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Voilà Dix ans que Jean-Pierre Jeunet n’avait pas sorti de nouveau film. Pourtant 2022 prouve qu’il ne faut jamais dire jamais. Avec Big Bug, le réalisateur revient sur les cimes du 7^e art, en optant pour une production made in Netflix où l’humour noir côtoie des questions existentielles sur l’avenir (peu reluisant) de l’Humanité.

Synopsis : Dans un avenir proche, un groupe d’individus se retrouve pris au piège par une bande de robots.

Le retour (Netflix) de Jean-Pierre Jeunet

Regarder un film de Jean-Pierre est toujours synonyme de surprise. Depuis plus de trente ans, le réalisateur est, en effet, passé maître dans l’art de surprendre son public. Que ce soit en mettant en scène un boucher cannibale dans Delicatessen (1991) ou en évoquant les aventures d’un jeune inventeur dans L’extravagant Voyage du jeune et prodigieux T.S. Spivet (2013) – tous les films ou presque du cinéaste proposent un univers cinématographique merveilleux où le détail le plus fin côtoie une galerie de personnages hauts en couleur. Sur ce point, le dernier né du réalisateur n’échappe pas à la règle. Big Bug renoue, en effet, avec l’obsession pour le détail loufoque qui a fait la marque de fabrique de son réalisateur. Ce dernier retrouve les chemins de la science-fiction qu’il n’avait pas emprunté depuis Alien, la résurrection (1997). Un détail distingue, néanmoins, le film des autres productions du cinéaste.

Big Bug est le premier film de Jean-Pierre Jeunet à être uniquement distribué sur Netflix. Après s’être offert les plus grands cinéastes du monde, la superstar des plateformes de vidéo à la demande fait appel au plus international des réalisateurs français. Le résultat pourra en laisser quelques uns pantois. Car, le huitième long-métrage du cinéaste possède, a priori, tout pour (dé)plaire au public. D’abord parce que le cinéaste brouille les pistes. Le film oscille entre différentes tendances. Big Bug se situe, en effet, au carrefour du théâtre filmé et du film de science-fiction plus classique. Les différentes intrigues qui se nouent entre les personnages sont à peine esquissées, et mériteraient parfois d’être un peu plus développées. Le jeu des acteurs mérite également qu’on s’y intéresse car il n’est pas sans susciter quelques questions. Certains comédiens paraissent sous-employés. D’autres semblent avoir délibérément noyé leur composition dans une surenchère d’effets plus ou moins comiques.

N’allons pourtant pas croire que ces divers éléments constitueraient de purs défauts. Loin s’en faut. Car, avec Jean-Pierre Jeunet, l’ironie et l’autodérision ne sont jamais très loin. Avec Big Bug, Jean-Pierre Jeunet (dé)joue les frontières de son cinéma en proposant une œuvre barrée, qui se prête à toutes les appréciations, situé entre le nanar et le chef-d’œuvre d’autodérision critique.

Un film qui dépoussière la science-fiction

Big Bug fait partie de ces œuvres qui se lisent au premier comme au second degré. Opter pour la première lecture impliquera sans doute de remettre en cause la réussite du film et plus généralement le style de son auteur. Choisir la deuxième option nous paraît plus juste car elle nous permet d’aller au-delà des « défauts » supposés de l’œuvre. Il est plus intéressant de voir Big Bug comme un film (auto)parodique que comme une œuvre classique. Jean-Pierre Jeunet a sciemment composé un long-métrage qui bouscule l’horizon d’attente de son public. L’histoire paraît d’entrée de jeu aussi rocambolesque que banale. Dans un monde futuriste, un groupe d’individus se retrouve fait prisonnier par leurs propres robots domestiques. Ces derniers tentent de les protéger des Yonix qui veulent exterminer autant que réduire en esclavage l’ensemble des humains. Ce résumé bref sonne étrangement comme du déjà-vu.

