LeMagduCiné

Présenté au dernier Festival de Cannes dans la sélection Un certain regard, La Belle et la meute est le troisième long métrage de fiction de la réalisatrice tunisienne Kaouther Ben Hania. Habituée aux expérimentations cinématographiques, elle fait de ce film une œuvre technique et critique à travers un véritable fait divers ayant remué le pays des années plus tôt. Une affaire de viol sur laquelle la victime s’exprime elle même dans le livre Coupable d’avoir été violée, point de départ du scénario.

synopsis : Lors d’une fête étudiante, Mariam, jeune Tunisienne, croise le regard de Youssef. Quelques heures plus tard, Mariam erre dans la rue en état de choc. Commence pour elle une longue nuit durant laquelle elle va devoir lutter pour le respect de ses droits et de sa dignité. Mais comment peut-on obtenir justice quand celle-ci se trouve du côté des bourreaux ? La Belle et la Meute

La Belle et la Meute est composé de neuf chapitres, sans titre mais qui chacun marque une courte pause afin de laisser au spectateur le temps de respirer quelques secondes avant de revenir dans cette lutte suffocante. La réalisatrice choisit de tourner chacune de ces parties en plan séquence et plonge le spectateur dans l’instant en restituant l’oppression de ce huis clos interminable. Caméra à l’épaule, au plus près des émotions de Mariam, victime du viol et interprétée par Mariam Al Ferjani, aucun décor incroyable ne vient apporter un quelconque objet de divertissement au public. Seuls couloirs et bureaux forment le cadre, les plans sont resserrés et quand ils ne le sont pas, ils illustrent la solitude de la jeune tunisienne au milieu de la ville ou des couloirs dans lesquels personne ne lui vient en aide. Les couleurs sont sombres, l’atmosphère lugubre, pesante, les tremblements et la respiration de Mariam donnent le rythme au récit qui nous saisit entièrement.

On voit là, la passion de Kaouther Ben Hania pour le cinéma dans son entité. D’abord, parce qu’elle raconte quelque chose et livre un message, en s’appuyant sur des faits qui plus est, sûrement dû à ses habitudes de documentariste ; mais surtout, parce qu’au delà de ça, elle prouve encore une fois qu’elle aime le cinéma pour ce qu’il est, pour son art et ses possibilités. Elle joue avec les codes qu’elle connaît si bien. En choisissant le plan séquence, elle s’impose elle même une difficulté qui n’aurait pas été nécessaire au film puisqu’elle y fait des ellipses intelligentes. Pourtant, ce choix est important dans ce qu’il dit de la souffrance du personnage. Techniquement, il n’est pas le procédé le plus rapide et le plus simple du cinéma. Au contraire, il demande du temps, de la patience, et de la qualité dans le jeu d’acteurs. Ici, il montre toute la lenteur de la procédure, l’enfer qu’a vécu cette femme pendant cette longue et interminable nuit ce qui se révèle accentuer la douleur et torturer le spectateur. À propos du jeu des acteurs, que l’on sait important lorsque l’on utilise une telle technique, il semble parfois relativement théâtral, ce qui enlève un peu de profondeur aux émotions mais donne un peu d’air et de distance au public, qui se retrouve oppressé la plupart du temps. Le jeu n’est pas maladroit, il sert surtout le film dans ces rares moments de répit.

Alors que le cinéma de Kaouther Ben Hania prend son inspiration dans son pays, la Tunisie ne sert qu’au contexte pour livrer un propos universel dans La Belle et la meute. Cependant, comme à son habitude, elle nous livre quelques récits sur la société tunisienne en dénonçant vivement le fonctionnement de la police. Replacé dans son contexte culturel, le film montre malgré tout l’évolution positive de la première démocratie arabe. Quelques années auparavant, il n’aurait jamais pu être distribué en Tunisie et aurait probablement subi de nombreuses censures, or aujourd’hui, une sortie est annoncée pour le mois de novembre. De plus, le Ministère de la Culture a contribué au financement du film, ce qui montre l’immense avancée dans la liberté d’expression du pays. De ce fait, il est plutôt regrettable que ces progrès ne soient pas du tout montrés dans le film qui ne livre que les aspects négatifs d’un pays où la corruption laisse beaucoup de séquelles. En effet, la réalisatrice ayant collaboré avec la vraie victime que cette affaire a touché, il aurait été judicieux de préciser à la fin du film le prolongement de cette enquête dans laquelle elle a eu gain de cause après deux années de combat puisque les coupables ont été condamné à 12 ans de prison. Kaouther Ben Hania livre alors sa vision pessimiste de la Tunisie en choisissant de montrer que l’injustice demeure là où elle a pourtant été rendue, bien que le débat peut largement rester ouvert sur les peines encourues. Sans minimiser la lutte et la lenteur scandaleuse du jugement, seulement un peu d’espoir et d’optimisme auraient été les bienvenus pour atténuer la douleur.

