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Michael Bay montre qu’il en a encore sous le capot ! Dynamisant la saga qu’il a lui-même créée à grand coups d’idées nouvelles, et bien entendu d’effets pyrotechniques en tout genre, il propose avec Transformers : The Last Knight une aventure assumant à 100% son délire SF, créant ainsi en filigrane un univers, voire une véritable mythologie, autour desdits robots.

Synopsis : Humains et Transformers sont en guerre. Optimus Prime n’est plus là… La clé de notre salut est enfouie dans les secrets du passé, dans l’histoire cachée des Transformers sur Terre. Sauver notre monde sera la mission d’une alliance inattendue : Cade Yeager, Bumblebee, un Lord anglais et un professeur d’Oxford. Il arrive un moment, dans la vie de chacun, où l’on se doit de faire la différence. Les victimes deviendront les héros. Les héros deviendront les méchants. Un seul monde survivra : le leur… ou le nôtre.

Aventures explosives et créatives pour les uns, divertissements décérébrés affligeants de bêtise pour les autres, la saga Transformers laisse rarement indifférent. Et il serait de mauvaise foi que de nier que le bashing l’entourant croît d’opus en opus. Il suffit de voir, lors des premières bandes annonces et retours de projections de presse, la déferlante de critiques négatives accompagnant Michael Bay et ses robots, les assimilant à un cancer cinématographique. Ce dernier volet n’échappe pas à la règle. A tel point que défendre la saga et chercher en elle sa moelle qui la rend si particulière n’est pas réellement pris au sérieux. Mais osons le dire : non, Michael Bay n’est pas un cancer cinématographique. Et oui, Transformers : The Last Knight est réussi!

Une mécanique bien huilée et plus originale…

Bien qu’il reste fidèle à lui-même, nous sommes tout d’abord étonnés de voir à quel point Bay s’est assagi au niveau de sa réalisation au fil de la saga. Tombant souvent dans les travers de la suite bigger and lounder, dont Bad Boys II et justement Transformers : La Revanche en sont les dignes représentants, il poursuit ici une relative accalmie en adoptant un ton résolument plus sérieux, voire mature. Amorce déjà présente dans le quatrième volet, L’Age de l’extinction, qui malgré des scènes d’action disproportionnées confirmant que le bonhomme prend toujours autant de plaisir à détruire des villes entières, nous avait séduit par ce tournant, cherchant à s’éloigner des codes de la trilogie originale. Poursuivant l’histoire avec ces nouveaux personnages, Marc Wahlberg en tête, bien que les récurrents soient de retour pour des prestations plus ou moins importantes (John Turturro et Josh Duhamel), le réalisateur avec The Last Knight affiche donc de nouveau un caractère plus modéré au niveau de ses scènes d’actions. Certes, nous avons toujours un quota de combats au ralenti ravissant la rétine et courses poursuite automobiles, mais qui affichent une certaine sobriété face à l’action débridée et au potentiel de destruction qu’a connu la saga. Pas d’immeubles qui s’effondrent, ni de villes détruites au centre de combats entre Transformers. Cet aspect plutôt novateur n’empêche pas d’être impressionné face à la maestria visuelle de Bay. En témoigne cette dernière demi-heure éblouissante et épique au possible, où la Terre se fait littéralement absorbée par la planète Cybertron. Réussissant là où Emmerich a échoué avec son Independance Day : Resurgence, la démesure est toujours visible et identifiable à l’écran, renforçant l’immersion du spectateur.

