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La série B est à l’ordre du jour et In the Lost Lands devrait cocher toutes les cases de cette catégorie. Il est autant possible de s’amuser sur ce terrain de jeu que d’y être bousculé, voire bouleversé. Malheureusement, le miracle n’est toujours pas du côté de Paul W.S. Anderson, qui, comme sa protagoniste, est rempli de contradictions dans ses objectifs. Reste quelques séquences distrayantes pour traverser cet univers post-apocalyptique qui emprunte beaucoup aux codes du western.

Synopsis : Une reine pactise avec la puissante et redoutée sorcière Gray Alys (Milla Jovovich) afin qu’elle lui rapporte un trésor capable de lui conférer un pouvoir immense. Alys et son guide, le vagabond Boyce (Dave Bautista), doivent s’aventurer dans les dangereuses Contrées Perdues. Là, ils devront déjouer et combattre hommes et démons pour honorer leur part du contrat…

Le nom de George R.R. Martin a résonné au fil de huit ans et pour autant de saisons sur la série Game of Thrones. Son succès est tel que des spin-off sériels autour de Westeros sont soit en cours (House of the Dragon), soit en développement (A knight of the seven kingdoms : the hedge knight). Pourtant, il serait dommage de limiter sa bibliothèque aux romans de fantasy. Également passionné de science-fiction, Martin a déjà eu droit à des adaptations de ses romans et autres nouvelles, comme Doorways (1994), The Sandkings (1995) ou Nightflyers (en film en 1987, puis en série en 2018) pour ne citer qu’eux. Il n’est donc pas si étonnant de voir une autre de ses histoires portées à l’écran et c’est aux éternels associés, Constantin Werner et Paul W.S. Anderson, qu’incombent cette tâche. Une production effectivement à leur portée, car l’adaptation de la nouvelle éponyme, Dans les terres perdues, prend place dans un monde steampunk en ruines, teinté de surnaturel et peuplé de créatures hostiles.

Monster squad

Werner au scénario et Anderson à la réalisation, ce duo peut aussi bien rappeler la veine bis, voire Z, de la saga Resident Evil. Et comme autrefois, Anderson peut toujours compter sur le soutien de Milla Jovovich (également sa compagne dans la vie), pour aller au bout de ses idées. Que l’on soit sensible ou non à son cinéma horrifique et d’aventure, le cinéaste a au moins pour lui ce goût de vouloir jouer avec les codes du cinéma d’action pour faire vibrer son public. Une musique qui pulse, un montage dynamique et des ralentis à foison, telle est la recette de son art. Un pari à chaque fois risqué, sachant qu’il est connu pour avoir adapté des jeux vidéo à succès comme Mortal Kombat, Dead or Alive ou Monster Hunter, parmi ceux que l’on n’a pas encore cités. D’autres franchises ont également eu droit à leur exploitation sous sa direction, pour le meilleur, pour le pire, mais surtout pour le fun (Les Trois Mousquetaires).

La sorcellerie lui va si bien. De nombreux rôles de Jovovich tournent autour d’une aura surnaturelle, que ce soit Le Cinquième Élément, Jeanne d’Arc ou Alice dans Resident Evil. Elle remplit de nouveau ce contrat en incarnant Gray Alys, ou Alys la Grise, en créant des illusions par le simple contact visuel. Chassée pour hérésie par une milice religieuse, mais courtisée par la dirigeante de la dernière cité du nouveau monde, elle ne refuse jamais une offre, souvent engrainée par la cupidité ou un manque d’affection. Mais la requête de la reine Melange (Amara Okereke) n’est pas si habituelle qu’elle finit par faire appel à Boyce (Dave Bautista), un loup solitaire qui a baigné assez longtemps dans les Contrées Perdues pour l’aider à chaparder le pouvoir d’un métamorphe. Et pas n’importe lequel, car il s’agit d’un lycanthrope, ou simplement d’un loup-garou. S’il y a là de quoi nourrir une bonne aventure mouvementée à travers les fameuses Contrées Perdues, appartenant aux bandits le jour et aux créatures des ténèbres la nuit tombée, son budget, limité à un peu plus de 50 millions de dollars, peut freiner certaines ambitions. Il y a là de quoi garantir quelques plans iconiques pour illustrer au mieux l’essence de l’auteur. Malheureusement, ils ne suffiront pas à stimuler ou à immerger le spectateur dans les enjeux, couplés à un compte à rebours artificiel, ne servant qu’à chapitrer les aventures de la sorcière et du chasseur. Le rythme en pâtit et la narration aussi.