« N’abandonne pas tes droits. »

Cette phrase, elle revient à deux reprises et se place comme un élément essentiel du message livré par la cinéaste. Cette phrase, ce sont chacun leur tour, deux hommes qui la disent à Mariam. Ce qui peut sembler anodin dit comme ça a en fait toute son importance dans ce film qui, au lieu de placer tous les hommes en bête féroce, choisit d’en prendre deux comme alliés. Tout d’abord et par ordre d’importance, Youssef, le jeune tunisien avec qui elle était au moment des faits, qui nous fait douter un peu au début de son intention, mais qui devient la seule épaule capable d’aider et de se battre pour Mariam, quand elle n’en a pas la force. Si l’on peut penser au début qu’il utilise cette histoire de viol pour renverser la politique du pays sans une seule fois penser aux dommages psychologiques qu’est en train de subir la jeune fille, on se rend vite compte de sa bienveillance, parfois maladroite mais vitale à Mariam à ce moment là. Le film déjoue les clichés et les raccourcis terribles et faciles en plaçant un féminisme apaisé qui crache sur la cruauté de certains hommes sans pour autant nier l’humanité de certains autres. De plus, un autre homme aide Mariam et c’est sans doute celui qui fera tout changer en donnant la dernière note de courage dont elle avait besoin quand elle allait tout abandonner. Cela a d’autant plus d’ampleur qu’il est policier et semble en avoir à dire mais il se tait, durant presque tout le film, quand il pourrait changer les choses, il regarde, il laisse faire pour finir par exploser. Cette solidarité inversée est surprenante et révoltante d’une certaine manière puisque les femmes se défilent alors que le public s’attend à voir de la compassion de leur part. Des médecins à la policière, toutes l’abandonnent là où l’on imagine de l’aide et du soutien.

Les plans-séquences suivent autant le cours de l’affaire que l’évolution psychologique de cette femme qui se métamorphose en une nuit. De victime sous le choc, elle devient une combattante déterminée. De jeune femme, elle devient héroïne. Mariam trouve la force là où elle n’en avait plus. C’est sans doute en essuyant toutes les paroles misogynes et ignobles sur sa tenue et sur les femmes, qu’elle finit par mettre à profit toute la colère qui la submerge. À l’image de la jeunesse tunisienne qui s’élève, Mariam s’éveille et va livrer une bataille personnelle et politique. Avec un dernier plan fort en symbole, la réalisatrice achève le film en osant. En osant faire du voile une cape de super-héroïne. Au delà du féminisme apparent du film, La Belle et la meute parle de justice et marque les esprits à jamais à travers cette histoire.

La Belle et la Meute : Bande Annonce

La Belle et la Meute : Fiche Technique

Titre original : Aala Kaf Ifrit
Réalisation : Kaouther Ben Hania
Scénario : Kaouther Ben Hania
Interprètes : Mariam Al Ferjani, Ghanem Zrelli, Noomane Hamda, Mohamed Akkari, Chedly, Arfaoui Anissa Daoud, Mourad Gharsalli
Musique ; Amine Bouhafa
Image : Johan Holmquist
Montage : Nadia Ben Rachid
Décors : Moncef Hakouna
Costumes : Nedra Gribaa
Maquillage : Hajer Bouhawala
Producteurs délégués : Habib Attia, Nadim Cheikhrouha
Sociétés de production : Cinetelefilms, Tanit Films
Société de distribution : Jour 2 fête
Budget : 850 000 €
Durée : 100 minutes
Genre : drame, policier
Date de sortie : 18 octobre 2017

Ayant écumé les festivals dans le monde entier pendant quasiment 1 an, en témoigne sa présentation au PIFFF en 2017, le tant attendu Bodied de Joseph Kahn débarque enfin. Mais attention, ce n’est pas sur les grands écrans que nous découvrirons cette bombe, mais sur Youtube Premium, la plateforme de VOD de Google. Un geste qui n’est finalement pas anodin quand on connait le parcours de Joseph Kahn. L’occasion donc avec la sortie de son nouveau film de revenir sur un cinéaste définitivement en marge.

