LeMagduCiné

Que se passerait-il si un buste de Lénine, amené par les flots depuis l’ex-URSS, était érigé sur la place publique d’une petite ville de Turquie située au bord de la mer Noire ? Et que se passerait-il si cette statue était volée la veille de l’inauguration, censée réunir les élites politiques turques et russes ? Et surtout, qui seraient les suspects ? C’est à partir de ces questions que Tufan Taştan met en scène une enquête policière décalée qui sert de prétexte à une critique affûtée de la société turque contemporaine.

Du sable chaud au film de fiction

En 1991, au moment de la chute de l’URSS, des milliers de statues de Lénine ont été retirées de leur socle, détruites ou démantelées lors de cérémonies et, parfois, jetées à la mer. La plupart de celles concernées par ce sort ont alors coulé à pic. Mais certaines ont échoué sur des rivages… C’est probablement ce qui est arrivé à l’une d’entre elles, sculptée en bois, qui a réussi à atteindre la côte d’Akçakoca en Turquie et qui a été découverte sur la plage par une petite foule étonnée. L’événement a été filmé, photographié et relayé dans la presse locale et nationale. La statue, endommagée à la suite de ses péripéties en mer, a bénéficié d’une restauration et il a été envisagé par la municipalité de l’exposer sur une place publique ou dans un musée pour en faire une attraction touristique. Cependant, face aux enjeux idéologiques que soulevait une telle initiative, il a finalement été décidé que le buste serait mis à l’abri dans un entrepôt de la mairie, loin des regards, et tout projet d’exposition publique fut alors jeté à l’eau. L’histoire pourrait s’arrêter là si Tufan Taştan, bien connu en Turquie dans le monde du théâtre et qui signe ici son premier long métrage, n’était pas tombé par hasard sur ce fait divers et avait décidé d’en explorer les enjeux narratifs et politiques. Accompagné dans son écriture par le scénariste et romancier Barış Bıçakçı, Tufan Taştan imagine ce qui aurait pu se passer si la municipalité avait réellement maintenu son projet d’ériger la statue sur la place publique.

Un huis clos et une fenêtre sur le monde

Sen Ben Lenin (Toi, Moi, Lénine) a été projeté en salles en 2021. Même s’il nous invite à de brèves escapades sur des routes extérieures, le film se présente principalement sous la forme d’un huis clos, avec une unité de lieu et d’action qui lui confère une dimension quelque peu théâtrale. L’intrigue progresse à travers les interrogatoires menés par deux commissaires de police d’Ankara, missionnés pour résoudre une enquête. Un buste de Lénine, amené par les flots et destiné à être érigé sur la place d’une petite ville côtière (dont le nom n’est jamais mentionné), vient d’être dérobé. Les enquêteurs, incarnés par les comédiens Baris Falay et Saygin Soysal, interrogent tour à tour, dans l’espace confiné d’un bureau prêté par la mairie, les principaux suspects. Ce choix de mise en scène permet de faire défiler sous nos yeux des portraits, drôles, touchants, parfois un peu caricaturaux, des habitants du village. Si l’essentiel de l’action se déroule dans cet espace restreint, où se déploient les échanges souvent absurdes entre les policiers et les suspects, Tufan Taştan tient toutefois à montrer que les enjeux de l’intrigue vont bien au-delà des murs de ce décor. Pour ce faire, il intègre à la pièce où se joue l’action une grande fenêtre donnant sur la mer, transformant le bureau des commissaires en un véritable point d’observation. À travers cette ouverture, des images symboliques, parfois proches de peintures surréalistes, offrent des pistes visuelles permettant de déchiffrer le sous-texte du film.

