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Nombreux sont les aficionados de Moonlight qui attendaient Barry Jenkins au tournant après une telle réussite. Le réalisateur oscarisé continue sa percée dans le cinéma américain avec un second film où il se place une nouvelle fois porte parole d’une communauté à laquelle il appartient. If Beale Street Could Talk plonge le public dans le récit de James Baldwin et propose une merveilleuse romance sur fond d’injustice.

Nul doute que Barry Jenkins est désormais installé comme l’un des grands cinéastes actuels capable de filmer la poésie amoureuse à la perfection. Que ce soit dans son film précédent ou ici, la grâce et l’élégance avec lesquelles il insère l’alchimie de deux êtres dans son récit, est fascinante. La fusion des acteurs d’un regard amoureux à une scène plus intime reste enivrante par leur connexion mais surtout par le travail incroyable de James Laxton, déjà directeur de la photographie de Moonlight. Ce qui charme directement dans l’œuvre, c’est bel et bien les images aux couleurs pures mais chaleureuses, comme si le spectateur était également dans la bulle d’amour que les deux amoureux se construisent. Peu de dialogues existent au début, le charme passe par les regards, les gros plans où la passion traverse l’écran pour se glisser dans le cœur du spectateur. Le film aurait bien pu rester muet que le public serait resté aussi attentif à la suite, subjugué par la mise en scène qui fait tout le travail. Tout passe par les regards caméra, au début douteux, mais très vite attachants dans leurs apparitions, on rentre dans l’histoire. La caméra danse au rythme du jazz souvent présent en fond, et s’arrête de temps à autres devant les visages ébahis, émus des acteurs, dont on tente de saisir les émotions. Pour un premier long métrage, Kiki Layne reste en deçà de la performance que l’on attendait pour ce film mais les faux pas sont oubliés par l’ambiance générale terriblement séduisante et son partenaire Stephan James, dont la présence à l’écran, s’avère marquante.

La force de Si Beale Street pouvait parler, c’est son engagement politique noyé dans une belle romance. Jenkins se place en porte parole des afro-américains victimes constamment d’injustices aux États-Unis mais sans jamais faire du film, une œuvre militante ou contestataire. Le contexte, d’ailleurs non daté dans le film pour montrer son intemporalité, est la sombre toile de fond de cette histoire d’amour rayonnante. Relation mise à mal par une accusation de viol, dont on ne saura jamais l’issue véritable, et une peine de prison qui oblige leur passion à se vivre seulement à travers la vitre d’un parloir. Malgré la délicatesse avec laquelle le cinéaste dépeint leurs liens, tout n’est pas seulement doux dans le film. La dureté des abus policiers et judiciaires exposent des scènes insupportables et des dialogues douloureux, notamment lorsque Fonny retrouve son ami sortant de prison.

La lutte pour la dignité de son mari, Tish n’a pas la force de la mener seule, épuisée par sa grossesse. C’est ainsi que les seconds rôles entrent en scène et ce, dès le début du film où l’on aperçoit leur importance et surtout leur place subtilement créée par Jenkins. Regina King a d’ailleurs obtenu le Golden Globes pour son jeu, le 6 janvier dernier, et lorsque l’on voit la force avec laquelle elle joue, on ne peut que s’en réjouir et lui souhaiter le même scénario pour les Oscars en février. Des parents de Tish à ceux de Fonny, en passant par leurs sœurs, chacun a son mot à dire sur son couple et son bébé. Des répliques jouissives amusent le public au début du film pour finalement proposer un fond plus touchant avec la place accordée aux parents de Tish, et au père de Fonny, le seul à se battre pour son fils dans la famille du jeune homme. D’un voyage au Porto Rico de la mère de Tish aux plans illégaux des deux pères, frères de combat, les liens familiaux sont ici d’une telle beauté que leur présence vient ajouter au film une énième petite étincelle. Éclat sublimé par les couleurs toujours chaudes, qui prennent tout leur sens ici et enferment l’histoire et l’amour dans un cercle protégé et bienveillant, le cadre familial. L’amour, qu’il soit familial ou romantique, est toujours plus fort que tout dans le cinéma de Barry Jenkins.

