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Filmer le cinéma, une tendance au bout du rouleau ? Vers un avenir radieux souhaite décomplexer cette démarche à la force d’une comédie loufoque comme seul Nanni Moretti sait le faire.

Synopsis : Giovanni, cinéaste italien renommé, s’apprête à tourner son nouveau film. Mais entre son couple en crise, son producteur français au bord de la faillite et sa fille qui le délaisse, tout semble jouer contre lui ! Toujours sur la corde raide, Giovanni va devoir repenser sa manière de faire s’il veut mener tout son petit monde vers un avenir radieux.

Après être reparti bredouille de la Croisette avec Tre Piani deux ans plus tôt, le réalisateur de La Chambre du fils et de Mia Madre évoque le coup de vieux dans son neuvième film. Loin d’être dépressif à l’idée de ne plus pouvoir revenir avec un bon plat de résistance, ce dernier a opté pour le dessert d’une générosité sans égal, qui peut toutefois nuire à son esprit enchanté.

Nous savons que l’humour reste sa plus grande force, notamment lorsqu’il contourne les traits de l’humanité. La dernière fois, il s’agissait  d’une provocation plus que d’une véritable intention de nous balader dans les étages d’un immeuble. Ici, il préfère disserter sur ses plans et discuter de leurs valeurs, de leur symbolisme, tout en essayant de contenir tous ses personnages sous le même chapiteau. Il y parvient au forceps et avec une élégance rare, celle de larguer son public dès les premières séquences, annonçant le gros boomer qu’il est devenu ou qu’il ignore être.

Nous sommes invités à suivre le quotidien exaspérant de Giovanni, à qui Moretti  prête ses mimiques. Ce réalisateur en mal d’idées, de financement et d’une équipe irréprochable, traverse un trou noir car tout va mal jusque dans son foyer. Sa femme (Margherita Buy) voit un psychanalyste et, sa fille (Valentina Romani) fréquente un homme plus vieux que son paternel. Parallèlement, son film piétine, aussi bien sûr le tournage que dans les sessions de brainstorming. Les Italiens associent exclusivement les Russes au parti communiste, on crée des anachronismes par mégarde sur scène et on semble confondre le thème politique du film avec une romance. Pourtant, cette histoire d’amour existe bel et bien, mais envers qui ou envers quoi ?

La recette sucrée du cinéaste italien trouvera ses adorateurs et d’autres bouderont dans leur coin. Que l’on soit du premier ou du second bord, Moretti questionne sa légitimité à prolonger une vision vraisemblablement périmée et nostalgique. Les nouveaux jeunes cinéastes travaillent plus vite, quitte à garder la première prise, à précipiter l’épilogue ou à s’aligner sur le cahier des charges « what the fuck » de la plateforme au grand N rouge qui, rappelons-le encore une fois, est distribué dans 190 pays.

Nanni Moretti a pété les plombs et c’est un soulagement pour lui. Pour nous, c’est une autre histoire. Cette aventure lui est personnelle et il n’hésite pas à filmer un portrait de famille dans son générique de fin. Il se permet également d’intégrer de la musique pop et culte, comme s’il condensait tout ce qu’il a autrefois refusé dans une to-do list de luxe. Exit Lola de Jacques Demy ou La Dolce Vita de Federico Fellini, place à un fourre-tout étincelant qu’il agrémente de son tact. Vers un avenir radieux se situe donc là, entre la fiction et la réalité, comme le dindon de la farce d’une compétition amorphe. On peut apprécier le geste, la manière un peu moins. C’est ce qui rend cette œuvre anecdotique, tout en portant un regard pessimiste sur le cinéma dans le déclin. Moretti nous vomit alors ses doléances en plein dans les yeux et les oreilles, pourvu qu’ils soient encore ouverts.

Vers un avenir radieux de Nanni Moretti est présenté en Compétition au Festival de Cannes 2023.

