LeMagduCiné

Avec cet album qui présente une histoire complète, nous retrouvons Bruno Duhamel, déjà auteur de plusieurs albums chez le même éditeur. Surprise quand même, puisqu’ici il est scénariste, alors qu’au dessin nous trouvons le chevronné David Ratte. Autant dire que le duo trouve ses marques aisément, pour proposer un album qui, sans viser le chef d’œuvre, s’avère plus qu’honorable.

A Paris, de nos jours, deux hommes vivent dans des cahutes voisines en bord de Seine. Théo doit avoir la soixantaine, Français plutôt rondouillard et râleur voire donneur de leçons. Amir, la trentaine, réfugié Kurde, plutôt grand et élancé, s’exprime dans un français approximatif. Bien entendu, ils constituent un duo de circonstances. En fait, même s’il ne le dit pas, Théo n’a qu’une crainte, c’est qu’Amir trouve les moyens de voler de ses propres ailes et que lui-même se retrouve à nouveau très isolé alors qu’il sent le poids des ans s’accumuler. Il supporte donc les cauchemars d’Amir (enfin un seul, récurrent, qui montre à quel point le jeune homme est marqué par ce qu’il a vécu dans son pays avant de le fuir) qui l’amènent à hurler en pleine nuit et par conséquent réveiller son voisin. Alors, quand Théo recueille un jeune chien qui lui apporte un peu de chaleur et de sécurité, Amir se voit plus ou moins contraint d’accepter l’animal, alors qu’il ne supporte pas les chiens.

Une thématique surprenante

Bien évidemment, quand on vit sous les ponts, on doit s’attendre à quelques moments difficiles. Théo a transmis à Amir tout ce que ses longues années de cloche lui on apprit, mais cela n’empêche pas les mauvaises rencontres, qui vont du policier au jeune voyou agressif, en passant par des joggeurs ainsi qu’une famille à la recherche d’un chien perdu. D’emblée, on sent Duhamel inspiré, car son scénario nous sort des sentiers battus pour nous emmener vers des situations peu propices au bon goût. Visiblement, le duo ne recherche pas quelque chose qui serait trop grand public, puisqu’ils s’arrangent pour placer quelques réflexions et allusions sur la condition humaine et l’état de notre société. Cela nous change donc agréablement de Deux sœurs (2024) le dernier album solo de Duhamel. Outre le choix de deux marginaux comme personnages principaux, l’album nous vaut une charge bien sentie contre tout ce qui tourne autour des artistes. Il est question des effets du succès, aussi bien sur son auteur que sur son entourage, ce qui dénote une vraie réflexion d’un artiste qui a pris le temps de relativiser sa position dans la société. D’ailleurs, c’est un sujet que Duhamel aborde toujours avec pertinence, puisqu’il était à la base du scénario de son album Le retour (2017) que je considère comme son meilleur à ce jour. Ici, sans atteindre l’excellence, Duhamel et Ratte harmonisent leurs efforts pour produire un album à l’agréable format (32,2 x 24,3 cm pour 62 planches) où les péripéties s’enchainent pour nous valoir un bon moment de lecture. En première impression, le dessin pourrait passer pour une œuvre de Duhamel. Les silhouettes et les visages sont bien caractérisés et différenciés, les mouvements parfaitement rendus et les couleurs globalement douces (à l’image de celles de l’illustration de couverture) cosignées Atomix et David Ratte apportent un plus, même si celui-ci oriente davantage l’album vers le grand public.

Travail soigné

On retient un découpage de qualité qui évite les temps morts. L’album évite également les dialogues inutiles, avec une capacité à faire avancer l’intrigue en montrant avant tout les actions des personnages, ce qui s’avère souvent très largement suffisant, preuve que les auteurs maîtrisent bien le langage du neuvième art. L’organisation des planches est irréprochable, avec une diversité des tailles et formes des vignettes au service de l’intrigue. D’autre part, l’ensemble s’avère d’une belle lisibilité et nous réserve quelques situations où l’humour est bien présent. C’est donc un album tout public plutôt bien pensé et organisé. Le décor parisien sert bien l’album (et réciproquement). On note au passage que les auteurs s’amusent avec divers affichages bien visibles qui apportent une touche d’ironie qui fait son effet.