Les Oscars ont bien eu tort de se priver d’un tel film pour leur cérémonie. Le réalisateur offre un peu d’amour pur et sincère avec une grande délicatesse que la musique parvient toujours à faire valser. Avec Green Book et The Hate U Give, la ségrégation contemporaine est bien contestée au cinéma en ce moment et l’on ne va pas s’en plaindre car tous réussissent, à leur manière, à contrer l’Amérique de Trump.

If Beale Street Could Talk : Bande-Annonce

If Beale Street Could Talk : Fiche technique

Réalisation : Barry Jenkins
Scénario : Barry Jenkins, d’après le roman Si Beale Street pouvait parler de James Baldwin
Interprétation : KiKi Layne, Stephan James, Regina King, Colman Domingo, Dave Franco
Musique : Nicholas Britell
Montage : Joi McMillon et Nat Sanders
Producteurs : Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Adele Romanski, Sara Murphy et Barry Jenkins
Sociétés de production : Plan B Entertainment et Pastel Productions
Sociétés de distribution : Mars Films (France)
Genre : romance, drame
Durée : 117 minutes
Dates de sortie : 30 janvier 2019

États-Unis – 2018

The Hate U Give ne faisait pas partie des films que l’on attendait forcément en 2019 et pourtant, le long métrage de George Tillman Jr., basé sur le livre éponyme, s’avère être une belle surprise dans son traitement des violences policières et racistes aux États-Unis.

Après le très réussi What You Gonna Do When The World’s On Fire, documentaire sur les Black Panthers sorti l’an dernier, le Black Power se réveille dès ce début d’année 2019 avec 3 films d’affilée sur la communauté afro-américaine aux Etats Unis. Comme ce dialogue qui avait marqué les esprits dans Moonlight lorsque la mère apprend à son fils comment se comporter lors d’une arrestation, The Hate U Give démarre selon ce même schéma avec un père de famille qui prépare ses enfants aux injustices en leur apprenant en parallèle, dès leur plus jeune âge, les lignes du programme des Black Panthers. Des scènes fortes qui donnent la rage au ventre et l’envie de lever le poing. Comme Detroit ou d’autres films ont pu le faire avant, The Hate U Give s’empare du mouvement Black Lives Matter pour faire valoir la vie et la dignité des individus morts injustement sous les balles policières. Finis les teen-movie à l’eau de rose dont l’intrigue repose sur le couple le plus canon et populaire du lycée, les prochains films pour ados seront politiques.

T.H.U.G. L.I.F.E. : The Hate U Gave Little Infants Fucks Everybody – La haine que vous transmettez aux enfants détruit tout le monde

En prenant comme point de départ le slogan écrit par 2Pac et son engagement, le film amène délicatement et non sans douleur le public sur son terrain. Hommage au rappeur, et engagement de son auteur, The Hate U Give prouve une nouvelle fois l’importance d’être actif et de ne jamais se taire, même au cinéma. La performance d’Amanda Stenberg, déjà découverte dans Everything Everything et Darkest Minds permet à l’oeuvre d’être aussi riche et forte que le thème l’exige. La jeune femme incarne les idées de 2Pac contre les injustices et la violence dans les ghettos américains. Mais le film soulève une autre problématique liée à la première qui est celle du sentiment d’appartenance à une communauté. Green Book le faisait également à travers une réplique des plus parfaites livrée par Mahershala Ali « Si je ne suis pas assez noir, mais que je ne suis pas non plus assez blanc, dis-moi qui je suis. » Tiraillée entre un lycée hors du ghetto où il n’y a que des blancs à la vie aisée, et son ghetto où elle a grandi et vit aujourd’hui, Starr ne sait plus qui elle doit être. Rejetée de toute part à cause de son appartenance à l’autre communauté, elle se veut porte parole de nombreux jeunes qui ne savent plus qui ils sont, et quelle légitimité ils ont à se rendre dans certains lieux. À l’image de ce déchirement, la division de ses parents durant une bonne partie du film en est la preuve. Sa mère, inquiète, la pousse à fuir le ghetto et la violence qui y est permanente alors que son père la pousse à assumer qui elle est. L’équilibre de ses choix et l’affirmation de ses opinions provoquera autant de conflits dangereux que de discours fabuleux, porteurs de sens à toute une génération qui saura s’y reconnaître.

