Dans Philiations, Gwen de Bonneval orchestre une introspection remontant à son enfance et s’étendant à sa vie d’adulte, façonnée par un entrelacement complexe de souvenirs, d’expériences familiales et de préoccupations écologiques. Cet ouvrage, à la fois autobiographique et réflexif, s’articule autour de la quête personnelle de l’auteur pour comprendre les forces qui l’ont modelé, tout en s’interrogeant sur l’avenir de notre planète.
L’album de Gwen de Bonneval débute par une exploration des jeunes années de sa vie, formatrices et notamment marquées par des moqueries relatives à son prénom et par une relation complexe avec ses parents. Ces souvenirs restitués constituent les premiers jalons d’une quête identitaire qui va traverser tout l’ouvrage. La figure paternelle, ambivalente, distante puis écartée, peut être lue en miroir des propres interrogations de l’auteur quant à l’héritage familial et son propre rôle de père.
Les souvenirs occupent une place centrale dans Philiations : on les questionne, les embrasse ou les rejette, mais ils finissent toujours par nous façonner. L’ouvrage met en lumière la manière dont la chute de Philémon, le fils de Gwen de Bonneval, agit comme un catalyseur, renvoyant l’auteur à ses propres expériences traumatisantes d’enfance, et repassant en boucle dans la tête de l’auteur. Il est aussi question de mémoire à travers le vécu du grand-père, proche du Général de Gaulle, taiseux quant à ses expériences passées.
L’ouvrage ne se contente pas d’explorer les dynamiques familiales intimes ; il englobe des enjeux écologiques et sociétaux majeurs. En évoquant à plusieurs reprises les neuf limites planétaires, et en se demandant comment agirait son grand-père résistant à l’aune de la crise écologique, Gwen de Bonneval interpelle sur la responsabilité individuelle et collective face à un avenir de plus en plus compromis. Cette dimension du récit invite à une réflexion sur la capacité de l’individu à influencer le cours de l’histoire, que ce soit à l’échelle familiale ou globale.
Sur le plan graphique, Philiations se caractérise par l’utilisation du blanc et d’une couleur changeante au cours du récit. L’album épouse une structure non linéaire qui permet de mettre en parallèle souvenirs et réflexions, dans une fluidité savamment organisée. Le cas de Philémon mérite également d’être souligné : hypersensible, il vit tout à 200%, ce qui peut mener à des crises de colère, par exemple. Il était suivi par un thérapeute avant la pandémie de Covid-19, mais cette dernière a mis fin à leurs séances. Il est certes intelligent mais a toutefois du mal à se fondre dans la masse et à sociabiliser.
Que cela soit à travers les souvenirs, les réflexions ou les caractères, Philiations fait valoir une profondeur et une sensibilité remarquables. À travers le prisme de sa propre expérience, Gwen de Bonneval offre une réflexion universelle sur ce qui nous constitue et nous unit, tout en soulignant l’urgence écologique actuelle. Ce récit autobiographique s’impose parfois comme un miroir, dans lequel chaque lecteur peut se reconnaître pour partie, et réfléchir à sa propre singularité.
Philiations, Gwen de Bonneval Dupuis, mars 2024, 224 pages
Les États-Unis continuent d’exercer une influence prépondérante sur le monde, tant par leur puissance économique et militaire que par leur soft power culturel. L’Atlas des États-Unis, dont la troisième édition est proposée par Christian Montès et Pascale Nédélec chez Autrement, permet, avec les cartographies de Cyrille Suss, une analyse détaillée et nuancée de cette nation aux multiples facettes.
L’Atlas entame son exploration par un retour sur l’Amérique précolombienne, marquée par l’arrivée des colons européens et l’émergence d’une économie mercantiliste. La lutte pour l’indépendance, cristallisée par des événements tels que la Boston Tea Party, marque le début d’une expansion territoriale vers l’Ouest, enrichissant le pays de nouvelles terres, de la Floride à l’Alaska. Cette première section retrace le parcours d’un pays en quête d’identité, s’étendant au gré des opportunités et des conflits, jusqu’à forger une nation unie sous un gouvernement fédéral.
Très vite est mis en lumière le rôle central de l’immigration dans le développement des États-Unis. Première destination mondiale pour les migrants, le pays, dont les auteurs exposent l’évolution des politiques d’immigration, connaît une diversité croissante de sa population. Les tensions raciales ont marqué l’histoire américaine et elles ont été exacerbées par des présidences controversées, à l’instar de celle, récente, de Donald Trump. Tout en offrant un aperçu de la dynamique territoriale américaine, entre urbanisation, métropolisation et préservation des espaces ruraux, les auteurs se penchent sur la distribution géographique des croyances religieuses et les questions épineuses de la possession d’armes ou de la pauvreté. Il en ressort le sentiment, tenace, de divisions profondes au sein de la société américaine.
L’ouvrage plonge également au cœur des dynamiques économiques et sociales qui animent les États-Unis. Les auteurs scrutent la résilience de l’économie américaine, tout en pointant du doigt les inégalités persistantes et l’impact des crises financières. L’analyse s’étend aux aspects culturels, notamment l’American way of life, et aux défis sociétaux comme la santé. La consommation énergétique et l’empreinte environnementale des États-Unis sont critiquées, mettant en relief la nécessité d’une réflexion sur le modèle de développement adopté par le pays.
Les auteurs se penchent sur le système politique américain, le fédéralisme et l’influence du néolibéralisme, illustrant comment les crises ont modelé l’architecture institutionnelle du pays. L’importance stratégique de l’armée américaine et son rôle sur la scène internationale sont évalués, révélant les complexités de la position des États-Unis en tant que « gendarme du monde ». L’évolution de la perception internationale des États-Unis, notamment sous les présidences de Joe Biden, Donald Trump et Barack Obama, est également explorée, témoignant des fluctuations de l’image américaine à l’étranger.
L’Atlas des États-Unis réussit à capturer l’essence d’une nation contradictoire, tiraillée entre admiration et répulsion. L’ouvrage de Christian Montès et Pascale Nédélec met en lumière l’ambiguïté de la fascination qu’inspirent les États-Unis, entre le rêve américain et les réalités souvent moins reluisantes d’une société soumise à de multiples défis. En offrant une perspective détaillée et nuancée, cet atlas se révèle indispensable pour quiconque cherche à comprendre les multiples dimensions d’une superpuissance en constante évolution.
Atlas des États-Unis, Christian Montès et Pascale Nédélec Autrement, avril 2024, 96 pages
Après Drive My Car et Contes du hasard et autres fantaisies, Ryusuke Hamaguchi expérimente dans Le mal n’existe pas, Grand Prix à la Mostra de Venise 2023, un retour à la nature musical et contemplatif. Sous l’inspiration de la compositrice Eiko Ishibashi, il propose un drame écologique et poétique, où les hommes vivent, se cherchent et se révèlent sous la silhouette majestueuse des arbres éternels.
Une bouffée d’oxygène au cœur des forêts japonaises, c’est ce que nous offre Le mal n’existe pas, comme une respiration dans l’œuvre, déjà dense, de son réalisateur. Car le film ne ressemble à aucun long-métrage de Ryusuke Hamaguchi, et que l’on plonge ou non dans son récit relativement lent, rythmé par des scènes du quotidien, ses images n’ont pas fini d’occuper notre esprit.