Whisky – Bruno Duhamel (scénario) ; David Ratte (dessin et couleurs) ; Atomix (couleurs)
Bamboo Édition (collection Grand Angle) : sorti le 28 mai 2025

Avec L’Amourante, Pierre Alexandrine propose aux éditions Glénat une bande dessinée singulière, articulée autour d’une variation subtile et féministe sur le mythe de l’amour éternel et du corps soumis au regard des autres.

A priori, rien ne permet de distinguer Louise de ses pairs. Elle n’est pourtant pas une héroïne comme les autres. Sous ses traits avenants et graciles, cette jeune femme cache sa nature d’amourante : une créature dont l’éternelle jeunesse dépend des sentiments qu’on lui porte. Aimer Louise, c’est lui offrir le temps ; cesser de lui accorder ses grâces, c’est l’exposer à une inexorable dégradation physique, plus rapide encore que pour le commun des mortels. Ce pouvoir fascinant tient à la fois de l’aubaine et de la damnation, car il agit sur Louise comme un fardeau moral et affectif. La contrepartie en est effectivement aussi cruelle qu’inévitable : devoir susciter l’amour sans jamais se l’autoriser.

Le récit s’amorce à la suite d’une conversation : Zayn, jeune homme éperdu, cherche à comprendre pourquoi Louise l’a si brusquement quitté. Il pensait avoir rencontré la femme de sa vie. La confession de cette dernière l’entraîne alors – et nous avec – dans un vertigineux voyage à travers les siècles. De la guerre de Cent Ans à l’Europe des Lumières en passant par les heures sombres de la chasse aux sorcières, Louise dévide le fil d’une vie marquée par la peur de vieillir, l’obsession de plaire et la solitude inhérente à sa condition. Pour conserver une jeunesse éternelle, elle doit susciter le désir, la peine, exposer les hommes au désarroi tout en s’échinant à ne pas leur accorder la moindre affection.

Sous ses airs de romance fantastique, L’Amourante questionne des thématiques éminemment contemporaines : l’emprise du regard masculin sur le corps des femmes, les injonctions à séduire, la peur du vieillissement et l’ambiguïté du pouvoir que confère la beauté. Les figures féminines habituellement diabolisées – sorcières, succubes, amantes fatales – sont revisitées avec un regard moderne, quelque part entre Dracula (les larmes remplacent ici le sang) et Dorian Gray.

Malgré des siècles d’existence, Louise conserve une lucidité mélancolique sur le jeu de dupes auquel elle est condamnée : manipuler les cœurs sans s’y attacher, sous peine de perdre l’immortalité. Et quand elle confie sur sa condition plus amère que douce, on perçoit sans mal toute la gravité de son destin. C’est d’ailleurs en vertu de cette solitude qu’elle développe des liens de sororité avec Dame Eleanor, qui l’initie et l’accompagne durant une bonne partie de l’ouvrage.

Autre aspect intéressant de L’Amourante : chaque époque traversée par son  héroïne est dotée de sa propre atmosphère visuelle, des ruelles du Paris médiéval aux fastes vénétiens de la Renaissance. C’est dans ce cadre joliment mis en vignettes que se déploie le portrait d’une femme libre mais paradoxalement prisonnière d’un pouvoir qui la dépasse. Pierre Alexandrine signe un premier album d’une grande ambition, aussi élégant qu’intelligent. Une œuvre singulière, où le male gaze et la vanité des sentiments occupent plus que des seconds rôles. 

L’Amourante, Pierre Alexandrine 
Glénat, juin 2025, 232 pages

Dans Squad, roman graphique signé Maggie Tokuda-Hall et Lisa Sterle, les adolescentes ne se contentent plus de rêver d’émancipation : elles la dévorent et la hurlent les nuits de pleine lune. Ce récit aux allures de teen drama fantastique prend rapidement une tournure bien plus profonde et dérangeante, dans un écrin graphique aussi acidulé que trompeur.

Becca, lycéenne fraîchement débarquée dans une banlieue huppée de San Francisco, tente de s’intégrer dans son nouvel environnement. Complexée, sur la réserve, en quête de reconnaissance, elle est comme tant d’autres héroïnes adolescentes. Jusqu’à ce que Marley, Amanda et Arianna, les reines du lycée, l’intègrent dans leur « squad »… avec une facilité quelque peu suspecte. Une popularité tombée du ciel ? Plutôt d’un croissant de lune… Car les trois amies ne sont pas juste influentes : elles sont aussi des loups-garous. Littéralement.