L’homme reste un loup pour l’homme

Faute d’une écriture trop fonctionnelle des personnages (et ne parlons pas des dialogues superficiels), les interprètes ne sont pas forcément en cause dans cette intrigue qu’ils essayent de sauver à chaque instant. Même Arly Jover se débat pour faire exister son personnage d’inquisitrice, en vain. L’association de Jovovich et de Bautista constituait un fort potentiel, qui s’effondre cependant au fur et à mesure que l’on progresse sur les terres dévastées par un probable incident nucléaire mondial. Que reste-t-il donc à croquer côté adrénaline ? Hormis un prologue tenu dans sa gestion de la tension, bien qu’elle demeure assez classique, ainsi qu’une scène plutôt amusante autour d’un téléphérique, le reste de l’intrigue n’a rien de mémorable à offrir. Tout est constamment noyé dans le décor qui transpire le numérique, avec des incrustations suffisamment douteuses qu’on se laisse automatiquement piloter vers le générique de fin. Elle remonte à loin cette époque où Anderson parvenait à générer son lot de frissons psychologiques et visuels avec Event Horizon, le vaisseau de l’au-delà. Ici, on a l’impression d’avoir recyclé la planète servant de déchèterie dans Soldier, tandis que les intentions esthétiques tendaient à se rapprocher de Mad Max : Fury Road.

Réputé pour défaire le manichéisme par des trahisons et châtiments justifiés, le récit de Martin sonne creux dans cette adaptation qui ne sait pas sur quel pied danser. Les allers-retours entre les enjeux personnels de la reine ou du nouvel ordre religieux avec le road-trip dans les Contrées Perdues entravent tout élan émotionnel ou épique. En grattant un peu à la surface des séquences d’action mal léchées, on peut y trouver un discours sur la solitude des personnages, mais rien d’assez consistant pour que l’on s’attache à la malédiction d’Alys ou des traumatismes vécus par Boyce. De même, on ne voit quasiment rien de ce monde peuplé de créatures sauvages et maléfiques. La chasse aux monstres se transforme donc en déception dans In the Lost Lands, alors qu’il y avait infiniment de place pour pousser à fond les curseurs de l’action et de l’outrance. Il ne laisse qu’un sentiment de retenu, dans la forme comme dans le fond, le rapprochant de tous les défauts identifiables (et ils sont nombreux) du Rebel Moon de Zack Snyder.

In the Lost Lands – Bande-annonce

In the Lost Lands – Fiche technique

Réalisation : Paul W. S. Anderson
Scénario : Constantin Werner, d’après la nouvelle In the Lost Lands de George R. R. Martin (du recueil de nouvelles Amazons II)
Interprètes : Dave Bautista, Milla Jovovich, Arly Jover, Amara Okereke, Simon Lööf, Fraser James
Musique : Paul Haslinger
Directeur de la photographie : Glen MacPherson
Direction artistique : Michael Derrah
Décors : Łukasz Trzciński
Costumes : Milena Jaroszek
Montage: Niven Howie
Producteurs délégués : Nico Bruinsma, Kirk D’Amico, Kevin D. Forester, Martin Moszkowicz
Producteurs : Paul W. S. Anderson, David Bautista, Jeremy Bolt, Milla Jovovich, Jonathan Meisner, Constantin Werner
Sociétés de production : Constantin Film, Dream Bros. Entertainment, Rusalka Film
Pays de production : Allemagne, Canada, États-Unis
Distribution France : Metropolitan Filmexport
Durée : 1h41
Genre : Action, Aventure, Fantastique
Date de sortie : 5 mars 2025

La Convocation, premier long métrage de Halfdan Ullmann Tøndel, plonge le spectateur dans un huis clos suffocant où jalousie, mensonges et non-dits s’entrechoquent avec une intensité tragique. Porté par Renate Reinsve, le film déploie un théâtre cinématographique fascinant, explorant les pulsions humaines à travers une mise en scène rigoureuse et des ruptures visuelles inattendues. Entre suspense psychologique et performance contemporaine, La Convocation bouscule les conventions narratives pour offrir un drame hypnotique sur la vérité et la perception. Un chef-d’œuvre troublant à découvrir.

C’est un théâtre cinématographique qui va se jouer 2 heures durant dans La Convocation : un théâtre scopique d’où montent et se démontent avec l’intensité d’une tragédie grecque des pulsions de jalousie, des réservoirs de mensonges, de non-dits, de secrets et de refoulés. Théâtre cinématographique donc par l’unité de temps, de lieu et d’espace (on ne quittera jamais l’école, sa froideur) maintenue presque tout au long du film et qui en accentue l’atmosphère étouffante et claustrophobique.

Dans ce premier long métrage, La Convocation (titre original Armand), Caméra d’or à Cannes 2024, Halfdan Ullmann Tøndel (petit-fils d’Ingmar Bergman) instruit deux mots d’ordre qui sont le climat du film, sa loi : la suffocation et la fixation.

Une mère d’élève, Elizabeth (Renate Reinsve, prix d’interprétation à Cannes 2021), est convoquée à l’école de son fils pour tenter de discuter d’un incident grave survenu entre son fils Armand et Jon, et trouver une issue avec les parents de ce dernier. Commence alors un singulier tribunal entre les protagonistes conviés, où la parole performe avec cruauté et incongruité, autant que les regards, les silences, les rires intempestifs, les grimaces et les sonneries d’alarme narguent cette clinique des mots impuissants à éclaircir la vérité de ce qui s’est passé.