The Hate U Give réalise quelque chose d’important en s’adressant directement aux adolescents comme Love, Simon l’avait fait au sujet de l’homosexualité. Faire évoluer les mentalités lors de l’une des périodes les plus décisives de la vie grâce aux messages diffusés par le cinéma n’est pas toujours évident mais certains cinéastes relèvent le défi et y parviennent plutôt bien. Les teen-movie prennent donc un tournant en jouant un rôle dans l’éducation et la politique, place que l’art a toujours plus ou moins eue.

The Hate U Give : Bande Annonce

The Hate U Give : Fiche Technique

Réalisation : George Tillman Jr.
Scénario : Audrey Wells, d’après le roman The Hate U Give d’Angie Thomas
Interprètes : Amandla Stenberg, Regina Hall, K.J. Apa, Russell Hornsby, Common, Lamar Johnson, Issa Rae
Photographie : Mihai Malaimare Jr
Montage : Alex Blatt et Craig Hayes
Musique : Dustin O’Halloran
Producteurs : Marty Bowen, Wyck Godfrey et Robert Teitel
Sociétés de production : Fox 2000 Pictures, State Street Pictures et Temple Hill Entertainment
Société de distribution : 20th Century Fox
Genre : drame
Durée : 133 minutes
Dates de sortie : 23 janvier 2019
ÉTATS-UNIS – 2018

Après la vie, l’amour, vient le deuil. Avec l’incroyable A Ghost Story, David Lowery tente de chercher cette petite étincelle d’humanité qui survit après notre mort, à travers la tristesse de l’autre, mais aussi et surtout à travers le regard inerte du mort lui-même.

N’étant ni film sur la réincarnation des esprits ni un film d’horreur, A Ghost Story nous transporte dans une quête minimaliste sur le temps qui passe en suivant les pas lancinants du fantôme d’un défunt mari. Aucun CGI ni effets spéciaux grandiloquents dans une œuvre aussi simple que belle : le fantôme porte un drap blanc et a deux trous à la place des yeux. Cet accoutrement « cheap » aura pu désacraliser la torpeur de la situation, au contraire, il ne fait que l’amplifier. Du deuil d’un être aimé, qui est un drame intime et qui ne concerne que les proches, David Lowery avec ce « costume » rudimentaire agrandit son champ de vision pour se permettre de parler à tout le monde : le déguisement du drap blanc est rentré depuis longtemps dans l’imaginaire collectif et réussit particulièrement à retranscrire l’ambiance « lo-fi » et crépusculaire amorcée par le cinéaste.

En invoquant les frontières de l’infiniment petit et de l’infiniment grand, A Ghost Story contient des résonances multiples. Que nous arrive-t-il quand nous mourrons ? Alors que le récit aurait pu se restreindre à n’être qu’une œuvre guimauve et lourdingue comme Ghost de Jerry Zucker, David Lowery embellit cette romance dramatique, joue sur les contrastes, accentue cette atmosphère solitaire, immortalise la souffrance et donne naissance à un métrage hybride qui s’intéresse autant à l’éclatement des émotions de la veuve, qu’à l’étalement du passage du fantôme dans la mémoire des vivants.

Avec ce métrage, c’est un regard qui se forme, qui scrute le moindre fait et geste, qui déambule autant dans les champs que dans les ruines, autant dans le présent que dans le passé. Alors qu’il est mort, il reste dans le monde des vivants, il transporte son fardeau mais devient presque omniscient : il est à la fois un ange gardien qui protège ses proches et un misérable spectre, un damné à la solitude absolu qui reste cloîtré dans un espace-temps qui ne lui appartient plus.

