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Synopsis : Raymond Depardon part à la rencontre des Français pour les écouter parler. De Charleville-Mézières à Nice, de Sète à Cherbourg, il invite des gens rencontrés dans la rue à poursuivre leur conversation devant nous, sans contraintes en toute liberté.

Raymond Depardon est un cinéaste connu pour ses portraits et documentaires, mais aussi ses fictions, chacune de ses œuvres apportant une certaine innovation, reposant sur une nouvelle idée. Le concept de son nouveau film a rebuté bon nombre de personnes au premier abord. Le cinéaste s’est donné la tâche de recueillir les discussions de personnes rencontrées dans la rue, afin de dresser un portrait des habitants de la province, donner la parole à des inconnus afin d’extraire des témoignages plus ou moins intéressants. Mais la caméra n’est-elle pas un obstacle qui empêche la spontanéité des gens ? N’est-il pas impossible d’oublier la caméra et de reprendre des discussions du quotidien sans se sentir oppressé ou influencé ? Ce sont ces questions qui furent soulevées à de nombreuses reprises. C’est avec ces interrogations que l’on aborde Les Habitants, qui se révèle être une excellente surprise.

Témoigner du quotidien est un acte puissant, qui peut émouvoir et instaurer des réflexions. Le réel tour de force de ce documentaire est que tous les protagonistes sont attachants. Raymond Depardon illustre toutes les classes sociales, et toutes les générations. De jeunes ados parleront des filles de leur classe ou de leur avenir professionnel, des personnes âgées évoqueront l’impossibilité de voir des proches loin d’eux, alors que deux femmes discuteront de la difficulté à trouver un emploi.
Les relations présentées sont également très intéressantes car, lors de certains dialogues, les protagonistes n’ont pas le même âge, ce qui renforce l’aspect humain et touchant de la chose. Alors qu’une mère s’inquiétera de la vie de famille future de sa fille, une autre fera la morale à son fils. Tous apportent leur pierre à l’édifice, même si certains sont silencieux, voire quasi-muets, alors que d’autres monopoliseront la parole.
Aussi, énormément de thèmes sont abordés, certains étant récurrents, d’autres, de l’ordre de l’intime, compliqués à dévoiler. Ainsi, les discussions tourneront autour de l’amour, de l’entrée dans le monde adulte, du mariage, du divorce, de la justice. Mais certains feront également part de leur craintes à propos de leur avenir, un jeune homme ira jusqu’à aborder sa vision de l’avortement, en se basant sur sa relation amoureuse actuelle avec sa compagne.
Aussi, certains thèmes sont très peu abordés, comme la religion, avec seulement ces deux jeunes filles qui pensent que le pape peut changer la Bible à son aise, ou encore la politique, uniquement abordée par une habitante de la ville qui se plaint du manque d’intégration à Villeneuve. Deux thèmes redondant dans les médias, mais que les habitants français délaissent.

Ces inconnus se mettent à nu, s’offrent au spectateur et nous font part de bribes de vie, devant lesquelles on ne se lasse jamais. Le documentaire dure 1h24, et pourtant, une fois le film achevé, on en reprendrait bien encore un petit peu tant les dialogues sont parfois passionnants. On se surprend à aimer écouter ces hommes et ces femmes, sans jamais tomber dans le voyeurisme. Raymond Depardon monte les dialogues, afin de ne garder que le meilleur. Aucun jugement n’est émis sur ces personnes, l’image est brute, et le plaisir est savoureux.
La photographie peut paraître extrêmement simple, et pourtant, elle est révélatrice de beaucoup de choses. Les deux profils qui nous sont proposés finissent par ne former qu’une seule et même personne. Aussi, le plan est assez large, et il est intéressant d’étudier les postures, les petites manies, les différents jeux de mains de ces personnes. Tension, peur, malaise, crispation ou joie se dévoilent par le corps, et non plus uniquement par la parole. Par de petits gestes anodins, les Habitants se rendent attendrissants, parfois même poétiques, et cela malgré eux.