Takumi, homme à tout faire, et sa fille Hana, vivent dans le village de Mizubiki, près de Tokyo. Ils mènent une existence simple, paisible et proche de la nature, au milieu des arbres et des animaux sauvages. Cependant, le projet de construction d’un camping dans le parc naturel voisin sème le trouble chez les résidents, tout en menaçant le fragile équilibre écologique du site.
Bons sauvages, mauvais profits
Dès les premiers plans, Rysuke Hamaguchi prend le temps de poser le cadre, serein et harmonieux, du village de Mizubiki. Une forêt dense dont les arbres immenses, filmés en travelling ou en contre-plongée, semblent toucher le ciel. Un homme coupe du bois, prélève de l’eau de source. Une enfant vagabonde près d’un lac. Sur les notes pacifiques d’Eiko Ishibashi se dévoile une vie douce, naturelle, idyllique, un îlot de paix où le mal n’a aucune prise. Cette introduction lente, non dialoguée, expose une relation singulière entre l’Homme et la nature, comme un retour aux sources où le bon sauvage, conscient de son environnement, respecte et défend la pureté de son milieu.
Takumi apprend ainsi à sa fille à reconnaître les arbres selon leurs écorces, un enseignement naturel tout aussi essentiel, si ce n’est plus, que la classe de primaire, pour ce père entretenant un lien fusionnel avec la forêt. Car c’est la nature qui fait vivre les rares résidents. L’eau de source les abreuve et sert à la préparation des udon. Le bois fournit la chaleur. Les feuilles sauvages de wasabi épicent la cuisine du restaurant local. Les plumes de faisan sont ramassées, collectionnées et étudiées. Ce parfait microcosme voit son équilibre menacé lorsqu’un projet de glamping, concept touristique issu de la contraction des mots glamour et camping, plane comme une ombre inquiétante et insidieuse au-dessus du village.
Le mal n’existe pas bascule donc lors d’une banale réunion d’information organisée par deux promoteurs, Takahashi et Mayuzumi. Venus présenter les avantages du programme pour l’attractivité de la région, les interlocuteurs perdent rapidement pied face à la crainte et à la colère des habitants. Lorsque la discussion s’anime autour du lieu d’installation de la fosse septique, trop proche du puits, et de la nécessité d’une surveillance permanente du site, Takahashi et Mayuzumi comprennent qu’ils ne connaissent rien à l’environnement réel du projet. Progressivement, le voile se déchire sur la recherche du profit maximal par un directeur mercantile, soucieux d’accélérer les travaux pour bénéficier d’une subvention Covid. Le maire du village lance alors un avertissement cinglant. Tous les changements réalisés en amont auront des impacts à traiter en aval. Autrement dit, l’Homme ramasse toujours ce qu’il sème, qu’il vive en harmonie avec la nature ou déséquilibre sa balance délicate.
Dans les pas du cerf sacré
Symboles de longévité et de prospérité, les cerfs japonais s’associent volontiers aux esprits protecteurs de la forêt. Élégants et proches de la nature, ils s’imposent comme des gardiens de l’équilibre naturel souvent bouleversé par l’Homme. Le Dieu-Cerf de Princesse Mononoké, capable de donner la vie et la mort, constitue une figure emblématique de cette représentation. Dans Le mal n’existe pas, le cerf n’est doté d’aucun pouvoir surnaturel mais il incarne tout autant cette idée de pureté et de préservation de la forêt. Pacifique, il n’attaque les hommes que lorsqu’il est chassé et touché par balle.
Or, le projet envisagé se situe précisément sur le trajet des cerfs, au risque de perturber l’ordre naturel. En empiétant ainsi sur le territoire des cerfs, c’est toute l’harmonie d’un écosystème qui se voit menacée. C’est pourquoi Tamuki s’y oppose farouchement. Appelé à devenir gardien du futur site, il est amené à définir son rôle au sein de ce futur environnement en proie au dérèglement. Dans les traces des cerfs qu’il cherche tant à protéger, Tamuki choisit le parti de la nature, idéal et impartial.
Takahashi et Mayuzumi sont également confrontés à cette quête d’identité. Célibataires, isolés et professionnellement reconvertis, ils ne semblent pas encore avoir trouvé leur chemin. Au contact de la nature et de Tamuki, ils entrevoient un autre mode de vie, plus simple et dénué des artifices de leur existence bâtie sur des apparences et des applications de rencontre. Ils se montrent donc soucieux d’aider les habitants du village et de partager leur savoir.
Si le mal n’existe pas dans la nature, il s’insinue en l’Homme en corrompant lentement l’équilibre de son cadre de vie.Par ce film poétique conservant, à l’ombre des arbres, d’intrigantes zones d’interprétation, Ryusuke Hamaguchi nous fait réfléchir sur notre place dans le monde et notre rapport à l’environnement. Une œuvre au récit minimaliste mais d’une grande richesse philosophique.
Le mal n’existe pas – Bande-annonce
Le mal n’existe pas – Fiche technique
Réalisation : Ryusuke Hamaguchi Scénario : Ryusuke Hamaguchi Casting : Hitoshi Omika (Takumi), Ryo Nishikawa (Hana), Ayaka Shibutani (Mayuzumi), Ryuji Kosaka (Takahashi)… Musique : Eiko Ishibashi Photographie : Yoshio Kitagawa Montage : Ryusuke Hamaguchi, Azusa Yamazaki Producteur : Satoshi Takada Société de distribution : Diaphana Distribution Genre : drame Durée : 1h46 Japon – Sortie France le 10 avril 2024
On avait apprécié le dernier opus de la saga, sorti en 2021. Véritable blockbuster nostalgique aux allures de reboot fort sympathique, l’héritage offrait suffisamment de neuf pour poser les bases d’une nouvelle saga. Dommage, S.O.S. Fantômes : La menace de glace ne parvient pas à tenir ses promesses, malgré quelques bons moments.
Je crois que j’ai jeté un froid
Pourquoi avait-on apprécié l’opus précédent ? Pour sa mise en scène inspirée, l’écriture réussie de ses protagonistes et son humour. On l’aime également pour l’intelligence de sa narration, toujours consciente qu’elle est une nouvelle histoire, dans un univers déja établi, sans oublier les vieux et leur amour pour le fan-service. L’essence même de S.O.S. Fantômes : L’Héritage, c’est d’être un projet fait avec le cœur. La menace de glace ressemble plus à un film de commande. Malgré une indéniable volonté de bien faire, il faut se rendre à l’évidence : cette suite n’atteint jamais la cheville de son ainée, et ce, pour de très nombreuses raisons.
Prenez l’expression : « c’est le premier en moins bon » et vous obtenez SOS Fantômes : La menace de glace. Les choses débutent bien, pourtant, avec une scène d’introduction à la photographie soignée, à l’ambiance efficace et aux décors réels saisissants. Malheureusement, la suite du film se révèle paresseuse à tous les niveaux. La volonté de Gil Kenan d’offrir le moins d’effets spéciaux possible est admirable. Malheureusement, à l’écran, il en résulte une intrigue qui met un temps fou à démarrer, une menace de glace qui n’apparaît que durant les dix dernières minutes et une absence totale d’épique. Dans les faits, on pourrait presque parler de publicité mensongère, tant le New York glacé des affiches et des bandes-annonces se révèle anecdotique. On pourrait dire la même chose des anciens, ici relégués au rang de boulets que l’on ne sait jamais où placer (coucou Jurassic World 3) et totalement inutiles dans l’intrigue.