Et si des nouveautés se trouvent du côté action, il en est de même question humour, second fer de lance de l’ami Bay. Car une autre bonne surprise se pointe : l’absence d’humour résolument gras et graveleux, à majorité constitué de blagues sous la ceinture. Certes, à deux ou trois exceptions près, le naturel revient au galop, notamment un quiproquo impliquant des femmes quinquas de l’aristocratie londonienne. Mais on se surprend à rire franchement devant le postulat de certaines situations, qui passe essentiellement par les personnages. Ils sont plutôt nombreux, que ce soit l’abattage d’Anthony Hopkins, visiblement très content d’être là, et loin du cabotinage outrancier qu’il peut parfois nous servir (coucou Red 2 !), son majordome robotique, adepte de la répartie qui fait mouche, ou encore Laura Haddock, nouvel atout charme de la saga, mais très loin de l’hyper sexualisation un brin vulgaire de Megan Fox. Pourtant, les frayeurs se pressentaient, notamment face à des Decepticons caricaturés sous forme de prisonniers dangereux, et présentés de manière expéditive se résumant à des arrêts sur image avec apparition en gros caractère de leur nom. Procédé plutôt ringard et humour lourdingue, faisant instantanément disparaître le peu de terreur qu’ils réussissaient encore à dégager auparavant. Fort heureusement, ils sont rapidement mis de côté, car ils ne seront ici pas la menace principale (désolé Megatron !).

… pour un résultat des plus jouissifs !

En découvrant le nouvel antagoniste d’Optimus Prime et consorts (dont nous tairons l’identité), le film creuse davantage l’origine et l’histoire des Transformers … tout en réécrivant notre propre Histoire. En effet, le scénario va encore plus loin en démontrant qu’en plus d’être présents sur Terre depuis fort longtemps, ils ont participé et alimenté les principales légendes et faits historique de notre temps. Ainsi, on apprend que la légende du roi Arthur ne serait rien sans les chevaliers, non pas de la Table Ronde mais bien de Cybertron, ou encore que la victoire face au nazisme est en grande partie due à Bumblebee. Certes, le scénario n’est pas parfait, certains points étant passé rapidement au crible. On aurait par exemple davantage voulu voir la montée de la colère de Prime, dont le point d’orgue est sa confrontation avec Bumblebee, plutôt qu’un retournement aussi facile. Mais si la quête d’un nouveau McGuffin reste la trame principale (ici, le bâton de Merlin), elle est rejointe par des intrigues parallèles aboutissant à ce tout cohérent qu’est le développement de l’univers des Transformers, et non un scénario sans queue ni tête. Et ce développement permet à The Last Knight, plus qu’à n’importe quel autre opus de la saga, de faire un pas plus prononcé dans l’univers de la science-fiction. Le résultat n’en est que plus jouissif : au-delà du final démentiel s’apparentant à une bataille spatiale, une véritable mythologie s’installe autour des robots, et on n’est pas surpris des futurs projets de Paramount de créer un univers entier basé sur des spin off et origins stories.

Reste à savoir si ce nouvel horizon conviendra au public. Car les premières retombées en matière de chiffres sont plutôt catastrophiques outre Atlantique. On dénote un week-end de lancement US à 69 millions de dollars, soit nettement moins que le précédent volet. Le public se lasserait il de ces aventures robotiques justement au moment où la saga amorce un nouveau tournant ? Ou est-ce ce tournant qui n’emporte pas l’adhésion ? L’intention aura eu le mérite d’être présente, louable, sincère et réussie !

Avis donc à tous ses détracteurs : Michael Bay est de retour et en grande forme ! Fermement décidé à ne laisser ses jouets robotiques à personne, bien que des rumeurs affirment le contraire pour la suite prévue en 2019 (à titre informatif, il devait arrêter depuis le numéro trois…), l’artisan dopé au carnage planétaire et à l’action mécanique offre avec Transformers : The Last Knight un nouveau visage à la franchise, tout en en assumant son héritage et sa profonde débilité. Sincère et jouissif, il ne réconciliera pas les détracteurs de la saga, mais constitue ce qui se fait de mieux en blockbuster parfaitement calibré pour l’été.

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Transformers : The Last Knight: Bande-annonce

