LeMagduCiné

En corps est le nouveau film de Cédric Klapisch. Le réalisateur y filme une danseuse blessée qui doit réapprendre à vivre et à danser. Elle doit surtout accepter de se réapproprier un corps habitué à travailler la danse d’une certaine manière et faire entrer la douleur, la perte dans sa vie, quitte à réintroduire des figures délaissées et faire une rencontre déterminante avec elle-même. Une œuvre intense qui laisse aussi la part belle aux personnages (aux clowns !) secondaires comme Klapisch les affectionnent depuis Le Péril jeune.

La danseuse 

La séquence d’ouverture d’En corps justifie à elle seule d’aller voir le film au cinéma. Plongé, pendant quinze minutes quasi sans parole, dans les coulisses, dans la salle et sur la scène d’un ballet de danse classique, le spectateur est émerveillé. Cédric Klapisch offre un parcours sensoriel dans les pas d’Elise. Il donne à voir, à sentir le corps de la danseuse en mouvement et tout ce qui s’agite autour d’elle alors que, quand elle danse, le temps semble s’arrêter, se suspendre. Le réalisateur capte la légèreté au vol alors que c’est la lourdeur qui empli la tête d’Elise. Elle se voit trahie et ne peut le supporter dans sa chair. Nous savons ce vers quoi cette séquence d’ouverture impeccablement chorégraphiée mène. Elle est donc également tendue vers sa chute (dans tous les sens du terme), ce qui ne fait que renforcer sa force. D’autant qu’elle est scindée par le générique, brusque changement de tonalité (par la musique) et véritable petit court métrage à lui tout seul. Une belle séquence, intense, qui nous laisse aussi groggy que la protagoniste une fois bouclée.

Une fois encore, Cédric Klapisch comme avec le récent Ce qui nous lie, explore un univers dans son entièreté avec ses codes, ses contraintes et le challenge qu’il représente pour le personnage. Dans Ce qui nous lie, l’enjeu était pour Juliette (Ana Girardot) de se faire un nom dans la viticulture après la mort de son père alors que pour Elise, l’enjeu est autant de réapprendre à vivre qu’à danser. Il ne s’agit plus de s’élever sur ses pointes, dans des pirouettes parfaites de maîtrise, bref de rêver, mais de s’ancrer dans le sol, la réalité et de ressentir d’autres sensations, de créer de nouvelles images. Et Elise va peu à peu s’enthousiasmer pour cette manière de danser qu’elle découvre ou plutôt éprouve enfin. Pour créer une émotion et une langue nouvelles, qui parleront à son âme, véritablement, elle redessine complètement sa destinée. L’enjeu, quand elle rejoint une résidence d’artistes avec un couple d’amis propriétaires d’un food truck (l’une est une ancienne danseuse blessée), n’est pas de savoir si elle va redanser, cela ne fait aucun doute, mais comment elle va éprouver de nouveau la danse. Quel langage du corps va s’offrir à nous. Ce n’est pas anodin si elle doit d’abord jouer un corps de femme morte, qu’un homme fait danser, avant de peu à peu reprendre possession de son corps. Elle qui se plaignait de ne jouer dans les ballets classiques que des femmes allant vers la mort, des fantômes, va faire le chemin inverse : celui vers la vie.