Ambitions fantomatiques
Malheureusement, ils ne sont pas les seuls protagonistes maltraités par l’intrigue. On avait adoré Phoebe (Mckenna Grace) dans le dernier opus, elle se révèle moins agréable à suivre ici, son personnage accumulant les clichés de la crise d’adolescence. Pas de quoi fermer les yeux d’agacement pour autant, d’autant qu’elle continue de porter plus ou moins bien le film sur ses épaules. On aurait malgré tout aimé la suivre avec autant d’intérêts qu’à ses débuts. Les parents sont le plus souvent réduits au rôle de comic relief. Quant au frère, il a le mérite d’exister… On suivra distraitement les nouveaux venus, assez réussis et sympathiques, à l’exception du méchant catastrophique et n’apparaissant véritablement qu’à la toute fin. On suit une autoroute, vue et revue et sans aucune valeur ajoutée. Enfin, difficile de se reposer sur la mise en scène, quand il ne se passe rien durant neuf dixièmes du film. Un film de commande, ni plus ni moins. Quelle cruelle déception !
Bande-annonce – S.O.S. Fantômes : La menace de glace
Fiche technique – S.O.S. Fantômes : La menace de glace
Titre original : Ghostbusters: Frozen Empire
Réalisation : Gil Kenan
Scénario : Gil Kenan / Jason Reitman
Casting : McKenna Grace / Paul Rudd / Finn Wolfhard / Bill Muray / Carrie Coon / Kumail Nanjiani
Genre : Comédie fantastique / Science-fiction
Production : Columbia Pictures
Durée : 115 minutes
Sortie française : 10 avril 2024 en salles
Deux bandes dessinées, Mars, la planète rouge et Jupiter, le berger des astéroïdes, paraissent aux éditions Glénat dans une nouvelle collection intitulée « Système solaire ». Scénarisés par Bruno Lecigne, et impliquant les dessinateurs Fabien Bedouel, Xavier Dujardin et Afif Khaled, les deux albums s’inscrivent dans une démarche à la fois éducative et divertissante.
Les auteurs organisent une rencontre convaincante entre des éléments scientifiques rigoureux et une trame narrative fictive empreinte de mystère et d’aventure. L’introduction, marquée par la découverte d’un vaisseau extraterrestre ancien mais avant-gardiste, plante immédiatement le décor d’une saga interstellaire qui, sous couvert de quête spatiale à la recherche d’un équipage disparu, servira surtout à démystifier les planètes visitées.
L’objectif pédagogique ne saurait cependant éclipser la dimension ludique : à travers les yeux d’une équipe internationale aux compétences diversifiées, le lecteur est invité à redécouvrir Mars et Jupiter sous un jour nouveau, à faire face à des mésaventures d’ampleur biblique, faisant de la science un vecteur d’émerveillement et de rebondissement.
Le tome dédié à Mars se distingue par sa capacité à mêler réflexions scientifiques et interrogations existentielles. La représentation de la planète, avec sa surface oxydée conférant sa couleur rouge caractéristique, sert de toile de fond à des découvertes aussi fascinantes qu’inquiétantes. Les dangers inhérents à l’exploration de Mars, tels que les tempêtes de poussière et l’exposition aux rayons cosmiques, sont abordés avec une précision technique indéniable. La découverte d’un océan de glace (le cratère Korolev) et les spéculations sur l’origine de la vie terrestre (projetée depuis Mars ?) enrichissent la trame d’une dimension quasi-philosophique.
Le second tome, consacré à Jupiter, élargit le spectre de l’aventure en plongeant l’équipage et les lecteurs dans les mystères de la plus grande planète du système solaire. La densité scientifique de l’ouvrage se manifeste notamment à travers l’exploration de la composition atmosphérique de Jupiter et des conditions extrêmes prévalant à sa surface. La tension narrative atteint son apogée lors des péripéties vécues par l’équipage, notamment lors de leur exploration de Ganymède. L’intrigue se teinte d’une réflexion sur l’isolement, le deuil et la quête de sens, incarnée par les dialogues entre Yang-Liping et l’extraterrestre Clarke, occupant originel du vaisseau spatial et désireux de savoir si les siens sont encore en vie.
Bruno Lecigne, à qui l’on doit de nombreux romans de science-fiction, figure centrale de ces créations, affirme : « Le principe est d’instruire en amusant, transmettre en divertissant. » Cette ambition transparaît à travers la collaboration avec l’Observatoire de Paris, garantissant une assise scientifique solide aux récits, et le complément pédagogique, sous forme de dossier, qui est inclus à la fin de chaque album. Mais que l’on ne s’y trompe pas, c’est bien à travers les péripéties de Clarke et l’équipage humain qui l’accompagne que le lecteur apprendra que 99,85% de la masse totale du système solaire se constitue du soleil, qu’il faut compter en tout au minimum 10 milliards de galaxies-spirales comme la Voie lactée, que la croûte de Mars est uniforme et que sa dualité se caractérise par une face éruptive et furieuse et une autre plus paisible et sereine, ou encore que Jupiter accueille des orages et des tempêtes titanesques et qu’en tant que planète géante gazeuse, elle aurait pu occuper la zone d’habitabilité du système solaire et repousser les planètes rocheuses plus loin, ou même les dévorer.
Mars, la planète rouge et son pendant jupitérien brillent par leur valeur didactique et divertissante ; ils parviennent à démocratiser la science en la rendant accessible et fascinante. À travers ce voyage au cœur du système solaire, Bruno Lecigne et ses co-auteurs réussissent le pari, qui n’en est encore qu’à ses débuts, d’immerger le lecteur dans une aventure interplanétaire riche en enseignements, questionnements et émerveillements…
… et pas dénuée de réflexions envers l’homme. « Nous partons pour la plus extraordinaire et incroyable aventure de tous les temps, et nous râlons sur l’équipement hôtelier », lira-t-on ainsi, avant que Clarke ne s’interroge : « Vous êtes une espèce difficile à comprendre, Terriens. Pourquoi ne pas prendre soin de votre planète, plutôt que de coloniser ce corps presque mort ? » Comment lui donner tort ?
Mars, la planète rouge, Bruno Lecigne et Fabien Bedouel Glénat, mars 2024, 64 pages
Jupiter, le berger des astéroïdes, Bruno Lecigne, Xavier Dujardin et Afif Khaled Glénat, mars 2024, 64 pages
Dans Nuages, paru aux éditions Glénat, J. Personne met en scène Léo, un personnage animé dès son plus jeune âge par le désir de voler. À travers les pages, nous suivons son parcours de l’enfance à l’âge adulte, constitué d’épanouissements, d’aspirations contrariées, d’amours déçus, bref de tout ce qui fait l’étoffe d’une vie ordinaire.
