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Grands corps malades

Il y a quasiment exactement un an, dans un mois d’octobre durant lequel les esprits commencent à s’engourdir de froid en attendant les chaleurs des fêtes de Noël, un film terrible et dérangeant est sorti pour secouer le cinéphile : The Tribe, du réalisateur ukrainien Miroslav Slaboshpitsky. Un film qualifié de « merveille abrasive » par notre confrère d’Ecran large, et que nous avons jugé « important, dérangeant et expérimental » ici même (la critique de The Tribe ici).

Les mois passent, Octobre revient déjà, et le film terrible et dérangeant de l’année nous tombe dessus : Chronic, le nouveau film de Michel Franco, après le très éprouvant Después de Lucia, lui même précédé du difficile Daniel & Ana. Ce dernier, qui est le premier du mexicain, met en scène un frère et d’une sœur qui se reconstruisent difficilement, après des traumatismes suite à un kidnapping public dont ils ont été victimes. Un film peu commode, mais encensé par la critique, et sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes en 2009. Después de Lucia a raflé deux prix à la sélection Un certain Regard à Cannes en 2012, avec une histoire d’humiliation et de harcèlements à l’école. Mais plus les films de Michel Franco se radicalisent, plus Cannes les aime. En effet, directement en Sélection Officielle, il en ressort avec le prestigieux prix du scénario. Un film dérangeant, donc, car il nous montre des choses que nous n’avons pas la force de regarder tous seuls.

Dès la première seconde, la première image, Chronic nous happe pour ne plus nous lâcher jusqu’à un final percutant comme on en voit rarement. Depuis ce pare-brise, le spectateur observe en caméra subjective une autre voiture, une femme de dos la rejoint pour la conduire. Nous partons à sa suite, dans un plan séquence assez conséquent, mort d’inquiétude déjà, car nous ne savons pas avec qui on voyage. Puis la caméra bouge légèrement, et on aperçoit le conducteur, interprété par Tim Roth, un acteur dont la vue va rassurer quelque peu le spectateur.

Dans le plan suivant, l’homme s’installe devant son ordinateur et épluche longuement les photos du compte Facebook d’une femme très jeune. Sans aucune musique et sans aucun dialogue à ce stade, le cinéaste a déjà installé une ambiance anxiogène. Et quand plus tard, on le voit nettoyer scrupuleusement une femme squelettique, les yeux clos, ne tenant pas debout sous la douche, on ne sait toujours pas si cet homme est bon ou mauvais, si ces gestes minutieux sont les gestes d’un parent attentif et aimant, ou au contraire ceux d’un pervers prêt à toutes les ignominies. Ainsi va le film de Franco, plein de mystère, ne livrant rien en pâture, laissant le spectateur se débrouiller avec les bribes d’information qu’il arrive à attraper ici ou là, s’il n’est pas totalement absorbé par le spectacle qui se déroule sous ses yeux, le spectacle de l’être humain dans son noyau le plus intime, l’être organique en train de vivre et en train de mourir.

David, puisque c’est ainsi qu’il s’appelle, est un infirmier qui s’occupe de malades chroniques en phase terminale. A la place des proches, il lave, nourrit, divertit ses patients, assiste à leur enterrement, sans que l’on comprenne ses motivations. Lorsque survient le décès de sa première patiente, David finit par évoquer celui de « sa femme », puis s’implique davantage auprès de son prochain patient, un certain John qu’il appelle « mon frère ». Ces mourants sont sa famille, ses semblables.

Le cinéaste donne à voir avec beaucoup de respect les relations intimes entre un homme qui veut donner des soins jusqu’au malaise et l’incompréhension (il sera accusé de harcèlement sexuel dans une des familles), et des hommes et des femmes qui doivent recevoir ces soins malgré eux. Il montre avec maestria à quel point cet homme, David, un mort vivant pour des raisons qui seront révélées parcimonieusement, est en communion avec ses patients, des vivants morts. Tim Roth, que Michel Franco a rencontré lorsqu’il fut le président du jury qui lui a remis un prix pour Después de Lucia, et pour qui le cinéaste a écrit sur mesure le rôle, est magistral dans sa manière d’embrasser son personnage. Hermétique et mystérieux comme le scénario, infiniment empathique sur le plan professionnel, perdu et vulnérable dans la vie privée. Très modeste dans son jeu, Tim Roth qui est de tous les plans se met en retrait pour être au service du film, du scénario, du réalisateur. 