Une œuvre comique au sous-texte politique

Selon les mots de son réalisateur, le film peut être perçu comme un « conte politique ». Bien qu’il adopte fréquemment un ton comique et absurde, Sen Ben Lenin aborde en filigrane des questions profondes liées à l’histoire politique turque contemporaine. L’enquête menée par les deux commissaires autour de la disparition du buste de Lénine amène sur la table un autre sujet : celui de la disparition d’Ahmet, le barbier de la ville, survenue il y a plusieurs années et dont le corps n’a jamais été retrouvé. Même si cela n’est jamais explicitement dit, le réalisateur semble faire écho, à travers ce personnage, aux disparitions forcées survenues en Turquie dans les années 1980 et 1990 qui, toujours non résolues, demeurent une plaie ouverte dans l’histoire du pays. Le combat pour la vérité sur ce chapitre sombre de l’histoire turque est encore aujourd’hui porté par le mouvement des « Mères du samedi » qui, à l’image des « Mères de la place de Mai » en Argentine, se rassemblent en signe de résistance chaque samedi à midi près du lycée de Galatasaray pour exiger justice et la restitution des corps de leurs proches disparus.

Jouer avec les codes et réveiller les mémoires

Présenté en avant-première lors du 40^e festival du film d’Istanbul et ayant parcouru de nombreux festivals, Sen Ben Lenin a été salué par la critique pour sa capacité à jouer avec les codes du genre. Le film oscille habilement entre comédie noire, satire sociale et enquête policière, utilisant l’absurde et les images symboliques pour déconstruire les conventions du genre policier. À travers cette enquête, qui se transforme en un prétexte à la satire politique, Tufan Taştan propose une réflexion sur la société turque, tout en abordant des questions plus profondes liées aux héritages idéologiques et aux dysfonctionnements de l’État. Le destin du buste de Lénine, laissé à l’abandon dans un entrepôt, devient ainsi un symbole de la fin d’une époque et sert de point de départ pour une critique subtile des mensonges politiques et des traumatismes non résolus. Bien que le film se présente d’abord comme une comédie, ses dialogues et sous-entendus révèlent une dimension plus sombre, soulevant des questions encore souvent taboues, telles que celles des disparitions forcées, et rappelant les cicatrices laissées par ces événements dans la mémoire collective du pays.

Bande-annonce : Sen Ben Lenin 

Fiche technique : Sen Ben Lenin [Toi, Moi, Lénine]

Titre original : Sen Ben Lenin
Réalisation : Tufan Taştan
Scénario : Barış Bıçakçı et Tufan Taştan
Distribution : Baris Falay (commissaire Erol), Saygin Soysal (commissaire Ufuk), Hasibe Eren (Meryem), Barış Yıldız (directeur d’école), Melis Birkan (Idil), Serdar Orçin (Fikret), Nur Sürer (Gül Ana), Salih Kalyon (Sinasi)
Date de sortie : 2021
Pays de réalisation : Turquie
Production : Ali Bayraktar, Tufan Taştan, Zeynep Ünal
Montage : Osman Bayraktaroglu
Musique : Barış Diri
Durée : 1 h 26

Entre tension et harmonie : Une comédie dramatique captivante. Avec Les Musiciens, Gregory Magne joue avec les codes du film musical et met en scène une joute artistique où la musique devient un personnage à part entière. Au cœur de ce quatuor improbable, quatre virtuoses aux tempéraments contrastés doivent apprivoiser une partition inédite. Face à eux, Charlie Beaumont, compositeur solitaire et humble, apporte une humanité salvatrice à cet ensemble tiraillé. Grâce à des répétitions intenses et un scénario porté par des acteurs-musiciens investis, Gregory Magne signe une œuvre originale qui interroge autant les relations humaines que la magie d’une interprétation collective.

Pour son troisième long-métrage et après son très bon Les Parfums en 2020, Gregory Magne s’immerge cette fois-ci pleinement dans l’univers de la grande musique, des luthiers et des virtuoses, sans rien laisser au hasard. Adepte des titres simples, il sait nous embarquer dans une comédie humaine grinçante et sans concession. Heureusement accessible aux non-mélomanes, elle offre des situations volontiers burlesques et jubilatoires, sans tomber dans les travers du film comique.