Le film de Raymond Depardon semble se diviser en chapitres, chacun étant marqué par de longs plans sur cette caravane sillonnant les routes de France. On peut voir ces plans comme une pause, un moment de répit, afin de nous remettre des émotions provoquées par les divers témoignages, mais aussi une explication du contexte dans lequel le réalisateur a décidé de travailler.
On notera également que c’est Alexandre Desplat, compositeur ayant travaillé avec Jacques Audiard et ayant plusieurs prix à son actif, qui signe la bande-originale du nouveau documentaire de Raymond Depardon. La composition musicale se juxtapose aux plans de cette caravane qui part à la rencontre des habitants, et se révèle être très puissante, en corrélation totale avec l’esprit du film. On ne se lasse pas de l’entendre, et c’est peut être aussi pour ça que ces longs plans nous paraissent aussi agréables à voir.

Les Habitants est un magnifique documentaire, qui dresse des portraits de vie uniques. Tous se distinguent mais forment un tout qui est une magnifique représentation des faits qui inquiètent, réjouissent ou attristent les français. Même si certains sont parfois un peu gênant ou plus limités, ils n’en restent pas moins superbes, et on reprendrait bien encore un peu de ces paroles d’inconnus qui nous donnent du baume au cœur.

Les Habitants : Bande-annonce

Les Habitants : Fiche Technique

Réalisateur : Raymond Depardon
Photographie : Raymond Depardon
Montage : Pauline Gaillard
Musique : Alexandre Desplat
Productrice : Claudine Nougaret
Sociétés de production : France 2 Cinéma
Distribution (France) : Wild Bunch Distribution
Durée : 84 minutes
Genre : Documentaire
Date de sortie : 27 avril 2016

France – 2016

Synopsis : Dans son petit appartement sévillan, Carmina doit faire le deuil de son mari Antonio qui vient de mourir en plein milieu du salon. Elle fait le choix de rester tout le week-end à veiller sur le cadavre avant de le déclarer aux autorités, et ce afin de s’assurer de toucher ses indemnités de fin de mois. Bien qu’elle ait entrainé sa fille Maria dans cette petite entreprise de divulgation, le secret va être difficile à garder.

Paco Léon signe une comédie un peu décousue mais dresse surtout un portrait de femme fracassant.

Ne vous en faites pas si son nom ne vous dit rien, c’est uniquement parce que la sitcom qui a fait connaitre Paco Léon en Espagne, Aída, n’a jamais été diffusée en France. Son premier film, Carmina o revienta, n’a d’ailleurs pas non plus eu droit à une distribution dans l’Hexagone, alors qu’il avait, en 2012, créé en certain tumulte dans le petit monde local des professionnels de la distribution audiovisuelle en étant le premier film hispanique à y sortir à la fois en salles, en DVD et en VOD. Deux ans plus tard, Léon signe une suite à son film qui, elle, sera en revanche exploitée dans quelques salles de cinéma de l’Hexagone. Plus de deux ans après sa sortie en Espagne soit, mais mieux vaut tard que jamais. Mais est-ce que cette suite –dont le titre français se limite d’ailleurs au nom de son héroïne, anaphorique dans les titres originaux, laissant supposer qu’un éventuel troisième opus s’appellera paradoxalement chez nous Carmen 2– peut se voir sans avoir préalablement vu le premier film ? Oui, sans aucun doute.

Il est même fondamentalement moins intéressant de connaitre le background des personnages principaux que l’identité de leurs interprètes. Les deux actrices principales sont en effet pas moins que la mère et la sœur du réalisateur. Autant dire que le tournage s’est fait en famille mais surtout que le rôle-titre, et très probablement certaines situations, sont directement inspirés de souvenirs très personnels. Et les deux femmes font preuve d’une telle liberté de jeu que l’on a, en particulier dans le premier quart d’heure, le sentiment qu’elles sont en plein exercice d’improvisation… et s’en sortent fabuleusement bien. Le personnage de Carmina est clairement une figure féminine très forte, au bagout irrésistible, représentation tout à la fois des rapports de force hommes/femmes post-féministes et d’une classe moyenne prête à tout pour joindre les deux bouts. C’est cette sincérité dans la peinture d’une galerie de personnages aussi attachants que détestables qui rend cette comédie si piquante. Car le scénario ne se contente pas d’observer Carmina parler à son défunt mari, elle donne une place importante aux personnages secondaires.

