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Après L’Homme le plus flippé du monde, Théo Grosjean poursuit son exploration de l’anxiété sociale et des angoisses dans un album partiellement autobiographique, où il met en scène son alter ego Elliot, un jeune collégien de onze ans.

On le sait, les changements de structures scolaires peuvent occasionner des troubles chez les adolescents, surtout lorsque ceux-ci sont particulièrement exposés aux phénomènes d’anxiété et d’angoisse. Les mutations ayant cours durant le collège concernent le développement de l’identité du jeune, une plus grande sensibilité aux critiques et aux moqueries, ainsi qu’une difficulté variable, mais parfois exacerbée, de trouver sa place dans de nouveaux groupes sociaux. Ceux qui connaissent Théo Grosjean ne seront pas surpris de trouver dans Elliot au collège une déconstruction amusée de l’anxiété sociale. Tout au long des 64 planches à chute de l’album, le jeune héros, onze ans, va partager ses craintes avec une étrange créature, qui se présente à lui de la manière suivante : « Je suis une mascotte imaginaire qui représente tes pires angoisses. »

Inspiré de la propre vie de l’auteur et dessinateur français, Elliot au collège passe en revue les grandes étapes itinérantes de l’adolescence : la vie scolaire, sociale et amoureuse, l’acceptation de soi et de son corps, les rapports filiaux… Elliot y apparaît comme un personnage diminué par un manque criant de confiance en lui. Une brève présentation orale le plonge dans état proche de la catalepsie, se mettre en maillot de bain devant ses pairs devient une source d’angoisse privative de sommeil, l’absence de son ami Hari le contraint à s’isoler à la bibliothèque pour ne pas affronter seul ses camarades durant les récréations… La petite boule d’angoisse qui partage sa vie le pousse constamment au pathétisme et à la résignation. Quand elle ne rajoute pas du désespoir au malheur. Ainsi, après l’avoir assailli de pensées négatives juste avant de se coucher, elle ose cette interrogation : « Tu sais que le manque de sommeil cause des troubles de l’attention qui peuvent engendrer un échec scolaire ? »

Théo Grosjean l’annonce dans sa préface : ce projet est le plus ambitieux qu’il ait jamais entrepris. Le format, la tonalité et les thématiques des albums suivants s’inscriront en adéquation avec l’évolution d’Elliot, dont la maturation graduelle engendrera d’autres problématisations. En attendant, Elliot au collège constitue déjà une belle réussite, en ce sens qu’il parvient à s’adresser à tous et à mêler avec talent sensibilisation à l’anxiété sociale et humour efficace. Ce qui sous-tend le récit demeure l’incapacité à s’épanouir dans la crainte d’interagir avec les autres et de s’exposer à leur jugement. Il y a quelque chose de touchant à voir Hari user et abuser du beatbox comme d’une formule magique pour se faire accepter des autres. Et quelque chose de tragique dans la manière dont Elliot et son ami traînent leur solitude et leurs peurs comme un handicap les disqualifiant socialement. Sur le fond, cette bande dessinée possède des parentés évidentes avec un film tel que Eighth Grade (Bo Burnham, 2018).

Il est également à noter que d’autres sujets affleurent çà et là. Parmi eux, on retrouve l’éco-anxiété, les démissions ou violences parentales, voire les rapports complexes et perceptions erronées vis-à-vis du corps professoral quand on est un jeune étudiant. Théo Grosjean propose par ailleurs plusieurs planches dans un univers fantaisiste de jeu vidéo, à travers lesquelles Elliot démontre une nouvelle fois sa maladresse (ce qui le rend, au demeurant, fort attachant).

On attend désormais la suite avec curiosité.

Elliot au collège, Théo Grosjean
Dupuis, janvier 2023, 64 pages

Les éditions Philéas publient une adaptation dessinée du classique d’anticipation Fahrenheit 451, de Ray Bradbury. Tim Hamilton parvient à extraire la sève dystopique d’un récit où des masses maintenues dans l’ignorance arborent une docilité devenue tautologique.