En équilibre

Au milieu de tout ce rapport au corps, vraiment magnifiquement mis en scène, Cédric Klapisch déroule les autres rouages de ses comédies : des personnages secondaires savoureux, paumés, mais plein d’une vitalité salvatrice, ou encore les rapports entre les fratries. Juliette avait deux frères (François Civil et Pio Marmaï présents également au casting d‘En corps) quand Elise a deux sœurs et surtout un père à rencontrer. Certes, elle le connait déjà, mais c’est aussi vers son regard, son émotion qu’elle tente d’aller. Ajoutez à cela une Josiane (Muriel Robin) philosophe de comptoir (peut-être le personnage le moins réussi parce qu’il débite des évidences béates) et Cédric Klapisch déroule un tapis rouge pour la reconstruction de son héroïne. Comme il sait si bien le faire, le réalisateur distille de vrais beaux moments d’émotions, d’autres de franche rigolade. Il n’oublie pas non plus de montrer des personnages qui résistent aux regards trop figés qui voudraient les retenir de s’élever. Les plus beaux moments, à l’image de Polina, danser sa vie (de Valérie Müller et Angelin Preljocaj, 2016), restent les chorégraphies ou les moments passés entre Elise et la compagnie de danse contemporaine qui tente de résister au vent en dansant, en s’accrochant les uns aux autres. C’est en filmant ces amitiés, cette solidarité ou encore la gaucherie d’un père finalement en larmes que Klapisch est à son meilleur.

Le réalisateur permet à nos yeux de briller en regardant deux danseuses de ballet tenter de prouver que, non, le « tutu c[e n’]est [pas] culcul ». Là encore, tout est une question de regards, Cédric Klapisch opposant longuement le sacré (la danse classique, la passion, la douleur) et le profane (le hip hop, la cuisine, le corps manipulé par le kiné), soit des personnages très « terre à terre » (le père, le cuisinier) et d’autres plus dans le rêve (les danseuses, Josiane), quand Elise va faire le pont entre ces deux mondes… Ainsi En corps aurait pu s’appeler « en équilibre » : « Il peut y avoir un aspect énervant dans le côté noble et grandiloquent dans la danse, qu’elle soit classique ou contemporaine. Et j’aime le fait que ce personnage puisse balancer «le tutu, c’est cucul !», comme pour démonter ce côté poussiéreux, mignon ou académique. Car si j’aime la danse et la musique classique, je comprends parfaitement qu’un gamin de 15 ans puisse trouver ça ringard. Je tenais à pointer ça même si n’avait rien de simple. Tout comme il a été difficile de doser les moments de danse et de jeu mais aussi opposer des moments poétiques cassés par des parties plus triviales. Mais c’était autant de passages obligés qui ont construit la colonne vertébrale d’En corps«  (extrait du dossier de presse du film)… Un équilibre parfaitement trouvé, comme souvent tout le long des quinze films d’un réalisateur qui s’intéresse à ce qui lie les être entre eux et comment un être, brusquement, change de chemin pour recommencer sa vie. Cédric Klapisch ne cesse de nous emmener vers la lumière.

En corps : Bande annonce

En corps : Fiche technique

Synopsis : Elise, 26 ans est une grande danseuse classique. Elle se blesse pendant un spectacle et apprend qu’elle ne pourra plus danser. Dès lors sa vie va être bouleversée, Elise va devoir apprendre à se réparer… Entre Paris et la Bretagne, au gré des rencontres et des expériences, des déceptions et des espoirs, Elise va se rapprocher d’une compagnie de danse contemporaine. Cette nouvelle façon de danser va lui permettre de retrouver un nouvel élan et aussi une nouvelle façon de vivre.

Réalisation : Cédric Klapisch
Scénario : Cédric Klapisch, Santiago Amigorena
Interprètes : Marion Barbeau, Pio Marmaï,  François Civil, Denis Podalydès, Souheila Yacoub, Muriel Robin, Mehdi Baki
Photographie : Alexis Kavyrchine
Son : Cyril Moisson, Nicolas Moreau, Cyril Holtz
Montage : Anne-Sophie Bion
Musique : Hofesh Shechter, Thomas Bangalter
Costumes : Anne Schotte
Société de production : Ce qui me meut
Distribution : StudioCanal
Durée : 118 min
Date de sortie : 30 mars 2022
Gendre : Comédie dramatique

France – 2021

En 1h23 Jean-Gabriel Périot parcourt en archives une histoire intime et politique du monde ouvrier français depuis la libération. A travers un texte de Didier Eribon et sur la voix off d’Adèle Haenel, un récit humain, dense et ambitieux se tisse dans un grand film documentaire.