A Ghost Story pose une question importante : combien de temps restons nous dans l’esprit des vivants à partir du moment où nous mourons ? Quelle trace laissons-nous sur la Terre ? Quelle influence avons-nous sur la mémoire des autres, sur leur façon de vivre ? L’énigme même de l’existence de l’être humain n’est pas de son vivant mais se déploie bien après sa mort : est-ce que la continuité de l’humain se fait dans l’esprit de chacun ou se perpétue-t-il par la marque de la matérialité de nos actes ?

C’est l’un des nombreux thèmes métaphysiques sur la mémoire, la perte qui se faufilent dans A Ghost Story. Dans une scène pionnière du film, David Lowery filme Rooney Mara en train de manger une tarte entière dans un plan séquence de cinq minutes. Le chagrin peut être dévorant, mais il peut aussi se manifester progressivement, et se montrer fascinant dans sa mise en scène simple et déroutant dans sa portée émotionnelle. Au-delà d’être un film à thème, A Ghost Story est une histoire d’amour ombragée par le destin, un récit sensoriel encastré dans un cadre 4 :3 de toute beauté.

C’est le dessin d’une amertume silencieuse, une poésie qui s’envole dans des contrées inédites, une mosaïque de moments anodins qui résument une vie après la mort. Les années passent et le souvenir devient moins prégnant, la douleur commence à cicatriser. Pablo Larrain avait réussi à magnifier le deuil du personnage complexe de Nathalie Portman. David Lowery, lui, électrise de façon minimaliste le quotidien linéaire mais terriblement commun d’une Rooney Mara obsédante à travers une réalisation à la lenteur hypnotique. Sauf que le destin des vivants n’est pas forcément lié à celui des morts et inversement. L’attache doit disparaître pour mieux rester intacte. Alors que la maison tombe en ruine, le fantôme reste symboliquement enchaîné à ses murs blafards, jusqu’à ce que David Lowery décide de partir dans un questionnement cosmique, de faire interagir le monde des morts avec une temporalité qui n’est pas celle des humains.

En perturbant de la sorte le rythme fragmenté mais jusqu’alors linéaire du film, le cinéaste implique de plus que les morts ne sont pas liés par les mêmes lois du temps qui régissent les vivants. Manière d’amener son film dans des sphères plus globales et aériennes et prendre le pendant de ses influences que sont Bela Tarr et surtout Terrence Malick sur la création du monde. Une histoire de fantômes est une question de temps : la dilapider, la détériorer, se rendre compte qu’elle continuera sans nous. C’est sur le chagrin et la perte insondable.

Bande Annonce – A Ghost Story

Synopsis : Apparaissant sous un drap blanc, le fantôme d’un homme rend visite à sa femme en deuil dans la maison de banlieue qu’ils partageaient encore récemment, pour y découvrir que dans ce nouvel état spectral, le temps n’a plus d’emprise sur lui. Condamné à ne plus être que simple spectateur de la vie qui fut la sienne, avec la femme qu’il aime, et qui toutes deux lui échappent inéluctablement, le fantôme se laisse entraîner dans un voyage à travers le temps et la mémoire, en proie aux ineffables questionnements de l’existence et à son incommensurabilité.

Fiche Technique – A Ghost Story

Réalisation : David Lowery
Scénario: David Lowery
Casting: Rooney Mara, Casey Affleck
Distributeur (France) : Universal Pictures International France
Durée : 1h32
Genre : Drame
Date de sortie : 20 décembre 2017

Un guide vert de sinistre mémoire (à l’intention des seuls voyageurs Noirs) sera le fil conducteur du film éponyme de Peter Farrelly, Green Book, un road movie bourré d’humour qui n’oublie pas de dénoncer les affres du racisme qui dévorait l’Amérique d’avant le mouvement des Droits Civiques. Un excellent film.