Du Meilleur des mondes à 1984, de nombreuses contre-utopies se sont appuyées sur l’infantilisation des citoyens et l’appauvrissement de leur esprit critique pour façonner un avenir cauchemardesque, où la servitude volontaire allait de pair avec l’endoctrinement et l’incapacité à prendre du recul sur la plupart des grandes questions philosophiques. En adaptant le roman dystopique de Ray Bradbury Fahrenheit 451, Tim Hamilton donne une tonalité sépulcrale, dominée par les teintes jaunes et bleues, à une société rendue au dernier degré de l’ignorance.

Guy Montag, le personnage principal, est un pompier oublieux du passé. En cela, rien ne le distingue de ses collègues, ou de sa compagne Mildred. Tous privilégient les futilités aux idées, une « famille » reconstituée sur des murs-écrans au spectacle, sinistre, de la marche du monde. Dans ce futur ayant fait fi de la culture et du savoir, les soldats du feu ont pour mission de perpétrer des autodafés là où ont été conservés des livres depuis longtemps prohibés par les pouvoirs publics. La démocratie elle-même constitue une farce mi-tragique mi-pathétique : on verra ainsi, dans cette adaptation, Mildred et ses amies discourir au sujet de l’apparence des candidats aux élections, mais jamais du programme que ces derniers sont supposés porter.

Un point de bascule apparaît tôt dans le récit. Guy rencontre sa nouvelle voisine, Clarisse, qui exerce sur lui une fascination immédiate. Par des voies détournées, elle insinue un doute dans l’esprit du pompier. Peut-il vraiment se déclarer heureux ? Quel est le sens du travail qu’il effectue aveuglément depuis plus de dix ans ? En condamnant tout accès à la culture, les autorités de Fahrenheit 451 ont engendré plusieurs présupposés : les livres seraient source d’inégalités et de détresse, le monde se porterait mieux sans ces objets anxiogènes et contrevenants à l’ordre social et public, les détenteurs de bouquins attentent à la société dans son ensemble et méritent de ce fait d’être poursuivis – voire de périr dans les flammes.

George Orwell imaginait une réécriture perpétuelle des faits dans 1984. Fahrenheit 451 pousse la logique encore plus loin, en empêchant la mémoire d’exercer ses droits. Tout doit disparaître au profit d’une société sans idée ni relief, ânonnant une rhétorique aussi falsifiée que celle ayant cours dans Le Meilleur des mondes. Il est intéressant de noter que ce nivellement critique et intellectuel par le bas passe chez Ray Bradbury par la télévision, les jeux, mais aussi des chiens mécaniques lancés aux trousses des résistants-délinquants. Si la lecture est érigée en acte antisocial, en crime contre la société, l’anesthésie des esprits dans le formol télévisuel et sportif se trouve en revanche encouragé.

La dimension paranoïaque du récit de Ray Bradbury trouve une synthèse visuelle parfaite sous les traits inspirés de Tim Hamilton. Bien que le roman soit dépouillé de certaines de ses nuances, l’essentiel de son propos demeure clairement exposé dans cette adaptation sérieuse et menée de main de maître. Mildred n’hésite pas à sacrifier sa famille en dénonçant son mari pour le bien de la « cause », le capitaine Beatty apparaît dans toute sa verve tragique et Faber y fait office de conscience personnifiée, sur laquelle seront bientôt bâties la révolte et l’indépendance d’esprit de Montag. Il n’en faut pas plus pour faire de cet album un indispensable.

Fahrenheit 451, Ray Bradbury et Tim Hamilton
Philéas, janvier 2023, 152 pages

Les éditions Soleil publient le premier tome d’Aurora, intitulé « Phénomènes ». Christophe Bec et Stefano Raffaele y mettent en scène des enfants aux caractéristiques troublantes, tous nés le jour d’une étrange aurore rouge.