Encore plus que dans ses précédents films, il n’y a pas une once de graisse  dans le Chronic de Michel Franco : aucune musique, quasiment aucun mouvement de caméra, des plans séquence sans coupe, la vérité nue de l’humanité filmée dans sa version la plus simple, sans fioritures. Seule, la magnifique lumière du français Yves Cape illustre son propos. On pense bien sûr à Haneke et son film Amour, mais en la personne de Franco, on a trouvé un cinéaste encore plus froid, encore plus minimaliste que Haneke. Ou alors, on pense au Haneke des premiers films, des films cliniques et froids, et pourtant aussi hypnotisants que Chronic.

Michel Franco confirme avec ce film très singulier, et émouvant à sa manière, qu’il devient un cinéaste incontournable, un réalisateur essentiel au cinéma pour la forme, mais aussi pour les thèmes qu’il choisit de développer. Un digne représentant du foisonnant cinéma mexicain.

Synopsis : Aide-soignant, David travaille auprès de personnes en phase terminale. Méticuleux, efficace et passionné par son métier, il noue des relations qui vont bien au-delà du cadre médical et instaure une véritable intimité avec ses patients. Mais dans sa vie privée, David est inefficace, maladroit et réservé. Il a besoin de ses patients tout autant qu’ils ont besoin de lui…

Chronic – Fiche technique

Titre original : Chronic
Date de sortie : 21 Octobre 2015
Réalisateur : Michel Franco
Nationalité : Mexique, France
Genre : Drame
Année : 2015
Durée : 92 min.
Scénario : Michel Franco
Interprétation : Tim Roth (David), Rachel Pickup (Sarah), Robin Bartlett (Marta), Michael Cristofer (John), Sarah Sutherland (Nadia), Nailea Norvind (Laura)
Tate Ellington (Greg), Bitsie Tulloch (Lidia), Kari coleman (La sœur de Sarah), Maribeth Monroe (la nièce de Sarah), Claire van der Boom (Alice), David Dastmalchian (Bernard)
Musique : –
Photographie : Yves Cape
Montage : Julio Perez IV
Producteurs : Michel Franco, Gina Kwon, Gabriel Ripstein, Moisés Zonana, Grégoire Lassalle
Maisons de production : Stromboli Films, Vamonos films, Lucia films, Videocine
Distribution (France) : Wild Bunch
Récompenses : Prix du scénario : Michel Franco, Cannes 2015, Sélection officielle,
Budget : –

Une série B efficace…

A son arrivée, l’E-cinema nous a été présenté comme un nouveau mode de distribution n’ayant rien à voir avec une sortie directe en vidéo. Il était tout au plus une occasion de découvrir plus facilement des productions dotées d’une vraie légitimité malgré un avenir commercial peu assuré dans l’encombrement des sorties cinéma. Quelques mois plus tard, on commence à y voir un peu plus clair : si les films distribués par TF1 Vidéo bénéficient toujours d’un très bon casting, il ne s’agit pas forcément de leurs productions les plus prestigieuses et on a déjà eu l’occasion de voir Pierce Brosnan, Ewan McGregor, Salma Hayek ou ici Olga Kurylenko dans des films plus riches en argent et en talent.

Ce n’est pas grave. Il existe un vrai plaisir à regarder une bonne série B : un film qui trace son chemin dans les limites de son budget, que l’on regarde en sachant à quoi s’attendre et dont on ressort satisfait. Code Momentum fait partie de ces films et tire un parti intéressant des ressources dont il dispose.

Son premier atout est d’être divertissant, gardant un tempo élevé durant au moins la première heure. Si nous sommes restés volontairement très vagues dans le synopsis et si nous vous déconseillons de regarder la bande-annonce, c’est qu’une bonne partie du plaisir tient aux nombreux rebondissements qui s’y enchaînent. Parti pour être un film de braquage qui tourne mal, le film devient vite un thriller d’autant plus haletant que l’on ne sait pas qui est l’ennemi et ce qu’il cherche. Les scènes d’action musclées se suivent de manière très rapprochées, et si aucune d’entre elles n’est extraordinaire en elle-même, leur accumulation en est fort appréciable.

Son deuxième atout est d’avoir des personnages plutôt badass. Avec ses braqueurs en tenue high-tech, son méchant en costume so-british, et ses sbires aux looks et aux poses travaillées, le film crie constamment au spectateur son désir de coolitude. On pense régulièrement à Mi$e à prix pour cette arrivée constante de nouveaux personnages tous plus frimeurs les uns que les autres mais à l’espérance de vie pas forcément énorme pour autant, à la différence que Code Momentum donne à chacun une vraie bonne scène d’action pour exister.