Synopsis : En 1962, alors que règne la ségrégation, Tony Lip, un videur italo-américain du Bronx, est engagé pour conduire et protéger le Dr Don Shirley, un pianiste noir de renommée mondiale, lors d’une tournée de concerts. Durant leur périple de Manhattan jusqu’au Sud profond, ils s’appuient sur le Green Book pour dénicher les établissements accueillant les personnes de couleur, où l’on ne refusera pas de servir Shirley et où il ne sera ni humilié ni maltraité.

Dans un pays où le mouvement des droits civiques commence à se faire entendre, les deux hommes vont être confrontés au pire de l’âme humaine, dont ils se guérissent grâce à leur générosité et leur humour. Ensemble, ils vont devoir dépasser leurs préjugés, oublier ce qu’ils considéraient comme des différences insurmontables, pour découvrir leur humanité commune.

Les bêtes du Sud sauvage

Il n’est pas si loin le temps où les frères Farrelly nous inventaient les gags les plus à ras des pâquerettes dans des comédies drôlatiques, et où il suffisait de dire Mary à tout prix pour que n’importe interlocuteur de n’importe quelle personne ait immédiatement des images cultes en tête, qu’il n’est même pas utile de rappeler ici.

Mais la tragédie est passée par là, Bobby Farrelly surmonte encore le drame affreux du décès de son fils, et c’est tout seul que son frère Peter se présente derrière la caméra pour réaliser cet excellent Green Book qui sort sur nos écrans cette semaine. Le Green Book est ce guide vert pour voyageurs Noirs, avant que le Civil Rights Act (le film se situe en 1962) ne mette un terme à la légalité de la discrimination raciale. On y trouvait donc les adresses des motels, hôtels et diners qui acceptaient les « colored », voire les « colored only ». Le sous-titre français (sur les routes du sud) souligne que plus on allait vers le Sud, plus le Green Book était un outil tristement précieux et indispensable.

Viggo Mortensen, métamorphosé avec près de 20 kilos de plus, incarne ici Tony Vallelonga, alias Tony Lip (Tony la tchatche), un rital plus vrai que nature qui vit dans le Bronx. Raciste plus par tradition que par vraie conviction, roublard, et surtout définitivement sanguin, il perd facilement les postes qu’il occupe pour cause de coups de poing facile. C’est donc précédé d’une petite réputation de vrai dur qu’il sera engagé par le très original Doc (Don Shirley de son vrai patronyme, docteur en philosophie et pianiste virtuose dans sa vie), interprété magnifiquement par le grand Mahershala Ali. Tony et « le Doc » vont partir deux mois durant sur les routes (du Sud, donc) pour de prestigieux concerts de Jazz pour auditoire blanc dans des villes de plus en plus ségrégationnistes ; Tony comme chauffeur, Don Shirley comme patron excentrique et précieux. Le Green Book en question est confié à Tony qui est vu par les producteurs de Don comme une sorte de valet chargé du bien-être du musicien.

Il n’y a rien de bien nouveau ni dans les thèmes abordés par le cinéaste, ni dans la manière très classique de filmer ce road-movie qui va amener les protagonistes de New-York à Birmingham, au fin fond de l’Alabama. On peut prédire dès les premières séquences l’issue du métrage.  Et pourtant, le film fonctionne merveilleusement, notamment à partir du moment où le couple Mortensen/Ali se forme. Il y a une alchimie immédiate entre ces deux acteurs, mais également et surtout entre ces deux personnages que pourtant tout oppose. Chacun apportera tout un monde nouveau à l’autre, le doc découvrira dans une scène exquise et vraiment drôle les poulets KFC, ces fameux poulets frits tellement stéréotypés comme étant l’addiction suprême des Noirs;  il découvrira dans la foulée avec la radio que Tony sélectionne Little Richard ou Aretha Franklin. Mais il refusera avec véhémence de n’être réduit qu’à ces clichés. A l’inverse, Tony découvre une sorte de raffinement compassé mais néanmoins séduisant, la « grande » musique, les lettres d’amour romantiques que tel un Cyrano des temps modernes, Don Shirley dictera à Tony pour Dolores (Linda Gardinelli), la femme de ce dernier; Tony découvrira un homme guidé uniquement par l’honnêteté, la dignité ou encore le civisme.

