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Prix Police du Festival Reims Polar 2025, Undercover offre une infiltration haletante et très documentée au cœur de l’ETA, la célèbre organisation terroriste basque, pendant les années 1990. Inspiré de l’histoire vraie de l’agent Elena Tejada, qui a participé à l’une des plus grandes opérations menées contre cet organisme, le film d’Arantxa Echevarría a reçu en début d’année les Goyas du meilleur film, de la meilleure réalisation, du meilleur scénario original et de la meilleure actrice. Une œuvre sous haute tension, centrée sur les risques de la profession, qui a naturellement convaincu le jury d’agents et de commissaires.

La réalisatrice espagnole a déjà brossé le portrait de jeunes femmes confrontées à la dureté de leurs milieux. Dans Carmen et Lola, sélectionné à la Quinzaine des réalisateurs en 2017, et Goya du meilleur réalisateur pour un premier film, Arantxa Echevarría s’intéressait au quotidien de deux jeunes femmes d’origine gitane qui vivent dans la banlieue de Madrid. Avec Chinas, elle évoquait l’évolution de deux petites filles chinoises inscrites dans une école espagnole. Undercover, son quatrième long-métrage, compose un thriller bien plus psychologique. En questionnant jusqu’où l’on peut aller au nom de la justice, le film nous plonge dans les tourments d’un métier périlleux et terrifiant en tout instant.

Une vie d’infiltrée

Les films traitant de l’infiltration au sein d’organisations terroristes nous interpellent par leur réalisme. Parfois glaçants, ils nous ont déjà immergés, avec Made in France, dans un groupe extrémiste préparant des attentats sur notre territoire, ou encore, dans La Guerre de l’ombre et Shadow Dancer, au centre de l’IRA, l’Armée républicaine irlandaise. En revanche, très peu de long-métrages se sont intéressés à l’ETA, un sujet encore sensible en Espagne, à l’heure où l’indépendantisme reste prégnant en Catalogne.

Quatre ans plus tôt, Les Repentis d’Iciar Bollain, également inspirés de faits réels, ont mis en scène la rencontre éprouvante entre un ancien terroriste de l’ETA et Maixabel Lasa, la veuve de l’une de ses victimes. Dans la continuité de ce drame qui aborde tant la violence que la rédemption, Undercover retrace une dangereuse mission d’infiltration qui témoigne de l’engagement, aux limites morales contestables, d’officiers de police farouchement déterminés.

Monica, une jeune agent des services de renseignement, est choisie pour se fondre au sein de l’ETA. Ce rôle permanent l’amène à couper tout lien avec son ancienne vie, sa famille et ses collègues. Isolée, condamnée à vivre avec de terrifiants activistes, elle ne peut échanger qu’avec son supérieur, le seul à connaître ses actions dans le groupe terroriste. Surnommé « L’inhumain », ce chef incarné par Luis Tosar, également interprète dans Les Repentis, se montre prêt à tous les sacrifices pour démanteler l’organisation. Confrontée à la concurrence de la Garde civile, la police aspire en effet à obtenir des résultats forts dans ce combat national contre l’ETA.

Grâce à son environnement très réaliste, Undercover retranscrit parfaitement l’atmosphère des années 1990. Équipements, véhicules, barrages routiers et contrôles systématiques témoignent d’une époque loin de la libre circulation actuelle. Bien que filmées en plans serrés, les villes de San Sebastián et de Saint-Jean-de-Luz, tout à fait reconnaissables, composent un cadre à la fois idyllique et oppressant.

Entre l’Espagne et la France, Arantxa Echevarría nous infiltre dans l’existence angoissante de Monica. Au contact de militants basques, dont l’implaccable Sergio Polo Escobés, interprété par un bluffant Diego Anido, déjà effrayant dans As bestas, la jeune femme prend des risques inconsidérés pour mener son objectif à son terme. Undercover met ainsi en exergue le poids psychologique d’une vie sous couverture, de la terreur perpétuelle d’être découverte à la perte progressive d’identité, avec le piège de ne plus réussir à décrocher d’un rôle devenu vital et obsessionnel.