Même si son nom ne vous dit rien, vous avez forcément du tomber à un moment donné de votre vie sur le travail de Joseph Kahn. Né Ahn Jun-hee à Busan en Corée du Sud au début des années 70, le jeune garçon émigre avec sa famille vers les Etats-Unis et notamment le Texas à l’âge de 7 ans. L’occasion ensuite de s’essayer à des études de cinéma à New York avant de finalement les abandonner pour travailler dans un cinéma. C’est au début des années 90 que Joseph Kahn va alors commencer une carrière prolifique dans la réalisation de clips vidéos. En commençant par mettre en scène des clips pour des groupes de la scène de Houston aux styles très variés, allant du noise rock de Pain Teens au hip-hop de Geto Boys. Le jeune homme commence à prendre des galons et se retrouve au milieu des 90s à faire le clippeur pour des artistes de plus en plus reconnus comme c’est le cas pour Public Enemy, Korn ou encore Rob Zombie. Ce succès lui permet même de créer en 1999, sa propre compagnie de production à l’aide de Chris Lee, producteur à qui l’on doit notamment Jerry Maguire. Jospeh Kahn devient alors un clippeur renommé travaillant désormais pour U2, Britney Spears ou encore Muse. Comme dit précédemment, le travail de Joseph Kahn a inondé les chaînes musicales au début des années 2000 et parmi ses faits les plus notables on peut noter le très sexy Toxic de Britney Spears (annonçant à certains moments Torque) ou le délirant Without Me pour Eminem qui lui vaudra d’ailleurs son premier Grammy Awards en 2003. Un clip qui témoigne par ailleurs de cette patte Joseph Kahn et de son amour incommensurable pour la pop culture et la culture hip-hop.

Joseph Kahn finira inévitablement par croiser le chemin de Hollywood. C’est ce qui arrive en 2004. Alors que la franchise Fast and Furious débute à peine, le succès du film de Rob Cohen, force Hollywood à surfer sur la vague. Voilà pourquoi, le producteur de la franchise, Neal H. Moritz, décide de se lancer dans une variante 2 roues de son précédent succès. En résulte donc la mise en chantier de Torque, sous-titré en France La Route s’enflamme avec Joseph Kahn aux manettes. Avec un titre comme ça, pas besoin de réfléchir 2 heures pour comprendre que Torque s’avère être un véritable nanar. Le film subit un échec cuisant à la fois critique où il est proprement assassiné et public ne récoltant qu’un maigre 46 millions de dollars de recettes pour un total de 40 millions de budget. Un film qui tue dans l’œuf la carrière à Hollywood de Joseph Kahn. Torque est évidemment un mauvais film mais qui fait preuve d’une certaine générosité de la part de son metteur en scène, n’hésitant pas à aller de plus en plus loin (parfois trop) dans ses effets, comme le bon clippeur qu’il est. Dans Torque, l’introduction d’une clé dans le contact est filmé comme si l’on plantait une épée dans le cœur d’un dragon, et le duel à moto final est absolument hallucinant de mauvais goût visuel. Le tout est accompagné d’acteurs qui cabotinent (la VF est d’ailleurs succulente, empilant des accents américains ridicules) et un scénario somme toute assez risible, l’échec du film était clairement annoncé.

Joseph Kahn se tient donc longtemps éloigné des plateaux de cinéma, préférant consacré son style effréné à son premier amour, le videoclip. Le clip qui a toujours été un véritable terrain d’expérimentation, permettant aux réalisateurs de repousser toutes les limites, étant donné que la narration en est rarement le but principal. Joseph Kahn enchaîne alors à nouveau les réussites travaillant pour des stars aux empreintes visuelles très marquées comme Lady Gaga pour laquelle il signe le clip de Love Game ou encore la superstar Taylor Swift avec qui il collabore fréquemment. Mais l’envie de faire du cinéma n’a pas disparu. Sauf que vu qu’Hollywood ne veut pas de lui, Kahn décide de produire ce dont il a envie en dehors du système, et cela va donner naissance à l’une des œuvres plus folles des années 2010. 6 ans après la sortie de Torque, Joseph Kahn se lance dans le tournage de Detention, son deuxième film qu’il aura financé majoritairement avec ses propres économies. Le film est une véritable déclaration d’amour à la culture des années 90 alignant les références au travers de ses personnages, de son esthétique et même de son genre. Detention est en effet une relecture du meta-slasher, genre mis en vogue dans la deuxième moitié des années 90 avec la saga Scream et tous les films qui auront surfé sur cette vague. Mais le film n’est pas que ça, et devient très vite un gros bordel pas si désorganisé,  un véritable melting-pot de genre, de ses allures de teen movie  en passant par le surnaturel et la science-fiction en y incorporant du voyage dans le temps, Detention est véritablement délirant. De plus, l’influence clippesque de Kahn se fait ressentir à chaque moment, le cinéaste multipliant les effets tape à l’oeil allant de l’incrustation à la multiplication de cut très rapide donnant un dynamisme frénétique à l’oeuvre pouvant parfois épuiser. Detention est mieux accueilli que Torque mais reçoit cependant toujours des retours assez mitigés. Le film aura quoi qu’il en soit réussit à créer un petit culte grâce à ses passages dans divers festivals et notamment lors de la première édition du PIFFF.

