LeMagduCiné

On a vu la bande-annonce, les premières photos, on a cru à une blague. Robbie Williams, représenté par un singe dans son biopic ? Mais pourquoi ? Cette simple idée, suffisamment neuve et intrigante, est parvenue à créer un véritable intérêt pour le film. Dans une ère où les biopics se ressemblent tous plus ou moins, un peu de neuf ne se refuse pas. Porté par Michael Gracey, connu pour The Greatest Showman, Better Man réussit à convaincre, malgré quelques défauts.

Song of the Planet of the ape

Rentrons directement dans le sujet qui intéresse tant : pourquoi un singe ? Le film l’explique d’entrée de jeu. Si ce n’est pas un être humain que vous verrez durant la projection, c’est pour une raison simple. Robbie Williams ne se voit pas comme un être particulièrement évolué, mais plutôt comme un animal. De cette vision nait une idée géniale. Mieux encore. Qui de mieux pour incarner le chanteur que le chanteur lui-même ? Oui, à l’instar du tristement célèbre Le 15h17 pour Paris, c’est bel et bien Robbie qui prête sa voix et son talent à son personnage (Avec Jonno Davies à la motion-capture). De là et dès les premiers instants, quelque chose frappe : Better Man est un projet fait avec le cœur, généreux et énergique. Il faut dire que la personnalité de Williams, additionnée à la patte artistique de Gracey, c’est la promesse d’un beau mélange !

Puis, bon… on commence à les connaitre, maintenant, les biopics musicaux. On les connait par cœur, même. Depuis l’infâme Bohemian Rhapsody, on en mange. Si quelques-uns sortent réellement du lot, comme les merveilleux Rocketman ou Elvis, la plupart vont de sympathiques à passables. D’autres sont carrément mauvais. Coucou One Love. Better Man n’est d’ailleurs pas le seul représentant du genre qui chantera dans nos salles en Janvier. Bob Dylan sera également à l’honneur à la fin du mois avec Un Parfait Inconnu. J’ai pu le voir et… on en parlera plus tard. Avec ce film là, par cette simple idée de représenter le chanteur par un animal, on échappe déjà à cette forme de traditionalisme qui rend tous les biopics similaires ou presque. Mieux encore, on oublie assez vite que quelque chose cloche et, après quelques minutes de film seulement, c’est Robbie Williams que l’on voit à l’écran. Aidé par un visuel en CGI assez réussi, bien que loin des prouesses techniques atteintes avec les dernier opus Planet of the Apes, le singe prend vie très naturellement et nous entraine sans difficulté dans son histoire.

This is me !

Bon, c’est un singe qui occupe l’écran, très bien. Et après ? Better Man échappe-t-il au cycle connu dans ce genre d’oeuvre ? Le cycle en question : présenter un  individu devenu star mondiale, le voir dépassé par son succès et montrer de quel manière il est parvenu à s’en sortir. La réponse est non. Après, posons-nous la question : peut-on en vouloir au film si Williams a connu ce qu’a traversé une très grande partie des célébrités dépassées par leur succès ? Car, en l’état, si l’intrigue suit bel et bien un schéma narratif bien connu, difficile de réellement le lui reprocher, quand c’est le principal intéressé qui a tout supervisé.  Durant 2h15, nous suivrons le chanteur dans toutes les étapes de sa vie, de l’enfance au succès, en passant par la drogue, sans oublier les drames. Parfois très drôle, souvent juste et touchant, le film procure de belles émotions tout du long. La performance de Williams, qui réinterprète lui-même la quasi intégralité des chansons du film, y est pour beaucoup.

Tout n’est malheureusement pas parfait. Le projet n’échappe pas à quelques longueurs et problèmes de rythme. Si la mise en scène fonctionne très bien dans sa globalité, on est parfois perdu dans le temps et l’espace. Robbie étant souvent pris d’hallucination, il est parfois difficile de distinguer le réel, même pour nous spectateurs. Dans l’idée, c’est là tout l’intérêt du concept, dans les faits, on est plus perdus qu’autre chose. Heureusement, cela ne concerne qu’une ou deux séquences, qui surviennent malheureusement à des points clés de l’intrigue. On regrette aussi que certains évènements que l’on aurait adoré découvrir sont survolés ou carrément oubliés, malgré la durée du film. Le rythme ne parvient pas à trouver un réel équilibre dans sa narration et c’est franchement dommage, car l’implication émotionnelle fonctionne réellement.

