LeMagduCiné

Lors de la conférence de presse précédant la projection de Notre Petite sœur en compétition au Festival de Cannes au mois de Mai dernier, la première question qui a été posée au réalisateur Hirokazu Kore-Eda est de savoir si le film est un hommage à Ozu, tant pour ce journaliste, absolument tous les plans semblaient habités par le grand Maître.

Synopsis: Trois sœurs, Sachi, Yoshino et Chika, vivent ensemble à Kamakura. Par devoir, elles se rendent à l’enterrement de leur père, qui les avait abandonnées une quinzaine d’années auparavant. Elles font alors la connaissance de leur demi-sœur, Suzu, âgée de 14 ans. D’un commun accord, les jeunes femmes décident d’accueillir l’orpheline dans la grande maison familiale…

Blissfully yours

Question qui a dû lui être adressée dans tous les festivals pour chacune de ses réalisations, sans qu’à aucun moment le cinéaste ne montre un quelconque signe d’agacement. Il revendique au contraire ce rapprochement, et déclare sans fausse pudeur sa très grande admiration pour son aîné, au point de visionner à nouveau certains films d’Ozu lors de la préparation de son film.

Coutumier des films de fratrie (dont le très bouleversant Nobody knows qui l’a révélé au public occidental), racontant merveilleusement des bribes de vie le plus souvent enfantines, où les adultes ont abdiqué, fait défaut, et où souvent les aînés remplissent le rôle de protecteur, Kore-Eda produit un cinéma où les drames et les deuils font partie de la vie qui continue ; il se retrouve ainsi dans la droite ligne d’Ozu pour qui tout est « ordinaire et banal ».

De fait, et plus encore sans doute que dans ses précédents films, l’ombre d’Ozu plane sur cette adaptation très réussie et très poétique du manga Umimachi Diary de l’auteure Akimi Yoshida, une célèbre série japonaise en 6 tomes qui chroniquent la vie de cette fratrie composée de trois sœurs et de leur demi-sœur Suzu, plus jeune. Car Kore-Eda y raconte l’humain, le quotidien et le « temps qui passe » comme il aime à le souligner.

Vivant ensemble à Kamakura dans la belle et grande maison traditionnelle de leur grand-mère récemment décédée, et suite au divorce de leurs parents, les sœurs Kouda, à savoir Sachi (Ayase Haruka), Yoshino (Nagasawa Masami) et Chika (Kaho) écoulent une vie paisible au rythme des saisons. Sans tomber dans les stéréotypes, elles incarnent trois femmes bien différentes, des femmes forgées par leur histoire et leur position dans la fratrie : une légère austérité et le sens des responsabilités, voire de l’abnégation pour Sachi l’aînée, l’insouciance pour Yoshino la cadette, et l’originalité pour Chika, la benjamine, qui doit se faire remarquer pour exister dans un pays où le droit d’aînesse n’a été aboli qu’en 1948…

Le cinéaste prend infiniment de précaution pour filmer ses personnages. Et c’est une véritable ode à la beauté des femmes qu’il livre, une ode à leur sensibilité, à leur subtilité. L’arrivée de Suzu, leur jeune demi-sœur qu’elles ont recueillie à la suite du décès de leur père rajoute encore de la matière dans cette chronique. La mère de Suzu ayant été la maîtresse du père de famille, celle par qui le scandale est arrivé, cette arrivée de leur demi-sœur provoque chez les « grandes sœurs » des remous presque imperceptibles, tant Hirokazu Kore-Eda les filme avec délicatesse : Suzu est le témoin d’une vie où a vécu un père peu connu, mal connu ; elle est la fille de « l’autre », mais elle est aussi une fille qui, comme elles, a vécu l’absence de la figure maternelle (Suzu a habité chez sa belle-mère et son père après le décès de sa propre mère)… « Leur » petite Sœur cristallise beaucoup d’émotions, d’autant plus que la vie privée des unes et des autres sonne en résonnance avec les faits du passé…

Notre petite Sœur est un film issu du plus pur académisme japonais, caractérisé par un paroxysme de raffinement. Tout est beau dans le métrage : les personnages, les actrices,  les sentiments, les paysages, les saisons… tout est beau et enchanteur sans être mièvre, et de plus, oui, tout est éminemment japonais : les cerisiers en fleurs, ici comme symbole de l’éclosion de la jeune Suzu à une nouvelle vie et aussi à une féminité naissante, mais symbole également de la mort, de l’éphémère, source d’une mélancolie qu’on devine sous les yeux clos de la jeune orpheline lors d’une balade sous un ciel fait de ces  branchages roses. Japonais aussi, le refus de faire de la dramatisation le moteur de son cinéma. Tout comme Ozu, justement, Kore-Eda ne cherche pas à faire illusion, mais veut représenter la vie, et rien que la vie sans « marquer de hauts et de bas dramatiques ¹».