Même si cela a déjà été dit de quasiment tous les jeunes réalisateurs espagnols de ces vingt dernières années, il est impossible de ne pas rapprocher le film de Léon du cinéma d’Almodovar, et en particulier de son premier long-métrage Pepi, Luci, Bom et autres filles du quartier avec lequel il partage son goût pour les querelles de voisinage et les personnages hauts en couleurs. On remarquera surtout Yolanda Ramos, dans le rôle de l’amie et confidente de Carmina. Les scènes de dialogues entre ces deux grandes gueules sont ainsi tout simplement exquises, probablement les meilleures du long-métrage, malgré leur durée parfois un peu étirée. Cependant, la construction explosée de Carmina apparait comme son défaut majeur. En plus des nombreuses saynètes très drôles tournées en intérieur, où défilent de nombreux voisins invasifs et autres invités de fortune dans cet appartement où Carmina essaye tant bien que mal de garder son lourd secret, le film comporte quelques scènes en extérieur, certes amusantes mais qui brisent la dynamique. Autant l’enterrement de fin était inévitable, et est même le moment où la mise en scène trouve toute sa grâce par le biais d’une bande son habilement décalée, autant toute la partie où Carmina fait appel à son fils pour déloger des squatteurs du salon de coiffure de Maria vient complétement parasiter le mécanisme mis en place. Peut-être est-ce là le sentiment d’un spectateur français habitué des comédies de boulevard, et donc par nature en huis-clos, mais ici la structure éclatée et la volonté d’aller tourner à ciel ouvert nuisent au principal ressort comique et amoindrissent ce sentiment d’émancipation qui rend la conclusion si agréablement troublante.

Bien que très inégale, Carmina est une nouvelle bonne surprise venue de nos chers voisins d’outre-Pyrénées. Portée par une actrice dont on regrettera de ne découvrir l’immense talent qu’à 60 ans, cette pure  comédie dramatique noire profite également de dialogues brillamment écrits, tour à tour cyniques et graveleux.

Carmina ! : Bande-annonce

Carmina ! : Fiche technique

Titre original : Carmina y amén
Réalisation : Paco León
Scénario : Paco León
Interprétation : Carmina Barrios, María León, Yolanda Ramos, Paco Casaus…
Photographie : Juan González
Montage : Ana Álvarez Ossorio
Son : Diana Sagrista
Direction artistique : Antonio Estrada
Production : Álvaro Augustín, Ghislain Barrois, Paco León
Société de production : Andy Joke
Distributeur : Bodega Films
Festivals et récompenses : Biznagas de Plata pour le meilleur scénario et la meilleure actrice secondaire pour Yolanda Ramos au festival de Málaga
Genre : Comédie dramatique
Durée : 94 minutes
Date de sortie : 27 juillet 2016

Espagne – 2014

Captain America: Civil War, un pop-corn movie aux allures de pot (pas trop) pourri

Synopsis: Suite aux événements d’Avengers: L’Ère d’Ultron, Steve Rogers forme une nouvelle équipe de super-héros et après un énième incident international, l’ONU fait adopter les Accords de Sokovie  avec l’aide de Tony Stark et du Général Ross. Ces accords divisent les Avengers, anciens comme nouveaux tandis que Rogers cherche encore son ancien ami Bucky, porté disparu, et qu’un certain Zémo semble comploter dans l’ombre. 

Début de la phase 3 du bulldozer Marvel. C’est donc Captain America qui s’y colle pour lancer les premières bases d’une nouvelle ère dans l’Univers Cinématographique Marvel. Mais avant ça, pas mal de choses ont bougées en interne. Dans les films, l’Hydra n’est plus vraiment une menace, sauf pour les Agents du S.H.I.E.L.D qui continuent à ramasser les miettes, Ultron s’est fait atomiser après avoir soulevé une ville dans les airs et le Captain cherche encore son Bucky d’amour, en fuite après avoir été lobotomisé. Derrière la caméra, ce n’est pas moins intéressant. Peu de temps après son intronisation, le roi Whedon tombe de haut en accusant le semi-échec artistique d‘Avengers : L’ère d’Ultron et choisi de claquer la porte, laissant le siège vacant aux frères Russo. Les deux ayant fait du bon boulot sur Le soldat de l’hiver, le grand patron Kevin Feige leur laisse les clés pour chapeauter cette nouvelle phase, en démarrant donc avec la suite des aventures du Super Soldat. Avec moins d’ambitions littéraires que leur prédécesseur mais un goût marqué pour le cinéma nerveux qui cogne sec, les frangins décident alors de s’attaquer à l’un des plus gros crossover de l’univers Marvel, l’arc Civil War de Mark Millar et Steve McNiven, et en profitent pour faire du pied à DC en proposant eux aussi leur choc des titans entre deux héros populaires.