Son troisième atout enfin est bien sûr Olga Kurylenko. Peu vêtue durant une bonne partie du film, elle joue pourtant un rôle de femme forte capable de se sortir des pires situations, de sauter dans des gaines d’aération, de frapper de l’agent secret, ou de survivre aux poursuites en voiture les plus périlleuses tout en conservant un certain sens de l’éthique. On comprend l’intérêt de l’actrice pour ce rôle : après avoir joué la James Bond Girl, c’est elle qui mène ici l’action dans un rôle bien plus proche de ceux de Milla Jovovich que de celui qu’elle tenait dans le A la merveille de Terrence Malick.

Trois atouts qui, combinés, procurent un vrai plaisir de série B, celui d’un film pas forcément très intelligent, mais rythmé, avec des acteurs qui en font un peu trop mais dont le plaisir est assez communicatif.

… Mais une série B néanmoins

Le charme opère une heure durant. Le film dure malheureusement 90 minutes, et tel le carrosse de Cendrillon voué à redevenir citrouille, la réalité rattrape peu à peu Code Momentum.

Rendant par le nom de code de ses méchants autant hommage à Point Break (pour le côté présidents américains) qu’à Reservoir dogs (pour le côté Mister), le film bascule dans son dernier acte de l’action de l’un à la psychologie et aux dialogues de l’autre. Malheureusement, n’est pas Quentin Tarantino qui veut, et les tirades de James Purefoy se transforment bien vite en cabotinage assez inintéressant. Le rythme ainsi brisé, la fusillade finale aura un goût de trop peu trop tard, le film ayant en plus l’idée assez douteuse de se terminer par une fin ouverte.

Cette mauvaise note finale a le mauvais goût de faire remonter à l’esprit les défauts que l’enthousiasme initial occultait. En cameraman réputé, Stephen S. Campanelli multiplie les plans et les axes de caméras, pour un résultat pas toujours heureux et peu mis en valeur par une image numérique parfois assez laide. Les détails de production typiques d’une série B deviennent plus apparents aussi : la localisation en Afrique du Sud que rien ne justifie à part la nationalité des producteurs, un Morgan Freeman déconnecté de l’action et qui n’a pas dû avoir plus d’un jour de tournage, ou une musique des plus standards.

Le film d’une Olga sûre ?

Deux âmes se partagent le corps d’Olga Kurylenko : l’une recherche les productions Hollywoodiennes prestigieuses, l’autre se contente de séries B comme ce Code Momentum.
Contrairement à un The raid qui transcendait son peu de moyens par une inventivité et une puissance rarement vues, Code Momentum est un film d’action moyen mais sympathique, qui étonne et séduit dans sa première heure avant que le soufflé ne retombe gentiment sur la fin. On reste tout de même sur une bonne impression, et sur l’idée que ce film ferait un parfait complément au premier Hitman dans une de ces soirées thématiques – action dont les chaînes de la TNT ont le secret.

Synopsis : Après un braquage qui ne s’est pas déroulé sans accrocs, Alex (Olga Kurylenko) découvre bien vite que la police n’est pas son ennemi le plus redoutable, et que toute son équipe est menacée.

Code Momentum – Bande annonce :

Code Momentum: Fiche technique

Titre original :Momentum
Date de sortie : 13 novembre 2015 (E-cinema)
Nationalité : Etats-Unis, Afrique du Sud
Réalisation : Stephen S. Campanelli
Scénario : Adam Marcus, Debra Sullivan
Interprétation : Olga Kurylenko, James Purefoy, Colin Moss, Shelley Nicole
Musique : Laurent Eyquem
Photographie : Glen MacPherson
Décors : Thomas Gubb
Montage : Doobie White
Production : Donald A. Barton , Anton Ernst
Sociétés de production : Azari Media, Thaba Media
Sociétés de distribution : TF1 Vidéo
Budget : 20 000 000 €
Genre : Action
Durée : 01h36