On retrouve une thématique largement exploitée par la science-fiction, à savoir, la fameuse revanche des robots esclaves sur leurs maîtres humains. De Blade Runner (1982) en passant par I, Robot (2004), cette dystopie figure au rang des principales des obsessions du genre. Le thème Humains VS Robots est une manne littéraire autant que cinématographique. Si celle-ci paraissait jusqu’à maintenant relever d’un lointain futur, elle apparaît aujourd’hui plus que jamais d’actualité. La démocratisation de l’intelligence artificielle n’a pas échappé à l’œil aguerri de Jean-Pierre Jeunet. Le cinéaste imagine la société française en 2045. Il brosse un portrait peu ragoutant de notre futur en exacerbant certains traits caractéristiques de nos sociétés. Dans le monde de demain, la publicité déambule dans la rue et propose des annonces personnalisées vingt-quatre heures sur vingt-quatre. Le quotidien des gens est entièrement robotisé et ne laisse plus de place au lien humain.

Le mot est d’ailleurs au centre du film. Le coup d’état des Yonix amène les autres robots à s’interroger sur leur propre statut. Qu’est-ce qu’être « humain » ? Qu’appelle-t-on un comportement humain ? L’adjectif peut-il s’appliquer à des êtres faits de boulons et de tôle ? Le fossé censé séparer l’homme de la machine n’a jamais cessé d’intéresser le 7^e art, qui a trouvé dans la science-fiction un miroir capable de refléter les angoisses de l’Humanité face au fantasme de sa propre perte. Jean-Pierre Jeunet s’empare de questions classiques et livre une réflexion cinématographique aussi comique que dévastatrice. Il dynamite la science-fiction traditionnelle et donne lieu à un film unique en son genre. Big Bug apparaît ainsi, au fur et mesure, comme une œuvre pleine d’une énergie folle, sorte de nanar 2.0 bourré d’effet visuels et de trouvailles en tout genre.

Un chef-d’œuvre d’autodérision critique

Big Bug est une comédie ouvertement dystopique. Les couleurs flashies et bariolées laissent voir un univers grotesque à l’artificialité assumée. L’œuvre est placée sous le signe de l’autodérision critique. Les décors paraissent fait de bric et de broc. Le fond vert digitalisé côtoie l’invention artisanale. Loin de posséder la carrure des Replicants de Blade Runner (1982) les Yonix sont des êtres aussi cruels que stupides. Habitué aux rôles de méchants, François Levantal singe à la perfection le mélange de bêtise crasse et de méchanceté gratuite qui sied au caractère de ces robots tueurs. Jean-Pierre Jeunet confie à ses comédiens le choix d’exacerber les traits de leurs personnages. On pense notamment à l’interprétation de Claire Chust.

En incarnant la naïve Jennifer, l’actrice hérite d’un rôle assez similaire à celui qu’elle incarne déjà dans Scènes de ménages. La comédienne joue sciemment avec l’image de la jeune fille écervelée qu’elle incarnait à l’origine dans Problemos (2017). Cette dimension caricaturale se ressent également dans le jeu des autres comédiens. L’accent méridional à la Raimu de Victor (Houssef Hadji), le lyrisme romantique un brin forcé d’Alice (Elsa Zylberstein) ou encore la galanterie feinte de Max (Stéphane De Groodt) apparaissent comme des détails caractéristiques qui viennent s’ajouter à la galaxie des héros loufoques et imparfaits du cinéastes. L’aspect fortement théâtralisé de l’interprétation s’agence parfaitement à l’univers décalé du réalisateur.

En proposant une immersion dans notre avenir proche, le réalisateur interroge la condition (future) de l’humanité et de son propre cinéma. Big Bug est une œuvre qui frôle la frontière de l’auto-parodie. Jean-Pierre Jeunet teste les limites de son propre style. Ce faisant, il donne lieu à une performance cinématographique tous azimuts où cynisme et comédie, science-fiction et parodie, se mélangent, en évitant de placer son film du côté du sempiternel discours moralisateur.