Malgré toute cette filiation qui pourrait être encombrante et lourde à porter, le film suit son propre chemin, là encore au rythme des traditions bien japonaises : la dégustation des rituelles nouilles Soba au déménagement de Suzu, le kimono d’été (Yukata) pour assister aux feux d’artifice qui jalonnent l’été, la fabrication de la liqueur de prunes immuable depuis des générations. Le cinéaste réussit à délinéariser un récit exempt de grands rebondissements. Même si c’est avec des évènements mineurs, chaque séquence débouche sur un petit fait nouveau, sur une tranche de vie nouvelle, le tout dans une fluidité exemplaire et le spectateur ne peut que se laisser emporter par la grande douceur de son film, et la sentimentalité qui s’en dégage.

Porté par un quatuor d’excellentes actrices, sachant captiver avec un jeu subtil et tout en nuances, complices et respectueuses les unes des autres, Notre petite Sœur est un très beau film sans aucun tumulte qui pourtant retournera le spectateur encore plus profondément qu’il ne le pense.

1 : Déclaration de Yasujiró Ozu à Remond, dans « Voyage à Tokyo », Télérama, n°1464, février 78,  p :70

Notre petite soeur – Bande annonce

Notre petite soeur – Fiche technique

Titre original : Umimachi diary
Date de sortie : 28 Octobre 2015
Réalisateur : Hirokazu Kore-Eda
Nationalité : Japon
Genre : Drame
Année : 2015
Durée : 128 min.
Scénario : Akimi Yoshida, Hirokazu Kore-Eda
Interprétation : Haruka Ayase (Sachi), Masami Nagasawa (Yoshino), Kaho (Chika), Suzu Hirose (Suzu asano), Ryô Kase (Sakashita)
Musique : Yôko Kanno
Photographie : Mikiya Takimoto
Montage : Hirokazu Kore-Eda
Producteurs : Kaoru Matsuzaki, Hijiri Taguchi
Maisons de production : Toho Company, GAGA, Fuji Television Network, Shogakukan, TV Man Union Distribution (France) : Le Pacte
Récompenses : Prix du Meilleur film : Hirokazu Kore-Eda – Festival International de San Sebastian 2015,
Budget : –

Alain Cavalier est aujourd’hui connu pour être un réalisateur de films intimistes tournés seul ou avec une équipe très réduite. Le cinéaste a débuté avec le cinéma commercial traditionnel et s’en est progressivement émancipé en développant un style propre, plus épuré, plus documentaire.

C’est avec Thérèse, sorti en 1986 que Cavalier va asseoir son statut de réalisateur reconnu et s’assurer la liberté de filmer ses sujets comme il le souhaite. Cette aisance qu’il a réussi à acquérir lui permet de créer une œuvre singulière qui s’attache à être au plus près de ces acteurs. Dans Le Caravage, c’est de ce geste cinématographique qu’il est question. Alain Cavalier filme le quotidien de Bartabas, fondateur du théâtre équestre Zingaro. Cette compagnie renouvelle le spectacle équestre en lui associant la danse, la musique et bien d’autres disciplines artistiques.

Des chevaux et des hommes

La relation entre le filmeur et le filmé est au cœur des films de Cavalier. Tantôt il se met en scène et joue l’acteur autant que le cinéaste, tantôt, il est présent par la voix. Cette voix du filmeur se traduit dans les échanges avec ses personnages, ou sous forme de voix off qui tient plus du commentaire instantané puisque le cinéaste parle de façon spontanée, sans préparer de texte, au cours de son tournage, au gré des images qui défilent. Avec Le Caravage, le Cavalier volubile s’efface. Ses interventions vocales sont très rares (une ou deux occurrences seulement), le réalisateur assiste en spectateur au rapport entre l’homme et l’animal. Dès qu’il le peut, il se place aussi près que possible du cheval, ce qui donne lieu à de très beaux plans, les yeux dans les yeux avec la bête. Cette caméra se fait intrusive parfois, pénétrant dans l’intimité de l’écurie et filmant le cheval qui dort, urine, et défèque. Cette trivialité fascine Cavalier, on le sait (Lieux saints en est l’un des exemples les plus probants).

