « Sporta Bikini » et « Mini Boss Kabuki ! ». Le premier exploite à foison le filon sportif et le comique de situation. On découvre ainsi nos héros jaunâtres tricher au football ou au hockey, mettre en danger la vie d’une sauteuse à l’élastique par négligence, transformer une voiture de course en bateau lors d’un arrêt au stand ou encore s’exercer au bowling en lançant vers les quilles… les traditionnelles chaussures fournies par les salles. Piètres sportifs, ils se révèlent en revanche extrêmement inventifs, y compris lorsqu’il s’agit de mettre à mal les efforts de remise en forme de ces ménagères s’époumonant péniblement à la gym’. Cet humour bon enfant se retrouve abondamment dans « Mini Boss Kabuki ! », où le cadre s’élargit et où les situations comiques apparaissent par conséquent plus variées. On y découvre petit Gru, dont la vie – et les nuits ! – sont phagocytées par les minions. Malentendus (le camion de glace), excès (les tricheries à l’école), réconfort (la course automobile) caractérisent la relation entre le futur méchant et ses petits sbires jaunes, en l’état davantage tyrans que petites mains. Sur une ou deux planches, avec ou sans Gru, les minions ne cessent de se conjuguer au pathétisme et à l’absurde : on imprègne un canapé de café dans l’espoir de masquer une petite tâche (et d’échapper ainsi au courroux féminin), on creuse un trou afin de récolter la terre nécessaire pour en reboucher un autre quelques centimètres plus loin, on détourne une affiche de Jaws, on manie sans précaution le tuyau d’arrosage… Il est à noter que les deux albums, entièrement muets, conviennent au public le plus jeune.

Les Minions : Sporta Bikini, Stéphane Lapuss’ et Renaud Collin
Dupuis, juin 2022, 48 pages

Les Minions : Mini Boss Kabuki !, Stéphane Lapuss’ et Renaud Collin
Dupuis, juin 2022, 48 pages

 Estampillage. Benjamin Le Boucher prend le parti du « détournement de fonds ». Il joint à des estampes en noir et blanc des commentaires absurdes, irrévérencieux, souvent inventifs, référencés et hilarants. Comportant une soixantaine de pages détachables, Estampillage emploie les dessins de Juan Cortada, Miguel de Cervantes, Jean de La Fontaine, Jane Austen ou encore Louis Figuier dans une mécanique de l’humour aussi simple qu’efficace : une estampe, une légende, la première mettant en scène des situations historiques ou quotidiennes, graves ou anodines, la seconde procédant à leur détournement sémiologique. « Yves avait toujours voulu être un rideau », précise-t-on ainsi sous l’image d’un pendu. « Julien commençait à se demander s’il ne s’était pas fait avoir en achetant sa vache sur Internet », glisse-t-on sous la représentation d’un homme observant, les bras posés sur les hanches, un cheval. « La première partie de chaises musicales fut catastrophique », annonce-t-on sous un tableau mettant en scène une lutte sociale et/ou politique. Benjamin Le Boucher y ajoute quelques jeux sur la langue française (« Donner c’est donner, repeindre ses volets ») et des allusions à des personnalités/phénomènes culturels célèbres telles que Guillaume Tell, les Pokémon ou Calvin et Hobbes. L’ensemble se lit d’une traite, avec délice, et exploite à foison le contraste entre l’estampe et ce qu’elle représente et la manière dont sa légende en détourne le sens. On en redemande !