L’enfance de Léo est placée sous le sceau d’un désir puissant et singulier : celui de s’élancer dans les airs, de voler au-delà des nuages, de se déconnecter de la réalité tangible pour embrasser un au-delà plein de promesses. Ce rêve est cependant loin d’être une simple fantaisie enfantine, puisqu’il s’ancre profondément en lui et va influencer ses choix de vie, ses relations et sa quête de bonheur. Enfant, le protagoniste de J. Personne possède un monde intérieur foisonnant ; il nourrit son imagination et son désir d’évasion. Il se voit en alter ego super-héroïque, projection de lui-même plus forte et rassurante, alors qu’il s’inscrit en réalité souvent dans les marges de la vie estudiantine…
En devenant adulte, Léo s’efforce de concilier ses aspirations avec les impératifs de la vie quotidienne et des nouvelles responsabilités qui lui incombent. Son amour pour Nour, au contact de laquelle il trouve le bonheur, la naissance de leur fils Adam, ainsi que l’ouverture d’une librairie témoignent d’une quête de sens et d’autonomie. Néanmoins, ces choix de vie ne sont pas exempts de difficultés : la précarité financière, les heures de travail qu’on ne compte plus, les tensions croissantes au sein du couple et même le racisme vécu par Adam à l’école (il a des origines arabes de par sa maman). Ces événements mettent à l’épreuve la résilience de Léo et le confrontent plusieurs fois à une forme d’abîme existentiel, et surtout à la fragilité de ses rêves.
La palette de J. Personne dans Nuages joue un rôle crucial dans la narration. Les couleurs douces, pop et nuancées, tout en sensibilité, restituent avec brio les expériences de vie entre joie, tristesse, espoir et désillusion. Cette approche visuelle renforce le caractère contemplatif de l’œuvre, offrant au lecteur une expérience immersive dans les états d’âme d’un protagoniste attachant, auquel chacun pourra – au moins pour partie – s’identifier. L’évolution de Léo au fil du temps est marquée par une prise de conscience aigüe de la fuite inexorable du temps. La mort de proches, les changements dans ses relations, la désillusion professionnelle, sont autant de rappels au fait que la vie ne se plie pas toujours à nos désirs.
En ce sens, sans être pessimiste, Nuages est porteur d’une mélancolie en prise directe avec les vulnérabilités humaines. C’est par exemple Léo faisant la morale à son fils en prenant, sans le dire, sa propre existence à témoin. À travers le parcours de son protagoniste, J. Personne nous convie à une introspection profonde sur nos propres vies, nos rêves et ce qu’ils deviennent avec le temps. Nos aspirations initiales, auxquelles on se cramponne parfois, peuvent à la fois nous guider et nous égarer. En définitive, Nuages nous interpelle en posant cette question, fondamentale : dans le tourbillon incessant de la vie, comment trouver notre propre manière de voler ?
Dans Le Dernier Vol (Steinkis), Lorenzo Coltellacci et Davide Aurilia partent d’un fait divers tragique pour explorer, avec sensibilité, les trajectoires intimes de plusieurs passagers liés par un accident fatidique…
L’histoire prend racine dans les préparatifs, tout à fait ordinaires, de chaque personnage, avant un départ de Barcelone pour Düsseldorf. Certains se montrent craintifs, d’autres excités à l’idée de rejoindre l’Allemagne. Ce que Lorenzo Coltellacci et Davide Auriliamettent en scène, ce sont des individus aux prises avec leurs espoirs, leurs doutes et leurs dilemmes. Chacun appréhende ce qui constituera un dernier vol selon les circonstances et l’humeur du départ, des éléments à taille humaine que la tragédie qui s’ensuit, dans sa narration médiatique, tendra à négliger.
La structure narrative du Dernier Vol est relativement simple : les personnages et leurs tranches de vie se succèdent les uns aux autres, avec pour seul liant l’avion qu’ils s’apprêtent à prendre dans quelques heures. L’amour, le regret, les liens familiaux et la douleur trouvent un écho dans ces récits courts et autonomes. Bien qu’il soit le véritable vecteur de la catastrophe, le pilote demeure dans un angle mort. Plutôt que d’exposer ses motivations, les auteurs préfèrent montrer les cheminements qu’elles interrompent, les individus qu’elles privent de vie.
Au-delà de la reconstitution des événements précédant le drame, l’œuvre invite à une réflexion sur la valeur de l’existence et sur l’imprévisibilité du destin. La question lancinante de ce que l’on éprouverait dans les ultimes moments de vie ajoute une dimension philosophique à la narration, tout en maintenant une empathie profonde pour les protagonistes. Juana a été victime de violence conjugale, Roberto doit composer avec l’adultère dont il s’est rendu coupable, Mark a un passif difficile avec son père et Leya attend impatiemment de retrouver l’homme qu’elle aime…
Le Dernier Vol se caractérise ainsi surtout par ce qu’il n’est pas : une reconstitution graphique d’un accident aérien devenu célèbre. C’est une célébration de la vie dans sa diversité, ses complexités, sa fragilité, à travers des personnages aux affects profondément humains. Lorenzo Coltellacci et Davide Aurilia font œuvre de sensibilité et de finesse dans les portraits qu’ils brossent. Amarrées aux relations amoureuses et familiales, leurs histoires portent, bien au-delà des situations décrites. Car la tragédie invite à tout reconsidérer à son aune.
Le Dernier vol, Lorenzo Coltellacci et Davide Aurilia Steinkis, mars 2024, 144 pages
Dans American Parano : Black House (Dupuis), Hervé Bourhis et Lucas Varela plongent le lecteur au cœur d’une intrigue policière complexe, prenant pour cadre le San Francisco de la fin des années 60. Une enquête sur un meurtre mystérieux permet de radiographier les dynamiques sociétales de l’époque et de donner une certaine épaisseur aux personnages.
Le contexte historique et géographique dans lequel s’inscrit American Parano : Black House constitue sans nul doute l’une des principales richesses de cette bande dessinée. San Francisco, avec son Golden Gate et ses quartiers pittoresques, offre au récit un cadre idoine, empreint des tensions de l’époque. La fin des années 60 est en effet marquée par l’émergence du mouvement Flower Power, le développement des contre-cultures et un climat social en pleine ébullition. L’intrigue policière qui sert de fil conducteur est en sus dirigée par une femme, au grand dam de ses collègues masculins, peu enclins à la laisser marcher sur leurs platebandes. Les auteurs exploitent avec talent cette ambiance particulière, entre conservatisme crispé et soif de liberté ambiante.
L’intrigue centrale d’American Parano : Black House débute par la découverte macabre d’une jeune femme assassinée, son corps marqué d’un pentagramme inversé. Ce symbole, loin d’être un simple détail, oriente immédiatement l’enquête vers le mystérieux Baron Yeval, figure notoire du culte satanique, absent au moment des faits. Les protagonistes, le lieutenant Ulysses Ford et l’inspectrice Kimberly Tyler, dont les rapports ont quelque chose de filial et de touchant, se retrouvent aussitôt plongés dans un univers où le mysticisme et la noirceur humaine se côtoient.
Le personnage de Kimberly, inspectrice faisant ses premiers pas dans un milieu viriliste, permet d’introduire des thématiques liées à la misogynie et aux préjugés de genre. Sa rencontre avec le Baron Yeval, individu aussi charismatique que dérangeant, n’est pas sans rappeler celle de Clarice Starling avec Hannibal Lecter dans Le Silence des agneaux. L’interaction entre les deux personnages suppose en effet une part de manipulation, de mystères à percer et un mélange de fascination-répulsion. Une fois encore, l’ambiance de l’époque, avec ses mouvements sectaires et ses changements sociaux, enrichit considérablement le récit, puisqu’elle est déterminante quant au culte concerné.