Mais, quand il s’agit d’être témoin d’une séance de travail entre Bartabas et Le Caravage, le réalisateur n’a pas le choix, il est évincé, renvoyé derrière la barrière du manège. Cette distance qui lui est imposé, il va essayer de s’en affranchir en filmant encore et encore l’entraînement rigoureux du cheval et son cavalier pour tenter de capter un instant de grâce, quelque chose qui montre qu’il y a plus qu’un simple rapport de force entre un dominant et un dominé. La routine devient rituel, chaque jour, on panse, on harnache. Pas de parole superflues, c’est le geste et seulement le geste qui compose la partition de ce film. Quand on a compris que l’enchaînement de ces scènes revient comme une litanie, on guette le moment où l’improvisation s’immiscera dans le fonctionnement de cette machine bien huilée. Parfois, elle arrive, comme lors de cette séquence qui suit une séance de travail où le cheval, laissé libre un moment dans le manège, s’approche de l’objectif et le lèche consciencieusement. « C’est flou, on ne voit absolument plus rien » dit Cavalier amusé. La rencontre brute entre le filmeur et le filmé.

Le Caravage peut provoquer un sentiment de frustration tout autant qu’une sensation d’apaisement et de sérénité. Ceux qui voudront tout comprendre des arcanes du dressage équin et de cette relation particulière, entre obéissance et coopération, qui lie un cavalier à son cheval risqueront immanquablement d’être déçus. Pour les autres qui accepteront d’être les simples spectateurs, derrière la barrière du manège, peut-être ceux-là feront-ils l’effort de percevoir qu’au-delà de la soumission de l’animal à l’homme qui est bien réelle, il y a quelque chose qui tient du rapport de confiance et d’amitié que chacun met en l’autre.

Synopsis : Chaque jour, de bon matin, Bartabas travaille son cheval préféré Le Caravage. Tous les deux ont une conversation silencieuse où chacun guide l’autre. Atteindront-ils une certaine perfection qui les autorise à se présenter devant un public ? Traverser les pépins de santé, se remettre de séances ratées, s’affiner, goûter la joie d’un sans faute. Le cinéaste est admis à être témoin de cette intimité. A la longue, c’est la naissance d’un trio où les cœurs sont ensemble. Le spectateur en fera peut-être un quatuor.

Le Caravage : Fiche technique

France
Genre : Documentaire
Réalisation : Alain Cavalier
Distribution : Bartabas
Montage : Emmanuel Manzano
Son : Florent Lavallée
Produit par Michel Seydoux
Distribué par Pathé Distribution
Durée : 1 heure 10 minutes
Date de sortie : 28 Octobre 2015

A peine le générique arrive que se confirme déjà une évidence : jamais un James Bond n’aura si bien porté son titre. Non content de pouvoir illustrer le retour en fanfare de l’organisation ayant joué bien des tours à l’espion britannique (après plus de 30 de conflits juridiques), Spectre est aussi la preuve que Sam Mendes en a fini avec Bond et avec Craig. La fin. La mort. Telles semblent ainsi être les notions qui infusent jusque dans son ossature même ce Spectre. Car avant que le film ne soit considéré comme étant le 24^ème opus de la saga, il est surtout la fin d’une époque, la fin d’une ère.

Une ère qui aura cru bon d’user des 4 longs-métrages de Daniel Craig pour voir James Bond finalement rentrer dans le rang et assumer sa légitimité, pour devenir l’agent du MI6 que l’on connait. 4 films pour redéfinir l’icône, lui donner de l’épaisseur, la déconstruire et la faire renaître. 4 films pour amorcer la normalité dans laquelle l’agent se trouve plongée et finalement rendre légitime l’utilisation du légendaire gunbarrel dès l’entame, parachevant donc d’une traite la mue de l’agent passé d’un salop au cœur de pierre, à l’espion charmeur et blagueur, très typé période Roger Moore.

Une odyssée freudienne dans la droite lignée de Skyfall.

C’est donc un profond élan de normalité qui infuse d’emblée l’œuvre. Le traditionnel gunbarrel servant d’entame et nous voilà déjà plongé dans le bain d’un James Bond, qui semble en premier lieu, très classique. Mais loin d’être rédhibitoire, cette spécificité (obtenue de concert avec la photographie de Hoyte Von Hoytema) sert davantage à montrer que Mendes clôt enfin le reboot initié par Casino Royale et donne (enfin) à voir le premier James Bond de Daniel Craig. Passé les fulgurances visuelles des précédents et une scène post-générique remarquable, puisque lorgnant du coté de Brian de Palma et Alejandro Gonzalez Innaritu pour son plan séquence étonnant, que voilà déjà le générique qui se profile. Sublimé par la voix de Sam Smith, le générique est aussi la preuve qui manquait aux néophytes que Spectre sera interconnecté aux 3 précédents films de la saga. Le Chiffre, Dominic Green, Raoul Silva, trois némésis de l’espion qui se mêlent dans ce générique sombre, ponctué çà et là par des tentacules de pieuvres et moult représentations de poulpes, symbolisant non sans mal, la menace campée par le Spectre.