Les temps sont durs pour les élections. L’abstention a grondé lors des derniers scrutions nationaux et municipaux, pointant le manque de repères d’une large partie de l’électorat français. C’est ici que naît l’intérêt d’imaginer un cinéma courant après une quête de sens à la fois personnelle et collective. Pourquoi et pour qui vais-je voter, mais surtout qu’est ce que cela dit profondément de moi?

D’une densité incroyable sur ces questions dans le fond, le film comprend par le biais d’un parcours autobiographique des questions de groupe et de citoyenneté. Ces images d’archives, souvent connotées négativement quand on les convoque, sont ici sélectionnées avec autant d’empathie qu’elles en évoquent. Revoir des ouvriers et des ouvrières sur les machines-outils, d’autres évoquer leur quotidien compliqué interpelle. Une mère de famille raconte qu’un fruit par jour représente un budget énorme. Les combats changent, mais certains ne devraient pas être occultés dans notre société des images.

Avec un fond rappelant la caméra-stylo, le cinéma direct et militant des années soixante et d’un Marin Karmitz tournant des films co-écrits avec des ouvrières avant qu’il ne fonde MK2 (coup pour coup, 1972), on pourrait percevoir le grand film de Jean-Gabriel Périot pour ce qu’il n’est pas. Pourtant, malgré ou plutôt grâce à cette galerie de portraits poignants, personne ne tend une urne à sa sortie. Des visages sont mis en scène, des noms se posent sur les maux traversant la société actuelle française. Le racisme par exemple. Il est étudié ici au sein de familles délaissées, échappant à l’abstraction avec laquelle il est souvent mentionné. Chaque grand mot est évoqué à hauteur humaine, car le récit apporte une profondeur historique par des touches vibrantes : les témoignages de ceux qui les ont vécus.

Un ouvrier évoque ses mains douloureuses, lui empêchant de toucher tendrement sa femme en rentrant le soir. Un autre, la vingtaine, parle de ces lycéens qu’il croise en allant à l’usine, parce qu’il pensait que l’école après 14 ans, ce n’était pas fait pour lui. Une mère de famille témoigne de la vie  de famille très compliquée à tenir entre deux boulots. Une large partie de ses propos ont été entendus et sont connus, mais peu l’ont été en regard caméra. C’est une des grandes forces de ce film, rendant à leurs auteurs une parole devenue collective et souvent détricotée dans l’Histoire, noyée de chiffres.

Ce documentaire rappelle également qu’un tel film s’écrit, se pense et se dirige. Pour Notre-Dame brûle, Jean-Jacques Annaud a refusé de réaliser un documentaire. La raison invoquée se retrouve dans une featurette Pathé où il déclare que « le documentaire informe, quand la fiction provoque des émotions » . C’est ici qu’il est important de rappeler que ce cinéma-là est celui non seulement des émotions, mais aussi des sensations et de la réflexion. Celui dans lequel on peut regarder pour trouver ce qu’on y projette.

Bande annonce : Retour à Reims de Jean-Gabriel Périot

Fiche technique : Retour à Reims

Scénario Jean-Gabriel Périot
Image Julia Mingo
Son Yoland Decarsin, Xavier Thibault, Laure Arto
Montage Jean-Gabriel Périot
Musique Michel Cloup
Voix-off Adèle Haenel

1964. Le monde entier s’apprête à découvrir Pour une poignée de dollars qui lancera le premier volet de l’éclatante Trilogie du Dollar de Sergio Leone. Deux années plus tard, Sergio Corbucci s’inspirera du personnage de Clint Eastwood pour réaliser un western brutal et crépusculaire avec Django. Deux classiques, deux réalisateurs italiens issus du péplum qui revigoreront alors un genre en plein déclin. Bien moins considéré que la première itération du personnage culte, encore moins face aux films influents de son homologue italien, Sergio Corbucci réalisera pourtant une œuvre audacieuse en 1968. Le Grand Silence rejoint assurément ces grands westerns à l’italienne qui bouleverseront le genre. À l’occasion de sa ressortie en copie restaurée 4K, retour sur une œuvre d’une beauté formelle saisissante au récit sombre et impitoyable. 