Autant le dire d’entrée de jeu, la tâche n’est pas aisée. Le comics original affichant au compteur un nombre démentiel de figures mythiques (des Quatre Fantastiques aux Avengers) avec des batailles titanesques dans les rues de New-York, quand l’univers ciné-Marvel en compte pour l’instant une dizaine. Rappelons que Hulk et Thor sont aux abonnés absents, ce qui n’est pas une mauvaise chosescar les deux mastodontes auraient plié le combat en deux-deux (appelons cela l’équilibre des puissances). Casting réduit donc pour cette adaptation, ce qui n’aura pas manqué d’amuser même les fans les plus acquis à la cause avec des bandes annonce qui promettait plutôt un championnat du monde de la savate qu’une véritable « guerre civile ». Ne soyons pas de mauvaise foi, l’ensemble tient plutôt la route. La mise en scène sobre mais maîtrisée des Russo laisse aux personnages assez d’espace pour exister et ne pas se réduire à de simples caméos rigolos. On est loin de l’emphase boursouflée à la testostérone d’un Zack Snyder sous amphétamines. Les effets spéciaux restent spectaculaires sans en faire trop (à part un Tony Stark jeune en numérique qui pourrait donner des cauchemars aux âmes sensibles). Idem coté scénario qui s’éloigne du modèle de la psychologie de comptoir à la David S. Goyer pour proposer des enjeux plus rationnels et plus logiques. Content de voir qu’ici, en deux heures trente, les personnages prennent d’abord le temps de discuter avant de s’en mettre pleins la tronche, chacun donnant son avis ou son ressentit sur la question. Cela reste sommaire, car il y a beaucoup de personnages impliqués, mais en général les actions de chacun semblent logiques et mesurée, là où l’Ère d’Ultron était déséquilibré tandis que Batman v Superman se vautrait dans la caricature de ses propres symboles.

Bref, le film n’est pas honteux pour Marvel. De là, dire que tout est parfait serait un peu optimiste. Le titre, pour commencer, pose problème. Civil War est un film tiraillé entre ses multiples fonctions, démarrer la phase trois, mettre en scène cet affrontement dantesque et revenir sur les conséquences des événement de l’Ère d’Ultron. Mais aussi terminer l’arc narratif amorcé dans Le Soldat de l’hiver. Compliqué tout ça. Si les scénaristes font ce qu’ils peuvent pour relier le tout de façon cohérente, on hésite souvent devant le film. Est-ce un Captain America ou une extension d’Avengers qui introduit de nouveaux personnages ? S’il semble dans un premier temps reprendre les grandes lignes du récit de Mark Millar, on a rapidement l’impression que cette nouvelle loi visant à contrôler les justiciers, élément déclencheur du conflit, n’est finalement qu’un prétexte pour justifier le début des hostilités. Le projet est exposé en début de film pour lancer un premier débat et ne revient jamais vraiment sur la table. Le Captain et Iron Man sont en désaccord, soit, mais rien de grave pour l’instant. Ce qui déclenche vraiment l’intrigue, c’est l’obstination du super soldat à défendre son ancien ami Bucky qui semble incontrôlable, tandis que Tony Stark souhaite l’arrêter. Là se situe vraiment le fond du problème. Aussi la sensation de voir deux films en un est palpable.