Déjà avant l’affaire Merah, Nicolas Boukhrief s’intéressait à la question du cheminement psychologique qui pouvait mener des « enfants de la république » à une dérive islamiste, mais c’est bel et bien cette triste actualité qui, en 2012, sera le déclencheur qui va le pousser à en tirer un long-métrage. Débutera alors une longue traversée du désert en quête d’une source de financement pour un film qui aborderait aussi frontalement le sujet de l’islamisme en France. Finalement Canal+ a été l’un des rares à jouer le jeu. En janvier 2015, alors que surviendront les attentats de Charlie Hebdo, le film était encore en post-production. Dès lors, le réalisateur devra lutter pour trouver un distributeur qui accepterait de diffuser un film devenu « sensible ». On peut donc remercier la société britannique Pretty Pictures d’avoir accepté de faire de Made In France le tout premier film français de son catalogue et de nous permettre de découvrir en salles ce long-métrage à la gestation compliquée. Reprenant le schéma du film d’infiltration sur lequel reposait son plus gros succès à ce jour, Le Convoyeur (que le réalisateur sait être populaire dans les banlieues, là où se trouve le public visé par son nouveau film), il est parvenu à établir un scénario qui nous immerge, via le regard désabusé d’un journaliste musulman, dans une cellule de jeunes radicaux menés par un leader charismatique vers le terrorisme. L’ancien rédacteur de chez Starflix prouve sa maîtrise des codes du cinéma de genre en installant un suspense à couper le souffle, mais surtout un regard humain et étonnamment subtile sur le parcours de ses personnages.

Il est important de saluer le parti-pris de s’interdire tout jugement moral ainsi que les interprétations irréprochables des cinq acteurs principaux, grâce auxquels les membres de cette cellule djihadiste évitent de tomber dans le piège de la caricature qu’aurait pu entraîner leur identification assez marquée. Outre Sam, le journaliste, dont la narration emprunte le point de vue (Malik Zidi), et Hassan, le meneur au passé trouble, mais suscitant l’admiration de ses compères grâce à son voyage d’entrainement au Pakistan (Dimitri Storoge), les trois autres personnages sont rendus socialement passionnants par la façon dont sont pensées leurs motivations respectives: Driss, un maghrébin, ancien boxeur au sang chaud, en qui brûle une rage envers les institutions françaises (Nassim Si Ahmed), Sidi, un malien très attaché à sa famille et désireux de venger la mort de son cousin au pays (Ahmed Dramé) et enfin Christophe, issu de la petite bourgeoisie catholique, mais qui voit en l’islam radical la façon de vivre l’aventure et la rébellion dont il rêve (François Civil). Il est d’ailleurs intéressant de remarquer que c’est parce que ce dernier est, comme Hassan, un converti, qu’il est celui qui va le suivre le plus aveuglément. Débutant par le prêche d’un imam ultra-radical pour s’achever sur la préparation d’un attentat (et en précisant que tout a commencé par la radicalisation de Driss et Hassan en prison), toutes les étapes de l’endoctrinement sont décortiquées avec un réalisme remarquable. Réussir à comprendre ces criminels et la raison de leurs actes est le défi qu’a relevé Boukhrief et qui fait de son polar, un véritable film politique.

La peur que ressent Sam tout le long du film, d’abord en voyant son groupe passer de la fréquentation de mosquées secrètes à des crimes de sang froid, puis en retrouvant pris en porte-à-faux entre la Police qui le considère comme un complice et Hassan qui n’hésiterait pas punir sa traitrise d’une balle en pleine tête, rend l’ambiance du film oppressante du début à la fin. La mise en scène nerveuse de Nicolas Boukhrief profite pour cela de l’appui de la bande-originale composée par Rob qui, pour avoir travaillé sur de nombreux films d’horreur, sait installer par la musique une réelle tension. Ce sentiment de paranoïa est donc un des principaux vecteurs de la réalisation, sans pour autant que cela imprègne le discours tenu sur la radicalisation djihadiste. Le fait d’avoir fait de Sam un « vrai » musulman absout cette démarche scénaristique de toute accusation d’islamophobie. Davantage que la folie criminelle qui semble animer Hassan et le machiavélisme de ceux dont il reçoit les ordres, ce que Boukhrief pointe du doigt  comme étant la première cause de l’embrigadement autodestructeur de ces jeunes français n’autre autre que la situation socio-économique de la France. On en viendrait presque à comprendre que, délaissés par une société ravagée par la crise et n’ayant pour unique repère moral que la violence des médias (incluant le cinéma, puisque Christophe est, comme beaucoup de jeunes de sa génération un fan de Scarface), certains adolescents veulent fuir leur quotidien morose en se tournant vers une autre forme de reconnaissance individuelle qu’une réussite professionnelle devenue inconcevable. En se plaçant en bas de l’échelle du groupuscule (en l’occurrence Al-Qaida puisque, encore une fois, le script est antérieur à l’avènement de Daesh), plutôt qu’en imaginant les coulisses d’une vaste et nébuleuse organisation criminelle internationale, le film réussit à aborder quelque chose de concret, un drame humain qui réussit à nous toucher comme il touche Sam, cet antihéros auquel il est si aisé de s’identifier.