Sur le plan graphique, le travail de Lucas Varela se caractérise par un style semi-réaliste allié à une mise en couleurs flatteuse, restituant avec soin ces fameuses années 60 tout en duplicité. La sobriété du trait, l’esthétique soignée contribuent pleinement à immerger le lecteur dans l’histoire. En cela, American Parano : Black House initie un diptyque prometteur, qui parvient à un équilibre satisfaisant entre toutes ses composantes. Kimberly est appelée à faire son trou dans la police, malgré l’hostilité de ses collègues, tout en affrontant un passé filial que l’on devine lourd et en démêlant le vrai du faux dans l’enquête qu’elle mène.
American Parano : Black House, Hervé Bourhis et Lucas Varela Dupuis, mars 2024, 64 pages
Les éditions Glénat publient La Voie Dragon, d’Ethan Young. L’album se caractérise par une fusion d’éléments traditionnels chinois et un propos universel sur l’héritage et l’initiation vers l’âge adulte.
Glénat prend quelques distances avec ses canons habituels et propose un album dont l’univers est profondément ancré dans le patrimoine culturel chinois. On y suit l’histoire de Sing, héritier du clan Wong, en quête du Vieux Pays, une contrée mythique jadis abandonnée par les siens, et désormais promesse de renouveau. Ce voyage, martial pour les siens, initiatique pour lui, est toutefois semé d’embûches et d’antagonisme. Pendant que les adversaires se dressent contre les siens, le jeune prince rencontre le vieux sage Ming, ambivalent, et Minuit, un chat géant au pouvoir extraordinaire.
L’épopée présente plusieurs degrés de lecture : la quête de soi et la découverte d’un monde conditionné par le passé font partie des nombreux éléments, certains féministes, intégrés dans cette histoire. Il est d’ailleurs intéressant de souligner la dimension écologique de La Voie Dragon, avec cette tribu cherchant une terre plus propice à son épanouissement, en écho à notre gestion des ressources naturelles.
Au-delà de l’aventure, qui tapisse l’ensemble du récit, La Voie Dragon initie un dialogue subtil avec l’héritage, l’altérité et la diplomatie, traités avec une sensibilité n’excluant ni réflexion ni divertissement. L’œuvre d’Ethan Young, en mettant en scène l’initiation et la découverte, nous confronte à des sujets de fond plus substantiels. Le prince Sing, que l’on cherchait initialement à protéger de toute menace, fait montre d’un courage insoupçonné et parvient à démystifier l’histoire des siens tout en instaurant la pacification entre des groupes rivaux.
Le style graphique d’Ethan Young se caractérise quant à lui par son dynamisme et ses cadrages aux inspirations cinématographiques. Les séquences d’action sont bien gérées et le voyage au cœur de cette Chine imaginaire, dans une ambiance de fin de règne, entre tradition et modernité, est plutôt convaincant, et très divertissant. La mémoire, enfin, apparaît probablement comme le trope le mieux exploité dans cet album, avec la confrontation du mythe et du récit factuel, permettant aux Wong, on l’imagine, de rebâtir sur des bases saines.
La Voie Dragon, Ethan Young Glénat, mars 2024, 200 pages
Le réalisateur le plus atypique du cinéma français adapte de nouveau un de ses propres livres et se replonge dans les méandres d’une histoire post-coloniale mal digérée, à laquelle lui-même a participé.
Un film historique personnel
À l’instar de La 317e section, Le Crabe-Tambour est d’abord un roman écrit par Pierre Schoendoerffer en 1976 et qui obtient le Grand prix du roman de l’Académie française. Celui-ci se base sur la vie d’un personnage réel, le lieutenant de vaisseau Pierre-Guillaume, ancien combattant d’Indochine et d’Algérie, ancien partisan OAS devenu par la suite conseiller maritime, mercenaire et grand voyageur. Dès l’année suivante, Schoendoerffer décide de l’adapter au cinéma et trouve assez vite un accord avec le cabinet du chef d’État-major de la Marine et du ministre des Armées. Le cinéaste écrit lui-même le scénario avec son beau-frère Jean-François Chauvel. Le tournage se déroule durant l’hiver 1976-1977, essentiellement en mer d’Iroise. Pour les besoins des scènes en bateau, fut d’abord utilisé le remorqueur de haute mer Centaure, puis l’escorteur d’escadre Jaureguiberry, jugé plus crédible. Le tournage est pénible, marqué par des tempêtes et la présence de glace. À son opérateur Dominique Merlin, embarqué à bord du chalutier Shamrock III, le cinéaste dira « ramène-moi la peine des hommes ».
La scène de rencontre à Mers el Kebir est quant à elle tournée sur la base d’hélicoptères de Saint Mandrier. Les autres scènes sont tournées à Terre Neuve et Saint-Pierre et Miquelon. Pierre Guillaume participe au tournage comme conseiller technique et joue une silhouette de procureur durant la scène du procès. Dans la musique du film, on peut entendre la chanson Paris jadis qui avait été chantée par Philippe Noiret et Jean-Pierre Marielle dans Les Enfants gâtés de Bertrand Tavernier. Schoendoerffer retrouve ses habituels collaborateurs : le photographe Raoul Coutard, le producteur Georges de Beauregard et l’acteur principal Jacques Perrin. Sorti en France le 9 novembre 1977, le film n’eut pas un franc succès public, enterrant toute possibilité de suite qu’envisageait Schoendoerffer étant donné que le film ne restituait que la moitié du roman. En revanche, il remporte en 1978 trois césars : meilleur acteur (Jean Rochefort), meilleur second rôle (Jacques Dufilho) et meilleure photographie. Il est depuis largement estimé et considéré comme un classique tout en demeurant relativement méconnu du grand public. Un destin assez paradoxal qui résume par ailleurs l’ensemble de la carrière de Schoendoerffer.
Le film d’un homme sur des hommes
Si Le Crabe-Tambour traite de la vie d’un personnage bien réel, Pierre Schoendoerffer intègre volontiers des éléments qui lui sont très personnels. « Ce n’est pas sa biographie, c’est la vie telle que je l’ai rêvé… » De fait, le titre du roman originel est une référence directe au surnom qu’il donnait lui-même à son jeune fils Ludovic, futur réalisateur lui aussi. Il est effectivement difficile de ne pas penser au parcours du cinéaste en voyant le film, en particulier les scènes se déroulant en Indochine.
Mais le film, à l’instar du roman, se réfère également aux autres œuvres de Schoendoerffer, en particulier à La 317e section. En effet, le héros, rebaptisé Wilsdorf, apprend la mort de son frère en Algérie, l’adjudant Wilsdorf , personnage principal du film interprété par Bruno Cremer. Une photo de l’acteur apparait d’ailleurs pour illustrer sa mort dans un journal. Il est indiqué que Wilsdorff est enterré à Niederbronn-les-Bains, près de Reichscoffen, commune où l’auteur a réellement vécu avec sa famille en 1939. L’histoire assure également un lien avec L’Adieu au roi, un autre de ses romans adapté au cinéma par John Milius. Ses personnages croisent sur leur route vers l’Indochine l’Irlandais fou devenu roi, du moins dans le roman, la scène étant absente du film. Schoendoerffer crée ainsi un véritable univers partagé réunissant tous ses personnages d’aventuriers idéalistes et solitaires dans le grand tourbillon de l’Histoire. Le film fait aussi la liaison entre les guerres d’Indochine et d’Algérie, par le biais de son personnage principal qui participe aux deux conflits, mais aussi en précédant le tournage de L’Honneur d’un capitaine, sorti cinq ans plus tard, entièrement consacré au conflit algérien : un autre portrait d’un soldat perdu solitaire et aventureux.