Fort d’un début supplantant aisément Skyfall par sa maitrise et sa technique, difficile dans un premier temps d’aller à l’encontre du rythme effréné de Mendes. Assumant tantôt des airs de requiem et tantôt de renaissance, la première heure arrive, sans mauvais jeu de mots, à faire fi du spectre de Skyfall qui rode en filigrane de l’œuvre. Morceaux de bravoures ininterrompus, mise en scène verbeuse mais non moins impressionnante, Mendes assure le show et laisse penser que le pari qu’il s’est fixé de dépasser Skyfall, est sur le point de se voir couronné d’un succès. Il faut dire qu’en parallèle d’une mise en scène inspirée et nettement plus humanisée, Mendes n’oublie pas de rendre hommage à l’icône 007. Références abondantes aux anciens films (Vivre et Laisser Mourir pour l’ouverture, Opération Tonnerre pour la réunion romaine du Spectre, Au Service Secret de sa Majesté pour la clinique des Alpes Autrichiennes), humour caractéristique de Q version Desmond Llewelyn, la recette semble suivie à la lettre, quitte à conférer au film une élégance qu’on attendait plus. Et alors que le visage de la némésis campé par un Christoph Waltz tout en décontraction, se dévoile dans la scène la plus réussie, puisque donnant à voir l’illustre organisation malfaisante, que voilà Spectre déjà en train de rencontrer son premier accroc. Empruntant à la dérive orwelienne de notre époque qui voit la recrudescence massive des drones et de la surveillance pour obtenir des informations, le scénario puise malheureusement dans un canevas bien trop balisé pour susciter la moindre surprise. Pire, il accuse d’un énorme coup d’arrêt quand arrive le personnage réduisant à néant toute l’ambition de Mendes : Léa Seydoux.

Pivot de l’intrigue et caution amoureuse de l’agent ténébreux, l’actrice semble dépassée par les évènements quitte à afficher une froideur gênante, puisque mettant à néant toute la flamboyance du film et le quasi érotisme soulevé par cette romance improbable. C’est d’autant plus regrettable de voir son rôle s’accroitre au fur et à mesure du déroulé du film, puisque supplantant le scénario devant par la suite des choses se racoler aux wagons, quitte à afficher des coutures bien trop grossières. Une grossièreté qui aura d’ailleurs pour résultante de rendre la fin très prévisible et d’annuler purement l’effet de surprise sur une intrigue truffée de twists en tout genre. Ce faisant, fort d‘un scénario en demi-teinte, ne reste plus qu’à se pencher sur les acteurs et l’action pour finalement se rendre compte que Mendes, n’aura fait qu’écouter la plèbe. Taxé de préférer l’introspection à l’action dans Skyfall, Mendes se lâche véritablement dans Spectre, arrivant à rendre l’action comme un passage obligé du film, alors que celle de Skyfall trouvait justement une légitimité. Cette erreur de débutant alourdit l’ensemble, rendant donc difficile la compréhension de ce mastodonte de 2h30, qui n’aurait en rien perdu d’efficacité, s’il avait été délesté de 20 bonnes minutes.

Succombant au trop plein d’ambition de son sujet, et terrassé par cette volonté de repousser encore une fois les limites de l’excellence, autant dire Sam Mendes aura su rendre le panache qu’on lui connait pendant la première heure du métrage, pour finalement encaisser un sévère coup d’arrêt sur la deuxième partie, qui si elle ne perd rien en qualité purement technique, voit son scénario tourner en roue libre et s’assumer comme l’ultime bravade de Mendes sur l’univers 007. L’occasion parfaite de constater que la mise en scène sépulcrale de Mendes, lorsque mise en opposition aux impératifs de la saga, ne peut que donner naissance à une mise en scène mécanique, loin de la spontanéité revendiquée par Skyfall.

Synopsis: Un message cryptique venu tout droit de son passé pousse Bond à enquêter sur une sinistre organisation. Alors que M affronte une tempête politique pour que les services secrets puissent continuer à opérer, Bond s’échine à révéler la terrible vérité derrière… le Spectre.

Fiche technique: Spectre

Réalisateur : Sam Mendes
Scénario : John Logan, Robert Wade, Neal Purvis d’après les personnages créés par Ian Fleming
Interprétation : Daniel Craig (James Bond), Christoph Waltz (Franz Oberhauser), Monica Bellucci (Lucia), Léa Seydoux (Madeleine), Dave Bautista (Mr Hinx), Naomie Harris (Moneypenny), Ben Whishaw (Q), Ralph Fiennes (M), Andrew Scott (Denbigh), Rory Kinnear (Tanner), Jasper Christensen (Mr White)…
Bande originale : Thomas Newman
Récompenses : Oscar 2016 de la meilleure chanson Writing’s on the Wall », interprété par Sam Smith
Durée : 150 minutes
Budget : 250 M$
Genre : Action
Date de sortie : 11 novembre 2015

Royaume-Uni – 2015

Le Dernier Chasseur de Sorcières : Au programme, un concentré de testostérone contre des féministes écolos

Synopsis : Au moyen-âge, un groupe de guerriers ecclésiastiques est envoyé combattre contre une reine des sorcières maléfiques qui a lancé sur l’Europe une épidémie de peste. Le seul survivant, Kaulder, est touché par un sort qui le condamne à l’immortalité. Huit siècles plus tard, il continue de lutter, au nom de l’Eglise, pour préserver la paix entre humains et sorcières. La mort suspecte de l’un de ses proches va toutefois lui faire comprendre qu’une nouvelle guerre entre le bien et le mal se prépare à éclater et que c’est à lui seul qu’incombe la mission de sauver le monde.