Bande-annonce – Big Bug

Fiche technique – Big Bug

Réalisation : Jean-Pierre Jeunet

Scénario : Jean-Pierre Jeunet et Guillaume Laurant

Société de production : Eskwad et Tapioca Films

Société de distribution : Netflix

Interprétation : Elsa Zylberstein (Alice), Isabelle Nanty (Françoise), Stéphane De Groodt (Max), Claude Perron (Monique), Youssef Hajdi (Victor), Claire Chust (Jennifer), Alban Lenoir (Greg)

Durée : 1h51

Genre : comédie, science-fiction

Sortie : 11 février 2022

Pays : France

Après La Loi du marché (2015) et En Guerre (2018), Stéphane Brizé clôt avec Un Autre monde le dernier chapitre d’une trilogie consacrée au monde de l’entreprise. Un nouveau dilemme moral s’offre à Vincent Lindon, enfin au personnage qu’il incarne. Après avoir cherché un emploi, combattu pour sauvegarder son usine, l’acteur incarne cette fois un patron qui doit licencier, pour la seconde fois en très peu d’années, une partie de ses salariés au nom de la rentabilité du grand groupe qui l’emploie. Un film marqué par la solitude et le besoin de redéfinir l’humanisme pour se (re)construire.

Une vie

Stéphane Brizé réunit à nouveau un couple déjà formé en 2009 dans le délicat Mademoiselle Chambon: Sandrine Kiberlain et Vincent Lindon. Si ce film racontait la naissance d’un amour, Un autre monde, après une série de photographies familiales (dont une qui traduit le passé commun des deux acteurs), parle de la fin d’un couple. Il est question d’argent, d’enfer, de refuser d’être mariée à l’entreprise. D’emblée, la multiplication des angles de vue dans cette scène fait que Philippe, comme plus tard lors des réunions chez Elstronn, est comme encerclé, acculé, il n’a aucune porte de sortie : il doit parler, exécuter. Dès lors, la conversation pécunière devient intime, comme plus tard une conversation purement professionnelle se voudra liée elle aussi à l’intime du personnage. Pourtant, l’entreprise comme le divorce tendent à évincer l’individu. Or, Philippe veut se faire entendre, lui qui est plongé dans la solitude la plus profonde. Solitude d’autant plus marquée par un message (reçu sur son portable) de sa fille qui fait de lui un roi le temps de son anniversaire. « Je sais que tu vas fêter ça avec tes potes… » lui dit-elle. Contraste troublant avec Philippe seul à son bureau qui doit mettre 58 personnes à la porte au détriment de toute logique de sécurité ou d’humanité. Comme dans ses précédents opus consacrés à l’entreprise ou plus largement au monde du travail, Stéphane Brizé ne laisse aucune chance à Philippe de respirer : sa femme demande le divorce, son fils dérape et son entreprise lui demande l’impossible. A côté de scènes où Philippe est en famille (du moins ce qu’il en reste), souvent musicales ou très courtes, on est au cœur du dialogue (faux dialogue) d’entreprise. Ce verbiage souvent aussi pompeux que cruel est une manipulation constante. La plus flagrante étant celle où le grand chef américain, Cooper, félicite d’abord les équipes françaises avant de leur balancer « mais tout le monde s’en branle ». Philippe doit répondre à la demande, rien de plus. Mais c’est trop tard, il comprend dès les premières images, même si sa bouche défend encore le projet, que tout ça est absurde, qu’ils sont devenus fous.

Avant que de tout perdre

Cette radicalité des images et du propos sont le trait commun de la trilogie de Stéphane Brizé (qu’il dit n’avoir pas conçue comme une trilogie dès le départ, que tout a découlé de rencontres de film en film). Dans les film précédents, la même absurdité avait court. La radicalité allait jusqu’au bout dans En guerre avec ce salarié s’immolant dont tout spectateur garde un souvenir glaçant. Au-delà de ce discours sur un monde devenu fou, Brizé tente de proposer justement un autre monde, comme le titre de cet opus le laisse entendre. Cet autre monde où l’on s’intéresse à l’humain, au risque d’être taxé d’idéaliste, au risque de tout perdre. C’est cette humanité-là que Brizé traque dans chaque scène, d’une vidéo où la femme de Philippe s’émeut du visage concentré de son fils à une soirée où la famille tente, par le visage, de faire deviner une marque de voiture. Mais Brizé traque cette humanité aussi chez les personnages incarnés par Lindon (du chercheur d’emploi, au leader syndical en passant par le patron) qui finissent toujours par faire des choix définitifs pour mettre fin au cercle vicieux qui les forcent au pire, comme cet aveu falsifié arraché par des syndicalistes et qui sera le sursaut de trop pour Philippe.