Ces Yin et Yang de la comédie de Peter Farrelly sont tour à tour le faible et le puissant, le maître ou l’élève, pour finir par faire un ensemble indissociable, un tout savoureux. Mortensen, toujours aussi versatile, incarne sans se forcer cet homme du peuple peu cultivé et bedonnant, et Ali, un très bon acteur que le grand public n’a découvert que très tardivement avec l’excellent Moonlight de Barry Jenkins, prête à son Don Shirley et de manière très juste et avec une économie incroyable de moyens un flegme quasi-britannique, mais également une souffrance intérieure et une frustration énorme de n’être « ni assez blanc pour les blancs, ni assez noir pour les noirs ».

Sous ses airs simplistes de feel good movie, Green Book évoque avec sérieux des sujets graves tel que le racisme crasse que Don en tant qu’être humain de couleur noire rencontre au fil des haltes, un racisme d’autant plus crasse que l’accueil du même Don en tant qu’artiste venu divertir les mêmes,  est chaleureux. Il s’attaque encore  à des sujets comme la lutte des classes, la remise en question de soi, la question de la sexualité au début des années 60. La pléthore de sujets, l’humour qui reste somme toute ravageur malgré l’absence de l’autre moitié des frères Farrelly, la bonne musique, l’excellence des protagonistes, et l’amitié durable entre ces deux personnages qui ont réellement existé mènent Green Book et Peter Farrelly tout droit vers des victoires certaines aux très prochains Oscars, et ce ne sera que justice, tant il n’est pas facile de faire rire dans les chaumières en 2019,  ainsi que le cinéaste réussit à le faire d’une manière élégante, lorsque le monde est si morose, et que l’avenir semble si inquiétant.

Green Book : Sur les routes du Sud – Bande annonce

Green Book : Sur les routes du Sud – Fiche technique

Titre original : Green Book
Réalisateur : Peter Farrelly
Scénario : Nick Vallelonga, Brian Hayes Currie, Peter Farrelly
Interprétation : Viggo Mortensen (Tony Lip), Mahershala Ali (Dr. Don Shirley), Linda Cardellini (Dolores), Sebastian Maniscalco (Johnny Venere), Dimiter D. Marinov    (Oleg), Mike Hatton (George)
Photographie : Sean Porter
Montage : Patrick J. Don Vito
Musique : Kris Bowers
Producteurs : Brian Hayes Currie, Jim Burke, Nick Vallelonga, Charles B. Wessler, Peter Farrelly
Maisons de production : Participant Media, DreamWorks Pictures, Amblin Partners, Innisfree Pictures, Wessler Entertainment
Distribution (France) : Metropolitan Film Export
Récompenses : Plusieurs prix au Golden globe (dont meilleur second rôle pour Mahershala Ali). Plusieurs nominations en cours pour les Oscars et les BAFTA
Budget :23 000 000 USD
Durée : 130 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 23 Janvier 2019
USA – 2018

Close, le film de la réalisatrice anglaise Vicky Jewson met en scène une héroïne très physique, directement inspirée d’une véritable bodyguard : Jacquie Davis, qui fut notamment en charge de la protection de J.K Rawling ou Diana Ross. Au final, une production Netflix faible du point de vue du scénario mais néanmoins spectaculaire.