D’authentiques personnages archétypaux 

À la manière de Django, Sergio Corbucci nous plonge dans une suite logique des propositions novatrices de son ami et rival Sergio Leone. Le personnage de Clint Eastwood est toujours au-dessus des têtes. Mais cette-fois ci, à la différence d’un avatar équivalent, le personnage de Silence, solidement interprété par un Jean-Louis Trintignant inspiré, finit par se différencier totalement. Pistolero muet et authentique, Silencio surprend par sa sensibilité, semblant porter un fardeau éternel. Un héros westernien, apparaissant somme toute classique, qui dévoilera une complexité rare dans le genre jusqu’à un final sidérant. L’antagoniste est également à contre-courant, Klaus Kinski se révélant être un impressionnant chasseur de primes, d’une cruauté courtoise et terrifiante. Tous les seconds rôles auront eux-aussi une écriture savamment pensée, de l’archétype de la jeune veuve westernienne interprétée par une afro-américaine (Vonetta McGee dans son premier rôle au cinéma) au shérif nuancé et prépondérant campé par un Frank Wolff aux antipodes de ses rôles habituels, à l’affiche la même année du magnifique Il était une fois dans l’Ouest.

Une forme au service d’une œuvre politique

Formellement, Le Grand Silence n’a pas à rougir face aux plus beaux westerns. Les montagnes enneigées capturées dans les Dolomites, catalyseurs de la mélancolie et de la noirceur du récit, sont d’une beauté éclatante. Dès les premières minutes, le ton est donné par le travail opératique de Silvano Ippoliti. Renforçant les contrastes face à la blancheur immaculée de la neige, le chef-opérateur travaille une imagerie froide et lancinante dévouée à un propos singulier. S’inspirant des nombreux massacres perpétués en 1898 aux États-Unis, Sergio Corbucci nous livre sa vision politique du grand Ouest américain dans toute sa perfidie. D’une violence prééminente, Le Grand Silence tire sa révérence en affrontant le mal d’une barbarie devenue monnaie courante. Souhaitant explorer un certain réalisme, le cinéaste n’hésitera pas à céder à un pessimisme rarement vu dans le western. Une hauteur de vue hautement symbolique s’inscrivant dans un genre en pleine résurrection. Tout cela consolidé par une bande originale délicate et mélancolique signée Ennio Morricone, bien loin de ses compositions grandiloquentes pour Sergio Leone.

Bande Annonce – Le Grand Silence

Synopsis : Hiver 1898, dans les montagnes de l’Utah, des paysans et bûcherons sont devenus hors-la-loi pour survivre. Des chasseurs de primes, dirigés par le doucereux mais cruel Tigrero, sont payés pour les abattre. Pauline, dont le mari a été tué par Tigrero, engage Silence, un pistolero muet pour la venger.

Fiche Technique – Le Grand Silence

Titre original : Il grande Silenzio
France / Italie – 1968 – 1h46 – Visa 35320
Avec Jean-Louis Trintignant, Klaus Kinski, Franck Wolff, Vonetta McGee
Sortie le 30 mars 2022
Version restaurée 4K

Le retour du cinéaste britannique Adrian Lyne (9 Semaines ½, Liaison fatale) après un silence radio de deux décennies, ne manque pas de surprendre. Le mini-événement s’avère toutefois un pétard mouillé. Renouant avec la veine du thriller érotique qui l’a rendu célèbre, Lyne en livre une version atone et à peine incarnée, notamment par un Ben Affleck complètement sorti de sa zone de confort. Eaux profondes est le premier film érotique produit par Disney (via 20th Century Studios) depuis un autre fameux navet, Color of Night, en 1994. Espérons que ce soit le dernier. 