Là où Squad surprend, c’est dans son articulation ingénieuse entre le registre fantastique et un propos sociétal engagé. Le pacte sanglant que Becca se voit proposer ne concerne pas seulement une transformation surnaturelle : c’est un rite de passage, un contrat moral, une métaphore éclatante de la sororité. Les proies de ces louves ne sont pas choisies au hasard : elles traquent les prédateurs sexuels, les garçons « bien sous tout rapport » qui se fichent du consentement. Une justice sauvage, viscérale, presque mythologique, qui entend rebattre les cartes du genre.

Le féminisme qui irrigue l’œuvre n’a rien de performatif. Il est radical et incarné. Il oppose à la culture du viol une revanche sanglante. Le tout dans un habillage teenage volontairement trompeur : palette pastel, esthétique de magazine Seventeen, références pop qui masquent à peine la noirceur de la trame. Lisa Sterle donne ici à voir un monde visuellement séduisant, mais fondalement sépulcral. Tellement que les mêmes les mères cherchent à promouvoir des relations socialement construites (le discours sur le népotisme…) plutôt que saines et sincères.

Mais Squad explore aussi les questions de genre, d’identité et d’orientation sexuelle. Becca craint le harcèlement lié à son homosexualité. La relation qui se noue avec Marley est progressive. Elle n’a rien de l’idylle artificielle : elle dit le désir de se reconnaître dans l’autre, de ne plus être honteuse de qui l’on est. Cela fait d’autant plus sens dans un groupe régi par l’image : vêtements triés sur le volet, popularité indexée au désir des autres, stratégies éhontées pour être couronnée reine du bal…

Squad n’a rien d’une simple série B pour ados. Sous ses airs inoffensifs, il dissimule une critique sociale vive. Ici, les filles ne sont pas des proies mais des prédatrices. Les rôles sont inversés, les normes sociales déconstruites, les codes du teen movie dynamités. Il y a du Buffy ici : la vengeance comme outil de réappropriation, le monstre comme allégorie du pouvoir féminin. Il est aussi intéressant de noter que c’est la disparition d’un fils de bonne famille qui alerte le FBI ; la justice apparaît socialement connotée dans Squad.

Le tandem Tokuda-Hall/Sterle signe ici un objet hybride, séduisant et inquiétant, comme un bonbon acidulé qui vous écorcherait la langue. Une bande dessinée à double lecture.

Squad, Maggie Tokuda-Hall et Lisa Sterle
Delcourt, juin 2025, 224 pages

On le sait, les déclinaisons de formats et d’éditions se multiplient, avec plus ou moins de succès. C’est précisément ce que propose Glénat avec sa collection « Glénat BD poches » : une ligne claire et dense, pensée pour élargir le lectorat sans sacrifier la qualité, pour remettre en lumière des œuvres fortes et offrir aux lecteurs des récits de fond dans un écrin de poche. Sept nouveaux albums sont à découvrir sans tarder.

A5. 10 euros. Couverture brochée, rabats généreux et papiers choisis. Le format parle de lui-même : compact mais élégant, économique mais soigné. Il ne s’agit pas ici d’une réduction au rabais, mais d’un geste éditorial réfléchi, un compromis intelligent entre portabilité, accessibilité et respect du matériau d’origine. Avec une pagination comprise entre 100 et 300 pages, chaque volume de la collection « Glénat BD poches » s’offre comme un univers graphique transportable dans un sac de ville, une BD nomade pensée pour l’ère des trajets éclairs et des lectures buissonnières.

Pour cette seconde salve, Glénat frappe fort. Sept titres issus de son catalogue, sept œuvres où se croisent l’intime et le politique, l’Histoire et l’imaginaire, la fiction et le documentaire. Chaque volume est un microcosme qui, dans son genre, tend un miroir aux obsessions, violences, fantasmes ou silences de notre époque.

Les albums

Commençons par ce qui nous apparaît comme l’œuvre-phare : Le Patient, de Timothé Le Boucher. Un thriller psychologique et des jeux de miroirs à la lisière de l’inconscient. Ce roman graphique plonge dans les replis d’une mémoire traumatique. À la croisée de Shutter Island et des labyrinthes freudiens, l’œuvre manipule le lecteur avec une précision diabolique, dans le sillage d’un adolescent victime dont les reliefs psychologiques restent longtemps insondables. Entre hypnose, résurgence et faux-semblants, avec des pulsions meurtrières et sexuelles en toile de fond, le doute est ici fait roi. 