Le discours de Brizé est rodé, il peut paraître rébarbatif, sur ces maisons (une caravane dans La loi du marché) que l’on vend, de ces familles qui se fissurent à ces corps qui lâchent, mais il est aussi documenté, vif, intelligent, jamais complaisant.  C’est finalement Lucas (Anthony Bajon, impeccable) qui incarne le mieux cette absurdité : quand il s’acharne à calculer un temps de trajet, quand il veut absolument récupérer des livres de cours alors qu’il est encore convalescent parce que, l’assure-t-il, il va travailler pour Marc Zuckerberg. Il s’attache encore à ce vieux monde de la compétitivité, qui broie l’humanité, et que Philippe s’apprête, lui, à quitter... « Je suis convaincu que dans La Loi du marché, En guerre, Un autre monde – et je vais rajouter Une vie, qui sont mes quatre derniers films – ces quatre personnages vivent une expérience que les autres personnages des autres films ne vivent pas : une expérience très profonde de désillusion sur la nature humaine. Ils commencent le film avec une idée de l’Homme, et le terminent avec une idée déçue » (Stéphane Brizé dans une interview). Au milieu, Brizé filme avec une grande minutie les rouages et les discours qui noient les hommes pour « une poignée de dollars » et toujours plus.

Dans Un autre monde, il peaufine sa mise en scène, la rend plus forte, plus étouffante. Tout est alors une question de regard, comme lorsque Philippe regarde sa femme s’effondrer sur un parking où elle lui a donné rendez-vous, la caméra est axée vers elle depuis son regard à lui, pour lui dire sa crainte de la suite, scène qui fait écho à celle d’ouverture où les deux étaient face à face. Il y a donc un autre monde possible, mais il faut déjà regarder celui-ci en face et désirer ensuite le regarder autrement pour accepter que nous nous sommes tous plantés et construire d’autres choix, ensemble.

Bande annonce : Un autre monde

Fiche technique : Un autre monde

Synopsis : Un cadre d’entreprise, sa femme, sa famille, au moment où les choix professionnels de l’un font basculer la vie de tous. Philippe Lemesle et sa femme se séparent, un amour abimé par la pression du travail. Cadre performant dans un groupe industriel, Philippe ne sait plus répondre aux injonctions incohérentes de sa direction. On le voulait hier dirigeant, on le veut aujourd’hui exécutant. Il est à l’instant où il lui faut décider du sens de sa vie.

Réalisation : Stéphane Brizé
Scénario : Stéphane Brizé et Olivier Gorce
Interprètes : Vincent Lindon, Sandrine Kiberlain, Anthony Bajon, Marie Drucker, Guillaume Draux, Olivier Lemaire, Christophe Rossignon, Sarah Laurent
Photographie : Eric Dumont
Montage :  Anne Klotz
Sociétés de production : Nord-Ouest Films, France 3 Cinéma
Distributeur : Diaphana
Durée : 96 minutes
Date de sortie : 16 février 2022
Genre : Drame

France – 2021

Que peut-il se passer quand Hollywood, soucieux de raviver le genre moribond du film d’aventure, opte pour l’adaptation d’un hit vidéoludique, qui doit justement son succès à sa faculté d’avoir su émuler en son temps le meilleur d’Indiana Jones et Benjamin Gates ? Assurément rien de bon car si on y réfléchit bien, le Uncharted de Ruben Fleischer se veut finalement la copie d’une… copie.