Estampillage, Benjamin Le Boucher
Lapin, juin 2022, 60 pages détachables

Donald et la mission Jupiter !. Luciano Bottaro est une véritable institution en Italie. Disney lui doit notamment plus de 150 histoires, représentant en tout quelque 5000 pages. Les éditions Glénat lui rendent aujourd’hui un bel hommage, en rassemblant pour la première fois dans un même album plusieurs de ses récits. Mené tambour battant, mettant en scène Rébo, Donald, Daisy, Zantaf, Géo, la sorcière Hazel ou encore Dingo, Donald et la mission Jupiter ! vaut tant pour sa tonalité légère et ses gags bon enfant que pour la rondeur et la douceur de ses dessins. Tour à tour, le lecteur aura droit aux agissements sournois d’un chef de guerre de la planète Saturne, au tempérament colérique de Daisy, à Hazel tentant benoîtement de convaincre Dingo que les sorcières existent bel et bien ou encore aux aventures de Picsou dans un étrange vaisseau spatial. Au détour d’une scène ou d’une vignette apparaissent un pêcheur ayant travaillé dans un laboratoire d’astrophysique, des extraterrestres interrompus inopinément… par des coupures publicitaires ou encore Hazel confondue avec une représentante de commerce ou une réalisatrice de films. Choral, coloré et plus astucieux qu’il n’y paraît, Donald et la mission Jupiter ! mêle aventures et humour, sans temps mort ni fausse note. De quoi ravir les plus jeunes lecteurs.

Donald et la mission Jupiter !, Luciano Bottaro
Glénat, juin 2022, 184 pages

Little Katherine Johnson. Librement inspiré de la vie de Katherine Johnson – née Coleman –, cet album est le quatrième à prendre place dans la remarquable collection des éditions La Boîte à Bulles consacrée à l’enfance de génies ayant marqué l’histoire des idées, des arts et des sciences. Le scénariste et dessinateur William Augel explore trois dimensions pour portraiturer les jeunes années d’une figure importante de la communauté afro-américaine, mathématicienne ayant connu ses heures de gloire à la NASA. Ainsi, à la sphère familiale – ses parents, sa fratrie, sa poule Lucinda – s’ajoutent sa passion pour les mathématiques, qui contamine chaque récit, et son quotidien en Virginie occidentale, région alors encore fortement marquée par le ségrégationnisme. Dans des histoires brèves, d’une à trois planches, teintées d’humour et de curiosité, William Augel montre à quel point la jeune Katherine Johnson était déjà fascinée par les chiffres, qui l’aidaient à objectiver le monde environnant (et même lointain, puisque la lune se voit conviée plus souvent qu’à son tour). On découvre aussi, dans une veine plus amère, les interrogations de la fillette sur la ségrégation, sa couleur de peau, les activités exercées par son père – fermier et homme à tout faire – ou encore les relations entre les Blancs et les Noirs. L’auteur met notamment en scène Katherine et son frère imaginant des extraterrestres venus de la lune asservir les hommes blancs. Ils se demandent alors de quoi les Noirs pourraient se réclamer : « Y a quoi en dessous d’esclave ? » Bien ficelé, mettant à l’honneur les sciences et les mathématiques, Little Katherine Johnson comporte en outre une fiche biographique, des jeux divers et des énigmes faisant suite à plusieurs récits. De quoi occuper utilement les plus jeunes lecteurs.

Little Katherine Johnson, William Augel
La Boîte à Bulles, juin 2022, 80 pages

Prévu comme un diptyque (comportant L’homme aux babioles (2018) puis Le garçon aux bestioles (2019)), Villevermine était une trop belle réussite pour que Julien Lambert s’en tienne là. L’originalité de cet univers ne pouvait que continuer à l’inspirer. C’est ainsi qu’il nous propose maintenant cet album qui n’est pas une suite, mais un prolongement des aventures de Jacques Peuplier, ce colosse collectionneur d’objets et détective de son état.