Réussissant la prouesse de réunir quatre authentiques Stradivarius et fidèle aux vœux de son père, grand industriel mélomane disparu, Astrid la mécène fait appel à quatre immenses talents reconnus du monde des instruments à cordes pour enregistrer un concert unique, sur une partition inédite d’un compositeur contemporain méconnu.

Le réalisateur entretient avec habileté le suspens, car de sa réussite, et des droits qui en découleront dépendra la rentabilité de cette opération très coûteuse, comme le souligne à plusieurs reprises le frère d’Astrid, sur les épaules de qui repose la fragilité financière du groupe familial.

Innombrables sont les films qui traitent de musique, dont de nombreux biopics, mais très peu sont axés sur la rencontre et les échanges entre les interprètes et le compositeur, ce qui donne au film une originalité et un intérêt indéniables. La réussite est aussi de faire appel à une superbe musique écrite pour le film par Grégoire Hetzel (compositeur de référence dans le cinéma), avec une mélodie inconnue du spectateur pour éviter d’en être le cœur, mais dont les mouvements complexes de musique classique moderne donnent un vrai attrait à la préparation du concert.

Le quatuor de la discorde

Il ne suffit pas de posséder et bichonner quatre des meilleurs instruments du monde, ni de recruter quatre grands virtuoses du moment aux égos démesurés, pour les faire jouer ensemble comme s’ils ne faisaient qu’un, constitue un pari auquel Astrid va s’atteler coûte que coûte. Ils ont sept jours pour y arriver, dans un compte à rebours affiché à l’écran par Gregory Magne, apportant rythme et incertitude au scénario.

Astrid est impeccablement interprétée par Valérie Donzelli, déterminée et enjouée, dont on reconnaît le talent de réalisatrice (avec son excellent L’Amour et les Forêts), à travers sa capacité à faire comme si elle dirigeait le film. Elle montre ainsi sa capacité à convaincre le compositeur de venir pour mettre au diapason les musiciens, qui ne sont absolument pas d’accord sur la façon d’exécuter la fameuse partition qu’ils découvrent.

Parmi les quatre artistes, tous interprétés par de véritables musiciens, trois ont été recommandés par le père d’Astrid, tandis qu’Apolline (alto) est sélectionnée par Astrid sur la base de sa célébrité sur les réseaux sociaux, une joueuse intuitive qui n’a pas fait le parcours classique des conservatoires, ce qui déplaît bien sûr aux autres. Elle est surtout prise à partie par George, arrogant et insupportable 1er violon, le seul incarné par un acteur connu, en la personne du jeune et fougueux Mathieu Spinosi, dirigé pour en faire des tonnes.

Le compositeur, humble et humain

Lorsque Charlie Beaumont, ce compositeur solitaire inspiré par le chant des oiseaux, se décide enfin à venir à reculons dans la grande demeure familiale pour tenter d’harmoniser les musiciens lors de leurs répétitions, il semble désabusé et plein de doutes sur cette musique composée il y a 30 ans.

Et pourtant, sous les traits de Frédéric Pierrot, cet acteur mélomane, attachant et terrien, que Valérie Donzelli avait dirigé dans son long-métrage Marguerite & Julien en 2015, Charlie apporte sa grande humanité, dans une modestie à l’opposé du comportement hautain des musiciens.

A l’écoute de tous, il arrive notamment à comprendre le différend relationnel qui oppose Lise (violoncelliste) et Peter (2ème violon), les mettant sur la voie d’une fragile réconciliation. Canalisant l’énergie de tous, y compris celle de George et Apolline qui continuent de se chamailler, on le voit jouer le rôle d’un vrai chef d’orchestre, enchaînant les répétitions et délivrant enfin la vision de sa partition. Dès lors, il crée les conditions d’un rapprochement musical et une alchimie propice à harmoniser le quatuor, alors qu’il prétend lui-même qu’il faut des dizaines d’années pour former un quatuor qui fonctionne.

