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Salomé Lahoche publie aux éditions Glénat un roman graphique intitulé Ancolie, du nom de son héroïne hallucinée, irrévérencieuse et furieusement borderline. En 128 pages, elle s’empare de la figure millénaire de la sorcière pour la propulser au XXIᵉ siècle, non pas pour la réenchanter, mais pour la confronter à l’absurde, à l’épuisement moral et à la décomposition lente d’un monde sans horizon.

Ancolie est une sorcière de 360 ans qui en paraît 27. Elle vit en marge d’une société qu’elle méprise autant qu’elle la fuit. L’immortalité ne l’a pas rendue sage, seulement amorphe. Fêtes décadentes chez les elfes, relations toxiques avec des vampires, orgies et gueules de bois en série : l’éternité, pour elle, se résume à une succession de nuits sans fin et sans sens. Jusqu’au jour où le Haut Conseil des sorcières, lassé de ses débordements, la convoque et la somme de faire ses preuves. Un haut fait, un seul, pour sauver ses pouvoirs – et sa peau. À défaut d’avoir une foi quelconque en l’humanité, Ancolie décide de s’y attaquer frontalement. Elle va sauver le monde. Rien que ça.

L’intérêt principal d’Ancolie réside dans sa protagoniste, à la fois fascinante et, disons-le, exaspérante. Salomé Lahoche construit une figure féminine profondément libre, mais aussi paumée, destructrice, cynique jusqu’à l’os. Une héroïne borderline, davantage beckettienne que badass : elle erre, elle s’enlise, elle n’apprend rien – ou presque. Sorcière postmoderne, Ancolie évoque moins Hermione que Bojack Horseman ; elle est dopée au spleen et au gin, dans des proportions quasi égales.

Son rapport au monde est glaçant de lucidité. Elle le regarde en spectatrice désabusée, ayant vu passer les siècles de domination masculine, de capitalisme destructeur et de catastrophes écologiques sans jamais observer le moindre progrès moral. Le monde est pour elle une farce tragique, où l’on ne peut plus croire à rien – sauf, peut-être, à un ultime sursaut d’empathie. D’où cette idée folle (et drôle) : répandre, grâce à un vieux sortilège, un peu de compassion dans une humanité qui en manque cruellement. Vaste programme.

Le trait de Salomé Lahoche, arrondi et écrasé, évite toute joliesse. Les visages sont figés dans des expressions de dégoût, les corps ramollis par l’apathie, les décors envahis par le désordre. Tout suinte l’anxiété et le laisser-aller. À cette esthétique de l’épuisement s’ajoutent des scènes de débauche, de ponctuels moments d’introspection, une bromance étonnante avec un crapaud d’une grande lucidité… 

Le récit est structuré comme une suite d’épisodes – presque de sketches – où l’on croise des figures archétypales : le vampire toxique, l’amie raisonnable et distante, le crapaud philosophe (qui apprend l’espagnol pour tromper son ennui), les sorcières bureaucrates… Chaque rencontre est un prétexte à un regard désabusé sur notre société : la vacuité des relations humaines, l’obsession de la productivité, l’hypocrisie des institutions, les impostures morales… 

Ancolie pose de vraies questions – sur la possibilité de changer, sur la valeur de la bonté dans un monde qui n’y croit plus, sur l’inanité des idéaux dans un système pourri jusqu’à la moelle. Mais le roman graphique se trouve piégé dans le sillage d’une héroïne trop souvent résignée et négative, tellement qu’elle en devient lassante. Du  coup, on a une fable féministe en mode mineur, un conte de fées démonté par l’alcool, la fatigue et le refus de faire semblant. Ancolie ne veut ni changer le monde, ni s’en accommoder. Elle veut juste qu’on la laisse picoler en paix. Et si cela la condamne, tant pis. C’est souvent amusant, mais peu constructif sur la durée.

Peut-être est-ce cela, justement, que voulait dire Salomé Lahoche : dans un monde qui s’écroule, le désespoir est la dernière forme d’honnêteté. Une suite ne serait pas de refus… à condition qu’elle ose aller quelque part.

Ancolie, Salomé Lahoche 
Glénat, juin 2025, 128 pages

1893, New York. Dans le vacarme d’une ville en pleine mutation, un jeune Afro-Américain, orphelin et marqué au fer rouge, tente de s’extirper du magma social. Dred Scott hérite ici du rôle de témoin actif, d’enquêteur par accident et d’archéologue malgré lui d’une mémoire collective encore croupissante. Un polar historique ? Un western urbain ? Un récit d’initiation aux allures de confession ? Tout cela à la fois, avec une ambition sincère, mais pas toujours bien calibrée.