Joseph Kahn devient alors une personnification du cinéaste en marge du système. L’américano-coréen poussant même le vice en réalisant un court-métrage non officiel Power Rangers avec l’aide de l’acteur James Van Der beerk. Une œuvre bien sombre qui en 14 minutes rend bien plus hommage à la série de Sentai des années 90 que l’innommable bouse sorti il y a 2 ans. Tout cela nous amène donc à 2017 et la première présentation de Bodied, troisième film de Kahn. Tout au long de sa carrière, la musique et notamment la culture hip-hop a joué un rôle prépondérant dans la vie de Joseph Kahn. Avec l’aide de son ancien acolyte Eminem à la production, Kahn se lance dans la réalisation d’un film sur le milieu des rap battle et son influence dans les minorités aux États-Unis. Un monde très peu vu au cinéma et dont la dernière incursion remonte au début des années 2000 avec 8 mile qui avait, coïncidence, Eminem en vedette. Dès les premiers instants de Bodied, Kahn nous plonge dans cet univers méconnu de la manière la plus féroce qui soit. Un sous-sol, de nombreux individus agglutinés en cercle autour de 2 hommes s’échangeant des joutes verbales particulièrement agressives nommées bars. Là encore l’héritage du vidéoclip de Kahn se fait ressentir, la première séquence est rythmée, les incrustations sur l’écran sont légion et le montage aussi percutant que les punchlines des protagonistes. Les références à la pop culture peuplent encore une fois le long-métrage en témoigne un verse où le héros aligne les punchlines en rapport avec le jeu vidéo. Le frénétisme du film va de pair avec son jeu sur le langage où les lignes de dialogues fusent comme des balles, s’amusant avec des jeux de mots ou des rimes tel de la poésie urbaine. Les sous-sols qui accueillent les battles deviennent alors de véritable ring de boxe. Bodied va suivre l’histoire du jeune Adam, blanc-bec bourgeois de Berkeley passionné par les rap battle et qui veut se lancer dans une thèses sur l’utilisation du fameux N-Word. Très vite, le jeune homme va se prendre au jeu, sous la protection de Behn Grymm, son idole, et figure respecté du milieu. Cela va cependant aller beaucoup trop loin.

En dépeignant ce monde particulièrement violent, Joseph Kahn met en avant plusieurs problématiques qui s’ancrent pleinement dans la société actuelle. Au travers des rap battles, Joseph Kahn questionne à l’heure des réseaux sociaux et notamment de Twitter et de son anonymat, le poids de certaine paroles et la discrimination qui les accompagne. Cela s’exprime à merveille au travers du personnage de Adam, qui lorsqu’il débute dans le milieu de la rap battle rechigne à « bodied » (version hardcore du terme cassé de notre cher Brice) sur les origines ethniques. Mais alors qu’il est acculé par son opposant Prospek, un rappeur d’origine coréenne, Adam envoie valser ses principes. Le jeune homme va donc s’enfoncer dans une spirale, enchaînant les propos de plus en plus limites, qu’ils soient racistes ou misogynes. L’affrontement final est d’ailleurs l’un des moments les plus violents de l’année cinéma 2018, repoussant constamment les limites de ce que l’on peut dire avec ses punchlines. De part son origine coréenne, Joseph Kahn s’identifie facilement à cette problématique du racisme et sexisme ordinaire qui a redoublé avec l’élection de Trump en 2016. Kahn a cependant l’intelligence de ne pas se poser en moralisateur et jouant à la fois avec des gros clichés du raciste au travers d’un personnage tout simplement nommé Racist mais également sur les personnages qui se la jouent woke et qui participent tout autant au problème, comme en témoigne la troupe d’ami particulièrement condescendante de Adam, dont la petite amie en est l’exemple le plus frappant. En étudiant le microcosme de la rap battle et de ses problèmes inhérents, il parle donc également du monde de manière générale. Le discours de Kahn se fait d’autant plus acéré qu’il peut se le permettre en étant en marge de Hollywood. Le réalisateur peut se faire alors particulièrement cinglant envers l’administration Trump à la fois dans son film qu’il ne lui fait pas de cadeau, mais également sur son compte Twitter où Kahn s’en donne à cœur joie et n’y allant pas avec le dos de la cuillère. Tout cette liberté est véritablement bénéfique pour Kahn, et c’est ce  qui lui permet d’accoucher d’une œuvre aussi brutale que Bodied. Une œuvre proprement galvanisante à la fois dans sa mise en scène tonitruante que dans son propos sociétal. Un véritable must-see de 2018, qui n’aura pas pu sortir au cinéma, mais qu’à cela ne tienne, profitez du mois d’essai gratuit de Youtube Premium et courez voir Bodied pour vous prendre une puissante claque dans la tronche.