Avec Patrick Dewaere, Laurent-Frédéric Bollée, Maran Hrachyan et Noël Simsolo proposent tout autre chose. On a affaire à un portrait graphique à la fois elliptique et viscéral de l’enfant terrible du cinéma français. Loin de l’hagiographie, l’album interroge la douleur à vif, les déchirements d’un acteur qui voulait tout dire et tout brûler. C’est une plongée dans une époque, une galerie de figures (Coluche, Depardieu, Blier…) et une âme en feu. Dewaere, c’est le génie à fleur de peau, et ce livre en restitue admirablement les éclats comme les failles.

Méto explore un autre registre. Yves Grevet, Lylian et Nesmo y interrogent le contrôle, la surveillance et l’enfermement. Dans une maison régie par des règles strictes et des châtiments opaques, un groupe d’adolescents tente de comprendre les lois qui conditionnent le système qui les accable. L’album, aux allures de parabole politique, pose des questions fondamentales : qu’est-ce qu’un individu libre ? Quelle marge de manœuvre avons-nous dans une société normée ? Un récit initiatique teinté d’urgence. 

D’urgence, il est également question dans Fukushima : Chronique d’un accident sans fin, de Bertrand Galic, Roger Vidal, Pierre Fetet. Peut-être le récit le plus « nécessaire » du lot. Cette immersion dans les entrailles de la centrale nucléaire de Fukushima Daiichi, durant les cinq jours suivant le séisme de 2011, est un modèle de bande dessinée documentaire. Au fil des planches dominées par le gris et le bleu, on suit des hommes seuls face à l’aveuglement d’une hiérarchie, la défaillance politique et la brutalité du réel. Galic et Vidal mettent des visages sur l’impensable et restituent, sans pathos, la dignité tragique de ceux que l’on oublie vite dans les bilans officiels.

Christophe Chabouté y va également de son titre, avec Terre-Neuvas. Un noir et blanc hypnotique nous embarque sur la Marie-Jeanne, dans les ténèbres de l’océan et de l’âme humaine. L’album mêle chronique sociale et suspense poisseux : un huis clos marin hanté par un assassin, mais aussi par la dureté du quotidien, le poids du silence et la fatalité. Récit initiatique, hommage aux oubliés de la mer, thriller existentiel : c’est tout cela à la fois.

Avec Une Histoire Corse, Glen Chapron et Sarah Murat retracent le parcours d’une jeune femme revenue sur les terres de ses ancêtres. Ce roman graphique, articulé autour de deux parties distinctes (famille-mémoire, mafia-tragédie), interroge l’omerta, la mémoire familiale et le rôle des femmes face à la violence des hommes. La narration joue subtilement du va-et-vient entre passé et présent, porté par un dessin qui conjugue précision et suggestion, couleurs vives et teintes sépia. Si le récit peut parfois flirter avec les stéréotypes insulaires, sa force réside dans sa dimension féminine et sa capacité à faire émerger une parole longtemps étouffée.

Sang de Sein, de Patrick Weber et Nicoby, complète un ensemble de très bonne facture. La fiction et la réalité se mélangent dans l’ombre d’un écrivain à succès. Haletant, choral, parfaitement mené, le récit ne ménage pas les surprises et les rebondissements. 

Plus qu’un catalogue, une vision

On  peut donc voir l’articulation habile entre diversité formelle (du thriller à la biographie, du documentaire à la fiction sociale) et cohérence thématique. Tous ces titres explorent des zones de fracture : trauma individuel (Le Patient), trauma collectif (Fukushima), injustice sociale (Terre-Neuvas), enfermement symbolique (Méto), quête identitaire (Une Histoire Corse), mythe personnel (Dewaere). Chaque livre est une tentative de compréhension du réel, à travers des récits incarnés, exigeants, mais accessibles.

La collection assume aussi un engagement éditorial fort : donner à lire, mais surtout donner à penser. À rebours des BD de pur divertissement, les Glénat BD poches misent sur la résonance émotionnelle, l’intelligence narrative et la portée critique. Des albums qui interrogent, qui bousculent, qui exposent le lecteur à des points de vue souvent complexes et nuancés.