Un ensemble d’une grande justesse

Le scénario comporte quelques rebondissements mais globalement l’intérêt du film est plutôt dans la mise en scène des répétitions en donnant la part belle à la musique, aux affrontements entre musiciens et à l’apport déterminant du compositeur, dans une expérience immersive qui sonne juste. Il est dans la musique comme dans toute société : les personnalités sûres de leur excellence tentent de dominer les autres, le réalisateur le met bien en évidence, non sans humour et sarcasme. Une vraie comédie humaine où chacun en prend pour son grade.

Globalement le jeu d’acteurs est excellent, tous choisis pour leur connaissance de la musique, accompagnés par une Valérie Donzelli qui fait mouche. Et même si ce n’est pas central, le réalisateur aborde avec acuité la question du difficile mécénat des entreprises, qui résonne plutôt bien dans le contexte économique actuel.

Ce film agréable est à voir pour la confrontation, pas si fréquente, entre les musiciens et le compositeur de la partition, avec un Frédéric Pierrot très crédible, et son souci du détail quand il analyse l’acoustique des lieux du concert et le meilleur endroit où se placer. Et quoi de plus beau que de filer la métaphore avec une nuée d’étourneaux pour expliquer la beauté de sa musique ?

Bande annonce – Les Musiciens

Fiche technique : Les Musiciens 

Réalisation et scénario

• Réalisateur : Grégory Magne
• Scénaristes : Grégory Magne et Haroun

Bande-son

• Compositeur : Grégoire Hetzel
• Superviseur musical : Daniel Garlitsky

Production

• Producteurs : Frédéric Jouve et Pierre-Louis Garnon
• Sociétés de production : Les Films Velvet, Baxter Films
• Société de distribution : Pyramide Distribution

Équipe technique

• Directeur de la photographie : Pierre Cottereau
• 1er assistant réalisateur : Lucas Loubaresse
• Directeur du casting : Antoine Carrard
• Chef monteur : Béatrice Herminie
• Chef costumier : Bénédicte Mouret-Cherqui
• Directeur de production : Claudia Cheilian
• Scripte : Cécile Rodolakis
• Chef décorateur : Valérie Faynot
• Ingénieurs du son : Nicolas Cantin, Daniel Sobrino, Fanny Martin, Olivier Goinard

Informations générales

• Date de sortie : 7 mai 2025 (France)
• Durée : 102 minutes

Casting

• Valérie Donzelli : Astrid Thompson
• Frédéric Pierrot : Charlie Beaumont
• Mathieu Spinosi : George Massaro (1er violon)
• Emma Ravier : Apolline de Castre (alto)
• Daniel Garlitsky : Peter Nicolescu (2e violon)
• Marie Vialle : Lise Carvalho (violoncelle)
• Valentin Pradier : Louis
• Nicolas Bridet : Le frère
• François Ettori : Le luthier
• Elisa Doughty : Dirigeante.

Présenté il y a près d’un an au Cinéma de la Plage lors de la précédente édition du Festival de Cannes, Transmitzvah débarque enfin en salles pour célébrer les liens fraternels et familiaux d’une communauté juive en Argentine. Grandement aidé par une Penélope Guerrero rayonnante et magnétique, Daniel Burman explore la question d’identité à travers les rires et les chants de ses personnages hauts en couleurs.

Synopsis : Mumy Singer, une célèbre chanteuse trans revient en Argentine pour renouer avec sa famille yiddish et son passé. Enfant, elle avait voulu défier les conventions en refusant de préparer sa Bar Mitzvah. Avec l’aide de son frère Eduardo, elle décide enfin de célébrer ce rite de passage en organisant une Trans-Mitzvah.

Se libérer de ce que l’on est

À l’instar de James Gray, qui connaît une carrière d’auteur passionnante aux États-Unis, Daniel Burman connaît un succès similaire dans l’industrie cinématographique argentine. Révélé et primé d’un Ours d’Argent et du Prix spécial du jury à la Berlinale 2004 pour Le Fils d’Elias, le cinéaste argentin a constamment renouvelé des thématiques propres à sa culture juive, sur l’immigration et autour de la quête identitaire. Il s’est consacré à la réalisation de séries et à la production ces huit dernières années. El Rey del Once étant son dernier long-métrage. Par chance, son envie de cinéma semble intacte et il revient avec Transmitzvah, une immersion dans l’univers pailleté de Mumy Singer.