Bodied – Bande Annonce

Bodied – Fiche Technique

Réalisateur : Joseph Kahn
Scénariste : Joseph Kahn et Alex Larsen
Acteurs : Calum Worthy, Jackie Long, Rory Uphold, Dumbfoundead, Walter Perez
Photographie : Matt Wise
Distributeurs : Youtube Premium
Genre : Comédie dramatique/Musical
Durée : 2h
Date de sortie : 28 novembre 2018

Par sa mise en scène dans laquelle l’image se fait froide et déstabilisante, Jusqu’à la Garde de Xavier Legrand se mue en un immense morceau de cinéma. Déroutant car complexe, le film se veut être une autopsie viscérale dévoilant l’effondrement d’une famille et le portrait asphyxiant d’une violence conjugale pernicieuse.

Pour un premier film, il est peu courant de voir un tel degré d’exigence et de maturité. Jusqu’à la Garde nous présente Miriam et Antoine qui ne s’aiment plus, qui divorcent. Alors que leur couple n’existe plus, l’un comme l’autre tente d’avoir la garde de leur jeune garçon Julien. Pendant toute la durée de son film, Xavier Legrand jouera sur les contrastes, entre la simplicité du dispositif et la complexité des sentiments, et minimisera ses effets pour accentuer la torpeur qui imprégnera la situation. Situation qui se focalisera presque exclusivement à travers les yeux du jeune Julien.

Un repas de famille, une fête d’anniversaire, ou même de simples trajets en voiture, Jusqu’à la garde transpire le réalisme, se sert de cette aspérité concrète pour faire naître la peur ou l’empathie, infuser une tension qui ne se détache pas ou peu des images. Dès la première séquence, la fameuse confrontation devant le juge, la réalisation et le montage se veulent rêches, avec des plans fixes bruts de décoffrage à l’instar de ce que peuvent laisser transparaître des réalisateurs comme Michael Haneke ou Michel Franco. Dans ce tribunal d’instance, Miriam plaide pour la garde exclusive de leur fils Julien, 12 ans, accusant Antoine d’intimidation et de violence contre leur fille aînée Joséphine. Les silences, les regards ou même les gestuelles en disent long sur le volcan qui bouillonne chez les personnages.

C’est une qualité que présente la fine écriture de Xavier Legrand, qui durant cette scène, implicite autant qu’explicite, met le public dans une position similaire au magistrat en ce sens que notre compréhension de l’affaire est purement juridique, procédurale. Au regard du titre de l’œuvre, il est intéressant de noter que le mot « garde » peut prendre plusieurs significations : la garde de l’enfant, la position de protection ou même l’emprisonnement, l’étreinte. C’est certes dramatique, mais l’actualité brûlante qui existe en France fait que Jusqu’à la Garde prend une ampleur tout autre. Le film devient même une mise au point, un rappel à l’ordre concernant l’enjeu familial qui se joue devant nos yeux, et qui se joue dans nos foyers.