Par ce fardeau psychique, Undercover installe une tension croissante qui nous tient constamment haleine. Avec un rythme endiablé, la réalisatrice espagnole compose un thriller palpitant et renseigne sur une opération de police aussi dangereuse qu’audacieuse. Il reste assez rare qu’un film d’infiltration nous captive autant. Le Mélange des genres, présenté en clôture du Festival, a traité le sujet de façon bien plus légère.

Ce film est présenté en compétition au festival Reims Polar 2025.

Undercover – Fiche technique

Titre original : La Infiltrada
Réalisation : Arantxa Echevarría
Scénario : Arantxa Echevarría & Amèlia Mora
Interprètes : Carolina Yuste, Luis Tosar, Iñigo Gastesi, Diego Anido, Nausicaa Bonnín, Pepe Ocio
Photographie : Javier Salmones
Montage : Victoria Lammers
Musique : Fernando Velázquez
Producteurs : María Luisa Gutiérrez, Mercedes Gamero, Pablo Nogueroles & Álvaro Ariza
Sociétés de production : Bowfinger International Pictures, Beta Fiction Spain, Esto también pasará, Infiltrada LP AIE
Pays de production : Espagne
Distribution France : Wild Bunch Distribution
Durée : 1h58
Genre : Drame, Policier

Quand peut-on pardonner et se faire pardonner ? C’est toute la problématique de The Things You Kill, un drame familial psychologique sur fond de thriller. Alireza Khatami explore les secrets et les traumatismes de son protagoniste à travers un dispositif narratif aussi subtil qu’audacieux. Il nous donne à contempler les reflets d’un homme meurtri par une relation conflictuelle avec la figure paternelle, ainsi que par sa propre quête d’identité.

Synopsis : Après plusieurs années aux États-Unis, Ali retourne s’installer en Turquie avec sa femme. Dans sa ville natale, il retrouve sa famille qui vit un enfer sous le joug terrible de son père. Aussi, lorsque sa mère décède dans des circonstances suspectes, Ali soupçonne-t-il rapidement son père. Aidé par un mystérieux rôdeur qu’il engage comme jardinier, le jeune homme mène une quête vengeresse qui va le confronter au pire des secrets…

Les choses qu’on enterrent

Premier long-métrage du cinéaste iranien Alireza Khatami, Les Versets de l’oubli traite d’une amnésie collective alors que les cadavres s’empilent dans une morgue. Chaque personnage est anonyme, mais le réalisateur conduit ses protagonistes à trouver leur identité, à honorer les morts et à comprendre leur histoire. Il s’agit de thématiques que l’on retrouve dans son dernier film présenté en première française à Reims Polar. Avant cela, Khatami a notamment co-réalisé Chroniques de Téhéran aux côtés de son compatriote Ali Asgari. À la force de plans fixes remarquablement exploités, ce portrait sociétal de l’Iran réussit à déployer tout le cynisme, les absurdités et les contradictions qui en découlent. De même, ce film à sketches parvient à questionner le libre-arbitre de citoyens ordinaires, tout en commentant les motifs de leurs angoisses à travers la banalité de leur quotidien. On pense alors au tout dernier plan du film, annonçant la fin du monde, un effondrement total des immeubles et de la société. La symbolique va encore plus loin dans The Things You Kill, où tous les moyens mis en place par le personnage principal pour cacher ses péchés, son passé ou ses fantômes ne l’aident pas nécessairement à faire la paix avec sa famille.