The Greatest showman(key)

Mais qui dit film particulier dit réalisateur particulier. Dès les premières minutes, on reconnait instantanément le style de Michael Gracey. En deux films, le cinéaste est parvenue à imposer une patte artistique propre. Ceux qui ont vu The Greatest Showman ne seront pas dépaysés, tant les deux oeuvres se ressemblent. La photographie n’est jamais naturelle, les arrière plans font faux et les décors sont visibles à des kilomètres. Pourtant, Better Man reste beau, enfin, pour ceux qui adhèrent à ce style visuel. Certains plans sont réellement somptueux et chaque cadrage a été étalonné avec soin, pour correspondre à la volonté créative du réalisateur. A l’instar de Robbie Williams qui se voit constamment dans un autre monde, Gracey emporte les spectateurs dans un univers irréel. Fort pratique pour justifier que tout le monde se mette à danser et chanter sans justification. On citera pour exemple la magnifique reprise de Rock DJ, véritable déluge d’énergie et de good vibes filmé en plan séquence, offrant un superbe moment hors du temps. Où, on se souviendra d’un super moment d’amour avec She’s the one.

Car, oui, ca chante dans Better Man. Ca chante très bien, d’ailleurs. Chaque chanson, directement piochée dans la discographie du chanteur, trouve une vraie place dans la narration. Même les plus réfractaires aux comédies musicales pourraient s’y retrouver, tant elles s’imbriquent bien dans l’intrigue. La caméra fait souvent mouche, placée justement et aidée par un montage efficace, prenant son temps avant de faire des coupes. Certaines scènes de concerts n’hésitent pas à jouer avec le gigantisme, à travers de magnifiques plans larges bluffants d’esthetisme. Enfin, impossible de ne pas terminer par une scène d’action, résultat d’hallucinations matérialisées par les psychoses du chanteur. Je spoilerai peu, mais quand on fait de meilleures scènes d’action que certains films récents spécialisés dans le domaine… certains studios devraient se remettre en question.

Bande-annonce : Better Man

Fiche technique : Better Man

Réalisation : Michael Gracey
Scénario : Simon Gleeson, Oliver Cole, Michael Gracey
Montage : Jeff Groth, Spencer Susser, Martin Connor, Lee Smith, Patrick Correll
Image : Erik A. Wilson
Musique Originale : Batu Sener
Direction artistique : Michael Bell, Jennifer A. Davis, Tony Drew et Mark. C. Stephen
Décors : Joel Chang
Producteurs : Paul Currie, Michael Gracey, Coco Xiaolu Ma, Craig McMahon, Jules Daly
Sociétés de production : Sina Studios, Facing East Entertainment, Rocket Science, Lost Bandits, Footloose Productions
Société de distribution : Paramount Pictures
Pays de production : Australie, Chine, États-Unis, France, Royaume-Uni
Durée : 2h15
Genre : Biopic Musical
Date de sortie : 22 Janvier 2025

Peut-on faire de l’absence d’originalité une véritable posture artistique ? Cette interrogation s’impose avec une acuité troublante devant Shimoni, premier long-métrage d’Angela Wanjiku Wamai, réalisatrice kenyane qui semble ici vouloir déployer un minimalisme narratif au service d’une introspection psychologique.

Dès son ouverture, le film pose un postulat simple mais éloquent : Geoffrey (Justin Mirichii), ancien professeur d’anglais, sort de prison après sept années passées derrière les barreaux pour meurtre. Pourtant, l’identité de la victime reste nimbée de mystère pendant une bonne heure, laissant planer une tension diffuse. Cette absence de singularité narrative, bien qu’elle puisse sembler relever d’une approche délibérée, finit par être éclipsée par un traitement trop prévisible, qui dilue l’impact de ses intentions initiales et dessine un manque d’originalité. Geoffrey trouve refuge dans une ferme liée à une église et placée sous la tutelle d’un pasteur bienveillant mais rigide (Sam Psenjen). Rebaptisé « Geoff » par ce dernier, il est assigné à des tâches agricoles —la traite des vaches notamment— pour lesquelles il manifeste peu d’aptitudes. La symbolique est limpide : déchu de son statut social, Geoffrey se heurte à un chemin de rédemption pavé d’humilité forcée et de travail manuel, comme si son emprisonnement ne suffisait pas à solder sa dette. La mise en scène, d’une épure assumée, magnifie la répétition des gestes, traduisant une routine à la fois aliénante et cathartique. Pourtant, derrière cet ordinaire laborieux affleure une tension existentielle, révélant les profondes fêlures d’un homme hanté par ses propres démons.