L’heure est à la trahison

« Plus les choses changent, plus elles restent les mêmes »

Plus les années passent et plus cet adage entendu dans Le Guépard de Luchino Visconti semble s’inscrire comme une véritable prophétie dès lors qu’on cause adaptation vidéoludique à Hollywood. Et pour cause, car au grand dam des fans de Doom, Assassin’s Creed, ou autre Need For Speed, les adaptations de jeux vidéos ont toujours brillé par leur incapacité à en comprendre l’essence. Puisque si l’univers d’un jeu est une chose, son gameplay en demeure assurément une autre. Et ce n’est malheureusement pas notre dernier candidat en date, Uncharted qui viendra contredire cette affirmation. Car au-delà d’un décalque d’Indiana Jones, la saga initiée en 2007 sous l’égide de Naughty Dog avait pour elle un héros attachant et roublard qui n’hésitait pas à donner les coups, et qui déplaçait sa carcasse aux quatre coins du monde pour trouver de fabuleux trésors. On y courait, sautait, envoyait des rafales d’AK-47 sur le premier sbire venu, non sans une pointe de violence mais surtout de nervosité. Ainsi, au mysticisme prisé par Tomb Raider, Uncharted se démarquait en optant pour une approche racée de l’aventure. Comprenez un ride sec, brut et dominé par la désinvolture de son héros, qui lui était confronté à des énigmes et mystères nettement plus ancrés dans la réalité.

Mais ici, point de tout ça puisque sans doute désireux de bâtir une nouvelle franchise à succès (au détriment d’une histoire en one-shot), Hollywood préfère l’approche « origins » ramenant donc notre Nate à sa période post-lycée et donc débarrassé de ses nombreuses aventures. Dès lors, la tâche paraissait impossible que de pouvoir restituer l’essence même du jeu en en sapant le principal atout : le flegme de son héros. Tout aussi bon puisse être Tom Holland, le Nate Parker qu’il incarne est ainsi à mille lieux de son alter ego vidéoludique. Là ou son homonyme de pixels se fendrait d’une blague bien sentie voire d’une pointe de violence légitime pour se sortir de n’importe quelle situation, l’itération Holland peine à se défaire de sa trogne juvénile tout le long du film et joue la carte du jeune naïf jovial cherchant paradoxalement à être vu comme un dur. En ce sens, difficile de ne pas y voir une resucée de son Peter Parker du MCU, qui aurait pour l’occasion troqué ses gouts de sciences pour l’histoire.

Cette confusion, hélas jamais démentie par l’histoire, se reflète d’ailleurs sur l’autre point majeur du jeu/film : la relation établie avec Victor « Sully » Sullivan. Dans le jeu, c’est un vieux de la vieille cigare vissé aux lèvres qui agit en tant qu’ange gardien de notre héros mais aussi et surtout mentor acariâtre aux airs de figure paternelle. Or ici, bien que l’âge entre Tom Holland et Mark Whalberg permette un tel tour de passe-passe, la relation dévie inexorablement vers une sorte de tandem certes mal assorti mais duquel ne filtre paradoxalement pas le lien filial qui était pourtant le sel des jeux. Et l’énergie communicative du duo n’y changera rien, on passera tout le film à se dire qu’une telle dynamique de personnage a déjà été vue ailleurs (et en mieux) ; si bien qu’il draine dans son sillage un autre souci majeur : son absence manifeste d’identité. 

Indiana Gates, Benjamin Jones ou Nathan Drake ?

Trop occupé à bouffer à tous les râteliers (on passe de l’exotisme d’un Indiana Jones, au coté ludique d’un Benjamin Gates), le film échoue ainsi à imprimer un style qui diffère du tout venant hollywoodien. Même sens du découpage hasardeux, même propension à user de fonds verts disgracieux, même photo terne : c’est simple le film coche toutes les cases du divertissement hollywoodien lambda avec une constance jamais démentie. C’est carré, ça se veut enlevé et drôle par moments, ça sait distiller ici et là quelques blagues qui font mouche, mais tout apparaît comme étant diablement générique. Le scénario entend ainsi donner à moudre aux fans du jeu en introduisant des personnages bien connus des joueurs, mais leur caractérisation est si faible qu’on les oublie assez vite. Quid des dilemmes du personnage de Sully ? Ou de celui du grand méchant Moncada, joué par un Antonio Banderas qui n’a hélas rien à jouer ?