Jusqu’à présent, la filmographie de Breck Eisner nous a prouvé que son seul talent de cinéaste est de savoir digérer ses références pour satisfaire les exigences miniums des amateurs du genre auquel il s’attaque : le film d’aventure avec son sous-Indiana Jones (Sahara) et son film de zombis-qui-n’en-sont-pas-vraiment avec son remake d’un Roméro (The Crazies), mais aussi ses projets qui ne sont rien d’autres qu’une suite à Karaté Kid et un remake de Flash Gordon. Avec Le Dernier Chasseur de Sorcières, les modèles ne sont pas aussi aisément identifiables mais l’inspiration de tous les derniers succès d’héroic-fantasy vient croiser celle des séries B d’action les plus vintages. Le voir à la barre de ce scénario qui traînait depuis des années dans les cartons de l’écurie hollywoodienne n’a strictement rien de vendeur, mais en apprenant que l’odieux Timur Bekmambetov était prédestiné sur ce projet, on peut s’estimer heureux d’avoir échappé au pire et même tenter de donner sa chance à ce film qui, dès son trailer, s’annonce comme un plaisir coupable sans prise de tête. En misant sur la présence de Vin Diesel, les décideurs des studios Summit Entertainment (la frange « pop-corn movies décérébrés » de Liongate) ont pensé que la popularité de la star allait assurer au long-métrage une certaine visibilité médiatique ainsi que l’adhésion de ses fans. Mais la première conséquence de ce choix de casting est que, en accédant à la production, la star vampirise complètement la mise en scène, qui devient – à l’image de celle des franchises Fast & Furious et Riddick – une bête apologie de son physique imposant. Devant cette démonstration de narcissisme de mauvais goût, on en viendrait presque à regretter les anciennes stars du cinéma d’action, de l’acabit de Sylvester Stallone, ou même Arnorld Schwarzenegger, qui avaient, en plus de leur musculature bien découpée, un minimum de talent d’acteur et de charisme. L’incapacité de Vin Diesel à dégager autre chose que sa grosse voix grave devient rapidement gênante. Toutefois, la présence de l’acteur n’est pas le seul argument de vente du film : il nous propose également une ribambelle d’effets spéciaux aguicheurs. Mais, là encore, l’étalage tape-à-l’œil vire à la catastrophe has-been.

Inutile d’accabler le réalisateur de tous ces défauts rédhibitoires, puisque la véritable source du problème est indubitablement le scénario lui-même. Ouvertement pensée comme une origin-story en vue de lancer une nouvelle franchise, cette aventure délaisse sans vergogne les enjeux de son sujet fantastique qu’est la coexistence entre des êtres humains et des personnes dotées de pouvoirs magiques. Le trio de scénaristes (déjà responsables de l’écriture tout aussi peu inspiré de Dracula Untold) à l’origine de ce script mollasson a clairement préféré, à l’élaboration d’une intrigue surprenante, faire se répéter en boucle sa scène d’introduction expliquant l’histoire de son héros, en appuyant outrageusement sur le pathos de ses flashbacks auprès de sa famille, et sans jamais réussir à donner le souffle épique requis à l’affrontement contre la vilaine sorcière. Les quelques rebondissements, aussi convenus que prévisibles, qui ponctuent ce combat ultra-manichéen entre le bien et le mal ne reposent en fait que sur deux éléments : la naïveté bigote et le machisme pesant avec lesquels sont représentés les rapports hommes-femmes sous l’égide d’une sacro-sainte église, apparaissant comme seule institution capable à dispenser la justice Divine. Aucun suspense ne ressort de cet amas de clichés dépassés et de ressors scénaristiques usés jusqu’à l’os. L’héroïsme et la classe qui caractérisent le personnage de Vin Diesel sont représentés de manière si outrancière (digne d’un John Wick) qu’ils ne laissent même aucun doute quant à sa victoire triomphale sur les méchantes sorcières et leurs disciples. Quant au système narratif qui nous fait découvrir, à travers le regard des personnages secondaires, l’existence secrète des sorcières dans le New-York moderne, il montre vite ses limites en ajoutant constamment des éléments qui permettent de contrecarrer les embauches du scénario pour permettre à son héros invincible d’atteindre son objectif.