Le premier est axé sur une course poursuite haletante entre Tony Stark, Steve Rogers, le soldat de l’hiver et Black Panther, manipulés dans l’ombre par Zémo. Interprété avec sobriété par l’allemand Daniel Brühl (Goodbye Lenine, Inglorious Basterds), ce dernier se révèle, contre toute attente, être un adversaire réussi, aux motivations classiques mais crédibles, avec un plan qui tient la route. Le genre que l’on attendait plus dans une production super-héroïque, très éloigné de son modèle papier (un scientifique nazi un peu timbré) mais plus ambigu que prévu. Le deuxième en revanche s’acharne à justifier le titre du film, en faisant rentrer le plus de combattants possible dans la boite. Si cela permet des scènes d’actions dantesques probablement amenées à devenir cultes, comme la séquence de l’aéroport plutôt prenante et bien fichue, ce deuxième développement semble de trop. Comme dit précédemment, les enjeux relatifs à la loi de contrôle des super-héros sont sommairement traités, le film Captain America: Civil War reste une divergence d’opinion entre deux personnages phares, auquel des secondaires viendront prêter main forte (d’un côté ou de l’autre). Aussi a-t-on du mal à croire en cette « guerre civile » devant des affrontements qui ressemblent plutôt à des batailles de chatouilles entres copains. Chaque personnage ne pouvant s’empêcher de rappeler à son adversaire que, même s’ils se battent entre eux, ils restent toujours amis. Seul le combat final entre Iron Man et Captain America se reconnectera avec le ton plus sombre voulu par le film. Pour le reste, les autres personnages semblent de trop, en particulier Ant-Man, dont la présence est à peine justifiée par le scénario (bien qu’il réserve tout de même son moment surprise) et bien sûr Spiderman.

Cas particulier celui-ci, car attendu par les fans. Le problème ne vient pas du personnage en lui même, son coté ado agaçant étant rattrapé par les réactions irritées de ses collègues, ce qui nuance son côté cool et Tom Holland ne s’en sort pas trop mal dans le rôle. C’est juste qu’il débarque un peu comme ça, Tony Stark annonçant sans prévenir qu’il connaît un type qui peut les aider et va chercher un ado de quinze ans inexpérimenté pour participer à une bataille rangée entre super-héros chevronnés. On sait que Stark est un peu cintré sur les bords mais quand même ! Cette mise en place un peu rapide débouche sur une relation non pas de mentor a élève mais plutôt de patron à stagiaire de troisième. En ajoutant à cela les blagues idiotes du tisseur, les apparitions réduites du personnage deviennent de purs moments de comédie qui n’auraient pas fait tâche dans un film Iron Man, mais semblent légèrement hors de propos par rapport au ton mélancolique et plus sombre que Marvel voulait appliquer aux Captain America. Une rupture de registre qui entraîne des baisses de rythme fort regrettables.

Deux poids et deux mesures donc pour ce nouvel opus. Loin d’être la claque annoncée, le film reste moins chaotique que Batman v Superman et plus mesuré que Avengers : l’Ère d’Ultron. Dommage du coup que l’ambition des producteurs force le film dans plusieurs directions opposées, étirant le tout plus que de raison et provoquant parfois l’ennui. S’il n’est pas un échec, Civil War reste l’aventure la moins intéressante du super soldat.

Captain America: Civil War : Bande-annonce

Captain America: Civil War : Fiche Technique

Réalisateurs: Anthony & Joe Russo
Scénario: Christopher Markus et Stephen McFeely, d’après les personnages de Joe Simon et Jack Kirby, d’après Civil War de Mark Millar
Interprétation : Chris Evans (Steve Rogers), Robert Downey Jr. (Tony Stark), Sebastian Stan (Bucky), Daniel Brühl (Baron Zemo), Scarlett Johansson (La veuve noire), Anthony Mackie (Le faucon), Don Cheadle (Rhodey)…
Musique: Henry Jackman
Photographie: Trent Opaloch
Producteur: Kevin Feige
Producteur délégué: Alan Fine
Producteur associé: Lars P. Winther
Sociétés de production: Marvel Studios et Marvel Entertainment
Société de distribution: Walt Disney Studios Motion Pictures
Genre : Action, science-fiction, super-héros
Durée: 147 minutes
Date de sortie: 27 avril 2016

Etats-Unis – 2016