Le film ne prendra même pas la peine d’y répondre, trop occupé à donner la soupe aux talents de gymnastes de Tom Holland, qui bon point, excelle dans la gestuelle du héros. Mais donner corps à un personnage c’est une chose, l’aborder sous ses autres facettes en est une autre et c’est là finalement que réside le souci : Uncharted se veut certes fidèle à la grammaire visuelle du jeu (encore que), mais pas à son essence, à sa substance. Le crédo des jeux, tout du moins une large part d’entre eux, visait en effet à introduire les germes d’une famille dysfonctionnelle et à transposer les tumultes occasionnés par une vie aux quatre coins du globe. Ici, l’histoire du jeu semble prendre de court Drake, quand bien même les jeux en faisaient le moteur de l’intrigue et donc par extension de l’action. 

Parlons-en de l’action tiens. Vu la réputation de la franchise (notamment le 3ème qui se voit carrément pillé pour l’une des séquences phare du métrage), on aurait pu penser que Ruben Fleischer allait tenter de rendre compte de ce mélange de brutalité et célérité adopté par les jeux. En clair, adopter un style rentre-dedans pour justement court-circuiter Hollywood qui en s’échinant depuis une décennie à réinvestir le genre, ne l’a rendu que plus propice à la pure bouffonnerie et la parodie (Jungle Cruise, Jumanji). Mais là encore, le film paye sa décennie d’errance dans les limbes du development hell tant le choix de Ruben Fleischer demeure une absurdité à la hauteur de la compréhension des ressorts narratifs du jeu par les scénaristes. Le bougre, dont le récent fait d’arme s’avère être Venom, illustre ainsi son incompétence à tous les niveaux. Son action s’en retrouve timorée, comme dépourvue de panache, de passion et d’envie.

Tout sonne creux comme cette ouverture in media res qui voit notre héros voltiger dans les airs, attaché à un convoi de marchandises éjecté d’un avion ; et qui magie du cinéma aidant, semble échapper aux lois de la physique. Il n’y d’ailleurs que le climax qui peut se targuer de surnager au milieu du reste, tant son éloignement vis-à-vis des jeux a le mérite de redonner ne serait-ce pendant un temps, l’illusion d’assister à un numéro d’équilibriste que ne renierait pas le vrai Nathan Drake. Mais en dehors de cette conclusion, hélas noyée dans un amas de CGI disgracieux, Uncharted n’arrivera hélas jamais à rendre compte de l’immense potentiel qu’il avait pourtant entre ses mains.

Long, laid et laborieux, Uncharted rejoint hélas la ribambelle d’œuvres vidéoludiques saccagées par Hollywood. Son manque d’entrain, de passion, mais surtout de compréhension des rouages de l’histoire qu’il adapte en font un divertissement éminemment impersonnel et timoré qui satisfera peut-être les fans peu regardants du genre, mais en aucun cas ceux du jeu. 

Uncharted : Bande-Annonce

Uncharted : Fiche Technique 

Titre : Uncharted
Réalisation : Ruben Fleischer
Casting : Tom Holland (Nathan Drake), Mark Whalberg (Victor Sullivan), Antonio Banderas (Santiago Moncada), Sophia Taylor Ali (Chloé Frazer), Tatie Gabrielle (Jo Braddock), Steven Waddington (l’écossais)
Scénario : Art Marcum & Matt Holloway
Photographie : Chung-hoon Chung
Montage : Richard Pearson & Chris Lebenzon
Musique : Ramin Djawadi
Production : Avi Arad, Charles Roven & Alex Gartner
Maisons de Productions : Atlas Entertainment, Playstation Productions, Columbia Pictures
Distribution : Sony Pictures Entertainment
Durée : 116 minutes
Genre : Aventure/Action
Date de sortie : 16 Février 2022

Etats-Unis – 2022