Si The Thing est mentionné à plusieurs reprises dans « Phénomènes », c’est toutefois un autre film de John Carpenter qui semble exercer son empreinte sur la série Aurora. Les 222 000 enfants nés le jour d’une aurore rouge ont en effet en commun avec ceux du Village des damnés un comportement peu sociable, une froideur inhabituelle et une intelligence supérieure. Dans un cas comme dans l’autre, ils semblent avoir des liens étroits et inquiétants les uns avec les autres. À tel point d’ailleurs que Jackichand, largement en avance sur son âge, se déclare futur leader d’une génération aussi nombreuse et soudée que ces corneilles « blousons noirs » réunies en escadrilles.

S’il y a une chose que Christophe Bec et Stefano Raffaele travaillent en orfèvres dans « Phénomènes », c’est l’ambiance qui porte et tapisse le récit. Dès les premières planches, une série d’événements sanglants et inattendus se déroulent aux quatre coins du monde. Ce sont ensuite, sous forme de flashbacks, des naissances survenues le jour d’une aurore boréale qui sont éventées. À chaque fois, les nouveau-nés paraissent étrangement calmes, presque passifs. Ils ne pleurent pas, ni à la naissance ni ensuite pour réclamer à manger. De toute évidence, quelque chose plane au-dessus d’eux, et cela dépasse l’entendement humain. Toute la construction dramatique d’Aurora, avec ses bonds temporels et géographiques et ses changements de points de vue, est conditionnée à ces phénomènes inexpliqués.

Pas avares en vignettes spectaculaires (les chiens réduits en charpie, les corps écrasés sur le sol, les insectes écrabouillés…), Christophe Bec et Stefano Raffaele donnent à leur récit un air crépusculaire. Calculateurs, égoïstes, indifférents aux autres, si ce n’est peut-être à leurs semblables, les enfants de l’aurore se révèlent capables de tout : passer à tabac des personnes physiquement supérieures, provoquer le suicide d’une enseignante jugée incompétente, empoisonner un subalterne indésirable… Leur comportement est tel que même leurs parents restent pantois, au point de multiplier les examens médicaux et d’enquêter sur leurs origines.

Si le travail entrepris est prometteur, il faut désormais que les auteurs s’attellent à densifier l’univers esquissé et à y apporter des enjeux palpables, de nature à conférer aux différents protagonistes une épaisseur plus importante. Car c’est précisément le piège dans lequel était tombé John Carpenter avec Le Village des damnés : construire un argument de base fort pour ensuite le développer de manière lacunaire.

Aurora, Christophe Bec et Stefano Raffaele
Soleil, janvier 2023, 68 pages

Les éditions Delcourt publient La Compagnie rouge, de Simon Treins et Jean-Michel Ponzio. Opéra spatial fortement inspiré de Star Wars, le récit se déroule dans un futur lointain où les guerres, publiques comme privées, sont menées par le truchement de robots et d’intelligences artificielles.

L’hyperréalisme du dessinateur Jean-Michel Ponzio est à double tranchant. La Compagnie rouge peut se prévaloir de dessins soignés, à la précision quasi kubrickienne, mais le travail opéré sur les visages donne parfois l’impression, incommodante, de se tenir devant un roman-photo. D’un côté, l’orfèvrerie des décors et des mouvements ; de l’autre, des syncrétismes visuels pas toujours inspirés. Plus que 2001, l’Odyssée de l’espace, c’est toutefois Star Wars qui semble exercer l’attraction la plus forte sur Simon Treins et Jean-Michel Ponzio. Leur jeune héros Flint est un pendant quasi parfait d’Anakin Skywalker, sa planète ressemble à s’y méprendre à Tatooine et les combats galactiques spectaculaires parachèvent le jumelage des deux oeuvres. À ceci près que George Lucas avait imaginé des mondes foisonnants, un méchant iconique et une conduite scénaristique plus aboutie.

Car La Compagnie rouge ne tient que partiellement ses promesses. Flint, seize ans, est passionné par l’histoire des guerres galactiques. Il est recruté comme archiviste par la Compagnie rouge, organisation placée sous le patronage d’une matriarche surnommée « La Chouette ». Son rôle ? Documenter les événements en cours, et mettre de l’ordre dans un passé confus, aux nombreuses zones d’ombre. Tandis qu’ils interviennent dans un rôle de protection privée dans le cadre d’une guerre civile, Flint et ses collègues voient un piège se refermer sur eux. La suite ne sera constituée que de menaces, de conflits et de trahisons. Avec des planches explicatives empesées et une choralité souvent mal servie par l’épaisseur relative des différents protagonistes.