« Glénat BD poches » s’apparente finalement à une collection modeste dans son format mais ambitieuse dans sa portée. Elle offre une porte d’entrée idéale pour explorer les richesses de la bande dessinée actuelle. Et surtout : sept excellentes raisons de lire.

Un cargo bat pavillon d’un réalisme grinçant. Dans Cargo – Pavillon barbare, Bruno Costès et Clément Belin s’aventurent sur les flots agités d’une fiction délibérément chaotique. Et le moins qu’on puisse dire, c’est que le voyage ne sera pas de tout repos. C’est à découvrir aux éditions Delcourt.

Le point de départ est limpide. Presque anodin. Stanislas, pilote professionnel, est hélitreuillé sur le M/S Pandora pour le guider en Manche. Il ne devait rester que quelques heures à bord. Mais dès ses premiers pas sur le pont, la routine prend l’eau : capitaine imbibé, mutinerie larvée, clandestins à la cale et équipage à la dérive. En un clin d’œil, le navire devient une arche de naufragés modernes, théâtre flottant d’un huis clos tendu et burlesque. L’odyssée commence.

La construction narrative est l’un des plaisirs majeurs de l’album. L’arrivée de chaque nouveau personnage relance l’intrigue via un judicieux procédé de flashbacks. À chaque escale humaine – qu’il s’agisse d’un passager clandestin, d’un réfugié recueilli ou d’un mystérieux survivant – l’histoire recule dans le temps, remontant la chronologie du chaos. Ce jeu de poupées russes scénaristiques, qui nous fait reculer de deux jours, une semaine, dix jours, fonctionne à merveille : il donne à chaque figure son ancrage, son mystère, et révèle peu à peu l’ampleur du naufrage moral et logistique en cours.

Mais ce moteur narratif, aussi brillant soit-il, s’essouffle une fois la galerie de personnages au complet. Le dernier tiers de l’album, malgré quelques scènes d’un comique désespéré, perd de sa verve. Le récit tourne alors un peu en rond, hésitant entre critique sociale, farce noire et désœuvrement existentiel. On en vient à regretter l’énergie du début, les twists malins et les personnages qui semblaient surgir du néant avec un certain panache.

Le vrai tour de force du duo Costès-Belin réside dans un savant mélange d’humour absurde et de réalisme poisseux. Il y a chez eux une connaissance fine des mondes maritimes, des routes commerciales et des absurdités logistiques de notre époque globalisée. Le Pandora est promis à la casse, l’armateur se lave déjà les mains de toute catastrophe à venir, et pourtant, la vie grouille encore sur ce squelette d’acier. Les dialogues – vifs, parfois vachards – s’imprègne d’une ironie douce-amère.

Surtout, Cargo – Pavillon barbare évite habilement le piège du manichéisme. Dans cet espace clos où chacun tente de surnager, il n’y a ni méchants parfaits, ni victimes idéales. Tous ont leur part de responsabilité, leur part d’aveuglement. Ce refus des schémas simplistes donne au récit une humanité désarmante. La seule figure vaguement stable est celle de l’officier en second, Hélène Blandin – seule femme à bord, seule voix encore sensée. Mais même elle semble embarquée dans cette farce tragique, à la fois lucide et impuissante.

Le récit aborde de manière subtile plusieurs enjeux sociaux contemporains : migrations, condition féminine, cynisme des grands groupes maritimes, exploitation des hommes comme des bateaux. Et s’il ne prétend aucunement faire œuvre de militantisme, il montre avec justesse combien l’économie mondialisée charrie de détresse humaine, d’injustices invisibles et de solitude.

Original et foisonnant, Cargo – Pavillon barbare est une tragi-comédie maritime qui déroutera autant qu’elle captive. Une croisière à recommander à ceux qui n’ont pas peur de perdre le nord – mais qui savent qu’en littérature comme en mer, les dérives sont parfois plus fécondes que les traversées rectilignes.

Cargo : Pavillon barbare, Costès et Clément Belin
Delcourt, juin 2025, 168 pages

Chez Gotlib, la musique n’était ni un accompagnement ni une simple influence : c’était un véritable carburant. Un tremplin vers l’absurde, un complice discret tapi dans les marges de ses planches. Le nouvel opus de la collection Les Jolis P’tits Cultes, sobrement intitulé Gotlib et la musique, explore cette passion dévorante qui infusait ses cases d’une fantaisie mélodique souvent jubilatoire.