Bienvenue dans l’Amérique post-Sécession, trente ans plus tard, lorsque les plaies se sont refermées en surface mais suintent encore à la moindre allusion au passé. Le récit est indexé à un meurtre : celui d’un ancien général de l’Union, Hadley. Rapidement, l’affaire déterre des rancunes, des complicités douteuses et, surtout, fait état d’un mystérieux bijou, un collier d’émeraudes volé à des soldats sudistes. De là, tout s’enclenche : l’histoire bascule de l’enquête criminelle vers une reconstitution intime, celle d’un héros ordinaire à la recherche de ses origines et d’un héritage familial éclaté.

Tom Graffin et Jérôme Ropert, déjà connus pour leur travail sur Ange Leca, bâtissent un récit ambitieux, où les figures de pouvoir (anciens planteurs, militaires, policiers corrompus) croisent des trajectoires sociales ascensionnelles ou contrariées. Le personnage de Byrnes, chef de la police, à la fois mentor, protecteur et manipulateur, est emblématique de cette ambivalence morale que le récit semble cultiver. À travers lui et Dred se dessine un duo plus trouble que complémentaire, dont la dynamique porte une bonne part de la tension narrative.

Si l’histoire séduit par la richesse de ses enjeux, le personnage principal laisse, paradoxalement, une impression d’effacement. Sa trajectoire aurait pu porter une voix forte, singulière, habitée par la rage ou le doute. Or, c’est un silence poli qui s’installe, un héros spectateur d’une intrigue qui semble trop souvent s’écrire autour de lui, plutôt que par lui. On voudrait l’accompagner dans ses tiraillements, mais l’écriture ne parvient pas toujours à lui donner cette chair psychologique indispensable à l’identification ou l’attachement du lecteur.

Côté dessin, les personnages sont expressifs, les ambiances soignées, les rues new-yorkaises souvent bien campées. Le cahier final, consacré aux recherches graphiques et au contexte historique, enrichit la lecture, qui pose avant tout les bases d’un récit aux multiples promesses : un contexte historique rarement exploré en bande dessinée francophone et une volonté d’aborder de front les héritages raciaux et politiques d’une Amérique à peine sortie de sa guerre civile. 

On sent l’ambition, l’honnêteté de la démarche, et l’on espère que le second tome, à venir, saura corriger les quelques faiblesses constatées en donnant à Dred une voix plus personnelle et fiévreuse. Car c’est dans la tension entre l’intime et le politique que le récit peut réellement briller. Et pour l’heure, cette tension n’est que partiellement exploitée. À suivre, donc. Mais d’un œil plus curieux que passionné.

Dred Scott, Tom Graffin, Jérôme Robert et Thibault Descamps
Bamboo, mai 2025, 64 pages 

À mi-chemin entre le roman graphique et le documentaire illustré, La Vallée du vivant s’avance comme un conte initiatique enraciné dans une France bien réelle : celle de la Drôme, et plus précisément cette Biovallée que d’aucuns considèrent comme un laboratoire à ciel ouvert pour une écologie incarnée. Un récit qui se veut à la fois introspectif et collectif, personnel et universel. 

Juliette, 35 ans, Parisienne d’adoption et publicitaire en quête de sens, vit les affres de ce que l’on pourrait appeler une double fatigue : professionnelle et existentielle. Cernée par l’éco-anxiété, sous le coup d’une vie de couple recomposée qui sonne faux, elle se sent engloutie par l’inanité de son quotidien. Tout bascule avec le décès de son père, prélude classique à l’éveil, comme un passage initiatique vers un ailleurs intérieur. En vidant la maison familiale, elle découvre des fragments de passé : une photo étrange, un journal, un secret. La quête peut commencer.

Ce fil narratif, presque archétypal, n’est pas sans évoquer ces récits d’émancipation douce où le choc d’un deuil ou d’une révélation pousse l’héroïne à se confronter à elle-même, aux autres, à la nature. Juliette quitte donc Paris et descend dans la vallée de la Drôme. Là-bas, à Die et ses alentours, elle découvre un territoire à part, où se mêlent utopies concrètes, pratiques écologiques et formes communautaires alternatives. L’album se veut alors guide, carnet de voyage et manifeste : agriculture biologique, énergie partagée, solidarité intergénérationnelle, sobriété heureuse… Une panoplie d’initiatives locales est passée en revue avec un enthousiasme parfois communicatif.