Titre original Il sol dell’avvenire
Par Francesca Marciano, Nanni Moretti
Avec Nanni Moretti, Zsolt Anger, Jerzy Stuhr
28 juin 2023 en salle / 1h 36min / Comédie dramatique, Drame, Comédie
Distributeur : Le Pacte

Un gourmet est un glouton qui se domine. La Passion de Dodin Bouffant ouvre ainsi l’appétit, tout en sublimant une histoire d’amour, une bouchée après l’autre.

Synopsis : Eugénie, cuisinière hors pair, est depuis 20 ans au service du célèbre gastronome Dodin. A force de passer du temps ensemble en cuisine, une passion amoureuse s’est construite entre eux où l’amour est étroitement lié à la pratique de la gastronomie. De cette union naissent des plats tous plus savoureux et délicats les uns que les autres qui vont jusqu’à émerveiller les plus grands de ce monde. Pourtant, Eugénie, avide de liberté, n’a jamais voulu se marier avec Dodin. Ce dernier décide alors de faire quelque chose qu’il n’a encore jamais fait : cuisiner pour elle.

Avec L’odeur de la papaye verte, le réalisateur Hùng Tran Anh nous avait déjà proposé quelques mets délicieux à Saïgon. Cette fois-ci, on file dans une bourgade bien franchouillarde, dont le menu a de quoi être aussi copieux que Festin de Babette, à première vue. Sa présence en compétition n’est pas une surprise, loin de là, car les qualités de l’intrigue se situent davantage dans le ballet culinaire, que dans les relations tendues entre les convives. Ici, il n’y a que tendresse et amour dans les plats préparés. Le cinéaste franco-vietnamien adapte ainsi le roman de Marcel Rouff, telle une vitrine qui rend à la fois hommage à la cuisine française, aux bons vins et à son pays d’accueil.

Bon appétit !

Juliette Binoche et Benoît Magimel, autrefois un couple dans la vie, sont à présent de retour à l’écran. Elle est Eugénie, une cuisinière, et lui le célèbre gastronome Dodin. Pas besoin d’en savoir plus avant de poser ses yeux sur le spectacle musical que l’on peut entendre quotidiennement dans les coulisses des meilleures recettes. La cuisine prend vie, le choc des casseroles chaudes annonce la couleur des plats, la cueillette des légumes est précise, tout comme le dressage des assiettes. La première demi-heure a de quoi faire saliver n’importe quel festivalier qui a manqué son dernier repas ou qui regrette déjà son sandwich un peu trop léger avant la séance.

Eugénie endure une journée entière de dur labeur, afin de satisfaire les messieurs, qui se trémoussent dans leur plus beau costume d’apparat. Ils se délectent de chaque instant où un plateau défile devant eux et regardent la nourriture comme une proie prise au piège dans une assiette creuse. Le but est d’abord de communier avec l’aliment dans une ambiance solennelle et respectueuse. La cuisine prend du temps et ce temps considérable est aussitôt mâché contre plusieurs minutes de bonheur. La caméra de Tran Anh se capture ainsi tout ce qui fait l’essence de la gastronomie un art des plus appétissants.

Et au-delà de ce travail de précision, on distingue ces deux êtres, qui se tournent autour et qui préparent leurs plats ensemble. Pourtant, ils partagent rarement la même table, si ce n’est pour y déclarer leur amour, car c’est là toute la beauté du geste du cinéaste, qui transmet ce sentiment à travers les plats qu’il filme. Cela a de quoi s’essouffler un peu dans entre deux passages au fourneau, car les interactions se veulent moins subtiles et plutôt lyriques. C’est ce que l’on peut dire de ce Dodin, finalement transformé en poète dans un élan gustatif, qui n’attend qu’une petite lichette de vin pour rehausser un goût qui ne demande qu’à exploser entre la langue et le palais.