Film de regards par excellence, La Convocation porte à l’extrême l’idée que le cinéma est un art de l’œil et de la fixation, un art stupéfiant du dévisagement et de l’observation. Nous sommes spectateurs d’un drame en train de se révéler ou de prendre forme (l’anatomie des versions de la vérité) autant que chacun se voit scruté par la parole de l’autre et dévisagé par la caméra.

Ce qui est très beau et fort, tout d’abord dans ce film, c’est cette concentration suffocante des visages et des yeux à travers des plans rapprochés, un suspens des corps et des moments d’attente. Ce qui continuera d’être très fort est la transformation de cette concentration – huis clos strict – en scène libératoire, performative, dansée, peuplée, presque tribale : où l’héroïne (Elizabeth), sorte de Pietà moderne, est happée, lapidée puis touchée, respirée et comme réparée par tous les gestes et mouvements retirés et absents des scènes précédentes.

Souvent, Elizabeth, la mère accusée des agissements de son fils, parle, et c’est un autre visage qui est filmé. Ce décrochage entre le visage qui parle et celui qui est filmé crée une tension et une fulgurance palpables, une énigme psychologique en soi.

Le réalisateur accentue la suffocation de son histoire par l’incongruité de certaines réactions venant trouer la sévérité et la rigueur des scènes de parole. Un rire inextinguible, une crise de rire de l’actrice Renate Reinsve (incroyable dans sa performance) vient disrupter le langage d’une scène par ailleurs maîtrisée dans un silence stupéfiant. Puis une esquisse de danse accidentée, ravagée, vient à nouveau rompre et ouvrir la dureté d’ensemble.

La Convocation est un film dont l’écriture dramatique ne cesse de s’amplifier et de se concentrer au fur et à mesure des silences et des confrontations des adultes avec ce qu’ils ont reçu, répété, déformé ou trahi de la parole des enfants.

Tout s’emboîte alors tel un puzzle violent, rappelant un peu l’atmosphère de Douze hommes en colère (pour la claustration et la confusion dans les perceptions du vrai) ou La Chasse de Thomas Vinterberg (plus proche référence du cinéaste).

Enfin, dans l’avancée du suspense, Halfdan Ullmann Tøndel vient introduire à l’intérieur de la suprématie de son scénario des ruptures de mise en scène, sortes de décrochages faisant songer à de la danse et à la performance contemporaine, propices à traduire au plus juste l’état chaotique de la psyché d’Elizabeth.

Ce qui éblouit le plus dans le film est le mélange virtuose entre la rigueur sévère, presque métallique, de la mise en scène – renforcée par une bande son très présente (la première arrivée d’Elizabeth dans les longs couloirs de l’école est rendue inquiétante par le bruit martelé de ses chaussures) – et des irruptions de sensations très déstructurées, émotives, charnelles.

Le geste est brillant et captivant, à l’image des mots de l’héroïne à la fin : « Si on regarde les gens de manière superficielle, c’est très chaotique ; si on creuse, c’est pas terrible ; si l’on sait les regarder juste ce qu’il faut, c’est pas si mal. » Un coup de maître.

Bande-annonce : La Convocation

Fiche technique du film « La Convocation » (titre original : « Armand« )

Réalisation : Halfdan Ullmann Tøndel
Scénario : Halfdan Ullmann Tøndel
Musique : Ella van der Woude
Décors : Mirjam Veske
Costumes : Alva Brosten
Photographie : Pål Ulvik Rokseth
Son : Mats Lid Støten
Montage : Robert Krantz
Production : Andrea Berentsen Ottmar
Sociétés de production : Eye Eye Pictures, Keplerfilm, One Two Films, Prolaps Produktion, Film i Väst
Sociétés de distribution : Norsk Filmdistribusjon (Norvège), Folkets Bio (Suède), Pandora Film (Allemagne)
Pays de production : Norvège, Pays-Bas, Allemagne, Suède
Langue originale : Norvégien
Format : Couleur — 16 mm — 5.1
Genre : Drame
Durée : 117 minutes

Dates de sortie :

• 18 mai 2024 (Festival de Cannes)
• 27 septembre 2024 (Norvège)
• 25 octobre 2024 (Suède)
• 21 novembre 2024 (Allemagne)
• 12 mars 2025 (France)

Distribution :

• Renate Reinsve : Elizabeth
• Ellen Dorrit Petersen : Sarah
• Endre Hellestveit : Anders
• Thea Lambrechts Vaulen : Sunna
• Øystein Røger : Jarle
• Vera Veljovic : Ajsa

Distinctions :

• Caméra d’Or au Festival de Cannes 2024
• Sélectionné dans la section Un Certain Regard au Festival de Cannes 2024

Après avoir marqué l’année 2019 avec Parasite, Bong Joon-ho revient avec un film de studio hollywoodien hilarant et convaincant à plusieurs niveaux, malgré ce qui pourrait sembler un sentiment d’essoufflement dans sa filmographie. Sans pour autant être dénué d’idées visuelles et narratives fortes, son Mickey 17 réunit toute la tragédie de l’humanité dans une fable de science-fiction burlesque et contemporaine.