Le Crabe-Tambour se montre audacieux, n’hésitant pas à aborder frontalement des sujets sensibles alors très récents comme les guerres coloniales ou l’OAS. On a également une référence aux évènements de la Guerre du Vietnam menée par les Américains durant cette époque, évènements qui affectèrent aussi Schoendoerffer qui y avait des amis. Une fois de plus, on y retrouve les thèmes de prédilection du cinéaste, notamment le poids de l’Histoire et le récit de destins individuels se distinguant de la société et de ne se pliant pas aux normes. Mais aussi l’impact de la nature, en l’occurrence la mer que doivent affronter les hommes d’équipage du Jaureguiberry. Comme dans le roman, les éléments naturels sont des acteurs à part entière du récit que doivent affronter les hommes comme autant d’épreuves. La symbolique du rapport au temps historique en apparait d’autant plus forte.
Le long-métrage intègre les principales récurrences de Schoendoerffer : un rythme lent et contemplatif, une réalisation sobre et élégante, une place primordiale accordée aux dialogues. Y sont également présentes ses thématiques phares telles que la fraternité d’arme, l’importance de l’honneur et de la parole donnée, la question de l’obéissance militaire et de la rébellion. Comme toujours dans la filmographie du cinéaste, la reconstitution historique est minutieuse et colle au plus près de la réalité. Schoendoerffer va jusqu’à filmer en détail, parallèlement à l’histoire principale, les manœuvres d’un navire d’assistance des pêches. Le fiction prend ainsi des allures de documentaire, laissant s’exprimer des témoins des faits plutôt que des acteurs, sentiment il est vrai renforcé par la crédibilité des prestations de Jacques Perrin, Jean Rochefort et Claude Rich. Acteur fétiche de Schoendoerffer, Perrin y retrouve un rôle d’ancien combattant fidèle à son histoire et perdu dans le monde moderne, un rôle d’autant plus convaincant quand on sait que l’acteur fut également officier de réserve dans la marine nationale. Signalons une certaine audace du casting qui donne un rôle sobre et sérieux à Jacques Dufilho, jusque-là d’avantage connu pour ses prestations dans des comédies franchouillardes peu relevées. Surtout, on y relève la minutie apportée aux scènes maritimes, que ce soit au niveau de l’ambiance, des dialogues ou des interventions des personnages.
Il faut également relever l’absence de vraies « scènes de combat » et la dilution de la notion de guerre à travers un récit qui embrasse une époque plus large. Le film s’attarde davantage sur le portrait des hommes et leurs relations, fondées sur des rapports francs d’amitié, voire de fraternité, comme toujours chez Schoendoerffer. Ces rapports sont notamment illustrés par l’amitié d’arme entre le commandant du Jaureguiberry, interprété par Jean Rochefort, et le Crabe-Tambour. Née dans le cadre de leur service commun en Indochine, elle se prolonge après celle-ci durant le conflit algérois mais se trouve remise en question et ébranlée par les choix divergents des deux hommes face au putsch d’Alger de 1961 et à la politique de De Gaulle en Algérie. Sont ainsi abordées les thématiques de la trahison et de la rédemption, également chers à Schoendoerffer. En effet, le trajet du commandant à bord de son vaisseau vers la mer du Nord, à la recherche du Crabe-Tambour, s’apparente à la recherche de son honneur perdu des années plus tôt et à un rachat de ses fautes. Un objectif d’autant plus important pour lui que le personnage, gravement malade, n’en a plus pour longtemps et va ainsi accomplir son dernier voyage.
Globalement, le film insiste sur les relations entre les personnages, des relations faites d’estime, de compréhension et d’entraide entre hommes ayant connu les affres de la guerre, et se retrouvant dans une société en paix dans laquelle ils se sentent désorientés, voire exclus et qu’ils finissent par fuir, notamment par le voyage. Un aspect des personnages dans lequel pourrait se reconnaitre Schoendoerffer lui-même.
Un film autobiographique ?
Dans chacun de ses films, le cinéaste se reflète dans ses personnages et les situations qu’ils vivent. Le parallèle est assez évident avec son parcours personnel d’ancien combattant et caméraman militaire en Indochine, ancien marin, ancien reporter de guerre et grand voyageur. D’autres détails sont plus discrets comme le lieu d’enterrement du lieutenant Wilsdorff, ou encore le personnage du mécanicien de bord interprété par Jacques Dufhilo qui reflète les préoccupations religieuses de Schoendoerffer. De fait, le réalisateur s’identifie largement à ces anciens combattants, ces survivants déchus confronté à la nouvelle épreuve de la réinsertion. « J’étais un survivant, j’avais peur de rentrer en France, de retrouver ce mur de béton qui entoure le cinéma. » Cette impression de se trouver dans une société qu’il ne comprend pas et qui ne le comprend pas se retrouve dans tous ses films qui suivent La 317e section, sans apitoiement ou sentiment forcé, avec sobriété et élégance. De même, l’attrait pour le voyage, principalement sur mer, est le témoignage d’une expérience personnelle du cinéaste, découvertes de jeunesse de Hawai à New-York au cours desquelles il rencontre Joseph Kessel et Akira Kurosawa. Par ailleurs, c’est également par cette vie passée dans la guerre et le voyage qu’il construit sa méthode de tournage et son style : « La caméra est un soldat anonyme, elle est là où sont les soldats, au milieu d’eux. » C’est un constat que l’on peut d’ailleurs faire pour tous ses films suivants.
Le Crabe-Tambour se distingue également par son rapport au temps, très caractéristique. Le recours au flash-back est très fréquent, renvoyant évidemment aux notions de passé historique ainsi qu’aux souvenirs d’ancien combattant du personnage (donc, implicitement, de Schoendoerffer). Il faut bien sûr souligner la grande différence d’ambiance entre ces scènes, celles de flash-back étant ensoleillées et assez joyeuses, celles du présent sont grises ou pluvieuses, souvent bien plus tristes. Une fois encore, l’identification de l’auteur au personnage est totale. Du reste, on retrouve dans certaines scènes de flash-back des décalques de prise de vue de l’opérateur Schoendoerffer en 1952-54. On reconnaît également la propension du réalisateur à cadrer ses acteurs en gros plans et plans poitrines. Ainsi, tout en restituant un témoignage poignant, il n’oublie pas de développer un vrai style de cinéaste, simple et sobre. Finalement, il fait des films qui, non seulement relatent sa propre histoire, mais en plus lui ressemblent.