Mélomane insatiable, guitariste amateur, adorateur éperdu de Brassens – en lequel il voyait un « père de substitution » –, Gotlib vibrait aussi pour les Beatles, qu’il a suivis religieusement de leurs débuts jusqu’aux moindres balbutiements de leurs carrières solos. Et puis il y avait Spike Jones, ce maître du délire musical, dont les morceaux faits de sifflets, casseroles et bruits incongrus semblent avoir trouvé en Gotlib un héritier graphique. Tous ces rapports artistiques et – quelque part – affectueux, l’album les retranscrit à merveille.

Ce dernier mêle dessins, inédits, documents rares et témoignages, et revient aussi sur ce paradoxe gotlibien : une inventivité délirante, que d’aucuns attribuaient à des substances illicites, mais qui semble finalement trouver sa source dans les connexions que l’auteur et dessinateur établissait avec son environnement culturel (et donc musical) immédiat. Car, on le verra, les ponts sont nombreux entre le Gotlib mélomane et le Gotlib artiste. 

Le tout se lit comme une partition rondement menée : on y croise la rigueur du classique, l’élan libertaire du rock, l’ironie tendre de la chanson française. Une playlist Spotify vient même prolonger l’expérience, comme si l’on pouvait enfin écouter la bande-son d’une œuvre dessinée. Ainsi, avec Gotlib et la musique, Fluide Glacial rend un hommage sensible, érudit et drôle à un auteur qui faisait swinguer la case comme d’autres le font avec une guitare.

Gotlib et la musique, collectif 
Fluide glacial, juin 2025, 72 pages

Dès les premières pages de ce nouvel opus de Fluide Glacial, signé Zidrou et illustré par Éric Maltaite, on ressent une volonté radicale de décrypter, voire de dénoncer, l’évolution du tourisme à l’ère du numérique et de l’excès. L’album s’inscrit dans la lignée des critiques acerbes des dérives de nos sociétés modernes, mêlant humour corrosif et observations sociales percutantes.

Les auteurs nous entraînent dans une série de saynètes qui dressent le portrait d’un touriste de l’ère 2.0, assoiffé de reconnaissance sociale et prêt à tous les excès pour décrocher le cliché parfait. La caricature s’appose avec talent à des comportements qui, sous un vernis d’insouciance et d’humour, révèlent une véritable crise identitaire : celle d’un individu dont l’obsession pour l’image prime toute considération éthique ou sécuritaire. Entre selfies risqués dans des zones de guerre ou lors de catastrophes naturelles, jusqu’à l’exploitation grotesque de sites historiques pour flatter un égo en quête de validation numérique, la critique mordante de Zidrou ne laisse aucun répit à ses personnages.

À travers son scénario, l’auteur propose une réflexion lucide, bien qu’hyperbolique, sur la transformation du tourisme en une performance, une compétition sans merci. Le lecteur découvre ainsi l’envers d’un phénomène global : alors que l’industrie touristique ne cesse de prospérer, les autochtones se retrouvent marginalisés, victimes collatérales d’un engouement débridé pour l’exotisme et le sensationnalisme. Rien n’échappe à la logique de l’impudeur : ni Auschwitz, visité comme on se verrait décerner une gommette en maternelle, ni les animaux sauvages d’Afrique, approchés furtivement pour un cliché à haut risque.

Le trait semi-réaliste de Maltaite est empreint d’une exubérance qui ne dérobe rien de sa rigueur et se met au service de ces récits grinçants. Il contribue à décortiquer le comportement des « touristes 2.0 », dans un album qui se pose en miroir d’une société de consommation en quête de sensations et de reconnaissance. 

Le tourisme de masse fait l’objet de toutes les attentions. S’il bénéficie économiquement à certains acteurs, il impose surtout aux populations locales une surcharge indésirable. Chaque saynète révèle une facette de cette déraison collective, soulignant l’irresponsabilité écologique et l’égoïsme ambiant d’un système où le plaisir immédiat et l’image prennent le pas sur la réalité.