Par le biais d’un film très sombre et d’un thriller haletant, Nicolas Boukhrieff tente avec maestria de démystifier l’image que la télévision nous renvoie des martyrs terroristes, en rappelant qu’ils sont, malgré tout, des êtres humains pathétiques, manipulés par des individus mille fois plus condamnables, et en proie à des doutes face à l’irréversibilité de l’engagement qu’ils ont pris et dont ils se retrouvent être les premières victimes. Cette approche politiquement incorrecte fera immanquablement polémique mais sera sans doute plus efficace que la diabolisation surinée par les chaines d’infos continues pour décourager certains spectateurs de suivre le même chemin.

Synopsis: Infiltré dans une mosquée clandestine pour écrire un article, Sam s’est rapproché d’une bande de jeunes islamistes radicaux. Le retour en France de l’un d’eux, revenu d’un rude entrainement au Pakistan, va rapidement transformer le groupe en une cellule de terroristes. Sam n’aura dès lors plus le temps de faire marche arrière avant que le point de non-retour soit franchi.

Made in France: Bande-annonce

Made in France : Fiche Technique

Réalisation : Nicolas Boukhrief
Scénario : Nicolas Boukhrief, Eric Besnard
Interprétation: Malik Zidi (Sam), Dimitri Storoge (Hassan), François Civil (Christophe), Nassim Si Ahmed (Driss), Ahmed Dramé (Sidi), Franck Gastambide (Dubreuil), Judith Davis (Laure), Nailia Harzoune (Zora)…
Photographie : Patrick Ghiringhelli
Décors : Arnaud Roth
Costumes : Florence Sadaune
Son : Dana Farzanehpour
Montage : Lydia Decobert, Sébastien Pierre, Aymeric Devoldère
Musique : ROB
Producteurs: Clément Miserez, Matthieu Warter, James Velaise
Production: Radar Films, Pretty Pictures
Distribution: Pretty Pictures
Genres : Thriller, Policier, Drame
Durée : 94 minutes
Date de sortie en salle: 20 janvier 2016

France – 2016

Seul sur Mars, le retour fantasque et léger du grand Ridley Scott

Ridley Scott et la SF, c’est une belle et grande histoire. Le patriarche a marqué le genre par des chefs d’œuvres intemporels tels que  Alien, le huitième passager  ou Blade Runner. Cependant, aussi talentueux soit-il, cela faisait 8 ans et la pépite American Gangster que le britannique n’avait pu retrouver sa grandeur, enchaînant les déceptions critiques (Prometheus) et/ou commerciaux (Cartel). Malgré tout, Scott réussit à proposer un nouveau regard sur la Science-Fiction avec Seul sur Mars et prouve qu’il en a encore sous le capot, malgré ses 77 ans.

Scott nous convie à une véritable épopée interstellaire : l’aventure de Mark Watney, un naufragé spatial laissé pour mort sur une planète rouge sang, à plusieurs centaines de millions de kilomètres de sa terre natale. Par chance, l’homme est botaniste de formation chez la NASA et va tenter de survivre en installant une culture agricole viable dans sa base, tout en tentant de contacter Houston, son dernier espoir de quitter cette planète. Adapté du roman The Martian d’Andy Weir, Seul sur Mars est une vision nouvelle de la science fiction et du genre humain. Digne feel good movie, le long métrage propose un camaïeu d’émotions, du rire aux larmes, du bonheur au désespoir. Imparfait sur son fond, survolant notamment l’ingrédient philosophique, Seul sur Mars réussit néanmoins à glorifier l’Homme dans son génie le plus pur, par un humour enthousiasmant et des effets visuels plus vrais que nature.

Une adaptation détonante

Seul sur Mars est une adaptation extrêmement fidèle, à la limite de la transposition. Scott se contentant d’adapter à la virgule près les événements les plus marquants du bouquin. Pour les autres, il sera question de rebondissements rocambolesques, dans une intrigue des plus prenantes, signé Drew Goddard (l’excellente série Daredevil). On se prend immédiatement d’affection pour Watney, interprété avec maestria par le discret et talentueux Matt Damon. Ses actes, son humour, son audace nous inspire une formidable sympathie. Le récit n’est tout de même pas aussi tourné vers Watney que l’on pourrait le croire. On jongle ainsi entre les points de vue du discret équipage d’Arès 3, composé d’une belle brochette de second rôle talentueux (Jessica Chastain, Kate Mara, Sebastian Stan, Michaël Pena et Aksel Hennie) et les hauts dirigeants de la NASA (Jeff Daniels, Sean Bean, Chiwetel Eijefor, tous investis). Le spectateur pourrait être perdu par cette farandole de seconds rôles si l’aspect étonnamment divertissant et enthousiasmant ne prenait le pas sur un scénario assainit de toute lourdeur notable. Un aspect étonnant tant il est à totale contre courant des délires kubrico fatalistes actuels, à l’image du fantastique mais déprimant Interstellar. Ainsi, Scott dérive vers une glorification du génie humain, des connaissances savantes pour une robinsonnade ultime, quitte même à tomber dans une discrète puérilité.