Synopsis : Héros malgré lui, Mickey Barnes se tue à la tâche… littéralement ! Car c’est ce qu’exige de lui son entreprise : mourir régulièrement pour gagner sa vie.

Initialement annoncé pour illuminer les salles de cinéma au printemps 2024, le troisième long-métrage hollywoodien de Bong Joon-ho (après Snowpiercer : Le Transperceneige et Okja) fait partie de ces nombreux projets retardés par le conflit entre le syndicat des acteurs SAG-AFTRA et l’Alliance des producteurs de films et de télévision en 2023, menant à une grève massive des scénaristes et des acteurs. Avec près d’un an supplémentaire de post-production, Mickey 17 a finalement été projeté hors compétition durant la Berlinale qui s’est tenue le mois dernier. N’oublions pas que Parasite date déjà de 2019. Le cinéaste coréen a donc bien pris le temps de faire mariner son adaptation du roman d’Edward Ashton, Mickey7. Et quelle merveilleuse surprise que ce cocktail burlesque, satirique et horrifique, porté par un Robert Pattinson hilarant et émouvant.

Une vie sans fin

Année 2054, rien ne va plus sur Terre, invivable par ses nombreuses tempêtes et changements climatiques, une surpopulation croissante et un sentiment d’insécurité omniprésent. Direction Niflheim, une planète glaciale qui semble hospitalière. Il ne manquait plus que Mickey Barnes pour compléter un équipage de colons spatiaux, dont le voyage durerait quatre ans. L’homme qui rêvait de faire fortune en cuisinant d’appétissants macarons aurait peut-être dû lire les petites lignes de son contrat, le désignant comme cobaye à la merci de blouses blanches sans scrupules. C’est à travers ce personnage consommable et sacrifiable qu’il accomplit sa fonction de « remplaçable », car il est désormais possible de répliquer les corps mutilés et recyclés de Mickey, tout en préservant la mémoire de ce dernier. Objet de tous les caprices scientifiques par excellence, qu’elles soient ratées ou réussites, qu’elles soient pour le bien ou le mal, sa 17^e version nous donne à observer le désordre qu’il sème autour de lui. Et sa coexistence avec Mickey 18 ne fera qu’alimenter les débats philosophiques sur l’humanité, dans tout ce qu’elle a d’éphémère, d’outrancier et de contradictoire.

Le clonage est passé du fantasme inavoué au dilemme éthique depuis le siècle dernier et de nombreux films en ont déjà illustré les dérives en cas d’excès (Gemini Man, The Island, Oblivion, Clones). Plus proche de Source Code ou de Edge of tomorrow, où les corps mourraient pour que l’esprit se réincarnent, Bong Joon-ho s’en empare en posant la question des doubles. Une âme pour deux corps. Considérés comme des sous-humains, les Mickey 17 et 18 ont en commun la peur de mourir, un sentiment bien humain après tout. Leurs querelles à mi-parcours peuvent tourner autour d’une blague un peu trop longue et bancale, mais ce qu’elle révèle en profondeur, c’est le rejet de soi et la peur de cohabiter avec cet autre soi. Pattinson y apporte autant de nuances que possible dans ses personnages et accomplit la diversion prévue par Bong Joon-ho avec brio.

Tout ce qui tue Mickey le rend plus fort d’une certaine manière, jusqu’au jour où il se positionne verbalement sur sa valeur humaine et sur sa mortalité. Chacune de ses répliques agit comme une réincarnation de sa personnalité. La première partie du récit nous invite à en étudier toutes les déviances avec un humour noir décapant. Dans ce même mouvement, le cinéaste coréen y superpose des thématiques écologiques dans un cadre suffisamment banal pour que la voix off de Mickey nous invite à partager sa douleur. Au fond, est-il réellement important de savoir ce que cela fait de mourir ? Il s’agit d’une question futile pour Mickey, qui déjoue la fatalité en se faisant réimprimer « pour le bien commun ». L’important est de savoir si on peut encore le considérer comme un humain, après les suicides répétés et à moitié consentis par Mickey. Peut-il seulement vivre et exister de nouveau, comme il l’a initialement souhaité ? Bong Joon-ho y répond avec rigueur, tout donnant plus de poids aux dernières paroles du réplicant Roy Batty dans Blade Runner. Ces personnages ont trouvé leur réponse sur l’humanité dans les confins de l’univers, bien que les registres diffèrent.