Car sur le fond, l’intention est précieuse. Il y a dans La Vallée du vivant une véritable volonté de mettre en lumière ce qui fonctionne ailleurs, dans l’ombre des grandes métropoles : une autre façon d’habiter le monde, de produire, de consommer, de vivre. Et dans cette période où le mot « transition » est souvent vidé de son sens, l’album a le mérite de redonner chair aux alternatives.

Mais si le message est clair, c’est dans la forme que le bât blesse. Le scénario de Fabien Rodhain manque quelque peu de subtilité. Les dialogues sonnent trop souvent comme des slogans, ou des extraits de brochure touristique. Les passages où Juliette, pourtant perdue dans ses pensées ou ses douleurs intimes, se voit soudain asséner un monologue sur les vertus de la permaculture ou la résilience du territoire ont quelque chose d’artificiel. 

De même, le ressort dramatique autour du secret paternel s’effondre une fois révélé. Le mystère, lentement instillé, ne tient pas ses promesses : ni émotionnellement ni narrativement. Tout cela manque de souffle, comme si la fiction avait été conçue uniquement pour servir le propos, et non l’inverse. 

Reste toutefois le plaisir réel de la découverte : paysages drômois baignés de lumière, visages bienveillants, villages aux noms qui fleurent bon le sud et l’engagement. Il y a dans ces pages une générosité certaine, une foi dans le local, dans le possible, qui fait du bien. La sincérité de l’entreprise emporte une forme d’adhésion.

La Vallée du vivant n’est donc pas tant une grande bande dessinée – maladroite, souvent démonstrative – qu’un vecteur, un relais, un manifeste. Et si elle donne envie d’en savoir plus sur la Drôme, d’aller marcher dans les collines de Die, de découvrir ces lieux alternatifs qui tentent de réconcilier l’homme et son milieu, alors peut-être a-t-elle atteint son objectif.

La Vallée du vivant, Fabien Rodhain et Alicia Grande 
Bamboo, mai 2025, 88 pages

Une fois de plus, Chabouté s’intéresse à un solitaire, presque un marginal de notre société, qui travaille depuis une vingtaine d’années au même endroit et habite depuis 28 ans le même logement, ne croisant quasiment jamais personne du fait de ses horaires décalés.

Mais on peut être un solitaire enfermé dans une routine implacable et avoir d’autres objectifs dans la vie. En fait, notre homme ne croise que son collègue Yvan qui vient le remplacer à la fin de sa permanence de nuit, dans un parking souterrain. Et comme Yvan n’utilise pas son prénom lors de leur bref échange lorsqu’il vient le relever, nous ne saurons même pas comment il s’appelle. Ce qui n’empêche pas Yvan de manifester une réelle surprise lorsqu’il comprend ce que son collègue compte faire de ses prochaines vacances, alors même qu’il n’en a jamais pris. Soit dit au passage, ce n’est pas réaliste, puisque c’est une obligation pour un employeur de faire en sorte que chacun obtienne des congés. Mais justement, Chabouté ne vise pas spécialement le réalisme ici.

Gérer l’imprévu

Notre homme éprouve le besoin de grands espaces et d’air pur. Pour cela il compte marcher sur les traces de Jack London dans le grand Nord, intégrant un petit groupe qui parcourra l’Alaska. Il a tout prévu, préparant son aventure avec des guides soigneusement choisis. Son billet d’avion est prêt. Sauf qu’un malheureux hasard va s’en mêler. Et quand la malchance s’en mêle, elle ne fait pas les choses à moitié. C’est le côté pessimiste de Christophe Chabouté qui fait retourner son personnage à la case départ, blessé aussi bien dans son orgueil que dans sa chair. Ainsi, il n’a pas d’autre solution au sortir de l’hôpital que de retourner dans son quartier. Mais quand on a décidé de partir, un contretemps n’arrête pas un homme vraiment motivé.

Il y a voyage et voyage

Quoi qu’il en soit, notre homme est en vacances, bien décidé à profiter de cette période. Il se trouve bloqué dans son quartier ? Qu’à cela ne tienne. Puisqu’il a décidé de voir les choses sous un autre jour, ce sera l’occasion de découvrir son quartier, lui qui n’y passait jamais qu’en coup de vent, avec comme seul objectif de rentrer chez lui ou bien d’aller à son travail. C’est bien un voyage qu’il a préparé, avec dans l’idée de faire des découvertes. Il est donc dans la bonne disposition d’esprit pour explorer. Et s’il ne fera pas de découverte extraordinaire en soi, le simple fait d’avoir du temps et d’en profiter pour regarder autour de lui va lui permettre de constater qu’il n’y a pas besoin d’aller à l’autre bout du monde pour trouver son compte en tant qu’explorateur.