Il ne faut pas attendre longtemps pour voir Sam, le personnage qu’incarne Noomi Rapace, entrer en action. Et liquider en moins de temps qu’il n’en faut pour le dire les trois terroristes qui s’en étaient pris au convoi qu’elle devait sécuriser. Le générique n’est pas encore lancé que le ton est donné : en voilà une qui ne s’en laissera pas compter. Dès son retour d’Afrique, à peine ses blessures cicatrisées, la voici affectée à une nouvelle mission : protéger Zoé, la toute jeune héritière d’un empire industriel devenue la cible d’ennemis aux intérêts divergents, les uns prêts à rançonner cette « princesse » à plusieurs milliards de dollars, les autres décidés à éliminer une concurrente aussi gênante qu’inexpérimentée.

Or Zoé, post-adolescente pourrie-gâtée, s’avère être une cliente capricieuse, irresponsable et butée, l’exact opposé de sa nouvelle garde du corps toute en réserve et concentration. Une divergence de tempérament qui se double d’un contraste physique : Zoé affiche mollesse et indolence là où Sam semble être d’acier trempé. La rencontre antinomique de ces deux figures, de ces deux corps, ce duo improbable embarqué dans la même galère, est assez réussi. D’autant que la réalisatrice ne manque pas de questionner la double nature virile/féminine de son personnage principal par ailleurs torturé par une maternité jamais assumée. Sam, qui tout en portant un prénom masculin et exerçant un « métier d’homme » ne néglige jamais sa part de féminité. Sa chevelure qu’elle défait dans les moments plus intimes puis rattache façon casque de combat, symbolise tout au long du film la nature ambivalente de la bodyguard.

Dans cette même idée d’interroger les codes du féminin et du masculin, Vicky Jewson va s’attacher à redistribuer les rôles. Dans la plupart des films d’action, les hommes se retrouvent aux avant-postes. Héros ou méchants, ce sont eux qui s’imposent dans les scènes de bagarre cantonnant les personnages féminins à des situations plus passives. Mais cette fois-ci, Sam relève le défi de l’épreuve physique dans la plus pure tradition de ces films stéréotypés. Et voir une femme en faire baver des ronds de chapeau à des hommes aussi couillus que couillons est tout à fait réjouissant.

Le film enchaine ainsi des morceaux de bravoure au cours desquels Noomi Rapace n’a rien à envier à ses congénères masculins, Tom Cruise (Ethan Hunt) ou Matt Damon (Jason Bourne). Et force est de reconnaitre que la réalisatrice ne manque pas d’inspiration lorsqu’il s’agit de passer à l’action. Notamment dans le choix de décors très originaux. Ainsi de cette kasbah marocaine ultra connectée, de cette baston dans l’étroitesse d’un taxi ou d’un duel sous-marin particulièrement bien filmé. Autant de scènes prenantes qui secouent un scénario dont le déroulé autant que la conclusion laissent quelque peu indifférent.
Un film inégal donc mais loin d’être ennuyeux.

Bande annonce – Close

Synopsis : Une experte en lutte anti-terroriste est obligée de devenir garde du corps pour une riche et jeune héritière à Bangkok. L’entente ne règne guère entre les deux femmes mais suite à une violente tentative d’enlèvement, elles sont obligées de s’unir pour survivre et démasquer leurs assaillants.

Fiche Technique – Close

Réalisateur : Vicky Jewson
Scénaristes : Vicky Jewson et Rupert Whitaker
Directeur de la photographie : Malte Rosenfeld
Distributeurs (France) : Netflix
Genre : action
Durée : 1h34
Date de sortie : 18 janvier 2019

Olivier Assayas aime les idées, les théories, le fait de faire vivre la pensée, ce qui émane de Doubles vies, ces longues logorrhées entre adultes, ces discussions entre penseurs autour d’un bon verre de vin. Mais derrière ces dialogues parfois ciselés sur l’avènement du numérique et notre manière de consommer et d’apprécier l’art en général, Doubles Vies manque irrémédiablement de verve ou d’impulsion dramatique voire même pratique pour charmer au maximum.