L’arche des losers

« Il s’agit d’un film de science-fiction où des êtres humains se rendent sur d’autres planètes à bord d’un vaisseau spatial, mais il parle surtout de gens idiots. Il s’agit surtout de losers ridicules. » Le cinéaste décrit son œuvre ainsi, en générant un amalgame de genres et de personnages déchus qui cherchent à se reconstruire par les échecs. Toutefois, l’espoir n’est pas exclu, car l’histoire d’amour de Mickey avec Nasha (Naomi Ackie) est authentique. Elle correspond certainement à tout ce qu’il y a de plus lumineux en l’humain parmi l’équipage, avec quelques vices dont on ne peut lui tenir rigueur. Soutien émotionnel essentiel pour Mickey, elle sait s’affirmer dans les moments clés. De quoi contrebalancer la récurrence des faire-valoir comiques.

Puis soudainement, l’intrigue accélère considérablement dans son dernier tiers, en abandonnant le personnage d’Anamaria Vartolomei (L’Événement, Le Comte de Monte-Cristo, Maria) ou d’autres pistes sur l’éveil de conscience et la mutinerie de l’équipage. Le dénouement expéditif, et pourtant spectaculaire, en atténue son revirement émotionnel, ce qui est regrettable sachant toute la mise en place qui précède, incluant un prologue un peu étiré. De même, on peut reprocher aux multiples sous-intrigues de s’empiler comme une masse informe au lieu d’être imbriquées autour d’un fil rouge lisible. Fort heureusement, dans toutes ces calories gaspillées, il reste suffisamment de rations de secours pour que l’on se bidonne avec un plaisir régressif.

Faute d’avoir pu exploiter son potentiel comique chez Marvel Studios, Mark Ruffalo (aperçu en gigolo dans Pauvres créatures) nous régale ici dans le rôle de Kenneth Marshall, un ploutocrate raté, décérébré et cartoonesque qui fait écho au trio Trump-Musk-Bezos. Souvent en tandem avec son épouse, incarnée par Toni Collette, en quête de la sauce gastronomique parfaite, il est à l’image du fascisme passif de notre réalité. Un rappel à l’ordre qui illustre à la fois les ingrédients d’une dystopie, mais l’ironie veut qu’on s’en rapproche à petit pas. Les tensions générées par ce contexte sont pourtant désamorcées par des ruptures de ton, guidées par la musique de Jung Jae-il. On s’aligne ainsi sur la même tonalité que les comédies politiques et absurdes à la Don’t Look Up. La rencontre avec une espèce autochtone inconnue, rabaissée au statut de « rampants », en témoigne. Tout un parallèle se lit sans peine concernant la maltraitance animale et des parasites qui entravent l’autorité établie. Si Okja donnait déjà des sueurs froides en nous délivrant une vision horrifique de la surconsommation de viande, Mickey 17 réussit à nous redonner foi en l’humanité, trop souvent piégée dans les dédales de l’artificialité. Son « héros malgré lui » se revendique ainsi, en démontrant qu’une infime fragment de courage suffit à faire la paix avec soi-même et avec son environnement.

Comme pour ses nombreux remplaçables, Robert Pattinson achève sa transfiguration par une succession d’audace répétée. De Good Time à The Batman, en passant par The Lighthouse, le comédien britannique a constamment su se réinventer au cours de sa carrière, qu’on en oublierait ses débuts dans le cinéma fantastique et romantique. Mourir autant de fois à l’écran est pour lui une opportunité pour mieux se réincarner. Il y parvient grâce au flair de Bong Joon-ho, un auteur que l’on reconnaît pour repousser les limites créatives et du divertissement. Bien qu’il semble se reposer sur tout ce qui a fait son succès auparavant, en mettant un accent sur les inégalités sociales dans des situations de crise diverses, il reste également un artisan de qualité, même si sa patte artistique se trouve diluée par les mille et une contraintes hollywoodiennes. Reste à savoir de quel côté du Pacifique il souhaite rebondir après son Mickey 17, une œuvre mineure au premier abord, mais qui a néanmoins l’audace de compiler des thématiques accessibles dans un blockbuster qui les aborde sans détour et de manière ludique. Ce qui est particulièrement rare dans le paysage cinématographique hollywoodien ces derniers temps pour être souligné de la sorte…

Mickey 17 – Bande-annonce

Mickey 17 – Fiche technique

Réalisation : Bong Joon-Ho
Scénario : Bong Joon-ho, d’après le roman Mickey7 d’Edward Ashton
Interprètes : Robert Pattinson, Naomie Ackie, Steven Yeun, Toni Collette, Mark Ruffalo, Anamaria Vartolomei
Musique : Jung Jae-il
Directeur de la photographie : Darius Khondji
Direction artistique : Jason Knox-Johnston et Christine Lois
Décors : Fiona Crombie
Costumes : Catherine George
Montage: Yang Jin-mo
Producteurs exécutifs : Brad Pitt, Jesse Ehrman, Peter Dodd, Marianne Jenkins
Producteurs : Bong Joon-ho, Choi Doo-ho, Dede Gardneret, Jeremy Kleiner
Sociétés de production : Plan B Entertainment, Offscreen, Kate Street Picture Company
Pays de production : États-Unis, Corée du Sud
Distribution France : Warner Bros. Pictures
Durée : 2h17
Genre : Science-fiction, action, drame
Date de sortie : 5 mars 2025