Bande-annonce : Le Crabe-Tambour
Fiche Technique : Le Crabe-Tambour
Réalisation : Pierre Schoendoerffer
Scénario : Jean-François Chauvel et Pierre Schoendoerffer, d’après le roman du même nom de ce dernier
Avec Jean Rochefort, Claude Rich, Aurore Clément, Jacques Dufilho, Jacques Perrin, Bernard Lajarrige, Jean Champion, François Dyrek, Odile Versois…
Production : Georges de Beauregard
Musique : Philippe Sarde
Photographie : Raoul Coutard
Cadreur : Georges Liron
Son : Raymond Adam
Montage : Nguyen Long
Assistants réalisateur : Léonard Guillain, Michel Picard (réalisateur), Marc Angelo (2e), Philippe Charigot (2e)
Conseiller technique : Pierre Dubrulle
Genre : aventures
Date de sortie : 9 novembre 1977
Le mot d’ordre de nouvel opus du Monsterverse initié par la Warner semble être l’excès. Après nous avoir offert des films mettant en scène Godzilla (deux fois) et King Kong (une fois) en solo, puis les avoir réunis lors du dernier opus Godzilla vs Kong il y a trois ans, les producteurs de la Warner continuent dans le spectacle décérébré et gorgé de CGI en proposant une alliance entre les deux monstres contre une menace toujours plus grande. On avait envie d’y croire mais le résultat est encore moins bon ici. Si quelques séquences de combats entre ces illustres kaijus nous gratifient de moments de plaisir régressif plutôt bien exécutés, ils sont noyés dans une bouillie numérique parfois imbuvable et des scènes avec des humains qui s’avèrent inutiles dans le meilleur des cas et agaçantes voire ridicules la plupart du temps. Surtout quand elles tentent d’apporter des fondations à une mythologie sans queue ni tête. À voir le cerveau débranché. Et encore…
Synopsis :Le tout-puissant Kong et le redoutable Godzilla unissent leurs forces contre une terrible menace qui risque de les anéantir et met en danger la survie même de l’espèce humaine. On remonte à l’origine des deux titans et aux mystères de Skull Island, tout en révélant le combat mythique qui a contribué à façonner ces deux créatures hors du commun et lié leur sort à celui de l’homme…
Si le Dark Universe d’Universal et ses créatures mythiques telles que la Momie ou Frankenstein a fait feu de tout bois et a vite été rangé aux oubliettes, le Monsterverse de la Warner semble encore avoir de beaux jours devant lui malgré des retours critiques peu engageants. Mais quand les recettes sont là… En effet, Godzilla vs Kong a tout de même rapporté près de 500 M$ pour un budget de 120 M$ alors qu’il était sorti en pleine période Covid et n’avait même pas eu les honneurs d’une sortie en salles en France. Dans ces circonstances, on comprend pourquoi les producteurs s’obstinent à continuer de mettre en scène Godzilla, King Kong et d’autres célèbres monstres reliés par une organisation appelée Monarch et qui a d’ailleurs eu droit à une série sur Apple TV récemment.
Il faut dire que tout n’est pas à jeter dans cet univers, même si beaucoup crieront que le succès critique et public du japonais Godzilla Minus One, récemment, aurait dû mettre un terme aux délires du genre imaginés par les Américains. (Et même si on a le droit de ne pas avoir apprécié non plus Minus One, question de sensibilité probablement). En effet, le premier Godzilla de cet univers réalisé par Gareth Edwards était plutôt bon et augurait du meilleur. Puis vint Kong : Skull Island qui s’avérait divertissant et se regardait comme une bonne vieille série B nantie d’un énorme budget. Pour le reste, l’opus suivant mettant en scène Godzilla était une catastrophe dans tous les sens du terme et le Godzilla vs Kong n’était pas des plus recommandables non plus. Alors quand le dernier né de la franchise coche les mêmes cases que le précédent mais en accentuant encore ses défauts et problèmes…
Il est clair – et c’était presque prévisible – que le seul intérêt de ce Godzilla x Kong : Le Nouvel Empire réside dans les scènes de combats titanesques entre les kaiju. Mais n’est pas Guillermo del Toro (le sympathique et généreux Pacific Rim) ou Peter Jackson (le King Kong de 2005) qui veut, et Adam Wingard n’est qu’un tâcheron qui semble bien plus s’amuser que nous avec ces créatures mythiques. Alors à ce niveau est-ce au moins réussi et digne d’intérêt ? On ne peut nier qu’il y a quelques bons morceaux de bravoure et scènes d’affrontement qui s’apprécient comme des plaisirs régressifs. Et on les doit surtout à Kong, toujours aussi impérial et bien incarné par la magie des effets spéciaux. Quelques combats entre bestioles dans une Terre creuse sont sympathiques, mais à une époque où l’escalade dans les scènes de destruction massive et de combats est de mise, difficile d’impressionner vraiment le spectateur. Il n’empêche, la séquence où Kong tente de ramener Godzilla à sa cause au pied des pyramides d’Égypte est peut-être le moment le plus jubilatoire.
Hormis ces quelques instants de délire en images de synthèse qui en appellent à nos âmes d’adolescents, le reste est vraiment d’un goût douteux et symptomatique du grand n’importe quoi qui gangrène Hollywood depuis quelques années. Le point d’orgue du long-métrage, qui est logiquement le combat final, souffre des mêmes scories que les finals du DCEU de la même Warner : une overdose d’effets spéciaux qui vire à la bouillie numérique. On est gavé et on sent qu’on a voulu trop en mettre. Trop de créatures, trop de CGI parfois douteux et trop de plans emballés dans un montage à la serpe qui donnerait presque mal au crâne. On a dû penser que le spectateur en voulait pour son argent, donc toujours plus, mais on oublie au passage tout ce qui fait la sève du septième art et du grand écran : on a moins l’impression d’être face à un film de cinéma que devant un jeu vidéo sur lequel on n’a aucune prise.
L’autre moitié du film, en l’occurrence les séquences mettant en scène des personnages humains, n’est ni faite ni à faire. On sent que Wingard n’en a cure et expédie ça de manière mécanique et sans âme. Les personnages sont vides et caricaturaux, juste présents pour servir la soupe aux créatures. Et pour ce qui est de la mythologie qu’on essaie toujours d’instaurer en dépit de la logique, ça devient n’importe quoi. Par exemple, on envoie une équipe destinée à sauver le monde composée de seulement cinq personnes : un seul militaire, une enfant, un geek, un vétérinaire et une scientifique (cherchez l’erreur et trouvez le bon sens !). Les « scénaristes » osent même introduire une civilisation souterraine et cachée qui ferait passer celle d’Amazonie de Madame Web pour crédible. Les réactions et actions des protagonistes n’ont ni queue ni tête et tout devient du grand n’importe quoi au fil des minutes s’égrenant.
Godzilla x Kong : Le Nouvel Empire dure moins de deux heures et heureusement. On ne peut nier que cela a le mérite d’être rythmé et généreux en séquences spectaculaires mais ça n’empêche pas ce blockbuster bruyant et fatigant de prouver une fois de plus la dégénérescence en cours à Hollywood. Le pire : le film devrait fonctionner en salle et on va nous pondre une nouvelle suite. Bref, pour les amateurs de Godzilla, mieux vaut rester sur les versions japonaises et sur celle d’Edwards. Quant aux films de Kong, privilégier les anciennes versions telles celles de Jackson, un vrai cinéaste amoureux du genre, de 1976 et 1933. Pour l’heure, nous ne pouvons que déplorer une réunion de monstres bien triste et abrutissante.
Bande-annonce – Godzilla x Kong : Le Nouvel Empire
Fiche technique – Godzilla x Kong : Le Nouvel Empire
Réalisateur: Adam Wingard.
Scénaristes : Terry Rossio et Simon Barrett.
Production : Warner Bros.