Quelle est donc cette fameuse « lumière » qu’il s’agit de tuer ? La première scène interroge immédiatement, où l’on semble décrire un mauvais rêve, dont aucun personnage ne semble être sorti. Cette interrogation trouvera davantage de sens et de réponses tout le long d’un récit qui parsème ses indices avec beaucoup de malice. Ces indices ne passent pas uniquement par des répliques, mais également par sa mise en scène de courtes séquences, comme lorsqu’Ali (Ekin Koç) s’infiltre dans une maison avant de se trouver une cachette. Là où la narration ajoute de la confusion à l’évolution des personnages, c’est bien à cause du montage, suggérant tout un tas d’ellipses dans le deuxième acte. Pourtant, s’il ne s’agit pas d’un choix artistique volontaire, cette confusion est indubitablement justifiée dans la dernière scène du film, faisant écho à la mystérieuse ouverture.

Les choses que l’on rallume

Entre ces deux extrémités, l’intrigue suggère un récit de vengeance portée par Ali, qui en sait assez sur l’étymologie du mot « traduction » pour savoir qu’il est nécessaire de supprimer, voire de détruire, un élément antérieur pour en créer un autre. C’est dans cette bascule que le réalisateur développe l’introspection de son personnage tourmenté. Ali peine à concevoir un enfant avec sa femme Hazar (Hazar Ergüçlü) et doit également faire face aux comportements suspicieux de son beau-père Hamit (Ercan Kesal) auprès de sa défunte mère durant son absence. Cette absence est de nouveau renforcée à la suite d’un événement tragique, où Ali s’efface peu à peu derrière Raza (Erkan Kolçak Köstendil), un jardinier qu’il engage pour entretenir ses terres arides et pour réparer un puits qui se serait « effondré de l’intérieur ». La métaphore est assez claire pour que les décors du film se confondent avec l’espace mental d’Ali, de plus en plus acculé dans l’obscurité. Ses « crimes et châtiments » seront bientôt déterrés, mais dans le temps de réflexion qu’il lui reste, il se décide enfin à confronter sa sœur et sa femme pour révéler une douleur enfouie, expliquant au passage sa fuite vers les États-Unis et son choix pour le type d’étude suivi.

Alireza Khatami s’inspire de son expérience personnelle pour se défaire d’un poids de conscience similaire. Il choisit Ali comme réceptacle de sa thérapie, où il remet en question le lien de filiation père-fils. S’il est coutume de dire qu’on ressemble à nos parents en grandissant, Ali souhaite ardemment s’en défaire. Les femmes ne sont pas les seules à tomber sous le joug du patriarcat, car certains hommes en souffrent aussi. Ali se bat pour lui-même, des deux côtés du miroir qui fragmente son âme et sa personnalité. Le film n’est certainement pas le plus facile à suivre si on ne s’accroche qu’à sa dimension policière, sur fond de parricide, ou à la crise familiale qu’on dépeint. C’est dans l’amalgame de tous ces éléments que le protagoniste trouve la force de se confesser et d’obtenir une image nette de lui-même.

Avec The Things You Kill, la compétition Reims Polar a certainement trouvé son scénario le plus sophistiqué, le plus intime et le plus émouvant de son auteur. Alireza Khatami impressionne par sa mise en scène qui génère de l’étrangeté sans abuser des ressorts du polar. Les Ombres persanes avait déjà réussi cet exploit et ce film confirme un savoir-faire indéniable qui ne saurait tomber dans l’oubli. Un coup de cœur à rebours, mais un coup de cœur mérité !

Ce film est présenté en compétition au festival Reims Polar 2025.