L’adolescence est marquée par un tas de transitions, sur les plans physique, culturel, social, spirituel et religieux. La culture juive n’en démord pas et possède un rite emblématique connu sous le nom de Bar Mitzvah chez les garçons et de Bat Mitzvah chez les filles. Cette étape correspond à la majorité religieuse, un passage à l’âge adulte où l’on serait en mesure d’appliquer et de porter les commandements de la Torah. Ayant renoncé à cette célébration et à son prénom de naissance Rubén, pour devenir Mumy Singer, une tragédie familiale la pousse à revenir sur ses pas et à suivre les racines qu’elle a tranchées. Au sommet de sa carrière de chanteuse de cabaret en Espagne et à l’international, Mumy retrouve alors la boutique de vêtements familiale « Singman Modas : Elegante & Sport », ainsi que sa communauté de Buenos Aires.

Ayant un point de départ similaire à Peafowl, où un personnage transgenre devait confronter les traditions de son village natal, le film de Burman soumet ses personnages à leur héritage religieux. Transmitzvah est aussi un film musical et une comédie familiale autour de la réconciliation et l’acceptation d’un autre « soi ». Cette autre facette ne représente pas seulement l’identité de genre, car le sujet du film est ailleurs, ne remettant jamais en cause la « transition » ou plutôt la réappropriation du genre de son héroïne. Le cinéaste argentin et son co-scénariste Ariel Gurevich articulent plutôt leur intrigue autour du duo Mumy-Eduardo. Frère et sœur s’évertuent ainsi d’achever le rite ancestral en hommage à leur défunt père.

La force de la différence

Considérée comme du gluten ou du lactose, Mumy fait face à la tolérance des rabbins que son frère et elle tentent de convaincre d’organiser cette audacieuse, transgressive et nécessaire « Trans-Mitzvah ». C’est à partir de cet arc narratif que le récit nous donne à disserter sur la façon dont les traditions juives se comportent face à la modernité, incarnée par Mumy. Chanter, danser et se vêtir comme bon lui semble était déjà un moyen d’affirmer le caractère indomptable de l’héroïne. Mais dans son pèlerinage douloureux, Mumy tente de retrouver sa voix et la bénédiction des rabbins qu’elle a perdus.

C’est un semi-road-trip qui se joue pour le duo, qui évolue dans un univers Almodovarien auquel on aurait ajouté des paillettes. Cependant, le récit est informe, structuré telle une mosaïque où des séquences musicales ne traduisent pas toujours avec justesse l’état d’esprit de Mumy. De plus, il y a là un problème d’écriture et de caractérisation des personnages qui ampute tout attachement émotionnel à leur égard. Non pas que le film ait besoin de jouer sur cette corde pour s’en sortir, bien au contraire. Mais entre l’envie de Burman à vouloir concilier l’aventure mystique et intérieure, sa comédie dramatique manque d’âme ou d’équilibre dans son discours. On reconnaît volontiers les intentions du cinéaste, notamment en étalant les valeurs de responsabilité et d’engagement envers la communauté juive. Il va pourtant manquer de cette petite étincelle pour allumer la mèche qui nous pend au nez. Au lieu de cela, la dernière partie du film fait le choix d’épouser les symboles du judaïsme, jusque dans son aspect un peu kitsch. Un pari qui ne manque pas de sincérité mais d’efficacité donc.

Après avoir récemment vu débarquer Dans la cuisine des Nguyen, la première partie de Wicked ou encore Emilia Peréz, la comédie musicale gagne de plus en plus de visibilité et d’affection au cinéma. Elle permet, autant que la comédie (Coco, Carla et Moi), d’aborder des sujets sensibles avec légèreté et sans les dénaturer. Ainsi, Transmitzvah se définit aussi simplement qu’une histoire d’amour entre frères et sœurs, en brossant le portrait d’une communauté remplie de contradictions mais surtout de bienveillance à l’égard de celles et ceux qui n’ont pas fini de grandir. Il n’est jamais trop tard pour passer sa Bar ou Bat Mitzvah et le film de Daniel Burman nous enseigne, dans la bonne humeur, qu’il n’y a rien d’intrinsèquement mauvais dans la différence.