Ce jeu de séduction à travers les vertus de la cuisine, qu’elle soit hautement gastronomique ou humblement rustique, fait de La passion de Dodin Bouffant une belle surprise. Rien de foncièrement transcendant dans la mise en scène, qui s’occupe de donner vie aux ingrédients qui frétillent sous la chaleur des plaques. Il reste alors cette romance culinaire que l’on apprécie pour sa sincérité, qui nous affame juste assez pour avancer notre prochain repas.

La Passion de Dodin Bouffant de Tran Anh Hung est présenté en Compétition au Festival de Cannes 2023.

Par Tran Anh Hung
Avec Emmanuel Salinger, Juliette Binoche, Benoît Magimel
8 novembre 2023 en salle / 2h 14min / Drame, Historique, Romance
Distributeur : Gaumont Distribution

L’humour et le nihilisme qui traversent les œuvres de Takeshi Kitano font de lui un auteur hors du commun. Avec Kubi, signifiant « cou », il n’hésite pas à faire tomber des têtes de samouraïs dans un jeu de pouvoir et de trahison.

Synopsis : Au 16ème siècle, le Japon est tourmenté par les conflits qui opposent des gouverneurs de province rivaux. Parmi eux, le seigneur Oda Nobunaga, déterminé à prendre la tête du pays, est en guerre contre plusieurs clans lorsque l’un de ses généraux, Araki Murashige, intente une rébellion avant de disparaître. Nobunaga réunit alors ses autres vassaux, dont Mitsuhide et Hideyoshi, et leur ordonne de capturer le fugitif Murashige, en leur promettant que « celui qui trime le plus deviendra son successeur ». Bien qu’ils ne partagent pas les mêmes opinions et stratagèmes, tous se retrouvent bientôt à la croisée des chemins, celle du temple Honno-ji où ils ont rendez-vous avec leur destin. Reste à savoir de quel côté leur tête va tomber…

Kitano est de retour sur la Croisette depuis son Outrage en 2010. Le cinéaste maîtrise l’art du montage vif, qui laisse rarement le temps à une action d’expirer. Il se vante même de rivaliser avec le maître Akira Kurosawa, mais cette boutade ne doit en rien gâcher l’expérience d’un bon film de samouraïs, où l’on jubile à chaque scénette qui manque de peu son harakiri.

D’entrée, nous découvrons des cadavres de soldats décapités, promesse d’un divertissement bien violent en plus d’un humour bien sucré. Le film n’a pas un genre distinct, naviguant entre les coups de sabres, les liaisons dangereuses de la stratégie, les sous-fifres qui rêvent de décorations et de fortune, et les seigneurs de guerre aux regards tournés vers le sommet de la hiérarchie. Le daimyo Oda Nobunaga (Ryō Kase) doit être destitué et au plus vite, avant que ses caprices et son attrait pour les divertissements sordides n’empoisonnent toute sa chaine de commandement. Lors des réunions, on se dévisage plus qu’on établit un plan de bataille. La justesse de l’intrigue réside donc là, dans ces petits échanges, créant la tension de trop qui fait chavirer ce beau monde, déjà teinté de sang.

La mise en scène offre également de magnifiques travellings, où le décor rural et les montagnes surplombent les personnages, dont l’espérance de vie est limitée. Alors que l’on court dans tous les sens pour retrouver Araki Murashige (Kenichi Endō), le chef révolutionnaire, ce sont Mitsuhide (Hidetoshi Nishijima) et Hashiba Hideyoshi (Takeshi Kitano) qui orchestrent des coups bas dans l’ombre. Cela donne lieu à des scènes hilarantes d’empoisonnement manqué ou bien d’assassinats répétés sur des doublures. La succession de têtes tranchées devient alors le running gag de Kitano, satisfait de nous avoir séduit avec aussi peu d’exigences et, au fond, nous ne demandions pas plus.