Transformers : The Last Knight: Fiche technique

Réalisation : Michael Bay
Scénario : Art Macum, Matt Holloway, Ken Nolan, Akiva Goldsman
Interprétation : Mark Wahlberg (Cade Yeager), Isabela Moner (Izabella), Anthony Hopkins (Sir Edmund Burton), Laura Haddock (Vivien Wembley), Stanley Tucci (Joshua Joyce), Josh Duhamel (lieutenant-colonel William Lennox), John Turturro (agent Simmons)…
Doublages (VO) : Peter Cullen (Optimus Prime), John Goodman (Hound), Ken Watanabe (Drift), Franck Welker (Megatron), John DiMaggio (Crosshairs), Jess Harnell (Barricade), Omar Sy (Hot Rod)…
Photographie : Jonathan Sela
Montage : Roger Barton, Adam Gerstel, John Refoua, Mark Sanger
Direction artistique : Jason Knox-Johnston
Costumes : Lisa Lovaas
Décors : Jeffrey Beecroft, Karen Frick, Andrew McCarthy, Richard Roberts
Musique : Steve Jablonsky
Producteurs : Tom DeSanto, Akiva Goldsman, Lorenzo di Bonaventura, Ian Bryce, Don Murphy, Michael Bay et Steven Spielberg
Sociétés de production : Paramount Pictures
Distribution (France) : Paramount Pictures France
Durée : 149 minutes
Genre : Action, science-fiction
Date de sortie : 28 Juin 2017
États-Unis – 2017

Trey Edward Shults confirme être un cinéaste à suivre avec ce It Comes at Night, thriller psychologique aussi passionnant que frustrant dans sa démarche qui ne parvient pas toujours à donner corps à ses belles idées, malgré une mise en forme éclatante.

Synopsis : Alors que le monde est en proie à une menace terrifiante, un homme vit reclus dans sa propriété totalement isolée avec sa femme et son fils. Quand une famille aux abois cherche refuge dans sa propre maison, le fragile équilibre qu’il a mis en place est soudain bouleversé.

Enfermés

Il n’y a rien de pire pour un film qu’une campagne marketing qui le vend mal. C’est une des principales choses qui va faire préjudice au nouveau long métrage de Trey Edward Shults. Car son It Comes at Night n’a rien d’un film d’horreur comme le laisse penser sa bande-annonce, du moins pas dans le sens dont pourrait l’entendre certains spectateurs. On navigue ici vers quelque chose qui tient plus du thriller psychologique même si il s’approche d’une certaine mouvance du cinéma d’horreur. Il est difficile de ne pas voir une parenté entre ce dernier et des œuvres comme The Witch sortie l’année dernière ou encore It Follows qui avait marqué 2015. Issus d’un horreur plus diffus, avant tout basé sur l’ambiance plus que sur le jumpscare facile, ce sont des films aux ambitions artistiques plus assumées, des récits qui cherchent à marquer un propos et qui s’imposent comme des miroirs déstructurés sur l’Amérique et ses dérives avec en prime un sous-texte sur la sexualité.

Là où It Follows trouvait son efficacité dans le regard nouveau qu’il portait sur son genre, assumant sa dimension de slasher et s’appropriant l’horreur de manière frontale, It Comes at Night souffre quant à lui d’avoir une approche plus prétentieuse sur son propre récit. Comme The Witch, il cache les contours les plus prévisibles de son récit sous une couche de développements « arty ». C’est une chose principalement visuelle, qui passe par un soin apporté sur l’ambiance et un maniérisme des plans qui impressionne par sa maîtrise mais qui subit le contrecoup d’une froideur trop technique. Il est évident que Trey Edward Shults est un metteur en scène consciencieux qui, accompagné d’une photographie somptueuse, construit une ambiance pesante avec habilité grâce à un travail sur l’obscurité et les jeux de lumières rarement vu dans le domaine. Les scènes de nuit, que ce soit dans les déambulations de la caméra dans une maison inquiétante sous une faible lumière ou encore les expéditions oniriques dans une forêt insondable, ont une force picturale assez impressionnante virant presque vers l’expressionnisme. It Comes at Night est magnifique, bourré d’idées de mise en scène qui permettent de faire monter une tension souvent insoutenable et qui montre que l’horreur n’est jamais aussi bien que lorsqu’elle se focalise sur une ambiance. Mais malheureusement on aura du mal à ressentir quoique ce soit face à une œuvre plus rhétorique que vraiment sensorielle et qui aligne surtout les symboliques pour jouer sur le doute plutôt qu’elle ne cherche à nous troubler à travers la psyché de ses personnages.