Le cinéaste semble parfois plus prompt à nous asséner son discours qui voit d’un mauvais œil la démocratisation du monde littéraire et du monde de la critique en général, qu’à nous raconter une histoire ou des enjeux. C’est intéressant, voire hypocrite, de voir un film qui ne cesse de se questionner sur les méfaits et les bénéfices de la modernité tout en épousant des formes classiques voire un brin poussiéreuses de la comédie à la française avec ces histoires d’adultères, ces personnages bien cloisonnés dans leur rôle précis – notamment les rôles masculins – et écrits au marteau-piqueur.

Les rôles féminins, s’avèrent eux plus amples, plus souples à l’image du personnage incarné par Nora Hamzawi, une parlementaire compressée par son travail, mais est l’une des seules, qui arrive à se détacher des poncifs de salon pour amener une certaine forme d’étincelles. Pourtant, Doubles Vies, est loin d’être un spectacle imbuvable, qui aimerait se regarder le nombril pour juger d’autrui, mais au contraire, il aime aussi se questionner et remettre en question l’art et sa gestion de la moralité. La logique de ses longs dialogues s’installe d’elle même, Assayas ayant une certaine forme de mépris, pour les réseaux sociaux et leur déluge d’avis instantanés, comme s’il s’obligeait à allonger les dialogues pour leur donner une contenance intellectuelle, autre. Cela donne droit à des débats qui jouent les équilibristes entre étalage de savoir tirant vers le sermon désincarné, et l’habillage verbal rafraîchissant et piquant.

Dans ce monde de l’édition en pleine ébullition, ce n’est pas qu’une question de support, mais c’est aussi le miroir de la société et une façon différente de lire un bouquin qui traverse l’esprit de nos personnages, à l’image de deux moments – un premier durant une interview radio et l’autre lors d’un question-réponse dans une libraire – où le personnage de Vincent Macaigne, écrivain détaché des nouvelles technologies, voit ses œuvres être confrontées à des débats sur des sujets autres que le fond du livre. Un peu comme si Assayas voyait d’un œil interloqué la pluralité des avis, et que des plateformes comme Twitter puissent être le moyen de faire véhiculer des jugements autres, comme celui de la moralité, ou la possibilité pour certains de donner une opinion rapide mais construite.

Et c’est parfois toute l’ambiguïté ou le manque de panache du film, qui semble parfois avoir « le cul entre deux chaises », à l’image de certains de ses personnages: le film n’a pas ou peu d’avis, mais « observe », sauf lorsqu’il faut égratigner cette notion galvaudée du divertissement et l’image désastreuse colportée aux séries. Voir ces personnages adorer communiquer de vives voies, se targuer du réel et de la superficialité des réseaux sociaux, et avoir peur du futur, mais se servir des nouvelles technologies pour mentir, se complaire dans l’adultère, et se créer des « doubles vies » – par le biais de Facebook par exemple – est assez passionnant et délicieux de misérabilisme. Dans ce marivaudage, cette comédie fine mais surplombée par ses errements rhétoriques, il n’y a bien que les talents d’acteurs de chacun qui amènent de la fluidité et de la compassion à une œuvre méritante, mais pas aussi profonde qu’elle aurait voulu. 

Bande Annonce – Doubles Vies

Synopsis: Alain, la quarantaine, dirige une célèbre maison d’édition, où son ami Léonard, écrivain bohème publie ses romans. La femme d’Alain, Séléna, est la star d’une série télé populaire et Valérie, compagne de Leonard, assiste vaillamment un homme politique. Bien qu’ils soient amis de longue date, Alain s’apprête à refuser le nouveau manuscrit de Léonard… Les relations entre les deux couples, plus entrelacées qu’il n’y paraît, vont se compliquer.

Fiche Technique – Doubles Vies

Réalisation : Olivier Assayas
Scénario: Olivier Assayas
Casting: Guillaume Canet, Juliette Binoche, Vincent Macaigne, Nora Hamzawi
Distributeur (France) : Ad Vitam
Durée : 1h47
Genre : Comédie
Date de sortie : 16 janvier 2019

France – 2019