Le temps de vivre

Malgré son petit handicap physique du moment, notre homme a du temps pour observer tout ce qui l’entoure. Le temps disponible est donc bien quelque chose de fondamental et on sent que le dessinateur en fait son message premier pour cet album. Mieux, il affiche un état d’esprit qui correspond parfaitement à son personnage, en montrant qu’avec une vraie disposition à l’observation, le monde qui nous entoure prend rapidement une tout autre tournure. Un petit effort permet d’en trouver des beautés cachées, voire de métamorphoser un détail pour lui faire prendre une autre signification. C’est ainsi que, très naturellement, la couleur vient s’intégrer à cet album dont l’essentiel est dans le magnifique noir et blanc que les habitués de l’univers de Chabouté connaissent bien. Les nuances de gris ne l’intéressent absolument pas l’illustration de couverture étant l’exception qui confirme la règle). Par contre, il exploite le contraste entre le noir et blanc pour transcender ses dessins, se contentant par moments de simples silhouettes magnifiques. Le dessin est donc un régal à l’exploration de cet album. Il faut dire que le style de Chabouté est remarquable, avec un réalisme sur les décors qui lui permet de mettre en valeur ses cadrages et ses décors, tout en faisant sentir les failles de ses personnages. Ainsi notre homme n’est évidemment pas un bavard, ce qui fait que l’album se parcourt assez (trop) rapidement, malgré ses 146 planches. On remarque au passage que même dans la rue, il faut trouver sa place. Notre homme saura se montrer intelligent pour la gagner, allant jusqu’à susciter la curiosité. Ce qui lui vaudra quelques échanges avec un autre paumé qui, lui, a fait le choix de fuir la société du profit.

Prise de conscience

Cet album n’est donc pas à proprement parler révolutionnaire, car il est bien dans la droite ligne de ce que l’auteur propose régulièrement. Néanmoins, il incite intelligemment à voir notre monde d’un œil plus attentif en prenant le temps de s’intéresser aux détails. Il se présente sous forme de chapitres tous ponctués par une courte morale, par celui qui, tout en explorant son univers habituel, en profite pour faire une véritable introspection. Nul doute qu’il ne se contentera pas de cette parenthèse et des improvisations allant avec. Il finira certainement par trouver les moyens d’aller au bout de son rêve, quoi que celui puisse lui coûter.

Plus loin qu’ailleurs – Christophe Chabouté
Vent d’Ouest : sorti le 7 mai 2025

Duo écossais assez peu connu en francophonie, Chris Baldie et Michael Park signent avec Traqué dans l’espace une œuvre rythmée et inventive, qui ressuscite l’esprit du space opera tout en y injectant une tendresse inattendue. Paru aux éditions Bamboo, au sein de la collection Les Aventuriers d’ailleurs, ce récit se lit d’une traite, avec une certaine gourmandise.

L’humanité n’est plus. Du moins, c’est ce que l’on pensait. Un homme, un seul, a survécu. Il est retrouvé par hasard sur une planète lointaine, échoué dans un sarcophage cryogénique enfoui dans la glace. Il est le dernier témoin d’un monde effacé, même s’il l’ignore encore. Il avait fait une promesse à sa femme enceinte : partir quelques jours en mission, puis endosser le costume du père de famille responsable. Mais rien ne s’est déroulé comme prévu.

Le lecteur suit ce rescapé, réveillé dans un futur trop lointain pour être compréhensible, trop hostile pour être supportable. Ce qui l’anime ? Le souvenir de Kathy, un éventuel retour sur Terre. Cette obsession, désespérée, agit comme un fil rouge dans un album peuplé d’espèces exogènes, de chasseurs de primes et de secrets révélés par bribe.

Traqué dans l’espace fait le grand écart entre la mélancolie d’un survivant et la mécanique brutale du space western. Le dernier humain a une certaine valeur biologique et, dès son réveil, il devient la cible d’une traque interplanétaire orchestrée par les Katzanis, une race redoutée pour sa brutalité.

Six chapitres. C’est ce qu’il faut à Chris Baldie et Michael Park pour caractériser ses protagonistes, les opposer ou les rapprocher, en faisant cohabiter spectacle et moments de respiration. Leur récit SF se teinte volontiers d’humanité, de dérision et supporte de nombreuses thématiques, parmi lesquelles l’ostracisme, l’armement militaire, la famille, le deuil ou encore la loyauté. 