Avec « Bonjour l’Asile« , Judith Davis signe une comédie satirique aussi drôle qu’émouvante, interrogeant les hypocrisies sociales et les diktats de la performance. Entre critique du néolibéralisme et manifeste néoféministe, le film navigue avec une énergie corrosive et subversive, porté par les acteurs du collectif « L’Avantage du doute ». Un questionnement piquant sur le vivre-ensemble, teinté de poésie et de révolte, où rires et réflexions s’entrelacent dans un tourbillon ludique et irrévérencieux.

Avec un goût manifeste pour le rire non consensuel et une volonté de démanteler les hypocrisies sociales, Bonjour l’Asile, le second long métrage de Judith Davis, réussit le pari d’un manifeste psychophilosocial drôle, vif et émouvant.

Judith Davis, c’est un peu le croisement du cinéma déjanté et mordant de Kerven et Delépine avec les réflexions philosophiques de Barbara Stiegler, un mélange animé par un questionnement sur comment continuer de faire société dans l’état actuel de déliquescence du monde, comment continuer à être uni et soudé par une utopie sociale et créative commune, et surtout comment ne pas se perdre soi-même sous les oripeaux des diktats et normes de performance sociale.

Bonjour l’Asile réunit en partie les acteurs du collectif corrosif « L’Avantage du doute » (Claire Dumas, Mélanie Bestel, Nadir Legrand, Maxence Tual et Simon Bakhouche), fondé sur une écriture fine et roborative, subversive et provocatrice.

Son film est traversé par les mêmes éclats et prises de conscience, survenant à travers des modes libres d’improvisation des personnages et l’écriture de ceux-ci : ici surtout ceux d’Elisa (la trépidante Claire Dumas) et d’Amaury (Nadir Legrand, inquiétant et émouvant).

Critique du néolibéralisme à tout crin, qui vient infiltrer et exproprier nos relations les plus intimes, reproduisant à l’intérieur du couple les rapports rétrogrades, viciés et dégradés du capitalisme moderne, Bonjour l’Asile se veut satire de nos aliénations contemporaines, manifeste néoféministe et essai pour des propositions de vivre ensemble plus joyeuses et moins inauthentiques.

Le film promeut le tiers-lieu (ici un château presque miraculeux, bien nommé HP pour Hospitalité permanente) comme espace-temps où laisser tomber masques et habits de cérémonie, fausses dents et désarrois réels, pouvoirs et hontes, colères et crises pour se relier, faire forme plutôt que norme, et écouter le sens du monde différemment, en partageant ses mots face à un arbre de vie, par exemple.

Judith Davis et ses comparses de théâtre (pour qui elle écrit sur mesure) interrogent avec acuité tout à la fois les lieux communs du langage, infestés par la domination sociale, et l’imaginaire possible d’autres lieux où nous pourrions faire communauté et retrouver un bien commun, celui de l’amitié humaine, de la solidarité et de la sincérité.

Bizarrement, l’écriture chorale du film perd un peu en ampleur à cause des performances des acteurs, tenant davantage du café-théâtre ou du one-man-show que de la fiction profuse.

L’ensemble, par son chaos ludique et réflexif vivement mené, fait songer, par son humeur hippie et sa tonalité vivace, à La Bataille de Solférino de Justine Triet, avec cependant moins de point de vue cinématographique et tout autant d’élan et de puissance théâtrale irrévérencieuse.

Bande-annonce : Bonjour L’Asile

Fiche technique du film « Bonjour l’Asile »

Réalisatrice : Judith Davis
Scénario : Judith Davis, Maya Haffar
Musique : François Ernie
Photographie : Tom Harari
Montage : Clémence Carré
Décors : Aurélien Maillé
Costumes : Marta Rossi
Son : Jean-Barthélémy Velay, Alexis Meynet, Aymeric Dupas
Production : Agat Films – Ex Nihilo, Apsara Films, Micro Climat
Distribution France : UFO Distribution
Pays de production : France
Langue originale : Français
Format : Couleur, 2,39:1, son 5.1
Genre : Comédie
Durée : 1h47
Date de sortie en France : 26 février 2025

Distribution :

• Judith Davis : Jeanne
• Claire Dumas : Elisa
• Maxence Tual : Bastien
• Simon Bakhouche : Cindy
• Nadir Legrand : Amaury Falco
• Mélanie Bestel : Victoire Falco Villemain

Synopsis : Jeanne quitte quelques jours le stress de la vie urbaine pour aller voir sa grande amie Elisa, récemment installée à la campagne. Au cœur des bois voisins, un château abandonné devenu tiers-lieu foisonne d’initiatives collectives. Elisa aimerait s’y investir, mais entre biberons et couches lavables, elle n’en a pas le temps. Jeanne, en militante des villes, n’y voit aucun intérêt. Quant à Amaury, promoteur en hôtellerie de luxe, le château, lui, il veut l’acheter. Tous trois convergent malgré eux vers ce lieu d’entraide et de subversion… Mais combien de temps cet asile d’aujourd’hui pourra-t-il résister à ce monde de fou ?