Ce thème de la violence conjugale est un vrai problème de société et a été très peu abordé au cinéma. Quand un mariage tombe, que l’amour s’effrite, il change obligatoirement la vie des conjoints en question. La souffrance que vivent les enfants est encore plus intense. Le film de Xavier Legrand traite de l’effet d’un mariage brisé sur les enfants, mais ne prend pas cet arc narratif spécifique comme un simple constat. Les dérives sont encore plus souterraines. Jusqu’à la Garde explore la terreur domestique à travers les portes, où les lieux d’habitations deviennent une sphère à la fois de protection mais aussi de danger. Le scénario de Xavier Legrand nous donne très peu d’informations, sauf à travers les confrontations et ce que nous tirons du comportement des différents membres de la famille. Xavier Legrand nous éblouit, et nous achève avec le même sentiment de gravité qui animait Faute d’Amour de Andreï Zviaguintsev, grand film de 2017, qui lui aussi s’accaparait le sujet de la famille contemporaine.

Pourtant, le film brouille les pistes, a cette intelligence de ne pas nous mâcher le travail et de ne pas éructer un plaidoyer manichéen. Le récit n’est pas schématique mais se veut progressif dans l’apparition de cette folie, de cette colère qui tapisse l’ombre d’un mari violent. Cela commence par une sorte de garde et se termine par l’explosion chez l’autre, lorsque les lieux de refuge se transformeront en forteresses assiégées. Et même si Jusqu’à la garde est nuancé, complexe, il est surtout implacable dans sa résolution. Même lorsqu’Antoine n’est pas là, sa présence est ressentie. La fête d’anniversaire de Joséphine est un moment de fête. Mais alors que tout le monde danse, la problématique est ailleurs, l’horreur va resurgir.

Alors que Carrie de Brian de Palma se faisait humilier sur scène devant tout le monde, Joséphine chante la peur au ventre, sentant le mal arriver. Les projecteurs aveuglent le hors champ dévastateur qui va commencer à s’épaissir. Le talent de Xavier Legrand est de nous faire ressentir l’inéluctabilité de cette peur, et que la repentance de cette violence n’était qu’un feu de paille.

Commençant comme une introspection sociale, une étude de cas familiale, Jusqu’à la Garde finit en trombe, à la lisière du cinéma de genre, comme un film d’horreur qui n’a rien à envier aux mastodontes. Même si l’œuvre n’effleure jamais le dolorisme d’un Steve McQueen ou d’un Michel Franco, nous avons en face de nous un coup de maitre dans lequel on finit anéanti, la boule au ventre. On ne peut plus dire que nous n’avons pas été témoins. Dans Jusqu’à la garde, le soulagement n’existe pas.

Les stigmates, les traces sur les portes sont indélébiles. Dans une atmosphère claustrophobe, qui interpelle Shining de Stanley Kubrick, toute la sympathie que nous pourrions avoir pour Antoine commence bientôt à s’éroder, car il ressort qu’il est moins motivé par le désir de renouer avec son enfant que par une rage possessive, une tristesse envahissante qui l’habite. Le coup de maître est la façon dont Legrand s’éloigne, presque imperceptiblement, du naturalisme impartial vers l’horreur accablante.

Synopsis :Le couple Besson divorce. Pour protéger son fils d’un père qu’elle accuse de violences, Miriam en demande la garde exclusive. La juge en charge du dossier accorde une garde partagée au père qu’elle considère bafoué. Pris en otage entre ses parents, Julien va tout faire pour empêcher que le pire n’arrive.

Bande Annonce – Jusqu’à la garde

Fiche Technique – Jusqu’à la garde

Réalisateur : Xavier Legrand
Scénariste : Xavier Legrand
Acteurs : Léa Drucker, Denis Ménochet
Photographie : Nathalie Durand
Distributeurs (France) : Haut et Cour
Genre : Drame/Horreur
Durée : 1h34mn
Date de sortie : 7 février 2018

A la lisière du documentaire et de la fiction dans The Rider, la réalisatrice Chloé Zhao se fait le témoin de l’anti chambre du western, avec cette Amérique rêveuse et assoiffée de liberté, mise au tapis suite à sa collision avec une nature indomptable.

Alors qu’il est dresseur de chevaux, qu’il est une étoile montante du rodéo, le jeune Brady voit l’un de ses rides se finir de manière tragique par un traumatisme crânien lors d’une mauvaise chute. Monter à cheval lui est donc dorénavant interdit, pour sa propre santé : The Rider se fait alors le portrait d’un cowboy meurtri dans sa chair et dans son esprit, au crâne agrafé, qui ne sait plus quelle est sa place à la fois dans sa famille mais aussi à travers l’environnement qui l’entoure. Le nouveau film de Chloé Zhao est une œuvre extraordinaire qui nous plonge dans le monde rural du Dakota du Nord, et dépeint de jeunes cavaliers dignes dans la douleur, et presque héroïques quant à leur dévotion culturelle comme en témoignent les multiples apparitions émouvantes de Lane Scott, lui aussi ancienne étoile filante du rodéo.