Les nombreux effets numériques et incrustations sur fonds verts ne relèvent aucunement le niveau spectaculaire puisque la post-production est à l’image de la mise en scène et de la direction artistique, parfaitement impersonnelles et déjà-vues. Le montage des scènes d’action est souvent trop aléatoire pour être facilement lisible, alors que les effets de ralentis sont, une de fois de plus, utilisés avec une surabondance qui frôle le risible. Mais les producteurs, visant un succès commercial à leur nanar, ont su investir dans un casting attirant pour incarner les rôles secondaires. Le machisme inhérent au scénario redevient la norme de cette distribution dont chaque rôle féminin se doit d’être tenu par une poupée sexy (Rose Leslie, Lotte Verbeek, Dawn Olivieri…). Côté masculin, le duo de prêtres formé par Michael Caine et Elijah Wood est en revanche bien plus encourageant, mais la prestation désincarnée des deux acteurs ne fait que nous rappeler à quel point l’écriture de leur personnage respectif a bâclé tout approfondissement psychologique. Malgré le talent dont ils ont déjà fait preuve, aucun interprète ne sauve son rôle de la caractérisation stéréotypée dont ils souffrent et de la bêtise dans laquelle les plonge la crétinerie des dialogues. Ni le réalisateur ni les scénaristes n’ont semblé capable de retrouver le souffle des modèles datant des années 80-90 dans lesquels ils piochent allègrement, ne réussissant leur Last Witch Hunter à n’être comparé qu’aux plus récents mais bien plus ringards L’Apprenti Sorcier (2010) ou la saga Underworld (entamée en 2003). Peu flatteur.

Dénué de la moindre originalité, Le Dernier Chasseur de Sorcières n’est qu’une banale série B qui repose moins sur sa dimension fantastique que sur la glorification de la brutalité écervelée dont sa star, Vin Diesel, est devenue l’emblème hollywoodien. Un peu plus de rythme et d’originalité auraient fait de ce film un  divertissement susceptible de combler les amateurs de cinéma de genre les moins exigeants, mais leur absence transforme le visionnage de ce pop-corn movie très fade en une longue traversée du désert à peine digne d’un DTV.

Le dernier Chasseur de sorcières : Fiche Technique

Titre original : The Last Witch Hunter
Réalisation : Breck Eisner
Scénario : Cory Goodman, Matt Sazama, Burk Sharpless
Casting: Vin Diesel (Kaulder), Rose Leslie (Chloé), Elijah Wood (Dolan 36), Michael Caine (Dolan 35), Ólafur Darri Ólafsson (Belial), Julie Engelbrecht (La reine des sorcières), Isaach de Bankolé (Schlesinger)…
Décors : Julie Berghoff
Costumes : Luca Mosca
Montage : Chris Lebenzon, Dean Zimmerman
Musique : Steve Jablonsky
Production : Mark Canton, Bernie Goldmann, Vin Diesel
Sociétés de production : Atmosphere Entertainment MM LLC, Summit Entertainment
Sociétés de distribution : SND
Pays d’origine : États-Unis
Budget : 90 000 000$
Langue : Anglais
Durée :  107 minutes
Genre : Action, Fantastique
Dates de sortie : 28 octobre 2015

De retour derrière la caméra, l’actrice franco-américaine signe un retour aux sources existentielles qui l’habitent depuis ses débuts en 2002 avec Looking for Jimmy, mais surtout Two Days in… La quête de l’âme sœur. Sauf que Lolo ne s’apparente guère aux clichés de la comédie romantique, tout comme ces deux précédents opus de 48 heures à Paris et New-York. Ne mentionnons pas l’étonnante trilogie de Richard Linklater au risque d’un hors sujet.

Depuis que Julie Delpy est maman en 2009, une nouvelle thématique semble s’être niché au sein de sa plume. L’enfant est bien plus grand et Vincent Lacoste, déjà un ado nonchalant dans Le Skylab, endosse les traits de l’insupportable enfant roi atteint du syndrome d’Oedipe jusqu’à la moelle. Et l’attente de ne plus le retrouver dans un rôle stéréotypé se fait pressante du côté des spectateurs. Depuis Hippocrate de Thomas Lilti en 2014, il revient à de pas-si-vieilles habitudes pour un slip coloré. Les bouclettes parfaites, il est le personnage principal et central de cette comédie post-romantique rafraîchissante et détonante.