À la fois récit d’initiation et fresque galactique, La Compagnie rouge pèche cependant par manque d’envergure. Flint quitte sa planète agricole avec l’étiquette d’« innocent ». En dépit de ses nausées répétées lors des voyages spatiaux, il rencontre peu d’obstacles formateurs et semble, devant l’épreuve, souvent plus avisé que ses collègues pourtant expérimentés. La fresque galactique donne lieu à des planches vertigineuses et à une redéfinition des guerres, sur fond d’ivresse technologique. Ses enjeux s’avèrent toutefois circonscrits aux lignes directrices d’une intrigue si pas attendue, en tout cas peu inventive. Et en outre, le récit manque de reliefs émotionnels : mêmes les compagnons d’armes disparus partent sans la moindre cérémonie, si ce n’est pas celle dictée par les conventions. S’engager dans la Compagnie, c’est courir le risque de périr. C’était inscrit dans le contrat. Fi à la peine.

Simon Treins et Jean-Michel Ponzio laissent un goût d’inachevé avec ce one-shot ambitieux. Pourtant, en projetant la propriété privée et les intérêts commerciaux à l’échelle de l’univers, en substituant aux contrats la loi du plus fort, ils tenaient là, sans conteste, les germes d’un récit prometteur. Ce qui en ressort, au-delà des tableaux spatiaux somptueux, relève surtout de la nature humaine, dont les instincts de prédation n’ont que faire du temps qui passe ou des progrès technologiques.

La Compagnie rouge, Simon Treins et Jean-Michel Ponzio
Delcourt, janvier 2023, 128 pages

Jean-Luc Garréra et Juan mettent en vignettes le groupe de comedy rock français Les Fatals Picards dans une BD aux répliques fusantes et à l’ironie mordante.

La première réussite de Fatals Picards Comics Club, c’est son adéquation parfaite avec l’esprit du groupe qu’il met en scène. Les Fatals Picards sont en effet connus pour leurs paroles teintées de cynisme et d’ironie, déconstruisant le monde environnant avec une acuité qui n’a finalement d’égale que la dérision. Dans leur album, Jean-Luc Garréra et Juan présentent d’abord succinctement chaque protagoniste, avant de les plonger dans trois récits loufoques maîtrisés en clerc.

Dans Fatals Picards Comics Club, un certain Romero échafaude un plan diabolique pour tirer profit des morts-vivants. Les Fatals Picards se réfugient dans les caves d’un loft, pourchassés par les candidats décérébrés d’une émission de télé-réalité. Skalibur désigne en terres écossaises un « Guitar Hero hors pair »… incapable de jouer trois notes. Chaque page est une invitation au rire, les dialogues fusent et les rebondissements sont menés tambour battant.

Jean-Luc Garréra et Juan n’hésitent d’ailleurs pas à affubler le quatuor de traits de caractère parfois pathétiques. Ainsi, on retrouvera souvent Poupou dans des situations absurdes, les moindres n’étant pas sa fascination pour les magazines people ou son attrait pour les conversations futiles de Nab’ et les autres lofteurs. Billy est quant à lui présenté comme un rockeur philosophe, capable d’assommer son auditoire ou de lire des traités qui provoqueraient une contusion cérébrale à n’importe quelle pin-up siliconée.

Irrévérencieux, survitaminé, ce premier tome de Fatals Picards Comics Club bénéficie d’une écriture au cordeau et de dessins avenants. Il est d’ailleurs difficile de reposer l’album une fois la lecture entamée. Et pour cause : on se délecte à se moquer des autres en compagnie des Fatals Picards… quand ce ne sont pas eux qui font les frais du regard ironique des auteurs ! Bien que le registre ne soit pas identique, on retrouve un peu de Woody Allen et de Quentin Tarantino (ou de René Goscinny) dans l’usage des dialogues, qui contribuent grandement à la qualité d’ensemble de l’album.