Transmitzvah – Bande-annonce

Transmitzvah – Fiche technique

Réalisation : Daniel Burman
Scénario : Daniel Burman, Ariel Gurevich
Interprètes : Penélope Guerrero, Juan Minujín, Alejandra Flechner, Gustavo Bassani, Alejandro Awada
Image : Rodrigo « Rolo » Pulpeiro
Décors : Daniel Gimelberg (AADA)
Montage : Eliane D. Katz (SAE)
Direction du son : Jesica Suarez
Créatrice de costumes : Roberta Pesci
Maquillage et coiffure : Alberto Moccia
Musique originale : Gabriel Chwojnik
Producteurs : Laura Fernández Espeso, Javier Méndez
Société de production : Oficina Burman
Pays de production :  Argentine
Distribution France : Outplay Films
Durée : 1h40
Genre : Comédie dramatique
Date de sortie : 14 mai 2025

Un Cronenberg dernier cru, dont on croit ressortir déçu et dont on finit par se retrouver hanté. Ainsi se souvient-on combien sa mise en scène est subtile et originale, et les effets qu’elle produit si puissant, et combien ses épigones, croyant devoir multiplier les images subjuguantes, sont encore très loin de l’égaler. Car c’est toujours à pas de loup que Cronenberg sait nous intégrer dans ses fantasmes de cauchemar.

Synopsis : Karsh, un beau sexagénaire endeuillé, créateur d’une technologie permettant de contempler dans leur tombe les corps des défunts en voie de décomposition, découvre un jour que l’un de ses cimetières high-tech a été profané et piraté. Une enquête se lance alors afin de confondre les responsables de ce vandalisme. En attendant, Karsh, inconsolable, ne peut plus accéder aux images du squelette de sa femme.

L’impression première que produit ce film, Les Linceuls, après le brillant Maps to the stars et le moins bon mais néanmoins déroutant Crimes of the future, est une impression de redondance. Il semble que la même recette nous soit encore servie et avec, qui plus est, une espèce de paresse : des séquences étirées, s’enchaînant sans rythme, mâtinées d’un suspense artificiellement créé par la musique et la lumière. On attend sans cesse que quelque chose se passe. Mais rien ne vient, ou si peu.

Comme souvent, David Cronenberg dispose dans son film une intrigue paranoïaque, une intrigue accessoire, comme un fond bourdonnant la scène où se joue le drame principal, qui est toujours un drame intime, psychologique : ici, le deuil, ou, plus précisément, son impossibilité.
Mais le film avançant, et la première sensation d’ennui surmontée, l’apparente modestie de sa mise en scène nous saisit au cervelet et nous impose soudain son cauchemar. Et c’est ainsi qu’on entre une nouvelle fois dans un film de Cronenberg, ou plutôt, qu’on y descend.

Tout paraît fait pour décevoir l’amateur de thriller. Le suspense est mou, et les retournements et révélations nous laissent presque indifférents. Mais ce que l’on pourrait prendre pour une faiblesse de mise en scène finit par obtenir son effet : nous accoler à un fantasme, nous immerger dans une perversion. Une espèce de tension diffuse et ulcérée (faite de corps hésitants, de discours intempestifs et de violences contenus) parcourt un film qui n’a pas tellement besoin d’images chocs pour travailler nos imaginations morbides. On oublie toujours de dire la grande pudeur, certes érotique et savante, de Cronenberg. Nous sommes ainsi conduits vers un état d’amoralité, où tout est sexuel, où tout est cruauté, où tout est rêve, et d’où le cinéaste peut commencer à nous parler franchement.

La vérité trouble que veut nous communiquer Cronenberg est la suivante : nous ne finissons jamais de faire le deuil de ceux que l’on aime, parce que nous les préférons morts au fond, pour pouvoir les posséder pleinement.