Par touches successives, à travers une construction non linéaire, le lecteur recolle les morceaux d’un double puzzle mémoriel : individuel, lié au survivant, le « Capitaine », mais aussi spatial, à travers l’histoire des peuples qui coexistent plus ou moins harmonieusement. Qui est vraiment ce capitaine ? Que signifiait cette mission de quatorze jours ? Et pourquoi l’humanité a-t-elle disparu ? Autant de questions qui vont former le cœur battant de l’album.

Le dessin tranche ici avec la gravité du propos : un style cartoonesque semi-réaliste, à mi-chemin entre le comics indé et l’animation rétro, qui surprend par sa capacité à faire passer l’émotion sans surenchère. Le découpage est dense (souvent de nombreuses cases par page) et injecte une énergie continue, proche du montage cinématographique, rythmant l’ensemble avec une efficacité remarquable. 

Traqué dans l’espace ne se perd jamais dans les nébuleuses d’un cosmos trop vaste pour son propre bien. C’est un récit à hauteur d’homme, sous ses oripeaux de science-fiction. On y parle d’amour, de mémoire, de solitude, de perte, encapsulés dans une aventure qui ne lâche jamais la bride. À lire.

Traqué dans l’espace, Chris Baldie et Michael Park
Bamboo, juin 2025, 248 pages

Dans Duck and Cover, Scott Snyder et Rafael Albuquerque reforment leur tandem pour un récit complet qui dynamite l’imaginaire des années 50 à coups de monstres extraterrestres et sur fond de guerre froide. À travers cette uchronie radioactive, les deux compères revisitent les angoisses de l’époque avec une verve pulp assumée, offrant au lecteur une odyssée adolescente inclassable.

Tout commence dans une salle de classe typiquement américaine, quelque part en 1955. L’ombre de l’apocalypse plane, un court-métrage de prévention s’efforce d’inculquer aux enfants la marche à suivre en cas d’attaque nucléaire : se baisser, se couvrir, espérer. Et dans cette Amérique un brin paranoïaque, la fiction bascule soudainement en cauchemar : une bombe tombe vraiment, avec des conséquences inattendues. Seuls ceux qui avaient été punis, en colle, donc contraints de rester à l’abri, survivent. Une bande mal appareillée, qui va devoir se serrer les coudes face à un danger encore indéterminé.

À partir de cette entrée en matière, le spectacle va s’enclencher et les genres, s’hybrider. Les adolescents rescapés se retrouvent livrés à eux-mêmes dans un monde en ruines, où les tripodes extraterrestres côtoient des insectes géants, des calamars mutants et d’autres chimères tout droit sorties d’un cauchemar horrifique. Scott Snyder et Rafael Albuquerque convoquent ainsi une galerie de monstres dignes des pulps les plus fantasques, entre hommage affectueux et dérapage contrôlé.

Le pitch est alléchant et il s’enrichit de bon nombre de thématiques secondaires – du racisme à la quête identitaire. Les planches impeccables de Rafael Albuquerque, tout en angles nerveux et en lumières contrastées, se prêtent parfaitement à l’exercice, et la caractérisation des protagonistes passent aussi par un art de la mise en scène consommé. Failles intimes, métamorphoses héroïques, le lecteur explore quelques beaux moments d’humanité au milieu du chaos. Le récit glisse progressivement vers une radiographie de l’adolescence : l’effondrement du monde adulte, l’émergence d’identités fragiles, la résistance comme rite de passage.

Duck and Cover est un petit bijou graphique. De la tension silencieuse à l’explosion graphique, avec des décors post-apocalyptiques qui suintent la rouille et la poussière atomique, pendant que des monstres arborent des allures mi-inquiétantes mi-grotesques. Scott Snyder semble convoquer La Guerre des mondes, Super 8 et bien d’autres inspirations littéraires ou cinématographiques. Un syncrétisme, y compris dans les collusions entre l’intime et le spectaculaire, qui donne naissance à un objet narratif étrange, parfois maladroit, souvent remarquable.

Duck and Cover apparaît finalement comme un conte adolescent emballé dans une couverture de comics vintage, qui joue à fond la carte du fantastique. Il portraiture aussi, en filigrane, l’Amérique paranoïaque d’antan, qui résonne avec les angoisses actuelles d’un monde en proie à de nouvelles bombes – idéologiques, écologiques ou numériques. Une belle réussite.

Duck and cover, Scott Snyder et Rafael Albuquerque
Delcourt, mai 2025, 128 pages