Si nous sommes loin de ses œuvres prestigieuses comme Zatoichi, Hana-bi, L’Eté de Kikujiro ou Sonatine, mélodie mortelle, il est toujours bon d’apprécier l’humour de Takeshi Kitano à sa juste valeur. Il embellit ainsi la sélection de Cannes Première d’un beau film d’époque, de son charisme légendaire et de son ton pince-sans-rire, qui rafraichissent l’audience d’un festival finissant sur une note ensoleillée.

Kubi de Takeshi Kitano est présenté à Cannes Première au Festival de Cannes 2023

Adaptation de l’ouvrage éponyme de Takeshi Kitano (2019)

Par Takeshi Kitano, Takehiko Minato
Avec Takeshi Kitano, Hidetoshi Nishijima, Ryô Kase
Prochainement / 2h 11min / Historique, Action, Drame

Sexe, drogues & pop : le scandale cannois 2023 par Sam Levinson, Abel Tesfaye et Lily-Rose Depp. Parce que, qu’est-ce qu’un Festival de Cannes sans drama ?

De la Dolce Vita, en passant par Irréversible ou encore Crash, Cannes a eu son lot de scandales et ce n’est pas prêt de s’arrêter.

Présenté en deux épisodes consécutifs, The Idol a provoqué un véritable esclandre lors de sa projection. Malgré les nombreux scandales qu’a pu avoir Cannes au fil des ans, les films ont ensuite eu leur part de renom, parfois classés au rang de films cultes et de classiques du genre, d’où la beauté de cette tradition à heurter la morale. Mais en sera t-il de même pour la série de Sam Levinson, créateur entre autres de la série à succès Euphoria ou du sublime huis clos dramatique Malcolm & Marie ?

Pas sûr. Oui le film est trash, oui il pointe du doigt une vérité cruelle dans le monde de la célébrité mais y a t-il vraiment du coffre derrière cette succession d’images vulgaires ? Pas tant que ça, du moins pour l’instant. Car rappelons-le, il ne s’agit que de deux épisodes sur six, et Thierry Frémaux a d’ailleurs annoncé qu’il serait même possible d’avoir finalement un film plutôt qu’un show télévisé. Alors peut-on vraiment juger ce qui n’est pas finalisé ?

Un peu, mais avec réserve. Car finalement, bien que la relation toxique entre Jocelyn et Tedros manque cruellement d’alchimie, on a presque envie de dire, tant mieux ? Après un drame familial, le personnage de Lily-Rose Depp se retrouve totalement démuni et incapable de retrouver le feu qui autrefois lui donna le titre de pop star. Tedros, joué par The Weeknd, aka Abel Tesfaye, va l’aider à surmonter cette peur mais en y glissant un certain poison entre les entrailles de la jeune femme. Manigances, sexe cru et trahison sont au centre de cette œuvre huée. Pourtant, il y a bien une scène que l’on doit retenir et qui mérite peut-être de s’y attarder plus encore sur les prochains épisodes et c’est une scène d’une violence émotionnelle pour la diva, une séquence interminable lors d’un tournage pour le clip du nouveau tube de la star. Lily-Rose Depp montre sans doute pour la première fois son talent d’actrice, la scène est suffocante, on a de la pitié pour elle, au point de retrouver une réelle sympathie pour ce personnage tantôt exécrable. Rien n’est joué mais rien n’est perdu donc. Quant à Abel Tesfaye qui se retrouve de nouveau devant des caméras et bien… les prochains épisodes nous le diront, car pour le moment, à part l’écriture du personnage qui fait effectivement de lui un antagoniste détestable, cruel et manipulateur, le reste, c’est du vide…

La série The Idol de Sam Levinson est présenté Hors Compétition au Festival de Cannes 2023

Avec Lily-Rose Depp, Abel Tesfaye, Rachel Sennott, Hank Azaria,…
Le 04 juin 2023 aux Etats-Unis / Drame
Distributeur : HBO

Bande-annonce : The Idol

Synopsis : Après une dépression nerveuse, Jocelyn est déterminée à récupérer son titre de pop star la plus populaire. Tedros, propriétaire de boîte de nuit et leader d’une secte, ranime la flamme en elle. Cependant, cette romance est dangereuse pour Jocelyn.