Distribution France : Warner Bros. France.
Interprétation : Rebecca Hall, Brian Tyler Henry, Dan Stevens, …
Durée : 1h55.
Genres : Action – Science-fiction.
3 avril 2024 en salles.
Nationalité : USA.
Los Delincuentes : sous prétexte d’un cambriolage bancaire, Rodrigo Moreno nous emmène sur de nombreux et lumineux chemins de traverse, à l’instar de ses compagnons du nouveau cinéma argentin. Préparez-vous à une évasion romanesque !
Synopsis de Los Delincuentes : Román et Morán, deux modestes employés de banque de Buenos Aires, sont piégés par la routine. Morán met en oeuvre un projet fou : voler au coffre une somme équivalente à leurs vies de salaires. Désormais délinquants, leurs destins sont liés. Au gré de leur cavale et des rencontres, chacun à sa manière emprunte une voie nouvelle vers la liberté.
Libertad
Le cinéma moderne argentin est probablement celui qui est le plus enthousiasmant du monde, sans jamais faillir. Déjà dès le début de ce siècle par exemple, les films de Lucrecia Martel nous ont emmené dans un ailleurs étrange et romanesque. La décennie d’après nous offre un cinéma plus ancré dans le réel social et sociétal, avec en tête de pont les films de Pablo Trapero (El Clan, Elefanto Blanco, etc.) qui ont connu un succès considérable dans et en dehors de son pays. Lisandro Alonso (Jauja, Los Muertes…) continue une œuvre radicale et inclassable. Puis, tout dernièrement, nous sont arrivés des films d’un collectif déjà installé (El Pampero Cine), La Florou encore Trenque Lauquen, des films d’une liberté absolue, n’ayant pas de limite dans l’exploration de ce qui est possible dans le cinéma, des films essentiels quand on aime se laisser dérouter.
Rodrigo Moreno ne fait pas partie de El Pampero Cine, mais son film, Los Delincuentes, découle de la même envie d’un cinéma différent, libre et indépendant. L’argument apparent du film est un cambriolage, opéré dans une banque publique par deux de ses propres employés, Morán le perpétrateur (Daniel Elías) et Román (Esteban Bigliardi) le complice malgré lui, même s’il ne s’est pas fait trop prier. Mais ce film singulier n’est pas vraiment un film policier. Très vite, il part dans une direction et une ambiance beaucoup plus romanesques. Les protagonistes ont des prénoms anagrammés, et sont pour ainsi dire les deux visages d’une même personne désabusée, écrasée par une routine quotidienne, un métro-boulot-dodo gris terne, ou même faire l’amour relève d’une habitude plutôt mécanique, voire d’une obligation sans joie. Le cinéaste utilisera d’ailleurs à plusieurs reprises ce concept de double, à commencer par une scène surréaliste au début du métrage où deux clients différents de la banque possèdent exactement la même signature sur leur chèque respectif. Ce fil ludique se déroule tout au long du métrage, ludique mais peut-être également porteur de sens quant à la place de l’individu dans notre société, une place interchangeable, une destinée si peu personnelle.
Ce cambriolage est le prix d’une liberté que Moràn recherche, ainsi que Román, par la force des choses : vivre simplement, sans avoir à s’aliéner par le travail, les obligations, les horaires et les routines. C’est le prix d’une vie dictée par le seul désir, la seule envie. Une vie à l’instar du trio Ramón (Javier Zoro) et les deux sœurs Norma (Margarita Molfino) et Morna (Cecilia Rainero), rencontré par l’un puis par l’autre à Alpa Corral, un magnifique site naturel de Córdoba : un « vidéaste qui fait du cinéma », et ses deux amies, des sœurs tantôt actrices, tantôt preneuses de son, puisque le nouveau cinéma argentin est ainsi fait. Ils filment une nature spectaculaire sous un magnifique soleil rasant, batifolent dans la rivière et nourrissent leurs poules de plein air. Une vie insouciante, joyeuse, libre de toute entrave, dont pourtant il faut bien dire que Román et Normán ne pourraient profiter sans le cambriolage, sans un passage obligé en prison pour l’un, une vie sous suspicion permanente pour l’autre.
Los Delincuentes est un beau film qui prend son temps dans des digressions lumineuses, romanesques, romantiques, avec par exemple des lectures, en prison, d’un magnifique poème de Ricardo Zelarayán, la Gran Salina, dans un mouvement d’art total. Rien n’est gratuit, tout fait sens dans un film que la longueur peut en rebuter plus d’un. Mais pour qui se laisse aller dans cette histoire pleine de ramifications jamais hasardeuses, comme déjà expérimentées avec le récent Tranque Lauquen, ce temps n’existe plus, il ne reste que les moments magiques et sensoriels qui sillonnent le film.
Los Delincuentes – Bande annonce
Los Delincuentes – Fiche technique
Titre original : Los Delincuentes
Réalisateur : Rodrigo Moreno
Scenario : Rodrigo Moreno
Interprétation : Daniel Elías (Morán), Esteban Bigliardi (Román), Margarita Molfino (Norma), Germán De Silva (Del Toro / Garrincha), Laura Parades (Laurea Ortega), Mariana Chaud (Marianela), Gabriela Saidon (Flor), Cecilia Rainero (Morna), Javier Zoro (Ramón), Lalo Rotavería (Isnardi), Iair Said (Barrientos), Fabian Casas (Maestro), Adriana Aizemberg (Clientae de la banque)
Photographie : Inés Duacastella, Alejo Maglio
Montage : Karen Akerman, Manuel Ferrari, Nicolás Goldbart, Rodrigo Moreno
Producteurs : Ezequiel Borovinsky , Coproducteurs : Julia Alves, Bruno Bettati, Natacha Cervi, Gilles Chanial, Daniel Lambrisca, Augusto Matte, Marcos Mion, Rodrigo Moreno, Hernán Musaluppi, Michael Wahrmann
Maisons de production : Wanka Cine, Coproduction :Les Films Fauves, Sancho & Punta, Jirafa films, Rizoma Films
Distribution (France) : JHR Films
Durée : 189 min.
Genre : comédie, Policier, Drame
Date de sortie : 27 Mars 2024
Argentine·Luxembourg·Brésil•Chili– 2024
Les auteurs organisent une rencontre convaincante entre des éléments scientifiques rigoureux et une trame narrative fictive empreinte de mystère et d’aventure. L’introduction, marquée par la découverte d’un vaisseau extraterrestre ancien mais avant-gardiste, plante immédiatement le décor d’une saga interstellaire qui, sous couvert de quête spatiale à la recherche d’un équipage disparu, servira surtout à démystifier les planètes visitées. 
Le second tome, consacré à Jupiter, élargit le spectre de l’aventure en plongeant l’équipage et les lecteurs dans les mystères de la plus grande planète du système solaire. La densité scientifique de l’ouvrage se manifeste notamment à travers l’exploration de la composition atmosphérique de Jupiter et des conditions extrêmes prévalant à sa surface. La tension narrative atteint son apogée lors des péripéties vécues par l’équipage, notamment lors de leur exploration de Ganymède. L’intrigue se teinte d’une réflexion sur l’isolement, le deuil et la quête de sens, incarnée par les dialogues entre Yang-Liping et l’extraterrestre Clarke, occupant originel du vaisseau spatial et désireux de savoir si les siens sont encore en vie.