The Things You Kill – Bande-annonce

The Things You Kill – Fiche technique

Réalisation et Scénario : Alireza Khatami
Interprètes : Ekin Koç, Erkan Kolçak Köstendil, Hazar Ergüçlü, Ercan Kesal
Photographie : Bartosz Swiniarski
Montage: Selda Taşkin, Alireza Khatami
Producteurs : Caio Gullane, Fabiano Gullane, André Novis, Fernando Coimbra, Luís Galvão Teles & Gonçalo Galvão Teles
Pays de production : France, Pologne, Canada, Turquie
Distribution France : Le Pacte
Durée : 1h53
Genre : Drame

Le Domaine

Réalisé par Giovanni Aloi, il raconte l’histoire de Damien, un étudiant en perdition […]

Giovanni Aloi retrouve Dominique Baumard (également réalisateur de Les Règles de l’art, présenté en avant-première à Reims Polar) au scénario, après son premier long-métrage, La Troisième guerre. Le cinéaste italien y explorait le sentiment d’insécurité au cœur de l’opération Sentinelle à Paris, du point de vue d’une recrue bousculée entre la théorie et la pratique. Et c’est avec quelques paires de bras supplémentaires qu’un projet aux ambitions similaires voit le jour. Librement inspiré de la « Tuerie de Belhade », qui a eu lieu dans les Landes en 1985, où des meurtres ont été commis dans un relais de chasse, qui aurait servi de repère pour des activités de proxénétisme. L’affaire est empreinte de complexité tant les témoignages diffèrent et que les motivations des assassins soient encore inexplicables. L’émission Faites entrer l’accusé en a d’ailleurs dédié un épisode. Giovanni Aloi nous transporte à Saint-Nazaire pour nous livrer sa version de l’histoire.

Tout l’argent du monde

Les études sont chères et la vie peut être bien rude pour des jeunes sans avenir, prêts à échanger leur dignité contre un peu d’argent. C’est le cas de Damien, sans but, sans famille et sans vrais d’amis. Il espère cependant devenir quelqu’un au-delà du campus ou du restaurant de burgers, où il ne fait que tourner en rond pendant son service. C’est Malaury (Patrick d’Assumçao) qui lui offre cette opportunité, en lui offrant une place de serveur, de chauffeur, puis de garde-chasse au domaine tenu par Pasquini (Raphaël Thierry). Un réseau de trafics louches se met alors en place, où le jeune homme, incarné par Félix Lefebvre, découvre les combines. Faute d’y chasser le gibier pour sa viande ou sa fourrure, le duo de lascars cherche à faire fortune en transformant leur domaine en maison close en pleine nature, avec option paintball pour les amateurs. Aloi parvient à faire du Château de Coislin le théâtre d’un piège insidieux qui se referme autant sur les proies que sur les prédateurs.

Tout comme dans La Troisième guerre, le cinéaste italien évoque la dissociation entre son protagoniste et la réalité. Dans Le Domaine, elle passe essentiellement par la voix off de Damien, qui traverse le récit. Incapable de faire ses propres choix, ni de penser par lui-même, le jeune étudiant se laisse embrigader malgré lui dans un jeu dans lequel il ne ressort jamais gagnant. Ce dernier se parle comme pour se repentir, mais sa culpabilité est-elle véritablement le sujet de l’histoire ? Ne serait-il pas une victime de plus, à qui l’on a confié un fusil chargé à des fins dissuasif ? Toutes ces dissonances offrent une belle lecture du personnage sur le papier. Aloi a beaucoup de choses à raconter sur la trajectoire de son personnage, mais cela transparait péniblement à l’écran, noyé dans des effets de styles. Elles font leur effet le temps de l’exposition, mais leur redondance révèle toute l’artificialité du dispositif. De même, apporter de la couleur sur la ville portuaire de Saint-Nazaire, habituellement terne et d’un teint bétonneux, en comparaison de la psyché de Damien est une bonne idée. Cependant, on n’y perçoit aucune finalité aux abords du pont levant, aux docks de nuit, si ce n’est la traversée de l’immense pont routier à la sortie de la ville. Cette passerelle constitue à la fois une frontière avec ses activités sordides et un moyen pour Damien de se reconnecter à la vie étudiante qui lui échappe. Il en va de même pour des relations personnelles, où il s’efface comme le spectre d’un condamné par anticipation.