On a un peu de mal à croire que ce soit la même personne qui a réalisé en si peu de temps l’ambitieux polar fantastique Longlegs cet été et cette série B gore quelque peu poussive et pas bien mémorable. C’est certes une adaptation de Stephen King, maître de la littérature horrifique, mais on sait qu’il y en a eu très peu de réussies. On peut s’amuser au début des délires gores et sanglants découlant de mises à mort très originales mais cela devient vite lassant et le côté (volontairement) comique empêche toute tension, angoisse ou frissons. Et comme l’intrigue à la fois simpliste mais brouillonne tient sur un ticket de métro et que la mise en scène est étrangement anecdotique (un comble pour un cinéaste formaliste comme Perkins !) on finit par s’ennuyer et trouver cela très poussiéreux et oubliable.

Synopsis : Lorsque Bill et Hal, des jumeaux, trouvent dans le grenier un vieux jouet ayant appartenu à leur père, une série de morts atroces commence à se produire autour d’eux…

The Monkey nous proposait un petit programme plus qu’alléchant. D’abord, le cinéaste du petit succès frissons de l’été passé, le clivant mais passionnant Longlegs : Oz Perkins. À cela, on ajoute l’adaptation d’une nouvelle méconnue de Stephen King, le maître du fantastique littéraire dont chaque tentative de transposition sur le grand écran est un challenge. Ensuite, il y a le choix de proposer un mélange de comédie et d’horreur gore, grand écart très difficile à tenir. Et enfin, petite valeur ajoutée que ce dernier ingrédient : un Theo James tout droit sorti du succès de la série de Guy Ritchie The Gentlemen, ici dans un double rôle de jumeau… Voilà qui promettait un cocktail à priori détonnant mais, on ne peut le nier, très risqué. Et le résultat se révèle quelque peu imbuvable et vite écœurant.

Déjà, il faut avouer que les adaptations cinématographiques de Stephen King vraiment réussies sont rares. Pour un immense (et malheureusement un échec en salles) The Mist ou encore Carrie, La Ligne Verte et même Ça (enfin surtout la première partie), combien de ratés ? On ne les listera pas tant ils sont nombreux. Celle-ci va donc s’ajouter à la longue liste de films à zapper tirés des écrits du maître. Pourtant, le début est très réussi. Perkins nous gratifie d’une entame jubilatoire qui donne le la : délicieusement gore, originale et vicieuse. Et même le premier tiers quand les jumeaux sont encore adolescents est plutôt sympathique, les mises à mort sanglantes faisant fortement penser à celles de la saga Destination finale pour leur imprévisibilité et la saga Saw pour leur aspect crade étant vraiment drôles et très sanglantes.

Malheureusement, faute de véritable fil narratif ou d’une intrigue digne de ce nom, The Monkey devient vite un peu répétitif et tourne à vide. Une mise à mort réussie (celle de la tante ou celle de la piscine) vient nous réveiller de temps en temps de notre torpeur mais tout cela manque de peps et de rythme. L’objet maléfique et malveillant incarné par ce singe à la dentition disproportionnée et au petit tambour est original mais il lui manque une aura qui fasse véritablement éprouver de la crainte. Et plus le film avance, notamment lorsqu’un Theo James un peu éteint reprend le flambeau, il y a clairement un manque d’enjeux et de tension en plus d’un montage parfois hasardeux.

On est davantage étonné de voir de la mise en scène de Perkins qui nous avait ébloui par celle ultra stylisée de Longlegs (même s’il n’était pas à la hauteur du buzz), voire même avec celui de son précédent opus Gretel et Hansel. Ici, il nous confectionne une réalisation anecdotique et sans grande prise de risque, presque poussiéreuse. The Monkey est à la limite du vulgaire téléfilm horrifique de seconde partie de soirée par instants. Enfin, le fait de se risquer à mélanger l’horreur et les frissons avec de l’humour, certes noir, annihile toute tentative d’angoisse ou de peur. Il ne reste que le gore et des idées d’exécutions létales très satisfaisantes et amusantes à se mettre sous la dent. Malheureusement, cela n’en fait pas un bon film.