Une philosophie sacrifiée au profit d’une technique transcendée

Ténor de l’image, Ridley Scott ne faillit encore une fois pas à sa réputation, et donne à voir un condensé d’image des plus saisissantes, sachant rendre avec réalisme et inquiétude les détails de cette planète, véritable fantasme de l’être humain. Seul sur Mars ne déroge en aucun cas à la règle et nous gratifie d’une planète rouge aussi majestueuse que mortelle, à l’atmosphère dangereusement envoûtante, symbole de découverte et de danger. Cette alchimie est fort bien retranscrite à l’écran, avec la sensation qu’à à chaque actes du héros, une épée de Damoclès trône au dessus de sa tête. L’ambiance sonore facilite également cette ambiance stressante, aussi bien pour Watney que pour le spectateur, qui s’immerge totalement dans la tentative de survie du héros. Ainsi, le film décline totalement des codes du genre et s’inscrit dans une lignée plus proche d’Apollo 13 que de Gravity. On se retrouve passionné par les boires et les déboires du héros et ayant cru à cette extraordinaire bonté humaine, qui paraîtrait illusoire dans bon nombre de production Hollywoodienne.

Nonobstant à cette farandole quantitative et qualitative, il manque d’une certaine manière, la clé d’un chef d’oeuvre Scottien, en l’occurrence l’ingrédient philosophique. Que ce soit les théories cartésiennes sur la conscience et l’inconscience dans Blade Runner ou la vision matricielle et du viol dans Alien, la part philosophique de la filmographie de Scott est essentielle. Dans ce métrage, l’aspect humaniste n’est que survolé, surtout sur la partie solitude qui semblerait plutôt bien se passer alors que tout philosophe et/ou psychanalyste moderne affirmerait que la solitude est affreusement inhumaine. Ridley Scott, en athée convaincu, dissèque son sujet au travers de données scientifiques certifiées, au point d’entrer en contact avec la NASA pour affiner sa vision. Ainsi, Seul sur Mars reste une épure marquante, un éloge à la connaissance humaine, l’antithèse parfaite à la vision mystique et divine, développée par ce misanthrope de Christopher Nolan dans Interstellar. Certes, les lourdeurs sont amoindries et le film n’en est que plus agréable mais il change ainsi de statut. Nous ne sommes donc plus en présence d’un chef d’œuvre intemporel mais d’un excellent divertissement.

Seul sur Mars se présente donc comme la quintessence qualitative du blockbuster américain contemporain. Il condense à lui seul l’ensemble des qualités attendues pour le genre de la science fiction de nos jours, à savoir une technique à proprement parlé parfaite, une vision enthousiasmante du genre humain et des décors majestueux. Il est cependant dommage que cette prouesse soit faite au travers d’un récit lissé de toute vertu philosophique majeure, pourtant concentré du talent de Ridley Scott, sans pour autant être une coquille vide. L’augure cinématographique de Scott s’est donc fortement éclaircie auprès des spectateurs et du public, qui retrouve avec ce long métrage, un niveau inespéré.

Synopsis: Lors d’une expédition sur Mars, l’astronaute Mark Watney est laissé pour mort par ses coéquipiers, une tempête les ayant obligés à décoller en urgence. Mais Mark a survécu et il est désormais seul, sans moyen de repartir, sur une planète hostile. Il va devoir faire appel à son intelligence et son ingéniosité pour tenter de survivre et trouver un moyen de contacter la Terre. A 225 millions de kilomètres, la NASA et des scientifiques du monde entier travaillent sans relâche pour le sauver, pendant que ses coéquipiers tentent d’organiser une mission pour le récupérer au péril de leurs vies.