Avec la pudeur qui la caractérisait déjà dans le très beau Les Chansons que mes frères m’ont apprises, Chloé Zhao filme l’envers du décor d’une Amérique faite de plaines et de couchers de soleil salvateurs, une Amérique sous les feux des projecteurs voulant dominer son espace avec fougue, insouciance et panache mais qui va devoir se redéfinir en oubliant ses propres rêves. Comme le documentaire The Crash Reel de Lucy Walker, The Rider raconte le récit d’une passion addictive malgré l’existence de l’accident, et d’une identification presque destructrice à un rêve. The Rider narre l’histoire d’un cowboy, sans armes et sans possibilité de montrer sa vaillance à l’aide de son cheval. Qui est-il au final ?

La réalisatrice filme avec délicatesse un lieu pour lequel elle montre beaucoup d’empathie : The Rider n’est pas la descente aux enfers d’un homme qui se trouve dans l’incapacité de faire ce qu’il souhaite et dont les moments de gloire ne sont visibles que sur d’anciennes vidéos internet, mais est le dessin d’une communauté, hors du temps et socialement isolée, qui glorifie la nature, se retranche dans leur culture, et accepte le risque de se confronter à quelque chose de plus fort qu’elle. En suivant la lutte réticente de Brady à vouloir s’éloigner du rodéo, des chevaux qu’il aime tant, et du mode de vie sur lequel il a épinglé son identité, il est impressionnant de voir comment Chloé Zhao immerge son personnage dans son propre décorum : avec sa caméra très proche du visage, du corps, des cicatrices lorsque Brady se retrouve dans sa maison ou dans un espace confiné afin de montrer son enfermement et son impuissance quant aux événements.

Mais c’est lorsque Brady passe le palier de la porte, à l’instar d’un cowboy issu de l’univers de John Ford, que Chloé Zhao embrasse son sujet, élargit sa mise en scène, avec ses plans panoramiques d’une nature enchanteresse, pour mieux nous faire comprendre le lien étroit, l’osmose quasi initiatique et existentialiste entre son personnage et ses terres. Dans ce portrait, le plus émouvant ne provient pas de la prise de conscience dramatique d’un avenir restreint, mais se glisse dans la beauté de ces scènes où Brady remet les pieds à l’étrier et renaît le temps d’un instant lors d’une cavalcade à cheval.

Depuis Terrence Malick ou Kelly Reichardt, personne n’avait aussi bien filmé la nature, personne n’avait aussi bien mis en scène ces divagations solitaires dans le creux de cet antre aux multiples mystères. Et c’est ce qui est si subtilement spécial chez The Rider, c’est la matérialisation et déconstruction du mythe américain moderne lorsque la vanité, d’un jeune homme qui a du mal à accepter le fait que sa vie ne sera pas conforme à ses attentes, est déchirante surtout quand on voit le talent et la passion qu’il a cultivés pour apprivoiser les chevaux. Sauf que pour Chloé Zhao, un vrai cowboy, n’est pas une tête brûlée qui va contre vents et marrées, mais c’est aussi un homme qui sait garder son chapeau sur la tête tout en comprenant l’importance de son présent et que les rêves se cachent ailleurs.

Synopsis:Le jeune cowboy Brady, étoile montante du rodéo, apprend qu’après son tragique accident de cheval, les compétitions lui sont désormais interdites. De retour chez lui, Brady doit trouver une nouvelle raison de vivre, à présent qu’il ne peut plus s’adonner à l’équitation et la compétition qui donnaient tout son sens à sa vie. Dans ses efforts pour reprendre en main son destin, Brady se lance à la recherche d’une nouvelle identité et tente de définir ce qu’implique être un homme au coeur de l’Amérique. 

Bande annonce – The Rider

Fiche Technique – The Rider

Réalisateur : Chloé Zhao
Scénariste : Chloé Zhao
Acteurs : Brady Jandreau
Photographie : Joshua James Richards
Distributeurs (France) : Les films du losange
Genre : Drame
Durée : 1h44
Date de sortie : 28 mars 2018

Écumant les salles de quelques festivals de renom, Aga est une belle petite trouvaille réalisée par Milko Lazarov. Un docu fiction, qui prend le Grand Nord comme lieu d’investigation, et qui observe d’un regard mélancolique la civilisation moderne rencontrer un mode de vie ancestral.