Diatribe humoristique, Fuck ze tourists invite aussi, à son échelle, à une introspection sur nos modes de vie, nos priorités et notre rapport à l’évasion. En se moquant avec adresse – mais non sans redondance – des postures narcissiques et des situations invraisemblables dans lesquelles se placent les touristes, Zidrou et Maltaite proposent une critique sociale incisive, où la dérision sert autant à divertir qu’à avertir. Un dernier exemple ? Ces souvenirs du monde entier, prétendument authentiques, mais en fait confectionnés dans les mêmes usines chinoises…

Fuck ze tourists, Zidrou et Maltaite
Fluide glacial, juin 2025, 56 pages

Paru chez Glénat, Albertine a disparu est un roman graphique d’une grande justesse, entre chronique villageoise et polar feutré, nourri d’un fait divers bien réel. Scénarisé par deux journalistes – François Vignolle, ex-directeur de la rédaction de RTL et fin connaisseur des arcanes judiciaires, et Vincent Guerrier, rédacteur en chef d’un hebdomadaire normand – le récit tire sa force de ce double ancrage : une fidélité au réel et une capacité à en tirer une fiction ciselée, pudique et saisissante.

Nous sommes en juillet 2022, dans un coin de campagne française où le temps semble couler au rythme des banalités et des commérages. La canicule bat son plein, le Covid rôde encore. Gilles Poulain, maire du village de Courteville, multiplie les appels aux personnes âgées, par précaution mais aussi par souci sincère. Jusqu’au moment où un nom s’impose à lui comme une tache dans le décor : Albertine Buisson. Centenaire oubliée, recluse dans sa maison aux volets fermés. Depuis quand n’a-t-on pas vu Albertine ? Les voisins n’en savent rien, sa belle-fille ne veut plus entendre parler d’elle, son fils – qui lui apporte à manger tous les samedis – se contente de vagues réponses. Mais alors… où est Albertine ?

Le pitch pourrait faire penser à un suspense classique, mais Albertine a disparu déjoue habilement les attentes. Ce n’est pas tant l’énigme que la manière dont elle creuse les non-dits, les silences complices, les regards fuyants, qui constitue le cœur battant du récit. La question n’est pas seulement « où est Albertine ? », mais surtout : comment a-t-on pu ne pas remarquer son absence pendant dix ans ? Ce trou noir d’attention devient aussitôt la métaphore glaçante d’un abandon collectif. Le polar se fait alors autopsie sociale : que révèle cette indifférence généralisée, dans un village pourtant réputé pour ses liens de proximité ? 

À la manière d’un Claude Chabrol filmant la bourgeoisie provinciale, les auteurs auscultent les âmes rurales avec une précision troublante. On découvre un tissu social effiloché, où chacun s’arrange avec sa conscience et où la bienveillance proclamée s’effondre à l’épreuve des faits. Au milieu de tout cela ? Gilles Poulain, maire à l’ancienne, transpirant dans son bureau sous les effets de la canicule et harcelant ses administrés de coups de fil. Attachant, têtu, sincère, il incarne avant tout l’homme du terrain, proche des gens – à part peut-être de ces Parisiens qui se découvrent soudainement une passion pour la campagne. 

L’album évite tout manichéisme. Christian pourrait être un monstre cynique mais aussi un homme débordé, accablé par la honte, incapable d’affronter la mort de sa mère. Et les voisins ? Ont-ils réellement fermé les yeux, ou se sont-ils simplement habitués à l’idée qu’Albertine était « là », quelque part ? Le récit joue avec ces zones grises, ces gestes manqués, ces culpabilités diffuses. Une forme de déni collectif se dessine. Vincenzo Bizzarri, sans fioritures, restitue à merveille la chaleur poisseuse des jours d’été, la solitude des maisons de pierre, l’immobilité presque minérale du monde rural. Avec une économie de moyens, il fait résonner un fait divers avec des enjeux universels. 

Albertine a disparu est un roman graphique qui touche juste, précisément parce qu’il ne cherche pas l’emphase. Il capte le quotidien, les silences qui s’installent, les gestes simples et les petites lâchetés. On tourne les pages comme dans un polar, mais on en ressort confronté à une réalité que l’on préférerait probablement ne pas voir. Une belle réussite.

Albertine a disparu, François Vignolle, Vincent Guerrier et Vincenzo Bizzarri 
Glénat, juin 2025, 144 pages