Seul Sur Mars : Fiche Technique

Titre original : The Martian
Réalisation : Ridley Scott
Scénario : Drew Goddard d’après le roman « The Martian » d’Andy Weir
Casting: Matt Damon (Mark Watney), Jessica Chastain (Melissa Lewis), Kate Mara (Beth Johanssen), Sebastian Stan (D^r Chris Beck), Michael Pena (Rick Martinez), Aksel Hennie (Alex Vogel), Kristen Wiig (Annie Montrose), Jeff Daniels (Teddy Sanders), Naomi Scott (Ryoko), Sean Bean (Mitch Henderson), Mackenzie Davis (Mindy Park), Chiwetel Eijefor (Venkat Kapoor).
Direction artistique : Mónika Esztán et Matt Wynne
Décors : Arthur Max
Costumes : Janty Yates
Montage : Pietro Scalia
Musique : Harry Gregson-Williams
Production : Mark Huffam, Simon Kinberg, Michael Schaefer, Ridley Scott et Aditya Sood
Sociétés de production : Kinberg Genre et Scott Free Productions ; International Traders, Mid Atlantic Films et 20th Century Fox (coproductions)
Sociétés de distribution : Drapeau : États-Unis 20th Century Fox
Pays d’origine : États-Unis
Budget : 108 000 000$
Langue : anglais
Durée :  141 minutes
Genre : Film de science-fiction
Dates de sortie : 21 octobre 2015
Box office : 329 893 151$ au 23/10/15

Ces dernières années, on a pu constater un certain attrait pour les Origins Story à Hollywood. Une frénésie qui va parfois tellement loin que certains se sentent obligés de raconter les origines de personnages qui n’en ont pas besoin et ne sont certainement pas attendus par le public. C’est le cas avec le prequel des aventures de Peter Pan : malgré l’équipe talentueuse qui a travaillé dessus, Pan n’a finalement pas convaincu le Box-office.

Un échec commercial assez retentissant car la critique spécialisée, surtout aux Etats-Unis l’avait froidement accueilli. Ce projet est au final une mauvaise idée de la part du studio qui a investi beaucoup trop d’argent dans une histoire au principe aussi dérisoire, car, au final, rares sont ceux à s’intéresser vraiment aux débuts de Peter Pan. Malgré tout, le film ne sera pas totalement inintéressant sur le plan artistique, rejoignant le rang des longs-métrages mal-aimés sans véritablement de raisons. Reçu avec un peu plus de clémence en France par la critique, Pan est une oeuvre qui sait prendre des risques et qui, par moment, sait même se montrer admirable.

Smells Like Teen Spirit 

Le film ne brille pas par son scénario cependant, bien trop classique pour laisser un souvenir intarissable. La caractérisation des personnages est extrêmement stéréotypée, faisant du méchant un dandy excentrique proche du ridicule, avec des indiens braves et courageux qui maîtrisent les arts martiaux ainsi qu’une réinterprétation à la cool du personnage de Hook – qui devient ici un anti-héros à mi-chemin entre Han Solo et Indiana Jones. Cette simplicité dans les personnages tend à rendre l’ensemble caricatural et parfois même agaçant car on veut absolument nous montrer des protagonistes iconiques et attachants mais, par manque de mesure, ils n’en deviennent que des coquilles vides qui n’existent qu’à travers l’oeuvre de J. M . Barrie (auteur des aventures originelles de Peter Pan), sans pour autant en respecter son essence. Au final, sur le plan scénaristique, on se retrouve face à une succession appuyée de clins d’œil à l’univers de Barrie et de ressorts habituels des gros blockbusters de notre époque.

Ainsi, on a le droit à l’habituelle histoire de l’élu avec un héros qui traverse les mêmes doutes que dans ce genre de récit. On nous sert le personnage qui vient sauver la situation au dernier moment de manière lourde et prévisible, la romance inconsistante, etc. Tout y passe, nous donnant l’impression d’être devant un film que l’on a déjà vu. L’ensemble ne se montre cependant pas déplaisant mais manque cruellement de surprises et d’audace sur ce point. Cela dit, le scénario sera aussi en mesure de proposer de bonnes choses, surprenantes par leurs noirceurs et leurs profondeurs mais il n’ira jamais au bout de ses idées. Ces élans de noirceur sont proposés par le personnage de Blackbeard (le méchant du film) qui, malgré son aspect too much un peu ridicule, arrive lors de quelques scènes à offrir une psychologie et une réflexion beaucoup plus creusées et pertinentes, touchant du doigt par moment le cœur même de ce que faisait transparaître Barrie dans son récit. Néanmoins, il est dommage que le long métrage préfère l’infantilisation au profit d’un blockbuster familial alors qu’ici une approche beaucoup plus noire aurait été indéniablement plus stimulante. Le réalisateur va même jusqu’à oublier d’injecter un peu de cette noirceur lors d’un prologue sans imagination et pathétique dans un orphelinat, qui est la seule vraie erreur impardonnable de l’oeuvre.