Au cœur de ce combat, la question du pardon se pose avec une intensité presque mystique. Invétérément mutique, Geoffrey est sommé de se tourner vers Dieu pour obtenir une absolution que lui-même peine à s’accorder. Cette « prison mentale » où il semble enfermé constitue l’enjeu central du récit : comment pardonner après l’irréparable ? Le film excelle ici à dépeindre un malaise latent, amplifié par des silences lourds et des regards fuyants.

L’intrigue oscille entre des scènes de labeur à la ferme et les efforts timides de Geoffrey pour renouer avec la sociabilité au sein de la communauté de Shimoni, son village natal qu’il avait quitté pour Nairobi plusieurs années auparavant. La réintégration est éprouvante : Geoffrey n’y reconnaît quasiment plus personne. Presque, car une figure du passé habite encore ce lieu. Il s’agit de Weru (Daniel Njoroge), un homme que Geoffrey évite obstinément. Sa simple présence réveille en lui une colère sourde et un désir d’esquive qui parasitent son quotidien. Peu à peu, le film laisse entrevoir que Weru pourrait être lié, d’une manière ou d’une autre, au meurtre ayant conduit Geoffrey en prison.

Au bout d’une heure, le film commence alors à révéler ses secrets. Geoffrey retrouve son frère, et cette rencontre douloureuse lève le voile sur une vérité longtemps tue : Weru, figure maléfique de leur enfance, les a abusés sexuellement lorsqu’ils étaient encore des garçons. Dans le même temps, plusieurs dialogues avec le père Jacob dévoilent une autre révélation accablante : la victime du meurtre de Geoffrey n’était autre que sa propre épouse, alors enceinte de leur enfant. Cette double révélation reconfigure complètement la psyché du personnage aux yeux du spectateur. Geoffrey n’est plus seulement un homme marqué par sept années d’incarcération, mais également par un traumatisme profond et enfoui, qui vient complexifier notre regard sur ses actes.

Ainsi, le film nous place face à un dilemme moral : comment concilier l’horreur de l’uxoricide avec la reconnaissance d’un passé brisé par un viol ? Comme le disait Bourdieu, « Nous naissons déterminés et nous avons une petite chance de devenir libres. » Cette réflexion trouve une résonance poignante ici. Peut-on ignorer l’impact d’un viol subi à l’âge de sept ans sur les rapports sociaux et intimes futurs d’un individu ? Shimoni n’offre pas de réponse facile. Il ne cherche ni à absoudre ni à condamner entièrement Geoffrey. Weru, bien qu’indirectement responsable, n’est pas la cause unique de ses actes. Le film explore avec une rare acuité la complexité du déterminisme humain, interrogeant autant ses personnages que son public.

Les villageois, ignorant tout du passé tragique de Geoffrey avec Weru, connaissent néanmoins la raison de son incarcération. Cette révélation suffit à le marginaliser au sein de cette petite communauté, qui le relègue au rang de paria. En revanche, le père Jacob, ayant pris conscience des traumatismes enfouis de Geoffrey, incarne une figure de compassion et de compréhension. Ce personnage agit comme une personnification du spectateur : doté de toutes les clés, il choisit de ne pas condamner davantage Geoffrey, mais de l’accompagner sur le chemin d’une possible rédemption. Nous nous retrouvons ainsi, tout comme lui, tiraillés entre la reconnaissance d’un acte irréparable et l’empathie pour un homme brisé.

Pourquoi alors parler d’originalité ? La première heure du film s’enracine dans des codes si classiques qu’ils semblent refléter un réalisme cinématographique devenu indiscernable de la réalité elle-même, à force de se confondre avec elle. Ce réalisme, devenu presque un automatisme narratif, crée une sensation d’évidence qui, loin de surprendre, en devient un cadre rassurant. Pourtant, lorsque les trente dernières minutes se déroulent, cette approche narrative dévoile sa véritable intention : inscrire l’histoire dans une universalité tragique et silencieuse, celle des drames humains trop souvent tus ou banalisés.