Les premières planches mettent en place quelque chose qui ressemble à une légende, celle d’un géant (d’où le titre de l’album) qui aurait vécu cinquante ans auparavant. Il s’agirait d’un être à la stature encore beaucoup plus impressionnante que celle de Jacques Peuplier. Ce géant aurait semé la panique dans la ville et il aurait finalement été tué par le courageux Boris Tassard, qui aurait réussi à lui pourfendre le crâne avec un merlin (objet moitié masse moitié hache à long manche qu’utilisent les bucherons), surnommé depuis « Le Fendeur ». C’est la propre fille de Boris Tassard qui raconte la scène devant un public de jeunes, pour les préparer psychologiquement à la fête qui s’annonce. En effet, traditionnellement, la ville se plaît à se souvenir chaque année de cet épisode lors de la fête du géant, sorte de défouloir local. Le souci, c’est que Boris Tassard est mort depuis longtemps et que « Le Fendeur » est introuvable. Pour marquer le coup, la fille de Boris Tassard engage Jacques Peuplier pour qu’il retrouve « Le Fendeur ». Bien entendu, ceci n’est que la base d’une aventure qui vaudra bien des surprises. Ainsi, la quête du « Fendeur » mènera Jacques Peuplier vers une autre quête, à la suite d’une rencontre. D’autre part, Jacques Peuplier dialogue toujours avec les objets qu’il croise et ce n’est pas un fantasme. En effet, ce sont bien eux qui vont lui fournir des indications déterminantes dans ses recherches qui vont le mener jusque dans les égouts de la ville.

Une enquête prétexte à exploration

Cet album marche dans la droite ligne des deux qui l’ont précédé, pour décrire une grande ville qui mérite largement son surnom. D’ailleurs, Julien Lambert s’y entend toujours pour profiter des innombrables péripéties du scénario, pour la décrire en nous la faisant explorer dans sa profondeur. Les couleurs sont encore une fois bien adaptées et le trait contribue également à faire sentir la dégradation de la ville. Ainsi, même sans avoir inspecté l’album sous toutes ses coutures, je parierais bien qu’il ne comporte aucun trait tracé à la règle. D’ailleurs, de manière générale, le trait comporte un léger tremblé caractéristique qui donne cet effet de dégradation qui affecte aussi bien les décors que les personnages. Ce qui n’empêche pas le dessinateur de proposer quelques dessins de grande taille qui font plaisir à voir. De manière générale, l’album est plaisant à parcourir, parce que l’auteur soigne les détails et les décors, fait sentir l’atmosphère et s’arrange pour faire respirer l’ensemble en lui donnant un naturel qui saute aux yeux. Oui, on s’y croirait dans cette Villevermine et l’organisation générale des planches y contribue, car Julien Lambert montre qu’il maîtrise son art en utilisant chaque espace à bon escient, en respectant un bon équilibre entre dialogues et descriptions (dessins d’atmosphère), aller et retours entre passé et présent, tailles et formes (très variables) des vignettes et progression de son histoire entre action et moments plus calmes. Et c’est un plaisir de le voir jouer une nouvelle fois avec ce point particulier permettant à Jacques Peuplier de dialoguer avec les objets, qu’il va jusqu’à doter de personnalités. Autant dire que le format relativement grand (31,8 x 23,7 cm) et les quelque 85 pages de l’album lui permettent de déployer tout son talent. Ainsi, il attribue à la ville une histoire, des croyances et des personnages bien particuliers. Tout cela contribue à l’atmosphère vraiment inimitable, avec une enquête parfaitement indépendante de celle qui faisait l’objet des deux autres albums. On peut dire que Julien Lambert a pris la bonne décision en donnant ce prolongement à un diptyque qui pouvait se suffire à lui-même. Il profite de ce qu’il a mis en place pour proposer un album qui pourrait en appeler d’autres, car Jacques Peuplier pourrait mener de nouvelles enquêtes. Toujours est-il que celle qu’il mène ici nous emporte dans un univers étonnant qu’on a plaisir à retrouver, en dépit de tout ce que le titre sous-entend. Ainsi, il convient de souligner que cet album comporte sa part de violence, ce qui n’empêche pas d’y trouver un certain goût pour la délicatesse (celle des maladroits), voire même de la poésie. En s’intéressant à l’histoire et aux légendes de la ville, Julien Lambert donne de la consistance à un univers incomparable. Et il réussit une nouvelle fois à nous faire rêver. Sans compter certains détails vraiment bien pensés comme les origines de la force du géant, bien supérieure et effrayante à celle qu’on pourrait attendre d’un tel individu hors normes. Une force qui inspire une telle crainte à son possesseur (qui ne la contrôle pas, malgré tous ses efforts), qu’il refuse tout contact avec l’extérieur, allant jusqu’à se barricader. Cette opposition entre force et faiblesse du personnage est un des aspects les plus intéressants de l’album. De même pour Jacques Peuplier qui se montre très capable dans son activité de détective, alors qu’il se révèle très peu doué pour mener une vie sociale digne de ce nom. Comme par hasard, il est nettement plus à l’aise avec les objets !