A trop couver l’œuf…

L’acteur a, chez Julie Delpy, une place importante. Et on salue Dany Boon dans un rôle à semi-contre-emploi (même si la première scène où on le voit, celle du thon, fait curieusement penser à la baraque à frites « Momo » de Bienvenu chez les Ch’tis) en beauf lover qui ne peut que plaire à tout le monde. On retrouve quelques guest qui font office de surprises pour arrondir les angles déjà cotonneux. Mais la véritable surprise est de l’ordre du dialogue. Écrit à quatre mains, Eugénie Grandval et Julie Delpy, le film propose de fortes répliques en passe de devenir cultes. Et c’est du côté de Karin Viard que viennent les zygomatiques. Elle ne nous aura pas fait autant rire depuis France Boutique de Tonie Marshall en 2003. Le rire est de bon ton et justifié. Ne manquant pas de rythme, Lolo a le charme d’un épisode de Joséphine Ange Gardien inédit, l’audace d’une dramédie girly et le lyrisme d’un christmas movie. N’y voyez aucune reproche ! Mais de cette fantaisie moralisatrice s’extirpe le principal défaut de ce film ice cream. Après le somptueux film historique, La Comtesse en 2009, Julie Delpy nous a prouvé qu’elle excellait dans un tout autre registre. Attirée par la formule américaine, l’actrice/réalisatrice (dont ne peut qu’admirer le talent, sans prétention) se laisse tenter par le gag empathique, le crescendo jusqu’à l’apothéose finale et de cette structure « bien trop vue » pour être singulière se dégage la plus dérangeante des sensations. Le film n’ennuie jamais, si ce n’est par Vincent Lacoste pour qui nous n’avons que la plus profonde indifférence. Lolo n’avait déjà rien d’exceptionnel sur papier ou en bande annonce, mais la mise en scène de Julie Delpy, toujours maîtrisée et sans accrocs, entre pétillances (à ne pas confondre avec pétulances) et personnages colorés, tire la banalité vers le haut. Aucunement mémorable, mais tendrement divertissant, Lolo amuse plus qu’il ne fait réfléchir, malgré la thématique principale du sur-maternalisme.

Entre Judd Appatow et Steve Carell, la féministe discrète au cœur d’artichaut Julie Delpy se glisse dans quelques abîmes prosaïques, sans jamais sortir vraisemblablement son épingle du jeu. Pourtant irrésistible, la quarantenaire au teint de porcelaine et au regard enfantin ne peut qu’attiser notre flamme. Elle brûlerait presque si le carton pâte et le fond vert ne venait pas assombrir le tableau d’une insipide trivialité. Déconnexion de neurones dans 1…2…3 (et c’est ce que la majorité des spectateurs attend en franchissant les portes des salles obscures. Grâce à Delpy, elles deviennent moins sombres, mais la bonne humeur n’aura duré qu’un peu plus d’une heure et demi)

Synopsis: En thalasso à Biarritz avec sa meilleure amie, Violette, quadra parisienne travaillant dans la mode, rencontre Jean-René, un modeste informaticien fraîchement divorcé. Après des années de solitude, elle se laisse séduire. Il la rejoint à Paris, tentant de s’adapter au microcosme parisien dans lequel elle évolue. Mais c’est sans compter sur la présence de Lolo, le fils chéri de Violette, prêt à tout pour détruire le couple naissant et conserver sa place de favori.

Fiche Technique: Lolo

Réalisateur: Julie Delpy
Scénario: Eugénie Grandval et Julie Delpy
Interprétations: Julie Delpy, Karin Viard, Vincent Lacoste, Dany Boon, Georges Corraface, Karl Lagerfeld, Frédéric Beigbeder, Elise Larnicol, Ramzy Bedia…
Décor : Emmanuelle Duplay
Photographie: Thierry Arbogast
Producteurs: Michael Gentile
Société de production: The Film, France 2 Cinéma, Mars Film, Tempête Sous un Crâne
Distribution: Mars Distribution
Genre: Comédie sentimentale et familiale
Durée: 99 minutes
Budget: NC
Date de sortie: 28 octobre 2015

Le 4^ème long métrage du réalisateur Christian Carion En mai fais ce qu’il te plait  vient clore ce qui pourrait être un triptyque sur les grands conflits du XXème siècle ; 10 ans après Joyeux Noel, 6 ans après L’affaire Farewell, le cinéaste s’attaque à la seconde guerre mondiale.

Le champs des partisans

Coincée dans le temps comme étant la conséquence de la WW1 et une des causes de la guerre froide, la plus grande boucherie de l’histoire bénéficie d’un traitement de faveur par le cinéma historique. Entre Clint Eastwood et Steven Spielberg, les plus grands s’y sont frottés, souvent avec succès, 39/45 en est presque devenu un genre à part entière, faisant de lui un sujet redondant du cinéma international (Le fils de Saul primé à Cannes cette année), mais entre la Shoah, le D Day et Pearl Harbour, les monuments de la mémoire commune ne laissent que peu de place au paysan et à la fermière en fuite.