Dans cette apparente simplicité, Shimoni ne prétend jamais orienter ou manipuler le spectateur avec des artifices scénaristiques ou des retournements spectaculaires. Il s’impose par une sincérité brute, en se contentant de révéler des vérités crues, souvent reléguées au silence. Là où l’on croyait suivre un récit linéaire, celui d’une rédemption comme tant d’autres, le film déploie une douleur universelle qui transcende les codes habituels du cinéma. En jouant sur une esthétique du « déjà-vu » et en ancrant son récit dans une quotidienneté dépourvue d’éclats, Shimoni ne propose aucune réponse, aucun jugement. Il se borne à mettre en lumière l’ambiguïté fondamentale des drames humains, invitant le spectateur à s’interroger sur sa propre perception de ces tragédies. Ce refus de l’originalité apparente devient alors une arme narrative subtile et d’une efficacité redoutable, révélant combien les blessures les plus ordinaires en apparence peuvent se révéler d’une profondeur universelle et bouleversante.

Bande-annonce : Shimoni

Fiche technique : Shimoni

Réalisation : Angela Wanjiku Wamai
Scénario : Angela Wanjiku Wamai
Montage : Angela Wanjiku Wamai
Image : Andrew Mungai
Musique Originale : Kato Change
Direction artistique : Irungu Kiongo
Son : Kamicha Kamau
Société de distribution : Sudu Connexion
Pays de production : Kenya
Langue originale : Kikuyu, Anglais, Swahili
Genre : Fiction
Date de sortie : 22 Janvier 2025

Les films de monstres continuent d’envahir les salles à coups de crocs. Ce fut récemment le cas avec The Substance ou le dernier remake de Nosferatu, quand ils ne sont pas relégués à la VOD comme La Bête enfouie. Wolf Man s’inscrit donc dans cette continuité. Cette nouvelle adaptation, stimulée par des idées visuelles et sensorielles intéressantes, ne parvient pourtant pas à concilier ses envies de frissons et de tragédie familiale.

Synopsis : Et si quelqu’un que vous aimiez devenait autre chose ?

Maillon indispensable aux succès de James Wan avec Saw, Dead Silence et Insidious, puisqu’il en a été le scénariste, Leigh Whannell s’est rapidement affirmé comme un technicien accompli derrière la caméra. En apprenant beaucoup de Wan, il se familiarise avec la réalisation sur le troisième chapitre d’Insidious, avant de confirmer son savoir-faire avec Upgrade, un vigilante movie plus audacieux et spectaculaire que ne peut être un épisode trop lissé de John Wick. Il y utilise le langage de la science-fiction pour mieux caractériser son personnage principal, mutilé et profondément traumatisé. Il n’est donc pas étonnant qu’on le courtise ensuite afin de restaurer l’honneur des monstres popularisés par Universal, sous la tutelle de Blumhouse.

Le réalisateur australien propose alors son reboot d’Invisible Man, porté par Elisabeth Moss, où il réinterprétait les capacités de l’homme invisible pour en faire une étude psychologique à travers l’emprise masculine et toxique dans un couple. Le résultat a convaincu et a confirmé une volonté de prendre de la distance avec des modèles franchisés, comme lorsque Universal Pictures souhaita relancer le cycle des monstres avec Dracula Untold en 2014, puis La Momie trois ans plus tard, dans l’objectif d’aboutir à une itération de La Ligue des gentlemen extraordinaires, ou simplement des Avengers. Aujourd’hui, le défi reste dans la même veine : réintroduire un monstre bien connu des mythologies et autres folklores, en laissant une tragédie familiale et intime guider le spectateur à travers un bain de sang inévitable.

Animal Kingdom

La bête du Gévaudan, Le Chien des Baskerville, Hurlements, Cujo ou autres sagas populaires (Harry Potter, Twilight, Underworld)… Il existe suffisamment de variantes de canidés qui ont désormais leur place dans les récits de fiction, plus ou moins dans une tonalité fantastique. Celle du loup-garou est la plus populaire, car il est bien connu qu’aux soirs de pleine lune, la malédiction des lycanthropes s’active, décuplant et libérant ainsi toute la bestialité des hôtes. C’est en tout cas ce qui préoccupe Whannell dans la représentation de sa créature, ou plutôt du père de famille qui se métamorphose et qui perd peu à peu toute son humanité. Comment protéger sa famille du danger de l’extérieur comme de l’intérieur dans ces conditions ? Personne n’avait prévu que des vacances dans la maison d’enfance de Blake (Christoplher Abbott) tournerait aussi mal. Une créature rode autour de leur refuge, tandis qu’une nouvelle menace se profite de l’intérieur. Le père voit rapidement son apparence et ses aptitudes changer…