Villevermine – Le tombeau du géant, Julien Lambert

Sarbacane, janvier 2022

Les admirateurs francophones de la série Spawn, initiée il y a trente ans par l’excellent Todd McFarlane (ex-Spider-Man et Hulk), ont de quoi être ravis : les éditions Delcourt leur proposent rien de moins qu’un album anniversaire de grande taille (416 pages, 18.9 x 28.4 x 3.9 cm), comprenant les quinze premiers chapitres de la série (en ce y compris les épisodes dont la parution étaient contrariées par des problèmes de propriété intellectuelle), ainsi que des planches augmentées des commentaires additionnels du scénariste et dessinateur canadien.

En 1992, un groupe d’artistes désireux de préserver les bénéfices financiers de ses créations s’unit et décide de fonder Image Comics. La même année paraît le premier numéro de Spawn, dont le personnage principal, torturé et ambivalent, deviendra l’un des héros de comics les plus célèbres de ces trente dernières années. En 2019, fait significatif, la série est d’ailleurs devenue la plus ancienne appartenant encore à son auteur d’origine. Inspiré de Venom et de Spider-Man – comme en atteste d’ailleurs la couverture de cet album anniversaire –, Spawn est un ancien agent de la CIA nommé Al Simmons et liquidé parce qu’il tendait à s’affranchir de l’agence gouvernementale tout en remettant en question ses méthodes. Se compromettant inexorablement à travers un pacte faustien dont l’objectif ultime est de revoir sa femme Wanda, celui que l’on appellera désormais Spawn va devoir affronter toutes sortes de créatures maléfiques dans une ambiance sépulcrale où la ronde des monstres et la science de l’image se verront portées à incandescence.

Au-delà de la somptuosité graphique de la série, Spawn se caractérise par une apparence travaillée et une pluralité de pouvoirs surprenante. Doté de dons télépathiques, capable d’engendrer des trous noirs, de modifier sa morphologie, d’employer la magie ou de faire montre d’une force terrifiante, ce personnage d’écorché vif, tirant notamment son pouvoir de sa cape, va placer le dark fantasy sur le devant de la scène, en écoulant ses albums à des millions d’exemplaires. Il contribue aussi à populariser le antihéros dans les années 1990, accompagnant un mouvement de redéfinition des comics américains. Définitivement installé dans le paysage des albums indépendants, bientôt nanti de trois nouveaux spin-off, Spawn bénéficie à l’occasion de son trentième anniversaire du formidable travail éditorial des éditions Delcourt, qui en republie les quinze premiers chapitres, qu’elles ne manquent pas d’assortir de documents inédits éclairant les intentions créatives de Todd McFarlane.