Fatals Picards Comics Club, Jean-Luc Garréra et Juan
Bamboo, janvier 2023, 64 pages

Les éditions Delcourt publient No Future, d’Éric Corbeyran et Jef. Dans un futur dystopique où l’ultra-gauche au pouvoir s’est arc-boutée autour de valeurs sanctuarisées, deux personnages marginaux, nostalgiques de l’ancien monde, s’élèvent contre l’oppression et la corruption.

On retrouve dans No Future le trait caractéristique de Jef, pop et coloré, déjà aperçu dans Convoi ou Gun Crazy. Une certaine topographie de personnages, borderline et marginaux, y est à nouveau associée. Mais cette fois, Halen Brennan et Jean-Claude Belmondeau (hommage respectif au groupe de rock Van Halen et à Jean-Paul Belmondo), bien qu’en rupture avec leur environnement, n’en demeurent pas moins des héros positifs, nostalgiques de l’ancien monde. Pour comprendre ce qu’ils regrettent, il faut prendre la mesure de ce que l’ultra-gauche installée au pouvoir a enfanté : ses représentants, « devenus les nouveaux pères la morale, coincés du fion, à tout interdire », ont amenuisé les libertés à tel point qu’on ne peut plus consommer de viande, fumer de cigarette, conduire de véhicule obsolète ou se marier en tant que couple binaire non racisé. Un matriarcat a désormais lieu dans une France très Cinquième Élément (pour le côté architectural et technologique), où pullulent les droïdes, les classiques littéraires réécrits, les ear phones et les agents de sécurité à tête de grille-pain (littéralement).

Halen Brennan est une mercenaire aux méthodes expéditives. Elle est recrutée par la compagnie Stella pour mettre la main sur des documents confidentiels volés, sans en savoir davantage sur leur contenu. C’est une femme dont la place dans la société ne tient qu’à un fil, ou plutôt à un genre. Mais au fond, elle préférerait probablement s’en détacher définitivement, elle qui n’aspire qu’à se retirer chez elle pour consommer de la bière de contrebande en regardant des films d’Alain Delon. Éric Corbeyran et Jef l’introduisent comme une forte tête à la verve mordante. Ainsi, elle n’hésite pas à asséner à la puissante Ratchead Kammer, qui l’engage, qu’elle paraît moins humaine que les droïdes qui la servent. Il faut dire que le bistouri a laissé des traces irréversibles et édifiantes sur son corps… C’est au cours de sa mission, périlleuse, qu’elle croise la route de Jean-Claude Belmondeau, en délicatesse lui aussi avec la nouvelle société gaucho-bobo-normée. Son trip à lui, c’est de fréquenter un food truck approvisionné par des fermes clandestines. Il peut y déguster du boeuf saignant prohibé partout ailleurs.

Du coffre-fort Lynch à Rambo en passant par Elon Musk, les références et allusions pleuvent dans No Future. Elles se complètent de tirades bien troussées, de séquences spectaculaires et de vilains délibérément pathétiques (le garde, Ghost, Ratchead…). La construction du récit est plaisante, mais le complot qui sert de carburant à l’intrigue demeure toutefois assez convenu, puisqu’il s’agit, grossièrement résumé, d’intérêts commerciaux écologiquement destructeurs, auxquels s’ajoute le gros sel de la corruption politique. Rien de bien nouveau, en somme. On appréciera davantage quelques menus détails venant égayer la lecture : des phylactères qui tremblent pour matérialiser une secousse, un discours méta-fictionnel sur la bande dessinée, du comique de répétition (le garde passé à tabac) ou des propos à double sens (par exemple, dans le conduit d’aération). L’un d’un l’autre, No Future se fait aussi fascinant et jouissif que lacunaire, avec un propos politique relativement maladroit mais des personnages et des situations conçus avec talent.

No Future, Éric Corbeyran et Jef
Delcourt, janvier 2023, 128 pages