Un constat qui frappe dès la scène d’ouverture qui se veut brute et marquante, mais qui est dénuée d’émotions et dont on a du mal à s’y impliquer. S’ensuivent peu après des plans sur un tableau de Pieter Brueghel, Le Triomphe de la Mort, inspiré de l’époque de La Grande Peste et qui met l’Homme face à son égalité dans la mort. Avec ça, It Comes at Night expose ses enjeux et thématiques sans grande subtilité car, même si le spectateur n’est pas familiarisé avec le tableau, il s’attarde suffisamment dessus pour qu’on voit ce que signifie ce dernier. Surtout qu’au cours de son intrigue, il réemploie beaucoup d’éléments visuels issus de cette oeuvre d’art. Laissant le doute sur l’épidémie qui a frappé le monde, et qui d’ailleurs prend la forme de la peste, pour se recentrer sur les deux familles qui vont être amenées à cohabiter, le film va jouer sur la paranoïa et le doute qui jonchent de telles situations. La peur de l’autre, les frontières – symbolisées par la porte rouge qui permet l’accès à la maison – etc. Tout ça finit par prendre la forme d’une fresque pertinente sur l’Amérique notamment sous le gouvernement Trump, mais ce n’est jamais vraiment dans sa dimension politique que le film révèle ses plus belles fulgurances. C’est autour de la fièvre adolescente du fils que It Comes at Night trouvera ses réflexions les plus passionnantes. Faisant entrevoir le surnaturel et l’onirisme, il plonge dans une horreur plus psychologique et fascinante qui donne toute la liberté d’interprétation du film notamment sur sa conclusion. Malheureusement cet aspect de l’histoire rentre maladroitement en collision avec l’aspect plus terre à terre de la cohabitation entre les deux familles. L’enchaînement entre l’un et l’autre est souvent didactique, c’est d’autant plus dommage que c’est la partie la plus prévisible qui prend les devants de la scène. En particulier lorsque cela aboutit à un dernier acte qui joue maladroitement ses cartes et peine à confronter ses personnages à l’horreur malgré des acteurs vraiment très convaincants, surtout un Joel Edgerton impeccable en patriarche prêt à tout et Kelvin Harrison Jr. très juste dans le rôle de son fils.

It Comes at Night est un thriller psychologique aussi passionnant que terriblement frustrant. Le film n’est jamais à court d’idées mais ne les exploite que très maladroitement. C’est d’autant plus dommage que visuellement on a affaire à des propositions de cinéma audacieuses, Trey Edward Shults prouve clairement qu’il est un cinéaste de talent. Mais son erreur est de ne pas avoir su choisir entre l’horreur pure ou le thriller plus retors, ce qui fait que son récit a constamment le cul entre deux chaises et n’aboutit dans aucune des deux directions. Il est trop souvent au-dessus de son sujet et malgré ses réflexions politiques loin d’être inintéressantes, il loupe le coche de l’émotion et du malaise adolescent qui aurait été bien plus troubles. Plus encore, c’est de lui que provient l’interprétation la plus enrichissante du récit et du titre It Comes at Night, et qui sied parfaitement à l’épais mystère de son contexte. D’où vient vraiment cette étrange épidémie ?

It Comes at Night : Bande-annonce

It Comes at Night : Fiche technique

Réalisation et scénario : Trey Edward Shults
Interprétation : Joel Edgerton (Paul), Christopher Abbott (Will), Carmen Ejogo (Sarah), Kelvin Harrison Jr. (Travis), Riley Keough (Kim),…
Image : Drew Daniels
Montage : Trey Edward Shults et Matthew Hannam
Musique : Brian McOmber
Décors : Sally Levi
Costume : Meghan Kasperlik
Producteur : David Kaplan et Andrea Roa
Société de production : A24 Films et Animal Kingdom
Distributeur : Mars Films
Durée : 97 minutes
Genre : Thriller, horreur
Date de sortie : 21 juin 2017

États-Unis – 2017

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Bad Buzz n’est pas un film. C’est le fouillis sans nom – se voulant trash mais faisant plus pitié qu’autre chose – d’un duo télévisuel surfant sur sa simili célébrité pour se vanter d’être à la hauteur des Inconnus ou des Nuls sans y parvenir une seule seconde.