Dialogues fusants, dessins raffinés, Spawn se distingue aussi par un propos porteur d’enjeux puissants : l’amour et ses trahisons, les manœuvres politiques, la violence urbaine… On y retrouve notamment les détectives Sam Burke et Twich Williams – lesquels bénéficient par ailleurs de leur propre série –, qui mènent l’enquête sur la profusion de meurtres dans les ruelles sordides de Rat City. Si la vie terrestre apparaît frelatée, celle de l’au-delà n’est guère plus enviable : Al Simmons se verra ainsi torturé afin de renforcer sa haine et sa soif de vengeance avant de revenir hanter New York et ses allées caractérisées par la pègre et le sans-abrisme. Car comme le révèle amplement cet album anniversaire, la série Spawn se nappe d’une ambiance noire, inquiétante, arrimée au crime et à l’abjection. En cela, la figure de ce « démon » maudit semble indexée sur la corruption des lieux qu’il visite et des personnes dont il croise la route. Une singularité qui ne fait que renforcer la modernité d’une série devenue incontournable.

Spawn, Dave Sim, Todd Mcfarlane, Neil Gaiman et Alan Moore
Delcourt, mai 2022, 416 pages

Les éditions Dupuis publient Saison de sang, du scénariste Si Spurrier et du dessinateur Matias Bergara. Initialement divisé en quatre parties, ce récit entièrement muet, d’une grande inventivité visuelle, se révèle à la fois haletant et fascinant.

Comment raconter une histoire complexe, mêlant l’intime et le spectaculaire, sans avoir recours au moindre dialogue ? Par quels biais installer un univers foisonnant, aux enjeux significatifs, quand les quelque 200 planches proposées par l’équipe créative s’avèrent entièrement dénuées de textes – à l’exception notable de brèves introductions métaphoriques ? Ces deux questions, auxquelles ont fait face le scénariste Si Spurrier et le dessinateur Matias Bergara, arborent une même réponse : en portant vers le haut le degré d’exigence exprimé vis-à-vis du lecteur. Ainsi, dans un album où l’apport (en sens, en émotion) de l’auteur, du dessinateur et du coloriste tend à s’équivaloir, c’est à travers une nuée de détails, l’ingéniosité des planches et des significations parfois flottantes que chacun est appelé à appréhender un récit d’une richesse insoupçonnée.

Peut-être faut-il voir dans Saison de sang une elliptique fuite en avant. Une fillette et un guerrier géant en armure parcourent ensemble, dans un voyage en apparence déterminé, une grande variété de régions, qui constituent pour Matias Bergara autant d’occasions de faire valoir son talent. Chaque page fourmille de sophistications ; et si l’album, hors introduction, a pour seuls éléments textuels des phylactères fixés dans une langue imaginaire, c’est son langage visuel qui va en baliser la lecture, selon une grammaire maniée en clerc. Et tandis qu’une série d’écueils et de prédateurs se dressent sur la route de nos deux héros, Matheus Lopes déploie une gamme de couleurs, volontiers pastel, qui insufflent à l’histoire poésie et émotions, en plus d’en accompagner le développement selon des codes différenciés.

Richesse des paysages, iconicité des plans, ronde des monstres et des personnages… Si ces éléments contribuent évidemment à caractériser Saison de sang, ils passent néanmoins sous silence une composante essentielle du récit : la relation filiale, pleine de tendresse et d’humanité, entre un géant protecteur et une fillette virginale, laquelle se voit plongée dans un monde menaçant et corrompu. Parce qu’elle a soif de liberté, cette dernière, en grandissant, cherche de plus en plus à s’émanciper de l’emprise de ce guerrier en armure. La main dans laquelle elle s’est reposée, le doigt auquel elle s’est cramponnée, elle s’en détourne désormais, dans une quête de soi mêlant peur, résistance et éveil. En cela, Saison de sang n’est pas seulement beau, astucieux et haletant, il porte aussi en son sein une ode à l’amitié contrariée par l’instinct de prédation et de domination des hommes. Pour en appréhender au mieux la teneur, il ne vous reste plus qu’à vous lancer à corps perdu dans cette aventure palpitante…

Saison de sang, Si Spurrier et Matias Bergara
Dupuis, juin 2022, 192 pages