Le langage du désir n’a jamais été aussi poussé chez Pedro Almodovar avec ce court-métrage très attendu sur la croisette : Strange Way of Life ou l’histoire de deux cowboys, réunis le temps d’une nuit après s’être aimés des années auparavant.

Annoncé comme une réponse à l’inimitable Brokeback Mountain, Strange Way of Life s’est arraché les foules lors de son unique projection à Cannes, au point que le Festival a pris comme décision, au grand bonheur de ses festivaliers, de rajouter in extremis deux séances quelques jours plus tard. Il faut dire qu’avec une annonce pareille, avec pour têtes d’affiche Pedro Pascal et Ethan Hawke, on ne pouvait que prévoir ce mot que tous les accrédités redoutent : complet.

Mais alors, que donne cette transgression sulfureuse au temps du western par ce réalisateur reconnu pour détourner les codes ? Mitigé. Ethan Hawke et Pedro Pascal sont fabuleux, dans cette romance queer entre deux anciens hors la loi. Le design signé Saint Laurent l’est tout autant et l’affiche se nomme perfection. Mais… ça manque un peu de consistance. La durée n’est pourtant pas mise en cause, tout est lucide, tout est beau et tout est à l’image du metteur en scène, d’une grande précision. Cependant, on reste sur sa faim avec une petite déception qui pend gentiment au nez. Peut-être à l’image des héros, que la frustration a tenus en exil toutes ces années. Du coup, une réussite ?

Strange Way of Life va beaucoup faire parler de lui et ce, des années durant, car Almodóvar s’amuse de cette ambiguïté. Mais n’est-ce pas là le secret de tout film, rester dans les mémoires, peu importe les raisons ? Il est clair que d’une façon ou d’une autre, le cinéaste espagnol aboutit toujours à une certaine excellence, que ce soit dans son esthétique, sa mise en scène ou même sa communication. En tout cas, ce court-métrage est à l’image du film de Ang Lee : inimitable, mais pour des raisons bien plus éloignées que prévu.

Strange Way of Life de Pedro Almodóvar est présenté Hors Compétition au Festival de Cannes 2023

Titre original : Extraña forma de vida
Avec Pedro Pascal, Ethan Hawke, Manu Ríos,…
Le 16 août 2023 en salles / Western, Drame, Romance
Durée : 31 minutes
Distributeur : Pathé

Bande-annonce : Strange Way of Life

Synopsis : Silva traverse le désert à cheval pour retrouver Jake qu’il a connu vingt-cinq ans plus tôt lorsqu’ils étaient tous deux tueurs à gages. Silva souhaite renouer avec son ami d’enfance désormais shérif mais ces retrouvailles ne sont pas sa seule motivation…

128 ans déjà que le premier cinématographe fut créé, le cinéma n’a alors connu que des rebonds, aussi bien dans sa création que dans sa distribution auprès du grand public. Chambre 999 dialogue avec les artistes contemporains de cet art et établit un portrait de notre monde, dans sa cohérence et ses contradictions.

Synopsis : Selon le même principe que le film original, « Curiosity Room » sera tourné tous les jours du festival 2022 dans une salle de l’hôtel Marriott sur la Croisette, où 30 réalisateurs, dont beaucoup font partie du jury ou ont des films et des projets présentés à Cannes cette année, répondront à des questions sur la réalisation et l’avenir du cinéma.