Dans la gueule des loups

Et quand bien même, le récit s’acharne à rester dans le viseur de Damien et de sa subjectivité, il nous laisse assez peu de choses à suggérer autour des personnages secondaires qui peuplent le domaine. Qu’il s’agisse de Celia (Lola Le Lann, révélée dans Un moment d’égarement) ou son associée Daria (Lina-Camélia Lumbroso), seul Patrick d’Assumçao parvient à tirer son épingle du jeu avec son personnage frustré et ambitieux. On comprend surtout que l’impasse, à laquelle ils se confrontent tous et qui les rassemble dans ce lieu maudit, les vampirise au plus profond de leur âme. Tous ont espéré tromper leur manque de reconnaissance, de solitude ou d’argent dans ce relais de chasse. Certaines jouaient à la princesse dans sa tour dorée, certains fantasmaient sur leur réussite mafieuse et d’autres s’identifiaient comme des chasseurs hors pairs. C’est un cycle de déni qui se lit dans le comportement de chaque personnage, qui portent en eux toutes les contradictions possibles jusqu’à ce qu’un égarement de trop fasse tout basculer.

Au-delà du fait divers qui l’a inspiré, Le Domaine raconte l’ascension chaotique d’un jeune homme qui a rêvé trop tard de sa liberté et de ses désirs. L’idée est séduisante, mais le problème majeur réside dans le fait que tout le dispositif narratif en voix off rend son personnage errant imperméable émotionnellement. Nous ne faisons que surnager dans sa conscience, malgré un décalage permanent entre ses mots et son attitude passive. Parler de la fin de l’innocence à travers les codes du film noir est toujours stimulant, mais c’est malheureusement de la lassitude qui se dégage de cette œuvre chimérique et confuse.

Ce film est présenté en avant-première au festival Reims Polar 2025.

Le Domaine – Bande-annonce

Le Domaine – Fiche technique

Réalisation : Giovanni Aloi
Scénario : Sébastien Gendron, Dominique Baumard, Giovanni Aloi, Thierry Lounas, Claire Bonnefoy
Interprètes : Félix Lefebvre, Patrick D’Assumçao, Lola Le Lann, Lina-Camélia Lumbroso, Raphaël Thiéry, Rachid Guellaz
Photographie : Martin Rit
Prise de son : Jean Collot
Décors : Florent Chicouard
Montage image : Rémi Langlade
Montage son : Fabien Bellevaire, Geoffrey Perrier
Musique : Frédéric Alvarez
Mixage : Aymeric Dupas
Producteur : Thierry Lounas
Société de production : Capricci
Coproduction : Wild West
Direction de la production : Danaé Raevel
Pays de production : France
Distribution France : Capricci
Durée : 1h31
Genre : Thriller
Date de sortie : 14 mai 2025

Peut-on vivre au paradis toute sa vie ? C’est la question qui se pose dans Islands, de Jan-Ole Gerster. Un homme semble piégé dans une routine qui le confine à l’alcoolisme et aux mêmes gestes sur le court de tennis où il entraine de nombreux touristes. Une vie de vacances remplie de rencontres mais vidée de toute perspective d’avenir. Le cinéaste allemand utilise une mise en scène cérébrale pour bousculer et réveiller son personnage désœuvré et sans volonté.

Synopsis : Entraîneur de tennis dans un hôtel de luxe situé sur une île, Tom partage son temps libre entre soirées alcoolisées et aventures d’un soir. L’arrivée de la famille Maguire le sort de sa routine et Tom noue rapidement une relation avec Anne, son mari Dave et leur fils Anton. Tom ne parvient pas à se débarrasser du sentiment d’avoir déjà rencontré Anne et cette impression étrange ne cesse de se renforcer à mesure de leurs échanges. Jusqu’au jour où Dave disparaisse et que l’enquête de la police désigne Anne et Tom comme suspects.