Cette idée est figurée dans le film par une technologie inventée par le héros, Karsh, joué par un Vincent Cassel aux faux airs de Cronenberg, une technologie consistant à ensevelir les corps dans un linceul numérique permettant de regarder en direct l’avancement de leur état. Les Internets nous avaient déjà offert d’accéder à bien d’autres représentations interdites : la sexualité, la guerre, etc. Nous parvenons ici au bout de cet effort en accédant aux cadavres en décomposition. Notre héros, qui ne vient ni plus ni moins que d’inventer un système de profanation perpétuelle, peut ainsi posséder pour toujours le corps de son épouse.

On croit d’abord y voir à l’œuvre un profond chagrin, ce qui est sans doute en partie le cas, mais le film progressant, et certaines révélations étant faites, on comprend que quelque chose d’autre se joue, qui est moins de l’ordre du deuil que de la jalousie. On apprend en effet qu’il y a eu un homme avant lui, qu’il n’était pas le premier, et, de plus, que ce rival, un médecin renommé, fut également celui qui soigna le cancer de sa femme, qu’il fut donc, en un sens, le dernier. En se donnant à voir le cadavre de sa femme, notre héros veut ainsi reprendre cette place, récupérer son privilège marital, captiver définitivement celle qui, vivante, ne pouvait qu’imparfaitement lui appartenir.

C’est toute l’ambiguïté du corps qui est ainsi exploré. Cronenberg semble nous dire à la fois deux choses contradictoires : d’une part, qu’il n’y a pas d’âme, pas de résurrection (le suaire de Turin est un faux, affirme Karsh dans un dialogue au tout début du film), et, d’autre part, qu’il y a comme un supplément, ce que l’on croit justement posséder en possédant un corps, surtout, et de manière paradigmatique, quand on le possède sexuellement, un supplément qui cependant nous échappe toujours. Il n’y a que du corps, mais à travers lui s’annonce autre chose, une chose qui reste introuvable, insaisissable, impensable. C’est ce supplément impossible que le héros quête en vain, en inventant ses linceuls technologiques, en couchant avec la sœur jumelle de sa femme, en invoquant en rêve le fantôme de la défunte ou en la ressuscitant dans le corps d’une autre.

Nous ne pouvons jamais faire notre deuil, non pas parce que les morts sont bien morts, mais parce qu’ils ne cessent de revivre. Au début du film, le cimetière high-tech construit par Karsh est profané. Ce dernier ne peut plus, dès lors, trouver sa consolation en regardant les images du squelette de son épouse. C’est le début de son drame intime. Les morts ne restent pas en place, et de l’épouse adorée, posée comme un fétiche macabre, s’impose ainsi l’indépendance et l’absence irrémédiables.

Les linceuls : bande annonce

Les linceuls : fiche technique

• Titre original : The Shrouds
• Titre français : Les Linceuls
• Réalisation et scénario : David Cronenberg
• Casting : Vincent Cassel (Karsh), Diane Kruger (Becca / Terry / Hunny), Guy Pearce (Maury), Sandrine Holt (Soo-Min Szabo), Al Sapienza (Luca DiFolco), Steve Switzman (D^r Jerry Zecker), Jennifer Dale (Myrna Slotnik), Ingvar E. Sigurðsson (Elvar), Elizabeth Saunders (Gray Foner), Eric Weinthal (D^r Hofstra), Jeff Yung (D^r Rory Zhao)
• Musique : Howard Shore
• Décors : Carol Spier
• Costumes : Anne Dixon
• Photographie : Douglas Koch
• Montage : Christopher Donaldson
• Production : Saïd Ben Saïd, Martin Katz et Anthony Vaccarello
• Sociétés de production : SBS Productions, Prospero Pictures et Saint Laurent
• Sociétés de distribution : Pyramide Films (France), SBS International
• Pays de production : France, Canada
• Durée : 116 minutes
• Date de sortie : 30 avril 2025