40 ans ont passé depuis le documentaire Chambre 666, une invitation à nous déchausser et à méditer sur le sort du cinéma, de sa création à l’an 1982. Wim Wenders faisait alors défiler une dizaine de cinéastes qui ont eu la lourde tâche de répondre à la question suivante : le cinéma est-il un langage en train de se perdre, un art qui va mourir ? Cette interrogation peut en faire rire certains, tandis que d’autres prennent goût à nous détailler la mutation de leur art, qu’il soit forain ou qu’il soit devenu moins accessible avec le temps.

Jean-Luc Godard a eu l’honneur d’ouvrir le bal et son cœur sur le 7e Art, qui l’a emmené jusqu’à la Croisette et bien au-delà. À présent, c’est au tour du réalisateur allemand, qui concourt cette année à Cannes avec Perfect Days, en plus de présenter Anselm (Kiefer), un documentaire sur l’artiste contemporain du titre, d’offrir son témoignage sur sa propre investigation. Ce dernier redéfinit d’abord ce qu’est le cinéma, un art du divertissement, avant de poursuivre sur la manière dont les films indépendants furent créés et comment l’ère du numérique a eu un impact sur notre façon de le consommer.

Il s’ensuit toute une ribambelle d’artistes, trop nombreux pour tous les citer, qui font part de leur expérience. Le cinéma peut être vu comme un rituel, où l’on accepte de s’asseoir à côté d’inconnus dans une salle obscure, afin de trouver une satisfaction à l’écran, autant que dans le réel. C’est d’ailleurs ce qui préoccupe la plupart des producteurs du moment, la peur de déplaire. Le nerf de cette guerre a donc permis aux plateformes de streaming de naître, de basculer l’univers du cinéma dans nos salons et même dans nos poches. Cette tendance effraie certains cinéastes concernant leur liberté de création, car ils y voient une contrainte. La télévision que l’on retrouve à droite du cadre ouvre quelquefois le dialogue sur ce sujet.

De plus, il est nécessaire de noter que ces images furent captées en pleine crise sanitaire du Covid, lors de la 75e édition du festival de Cannes. Ces conditions nourrissent davantage d’inquiétude sur un monde qui change, qui multiplie les conflits et les intérêts. La jeunesse n’a pas eu son mot à dire, mais nous pouvons également voir cette brochette de cinéastes comme les enfants de ceux qui sont venus témoigner dans la version de Winders. Le cinéma entrouvre ainsi plus de portes qu’auparavant et en ferme quelques-unes au passage. Toute sa culture découle de cette ouverture sur des mondes inexplorés et en donnant de la visibilité aux femmes, de plus en plus nombreuses à manifester leur existence dans ce domaine.

Julia Ducournau, Audrey Diwan, Joachim Trier, James Gray, Nadav Lapid, Asghar Farhadi, David Cronenberg, Alice Rohrwacher, Ninja Thyberg, Ruben Östlund, Agnès Jaoui, Lynne Ramsay, Shannon Murphy, Claire Denis, etc. Tous répondent à leur manière sur la destinée du cinéma. Optimistes, pessimistes ou simplement heureux de profiter de l’instant, à l’image d’un Kirill Serebrennikov dansant qui, après trois sélections, a enfin pu profiter du tapis rouge et de la Croisette. On repart avec l’intime conviction que c’est au spectateur de trancher sur la question.

Chambre 999 surnage ainsi dans cette dernière édition de Cannes Classics. Le premier long-métrage de Lubna Playoust ne manque pas d’emprunter le même dispositif mis en place par Winders. Lui comme tant d’autres se prêtent au jeu, dans une lettre ouverte au cinéma, un art qui a souvent eu besoin de s’autodétruire pour se reconstruire.

Chambre 999 de Lubna Playoust fait partie de la sélection Cannes Classics 2023.

Avec Rebecca Zlotowski, James Gray, Audrey Diwan…
Prochainement en salle / 1h 25min / Documentaire

Le dogme et la foi sont les maîtres-mots de cette hérésie chrétienne, où l’institution papale commet un enlèvement (rapito), arrachant ainsi un enfant à sa famille juive. Sa conversion devient alors un objet d’étude entre deux camps religieux, en parallèle d’une Italie qui déambule vers son unification.