Bande-annonce – The Monkey

Fiche technique – The Monkey

Réalisateur : Osgood Perkins.
Scénaristes : Osgood Perkins d’après l’oeuvre de Stephen King.
Production: Atomik Monster & Automatik Entertainment.
Distribution: Metropolitan Filmexport.
Interprétation : Theo James, Elijah Wood, Tatiana Maslany, …
Genres : Comédie – Horreur.
Date de sortie : 19 février 2025
Durée : 1h38.
Pays : USA.

September & July d’Ariane Labed explore l’étrange et le fantastique avec audace. Premier film au parti-pris esthétique radical, il déconstruit les conventions narratives pour créer une contre-réalité inquiétante où l’insolite et l’imprévisible règnent en maîtres. Mêlant horreur psychologique et langage cinématographique inédit, Labed s’aventure dans une zone de déviance inexplorée. Un conte cruel et hypnotique sur le lien complexe entre deux sœurs, marqué par une tension palpable et une mise en scène organique. September & July est un objet filmique déroutant, à la fois énigmatique et fascinant.

Premier film au parti-pris esthétique et formel fort, September & July d’Ariane Labed s’avance avec une logique barrée et une désinhibition culottée pour créer de l’étrange au pays du nouveau féminin. Pari audacieux pas complètement réussi.

La manière dont Ariane Labed s’empare du genre horrifico-fantastique est à la fois sidérante et symptomatique. Sidérante parce qu’elle creuse une zone timbrée et distordue où peu de cinéastes doués (Lucile Hadzihalilovic) s’aventurent. Symptomatique parce que le seul cinéma qui lui ressemble vraiment trait pour trait et avec lequel parler de filiation reste faible est celui de son compagnon Yorgos Lanthimos.

Donc, si nous oublions le choc que constitua Canine en 2009 (de Yorgos Lanthimos) avec sa reconstruction dérangeante d’une réalité familiale recluse, September & July travaille la même matière du lien, une mère et ses jumelles, pour l’isoler d’une certaine réalité ordinaire, en défier les conventions narratives et la déformer cruellement.

September & July propose une sorte de contre-réalité (belle idée que la mère reconstitue avec ses filles une sorte de tipi de protection avec des couvertures), conte cruel, scrutant l’emprise sadique d’une sœur sur l’autre, où domine à chaque plan l’incongru, l’insolite et la montée en puissance d’un imprévisible inquiétant.

Ce qui intéresse Labed manifestement est d’investir le langage cinématographique pour y fabriquer une langue non domestiquée, inédite, étrange et étrangère, avec ses codes inusuels et déconcertants, propice au suspense psychologique, au fantastique et à l’horreur.

Ici, la réalisatrice met en œuvre avec un brio de mise en scène et une jouissance jusqu’au-boutiste cette langue démente, presque autiste, propre aux deux sœurs, jouant de l’emprise dominatrice de l’aînée (September) sur l’autre jusqu’au danger, jusqu’à la cruauté et au climax.

Cette mise en danger permanente de ses personnages intéresse singulièrement Labed et aiguise la tension du film, excellant dans sa veine horreur, plus agaçant dans cette volonté systématique de déranger le spectateur par une perturbation des effets de la réalité.

Il demeure un film dense, imprenable et irréductible dans sa liberté de chercher des zones de déviance ou de visions inaccoutumées pour mieux les incarner avec un son organique, un filmage animal. Un film bourré d’idées de mises en scène. Énigmatique et passionnant.

Bande-annonce : September & July

Fiche technique : September & July

Titre original : September Says
Réalisation : Ariane Labed
Scénario : Ariane Labed, d’après le roman « Sisters » de Daisy Johnson
Direction artistique : Diarmuid Wolfe
Costumes : Saileóg O’Halloran
Photographie : Balthazar Lab
Montage : Bettina Böhler
Musique : [Information non disponible]
Production : Sackville, Cry Baby Productions, Element Pictures, BBC Film, Screen Ireland, ZDF / Arte, Eurimages, Match Factory Productions
Pays de production : Royaume-Uni, France, Allemagne, Grèce, Ireland
Langue originale : Anglais
Genre : Drame
Durée : 100 minutes
Dates de sortie :

• France : 19 février 2025

Distribution :

• Mia Tharia : July
• Amelia Valentina Pankhania : July jeune
• Pascale Kann : September
• Sienna Rose Velikova : September jeune
• Rakhee Thakrar : Sheela
• Niamh Moriarty : Jennifer
• Levi O’Sullivan : Leo
• Charlie Reid : Brad

Synopsis : July fait face à la cruauté du lycée grâce à la protection de sa sœur aînée, September. Leur mère, Sheela, s’inquiète lorsque September est renvoyée, et July en profite pour affirmer son indépendance. Après un événement mystérieux, elles se réfugient dans une maison de campagne, mais tout a changé…

Distinctions :

• Festival de Cannes 2024 : Sélection « Un Certain Regard »
• Festival du film britannique de Dinard 2024 : Hitchcock d’or
• Les Arcs Film Festival 2024 : Prix Universciné