Le moment le plus attendu reste la transformation physique de l’hôte, prouesse maintes fois imitée mais qui égale rarement celle du Loup-garou de Londres. Whannell n’est pas dupe sur ce point et contourne cette attente en laissant lentement Blake perdre pied sur son identité et son humanité. De fait, cela rend sa chute beaucoup plus tragique, car tout l’enjeu de son arc réside dans son endurance et dans son amour pour sa famille. En adoptant son point de vue, la photographie de Stefan Duscio nous immerge dans les nouveaux sens de Blake, de sa nyctalopie à son instinct de chasseur. Quant à Whannell, il se saisit de cette faculté pour mettre le doigt sur l’incompréhension verbale entre le père et son épouse, afin d’accentuer les failles de leur couple. Sans non plus dépendre de cette démarche innovante, les comédiens ont beaucoup à exprimer par le non-dit. Malheureusement, le drame familial se fait rapidement écraser par la dimension survivaliste du film, dans tout ce qu’elle a de plus cru à nous offrir. L’économie des effets spéciaux par des effets pratiques et un décor rural néo-zélandais nous convainc, malgré des défauts d’écriture et de rythme. Ce qui est fatal dans un huis clos de cette envergure, car la plongée dans l’angoisse ne mise que sur l’attente et le hors-champ, à tel point que la chute horrifique n’est pas à la hauteur de ces avant-goûts psychologiques. Ce qui peut paraître bancales dans cette histoire était pourtant l’un des points fort de Invisible Man.

Au clair d’une demi-lune

Pour compenser le tout, le récit hérite ensuite d’une narration miroir sur la relation père-fils en introduction et mère-fille en conclusion. Cependant, l’observation s’arrête là car le film reste avare en dialogues, ce qui ne peut que limiter les évolutions de personnages lorsque toute l’intrigue se déroule pendant son seul acte nocturne. Charlotte (Julia Garner) et Ginger (Matilda Firth) partagent assez peu de choses pour que les démonstrations d’instincts protecteurs de la mère en deviennent artificielles. Certaines réactions nous donneraient presque à y voir de la bisserie de luxe, mais rien d’aussi accablant que le divertissement décérébré et anachronique du Loups-garous sur Netflix, fort heureusement. La famille et l’amour ont toujours été de précieux carburants pour générer de l’empathie pour les personnages. Comme pour le Wolfman porté par Benicio del Toro et Anthony Hopkins, ce film reste maladroit avec ces notions. En revanche, celui de 1941 possède une puissance émotionnelle encore intacte aujourd’hui, contribuant ainsi à son succès public et critique. Il est malheureusement regrettable que cette ultime version de Wolf Man assure un divertissement correct, sans prise de risques. Ou plutôt sans exploiter ses brillantes idées jusqu’au bout.

Tandis que The Bride, relecture La Fiancée de Frankenstein écrite et réalisée par Maggie Gyllenhaal, devrait arriver en salles l’automne prochain, Whannell nous convainc que de nouvelles approches contemporaines sont possibles pour les monstres emblématiques d’Universal, soit en préservant un climax anxiogène autour d’un drame familial comme ici avec Wolf Man, ou en détournant les shots d’adrénaline et les giclées de sang comme dans l’amusante Abigail (remake de La Fille de Dracula). Qu’importe la voie à suivre pour peu qu’elle reste cohérente et assumée, car il ne nous reste qu’une amère saveur de déception dans ce petit film aux grandes ambitions.

Wolf Man – Bande-annonce

Wolf Man – Fiche technique

Réalisation : Leigh Whannell
Scénario : Leigh Whannell, Corbett Tuck, Lauren Schuker Blum et Rebecca Angelo, d’après le scénario du film Le Loup-garou écrit par Curt Siodmak
Interprètes : Christopher Abbott, Julia Garner, Matilda Firth, Sam Jaeger, Benedict Hardie, Ben Prendergast, Zac Chandler, Beatriz Romilly, Milo Cawthorne
Photographie : Stefan Duscio
Décors : Ruby Mathers
Costumes : Sarah Voon
Montage : Andy Canny
Musique : Benjamin Wallfisch
Producteur : Jason Blum
Producteurs délégués : Ken Kao, Beatriz Sequeira, Melanie Turner, Leigh Whannell
Production : Blumhouse Productions, Motel Movies
Pays de production : États-Unis
Distribution France : Universal Pictures International France
Durée : 1h43
Genre : Épouvante-horreur, Fantastique, Thriller
Date de sortie : 15 janvier 2025