Synopsis : En 1858, dans le quartier juif de Bologne, les soldats du Pape font irruption chez la famille Mortara. Sur ordre du cardinal, ils sont venus prendre Edgardo, un fils de sept ans. L’enfant aurait été baptisé en secret par sa nourrice étant bébé et la loi pontificale est indiscutable : il doit recevoir une éducation catholique. Les parents d’Edgardo, bouleversés, vont tout faire pour récupérer leur fils. Soutenus par l’opinion publique de l’Italie libérale et la communauté juive internationale, le combat des Mortara prend vite une dimension politique. Mais l’Église et le Pape refusent de rendre l’enfant, pour asseoir un pouvoir de plus en plus vacillant…

Très attendu dans les coulisses et sur le tapis rouge, Marco Bellocchio est toujours le bienvenu dans un festival où la dissection de ses personnages déchus se remarque. Le réalisateur de Vincere, Le Traître et de la mini-série Esterno notte, présenté à Cannes l’an passé, évoque les déchirements historiques qu’a connu son Italie natale. Aux côtés de Susanna Nicchiarelli, il adapte le livre Il caso Mortara (L’affaire Mortara) de Daniele Scalise, où le jeune Edgardo Mortara (Enea Sala), un enfant de confession juive, est baptisé à son insu.

Rappelons que Steven Spielberg était initialement annoncé sur ce même récit, prévu pour fin 2017, de même que sur le cinquième volet d’Indiana Jones. La force des choses fait qu’aucun de ces projets fut mener à terme par l’Américain. Et le hasard du calendrier provoque que les deux œuvres ont pu atteindre la toile du Grand Auditorium Louis Lumière en cette 76e édition du festival.

Non possumus (nous ne pouvons pas)

L’intrigue débute sur les terres de Bologne, en 1858, où l’état Vatican missionne des agents afin de rapatrier Edgardo vers le lieu saint. Dès lors que l’enfant est sous la tutelle de l’Église, cela ne signifie pas pour autant que sa santé mentale soit garantie. À travers ses yeux effrayés, la caméra de Bellocchio nous offre un autre point de vue sur le Christ. Un peu plus tôt dans la semaine, nous pouvions déjà suivre cette démarche dans le dernier film de Warwick Thornton, The New Boy, où un aborigène australien se convertit peu à peu au sein d’un monastère. Ici, la suprématie papale occasionne que le quotidien des enfants tient d’un univers carcéral.

La figure du Pape Pie IX en subit les conséquences car les journaux remplissent leurs colonnes de caricatures grotesques, à faire cauchemarder le chef de l’Église. Ce dernier est vu comme un monarque capricieux, qui trompe Edgardo. Le garçon, n’ayant jamais renié ses origines ou sa famille, subit une métamorphose tragique, jusqu’au bout de sa vie. Sa volonté ne lui appartient plus et sa trajectoire devient fascinante.

À 83 ans, Marco Bellocchio continue de faire des étincelles, pensant via sa caméra une foi que ses personnages recherchent et redoutent. L’exercice apparaît néanmoins académique, que ce soit dans son découpage ou sa façon de mettre en lumière le divin dans les yeux des protagonistes. Traitant aussi tous les points attendus de son récit, le cinéaste survole la conclusion de Rapito et déçoit quelque peu sur sa thématique familiale.

L’Enlèvement (Rapito) de Marco Bellocchio est présenté en Compétition au Festival de Cannes 2023.

https://www.youtube.com/watch?v=mMuqhIEc7bk&t=1s

Par Marco Bellocchio, Susanna Nicchiarelli
Avec Paolo Pierobon, Enea Sala, Leonardo Maltese
25 octobre 2023 en salle / 2h 15min / Drame
Distributeur : Ad Vitam