Le casting est ici très prestigieux mais pas nécessairement toujours convaincant. Levi Miller, qui signe son premier rôle arrive à en imposer avec facilité car, même s’il manque quelque peu de charisme, il compense par la justesse de son jeu et de son intensité. Rooney Mara se montre elle aussi impeccable, offrant une interprétation mineure par rapport à ce à quoi elle nous habitue généralement. Grâce à son charisme naturel et sa prestance, elle crève toujours autant l’écran. Pour ce qui est des interprétations de Garrett Hedlund et Hugh Jackman, les choses ne seront pas si simples. Les deux acteurs sont très talentueux, ils l’ont déjà prouvé à maintes reprises mais, ici, ils versent dans un cabotinage qui pourrait vite agacer. En réponse, i y a deux écoles : les spectateurs qui adhèrent à l’excentricité de l’ensemble et apprécieront leurs rôles cabotins, et les autres spectateurs plus terre à terre et qui ne se laisseront pas prendre au jeu. Néanmoins, Hugh Jackman fait preuve par moment d’une intensité assez admirable et d’une belle retenue notamment dans un face-à-face avec Levi Miller.

La réalisation technique est ébouriffante tout en étant la plus grosse réussite du film et devrait mettre tout le monde d’accord. On sent que le budget a été utilisé avec intelligence, les effets spéciaux sont prodigieux, vivants et très colorés. On est vraiment face à un émerveillement visuel audacieux et inventif qui offre de magnifiques visions, probablement parmi les plus belles que l’on ait vues dans un blockbuster cette année. On se retrouve même assez proche de ce que l’on a pu voir dans Mad Max Fury Road, étant aussi face à une oeuvre qui n’a pas peur du grandiose et de la démesure avec un amour partagé des couleurs qui explosent littéralement. La mise en scène de Joe Wright se montre aussi très habile et maîtrisée, offrant des scènes d’actions lisibles et picturalement ambitieuses notamment lors du climax homérique. D’ailleurs, l’ensemble se fait très théâtral et grandiloquent par moment ce qui peut perturber, notamment dans les premières scènes à Neverland qui semblent proches du ridicule surtout quand le méchant du film reprend du Nirvana. On assiste aussi quelques flashbacks visuellement inventifs et des panoramas somptueux où il est parfois difficile de discerner les fonds verts à l’exception de quelques gros plans sur les personnages, cassant un peu la magie de l’ensemble. Dommage aussi que la musique de John Powell ne soit pas plus inspirée et qu’elle tende à devenir pompeuse sur le final.

Pan est un film plutôt appréciable malgré ses gros défauts car il arrive vraiment à offrir un spectacle visuel grandiose et innovant qui parlera à l’enfant qui sommeille en vous. Il est juste dommage que cette prouesse visuelle se face au sein d’un récit classique et sans imagination qui, dans certaines de ses extrémités tend au ridicule. Mais Joe Wright va jusqu’au bout de ses idées parfois même les plus farfelues au point d’offrir un film étrange et bancal mais qui s’assume jusqu’au bout. On est face à un délire d’enfant attachant et ambitieux qui même s’il ne convainc pas pleinement, divertit et se montre assez sympathique. Surtout qu’en terme de film-live qui s’adresse à toute la famille et plus précisément aux enfants, cela faisait très longtemps que l’on avait pas vu aussi stimulant et abouti, ce qui se montre donc précieux.

Synopsis : Peter est un orphelin qui se fait enlever avec ses amis, au Pays Imaginaire. Mais la vie n’y est pas aussi féerique qu’elle semble le promettre. Là-bas, il devra attendrir des pirates au cœur dur pour sauver les enfants perdus et devenir un héros légendaire.

Fiche Technique : Pan

Etats-Unis – 2015
Réalisation : Joe Wright
Scénario : Jason Fuchs, d’après l’œuvre de J. M. Barrie
Interprétation :  Levi Miller (Peter Pan), Hugh Jackman(Blackbeard), Rooney Mara  (Tiger Lily), Garrett Hedlund (James Hook), Amanda Seyfried (Mary)…
Décors : Mark Scruton
Costumes : Jacqueline Durran
Montage : Paul Tothill
Musique : John Powell
Photographie : Seamus McGarvey
Production : Greg Berlanti, Sarah Schechter et Paul Webster
Société de production : Berlanti Productions
Société de distribution : Warner Bros.