Déjà intéressé par le portrait d’une génération berlinoise en errance avec Oh Boy en 2012, Jan-Ole Gerster continue d’explorer cette thématique à travers le regard d’un seul homme, perdu dans des limbes qui servent d’évasion aux touristes. À Fuerteventura, une des îles Canaries où l’été n’en finit jamais, Tom se console d’une carrière professionnelle de tennis en tapant des balles avec mollesse le jour et en succombant à la débauche la nuit tombée. Sans savoir où il va se réveiller, sans avoir de sens à donner à sa vie dans cet hôtel où les relations sociales semblent inaccessibles. Tom passe régulièrement voir une hôtesse d’accueil, María (interprétée par Bruna Cusí, que l’on a croisé dans Border Line), en coup de vent pour lui demander un service. Jamais ils ne se croisent en dehors de leurs services, et un comptoir surélevé les sépare constamment. Rien n’est constant ou stable chez Tom, qui va tout remettre en question à l’arrivée d’une famille en manque de confiance.

L’île des tentations

Ce jour ne ressemble à aucun autre sur cette « île des enfants perdus », et cela sonne comme une évidence pour Tom, qui a rapidement affaire à une femme fatale selon Hitchcock. Stacy Martin, que l’on a récemment aperçue dans The Brutalist, n’a pas besoin de forcer sur son charme naturel pour camper ce personnage ambigu. En face d’elle, Sam Riley (Control, Sur la route, Radioactive, Orgueil et Préjugés et Zombies) ne peut que s’incliner. Mais plus question pour lui de vivre uniquement à travers les histoires des autres, notamment celle où il aurait surclassé le service de Rafael Nadal. Alors qu’une complicité se crée graduellement entre eux, la soudaine disparition de Dave (Jack Farthing), le mari d’Anna, les met à l’épreuve. Il choisit alors de combler ce trou béant dans cette famille en apportant son soutien, jusqu’à prendre leur jeune fils Anton (Dylan Torrell) sous son aile. Mais peut-il vraiment prendre la place de Dave ? Comment peut-il transformer son fantasme en réalité ? Peut-il seulement grandir ?

Sam Riley possède ce jeu subtil, où sa présence et sa physicalité sont décisives. Gerster parvient à entretenir le mystère à travers son regard qui reprend peu à peu goût à la vie, quitte à se montrer un peu brusque envers les autres personnages que côtoie régulièrement Tom. Le cinéaste allemand travaille aussi rigoureusement l’enchainement de ses plans en noyant Tom dans les décors désertiques ou en répétant des plans similaires à la routine matinale de Phil Connors dans Un jour sans fin. Cela devient cependant plus bancal dans le traitement de la tension amoureuse, alors que la police locale est aux abois pour retrouver toute trace de Dave. La belle musique de Dascha Dauenhauer ne suffit pas à compenser les longueurs d’une intrigue qui s’étire encore et encore. Islands est audacieux et subtil par instant, mais le fait d’adapter le rythme du récit au train de vie paresseux de Tom peut en gêner plus d’un. D’autant plus que cette œuvre se prête moins au jeu du polar que les autres films en compétition. On peut au moins se consoler d’avoir découvert un drame bien ficelé, avec un discours poignant sur la fin d’une époque, la fin d’une jeunesse éternelle.

Ce film est présenté en compétition au festival Reims Polar 2025.

Islands – Fiche technique

Réalisation : Jan-Ole Gerster
Scénario : Jan-Ole Gerster, Blaž Kutin, Lawrie Doran
Interprètes : Sam Riley, Stacy Martin, Jack Farthing, Dylan Torrell, Pep Ambròs, Bruna Cusí, Ramiro Blas
Photographie : Juan Sarmiento Grisales
Montage: Matthew Newman, Antje Zynga
Musique : Dascha Dauenhauer
Producteurs : Jonas Katzenstein, Maximilian Leo
Société de production : Augenschein Production
Coproduction : Leonine Studios, Schiwago Film
Pays de production : Allemagne
Distribution internationale : Protagonist Pictures
Durée : 2h03
Genre : Comédie, Drame, Thriller