Si le nom d’Adrian Lyne n’est sans doute plus très familier pour la jeune génération, il faut rappeler que le metteur en scène britannique fut une sorte de roi Midas du début des années 80 à la première moitié des années 90. S’il remporta son premier succès planétaire – malgré des critiques désastreuses – avec le musical Flashdance en 1983, Lyne s’imposa rapidement, et durablement, comme un spécialiste du genre érotique. Il signa ainsi notamment les œuvres ô combien cultes 9 Semaines ½ (1986), Liaison fatale (1987) et Proposition indécente (1993), parmi lesquelles il convient de ne pas oublier le très recommandable – quoique dans un genre différent – L’Échelle de Jacob (1990). Le cinéaste, qui a fait toute sa carrière aux États-Unis, chatouilla un peu trop le puritanisme de sa patrie d’adoption en adaptant en 1997 le roman de Nabokov Lolita, une production de prestige au casting dominé par Jeremy Irons, un bon film qui fut hélas boudé outre-Atlantique. Après un nouvel opus érotique assez subtil mais peu inspiré, Infidèle (2002), Adrian Lyne partit s’installer en France et on n’entendit plus parler de lui pendant près de vingt ans.

A vrai dire, son retour inattendu faillit tourner au vinaigre avant même la sortie d’Eaux profondes, initialement prévue en novembre 2020, repoussée à trois reprises avant que le film ne soit tout simplement retiré du calendrier. Finalement, il fut récupéré par la plateforme de vidéo à la demande Hulu (dont le propriétaire est Disney) pour son exploitation américaine, et confié à Amazon Prime à l’international. Ce discret déclassement dans l’ordre des priorités des sociétés de production est sans nul doute la version contemporaine de ce que les mélomanes des années 90 connaissaient sous l’appellation explicite de « direct to video »…

La signification de ce sort peu enviable est d’autant plus claire lorsque l’on considère, outre le retour de Lyne derrière la caméra à plus de 80 ans, son budget conséquent (près de 50 millions de dollars) et son casting de stars dominé par le duo Ben Affleck-Ana de Armas, qui auraient dû lui valoir en toute logique un autre traitement. L’emballage et l’effet d’annonce ne peuvent en effet dissimuler bien longtemps les carences d’une œuvre qui s’apparente à un ersatz de ce qu’Adrian Lyne maîtrisait parfaitement il y a trente ans…

Le film est une adaptation d’un roman de Patricia Highsmith publié en en 1957, déjà porté à l’écran en 1981 par Michel Deville, avec Isabelle Huppert et Jean-Louis Trintignant dans le rôle du drôle de couple. Dans un patelin de Louisiane, le mariage de Vic et Melinda Van Allen ne semble plus tenir qu’à une vague conservation des apparences, leur fille Trixie et la fortune de Vic, un ingénieur en robotique ayant développé une puce installée sur les drones de combat de l’armée américaine. Un autre élément assure cet équilibre précaire : Vic accepte de fermer les yeux sur les nombreux écarts de son épouse, qui en profite allègrement. Poussé dans ses retranchements, le placide Vic cède pourtant à la jalousie… et commence à zigouiller un à un les amants de Melinda.

De cette intrigue toxique imaginée par une auteure auquel le cinéma doit beaucoup, Lyne et ses scénaristes Zach Helm et Sam Levinson ont tiré une histoire qui prend l’ornière dès le départ. Eaux profondes repose en effet sur deux éléments essentiels, son couple de protagonistes et la tension psychologique sur fond de sexe et de jalousie. Or, aucun des deux ne fonctionne. Choix de casting, direction d’acteurs et construction des personnages se conjuguent pour faire de Vic et Melinda un couple auquel on ne croit jamais. Ben Affleck et Ana de Armas semblent jouer chacun une partition différente, la seconde dans le registre sensuel et insupportable d’une nymphomane provocatrice, tandis que le premier force le sous-jeu et l’apathie, le rendant particulièrement peu crédible tant comme partenaire sexuel auquel Melinda se donne de temps en temps, que comme prédateur éliminant les conquêtes de son épouse. La relation ambiguë et perverse entre mari et femme, centrale dans le roman et indispensable à l’intrigue, est ici incompréhensible (Vic ne pourrait supporter le comportement d’une telle femme que par un amour qu’il exprime avec mollesse mais n’incarne jamais). Pire, l’évolution des personnages au gré des homicides de Vic les rend de plus en plus incohérents. Un exemple parmi d’autres : totalement paniquée après le meurtre du séduisant Charlie, Melinda est persuadée de la culpabilité de son mari et est logiquement furieuse. Quelques minutes plus tard, plus rien n’y paraît ; la voilà séduite à nouveau par Vic qu’elle croyait dépourvu d’amour-propre…