Ces paysages enneigés sont ne pas pesants, mais semblent apaisants tant c’est d’une beauté aveuglante, tant le film mise sur une lenteur discrète qui nous fait ressentir ce grand froid. Malgré la gravité de la situation, malgré le déclin d’un mode de vie en voie d’extinction, le cinéaste n’appuie jamais trop ses effets. Au contraire, au lieu d’ériger un pamphlet écologique qui s’égosillerait à l’encontre d’une modernité aliénante, Aga est un hommage à une Nature qui s’évapore à petit feu. Comme une mère matricielle qui prendrait soin des siens, cette Nature semble d’une pureté inégalable mais malheureusement pas aussi inépuisable qu’auparavant. D’une blancheur virginale extrême, loin de toute la mécanisation et de l’industrialisation grisâtre des mines de diamants.

Le cinéaste aime s’attarder sur les détails d’un environnement écologique qui n’existera peut être bientôt plus: la caméra est éblouie par ce silence qui fait grésiller les éléments de la Nature. Mais Aga, n’est  pas qu’une affaire de Nature, n’est pas qu’un simple roman photo de toute beauté du Grand Nord, c’est aussi une interrogation humaine, sur un couple qui comprend avec le temps qu’ils seront bientôt les derniers d’une espèce. Leur fils et leur fille, ont vite fui le foyer familial, cette vie sédentaire et rudimentaire dans les yourtes et par obligation, ce quotidien tributaire de ce que leur apporte leur environnement parfois  difficile. Ils ont décidé, notamment Aga la fille de la famille, de tendre la main à la modernité et de chercher la capitalisation là où elle pouvait se trouver, dans les villages aux alentours.

On observe de magnifiques plans, un environnement propice à l’élévation, d’une contemplation certaine mais aussi des taches quotidiennes âpres, des jours et des nuits qui riment surtout avec survie. Mais le réalisateur met toujours l’humain dans les affres de son cadre, pour avec finesse, matérialiser cette différence entre l’infiniment petit et l’infiniment grand : à l’image de ces immenses avions qui laissent des traces dans le ciel et qui marquent sans le savoir la fin d’une époque. Nous ne sommes que des points noirs dans un océan de neige blanche, et pourtant, nous sommes autant la cause que la conséquence de cet environnement disparate.

Sedna et Nanouk, s’aimant l’un et l’autre, vivent de manière séculaire. Mais alors qu’ils profitent du quotidien, même dans sa torpeur la plus rudimentaire, se cache en eux, un regret, une sorte de sentiment d’abandon. Entre amertume et culpabilité, ils se remémorent le départ de leur fille, qu’ils n’ont plus revue depuis longtemps. Fidèles à leurs principes, ils n’en demeurent pas, mais le souvenir de leur fille rend l’émotion tangible dans leurs regards. Car ce n’est pas une question de trahison, ni de honte, mais seulement d’une modernité qui voit le jour.

Derrière cet écrin visuel magistral, cette douceur et ce calme régnant, ce sont les paysages qui changent de reliefs mais aussi l’humanité qui change de visage. Sur la question écologique, le film n’est certes pas aussi virulent que le dernier film en date de Paul Schrader, First Reformed, et sa position sur le changement climatique, mais Aga questionne par la qualité de son dispositif et son naturalisme. L’œuvre n’a jamais comme objectif d’installer un clivage entre primitif et civilisé: la nuance est plus singulière. L’homme reste tel qu’il est, mais se sert de la Nature avec une ambition autre, quitte à ce qu’elle soit destructrice. 

Synopsis:La cinquantaine, Nanouk et Sedna vivent harmonieusement le quotidien traditionnel d’un couple du Grand Nord. Jour après jour, le rythme séculaire qui ordonnait leur vie et celle de leurs ancêtres vacille. Nanouk et Sedna vont devoir se confronter à un nouveau monde qui leur est inconnu.

Bande Annonce – Aga

https://vimeo.com/297938473

Fiche Technique – Aga

Réalisateur : Milko Lazarov
Scénariste : Simeon Ventsislavov
Acteurs : Mikhail Apromisov, Feodosia Ivnova
Photographie : Kaloyan Bohzilov
Distributeurs (France) : Arizona Distribution
Genre : Drame/Documentaire
Durée : 1h37mn
Date de sortie : 21 novembre 2018