Le cinéaste français sort ici des sentiers battus par le déjà-vu, tout en installant son récit sur des chemins de terre. En effet le film revêt les haillons d’un Road Movie bocager et emprunte au Survival ; puisqu’il faut le dire, être un civil sur la route en mai 40 c’était être au cœur de la bataille. Et alors que la Blitzkrieg perce de toutes parts les défenses françaises, le réseau routier est pris d’assaut par les populations du nord. Le cinéaste nous raconte que sa mère était parmi ces gens, dans une de ses longues caravanes qui tapissaient les champs. A mi-chemin entre le cortège pionnier que l’on pouvait croiser dans le Far West, et le flux de réfugiés que l’on force à fuir leur sédentarité et que l’on croise aujourd’hui à l’Est de l’Europe. Une histoire forcément intime donc, un projet dont la maturation a pris du temps et qui fleurit dans un climat où l’histoire se répète. Evidemment la coïncidence est fortuite, l’envie de porter cette histoire à l’écran vient d’ailleurs et semble profondément enracinée dans l’histoire familiale du réalisateur. Christian Carion nous raconte simplement un passé oublié qui a pourtant concerné 8 millions de français à l’époque, un passé « pas glorieux » dans lequel les héroïsmes ne se mesurent pas en balles tirées mais en mètres marchés. Une intention louable qui mène à un film utile. Pour se faire, le cinéaste forme une équipe assez hétéroclite, en réunissant Olivier Gourmet, maire d’un petit village qui s’improvise chef de file et garant de la République, Matthew Rhys, l’acteur génial de The Americans en soldat écossais seul survivant de son escouade, ou encore Laurent Gerra en franchouillard débonnaire plutôt convaincant. A leurs côtés, Mathilde Seigner, ainsi que le nouveau minois du cinéma français, Alice Isaaz. En mai, fais ce qu’il te plait prend la forme d’un film choral, un mécanisme qui renforce l’aspect collectif de l’histoire, où les individualités s’effacent face au danger. En construisant une fiction entre intrigues amoureuses, familiales, et militaires Carion trace des destins simples et dignes qui font tout pour ne pas être emportés par la République qui s’effondre et le Reich qui fond sur eux.  Une manière très romancée de déguiser l’histoire pour ne pas imposer une leçon, quitte à flirter avec le mélo. L’axe principal du récit s’ancre autour d’un réfugié allemand qui cherche à retrouver son fils, celui s’étant enfui avec le village guidé par Olivier Gourmet.

Dans une époque soigneusement reconstituée, Carion et ses producteurs n’ont pas lésiné sur les moyens, avec des scènes très réussies de confrontation entre l’aviation et la division Panzer allemande. Une mise en scène qui participe à la qualité de l’histoire contée, même si elle s’enferme dans une simplicité revendiquée. Un cinéma qui tire la larme et qui hérisse les poils, qui devrait trouver son audience dans les salles. Et malgré des dialogues un peu hésitants, et une musique assommante signée par la légende Ennio Morricone. Carion signe un bon film, un peu trop consensuel, un peu trop convenu. On lui soulignera deux atouts non négligeables : le traitement nécessaire de la propagande de guerre avec un réalisateur allemand mandaté par Goebbels dont l’interprétation diabolique et charismatique enrage quelque peu le récit ; ainsi que l’aspect communautaire du conflit, à contre courant d’un regard franco français parfois malsain, avec la présence des colonies ou de la résistance allemande.

Après 6 ans d’absence, Christian Carion signe un film quelquefois inégal mais jamais dénué d’intérêt et qui offre ses moments poignants. Mais à force d’agiter ses oriflammes humanistes, c’est la fougue qui vient à manquer. On regrettera la sagesse de la mise en scène et un démarrage un peu lent qui freinent un film qui a le mérite de mettre en lumière une page qui n’a jamais été écrite dans les manuels d’histoire.

Synopsis : En mai 1940, plusieurs millions de personnes quittent le nord de la France afin d’échapper à l’invasion allemande. Parmi eux, un Allemand ayant fui son pays part à la recherche de son fils, qui a pris la route aux côtés d’un groupe de fermiers.

En Mai fais ce qu’il te plait: Fiche technique

Réalisateur: Christian Carion
Scénario: Andrew Bampfield, Christian Carion, Laure Irrmann
Interprétations: Olivier Gourmet, Matthew Rhys, Mathilde Seigner, Alice Isaaz, Joshio Marlon, Laurent Gerra
Costumes: Sandrine Langen
Musique: Ennio Morricone
Photographie: Pierre Cottereau
Producteurs: Philip Boëlffard, Christophe Rossignon
Société de production: Pathé, Nord Ouest film
Distribution: Pathé Distribution
Genre: Historique, Drame, Guerre
Durée: 114 minutes
Budget: 15, 2 millions euros
Date de sortie: 4 novembre 2015