Créer une telle relation malsaine et perverse nécessitait une subtilité dont Eaux profondes est hélas dépourvu. Le scénario semble sans cesse hésiter entre plusieurs voies, finissant par les emprunter toutes l’une après l’autre. Ainsi, l’absence de réaction de Vic le présente comme un être faible et dominé, subissant son sort avec résignation. Remonte alors à la surface la nature profonde de cet un animal à sang froid, énigmatique et cruel, suggéré par une improbable passion pour les… escargots. Quant à Melinda, on se demande bien quelle est sa motivation profonde, le film se contentant d’exploiter l’indéniable sex-appeal d’Ana de Armas sans lui donner plus d’épaisseur, si ce n’est via quelques volte-face improbables… La tension sexuelle, pourtant le « fonds de commerce » d’Adrian Lyne, ne convainc guère plus, l’absence d’alchimie entre de Armas et Affleck étant patente – en même temps, quel étrange choix de casting que Ben Affleck pour ce type de rôle ! Ne reste alors que la sensualité de la comédienne cubaine, insuffisante pour rendre ce couple crédible (voire seulement sexy) à l’écran. Last but not least, le suspense de la dernière séquence de poursuite mène à une conclusion au ridicule consommé, comme jadis dans les modestes téléfilms américains diffusés sur TF1 sous l’étiquette « Hollywood Night »…

Eaux profondes, c’est comme du Adrian Lyne tourné par un admirateur d’Adrian Lyne. Tous les éléments sont là, mais la mayonnaise ne prend jamais. Sans que le film ne soit un ratage complet (il se regarde sans déplaisir), le moins que l’on puisse dire est que le grand retour du cinéaste britannique se fait dans l’indifférence la plus complète. Faut-il dès lors encore lui souhaiter un avenir au cinéma ? Nous, en tout cas, préférons garder du cinéaste le souvenir des grandes heures…

Synopsis : Vic et Melinda Van Allen forment un couple aisé de la Nouvelle-Orléans dont le mariage s’écroule sous le poids de la rancœur, de la jalousie et du doute. Alors que leurs provocations et manipulations mutuelles s’intensifient, les choses se transforment en un jeu mortel du chat et de la souris lorsque les amants de Melinda commencent à disparaître. 

Eaux profondes : Bande-annonce

Eaux profondes : Fiche technique

Titre original : Deep Water
Réalisateur : Adrian Lyne
Scénario : Zach Helm et Sam Levinson (d’après Eaux profondes de Patricia Highsmith (1957))
Interprétation : Ben Affleck (Vic Van Allen), Ana de Armas (Melinda Van Allen), Tracy Letts (Don Wilson), Grace Jenkins (Trixie Van Allen)
Photographie : Eigil Bryld
Montage : Tim Squyres et Andrew Mondshein
Musique : Marco Beltrami
Producteurs : Arnon Milchan, Guymon Casady, Benjamin Forkner et Anthony Katagas
Sociétés de production : 20th Century Studios, Regency Enterprises, Entertainment One, New Regency, Keep Your Head Entertainment 360 et Film Rites
Durée : 115 min.
Genre : Thriller érotique
Date de sortie : 18 mars 2022
États-Unis – 2022