Synopsis : Éric et Quentin sont deux animateurs stars d’une émission pour enfants diffusée chaque matin à la télévision. Alors qu’ils sont au sommet de leur carrière, une photo prise lors d’une soirée va souiller leur réputation, créant un buzz monstrueux sur les réseaux sociaux. Pour inverser la tendance et se sortir de cette situation, ils vont devoir créer un second buzz, positif, et cela en moins de 48 heures…

Bad au possible ! Mais de là à ce que cela fasse le buzz…

Lorsque l’on s’attaque à la rédaction d’une critique, il est préférable de laisser couler quelques jours avant de tout écrire. Le temps d’assimiler le visionnage du film ciblé. Ses atouts. Ses défauts. Ce qu’il veut dire ou faire au public. C’est pour cela qu’il nous arrive de pondre des articles pouvant paraître interminables et proposant des arguments parfois en surdose. Mais dans d’autres cas, il n’est vraiment pas nécessaire de s’éterniser de la sorte au risque de perdre du temps. Aussi bien pour nous, qui n’avons franchement pas grand chose à raconter, que pour vous, qui n’avez pas envie de lire des pseudos figures de styles pour savoir que le long-métrage est tout simplement mauvais. Avec Bad Buzz, cela va se passer comme ça : directement à l’essentiel, sans chichi ni détour. Car cette comédie française ne mérite vraiment pas qu’on lui dédie tout un papier pour en parler !

Bad Buzz, qu’est-ce que c’est exactement ? Il s’agit juste de la lubie d’un duo télévisuel (Éric et Quentin) qui, sur un coup de tête et fier de sa simili célébrité, décide de se lancer dans le cinéma. Quelque part, nous n’allons pas les blâmer de tenter l’aventure ! D’autant que des comiques livrant un bon divertissement, le cinéma français a déjà su en proposer quelques exemples pour le moins mémorables : les Inconnus avec Les Trois Frères (d’ailleurs, le tandem revendique s’être inspiré du mythique trio), les Nuls avec La Cité de la Peur, la Bande à Fifi avec Babysitting… Mais le talent, on l’a ou on ne l’a pas ! Ou peut-être pas tout de suite, devenant judicieux de prendre son temps à gagner en expérience et en notoriété. Éric et Quentin ? Juste un duo qui s’est fait connaître dès 2009 dans Le Petit Journal de Yann Barthès par le biais de petits sketchs, et qui continue d’opérer dans la nouvelle émission de l’animateur (le Quotidien). Autant dire que question notoriété, on est encore bien loin des Inconnus ou encore des Nuls ! Pourtant, ça ne l’a pas empêché de s’y croire un maximum pour se mettre autant en avant.

Et tout ce narcissisme pour quoi ? Un fouillis sans nom ! Juste un enchaînement de sketchs très mal écrits, se résumant à de banales disputes d’enfants de moins de 4 ans au point que cela en devient insupportable (voir les deux se chamailler en battant des mains comme des Minions, franchement…) et à des blagues de très mauvais goûts. Le duo voulait faire quelque chose de trash ? Balancer à la figure du spectateur du nazisme, de l’antisémitisme, du gros sexe, de la morve dégoulinante et du touché rectal sans aucune raison apparente (le scénario partant dans tous les sens possibles car n’ayant pas de véritable fil conducteur digne de ce nom), cela ne s’appelle pas du trash mais plutôt de la gêne. Du mal-être qui fait incroyablement pitié, essayant de se rattraper par le biais de délires incompréhensibles ne faisant rire que les acteurs (le coup du chat, du duel de danse…) ou par des sujets d’actualités singés plutôt qu’autre chose (le passage dans le camp des immigrés). Rajoutez à cela une absence totale de mise en scène et une interprétation désastreuses de la part des comédiens, vous ferez comme la plupart des spectateurs de la salle : vous partirez de la séance bien avant le milieu du long-métrage ! Il est même probable que peu de gens soient restés après le générique pour voir « la surprise » réservée par l’équipe du film, la salle s’étant déjà vidée en un quart de seconde.

Bad Buzz n’est pas un film, et encore moins une comédie. Mais une sorte de spectacle de primaires sous acides qui ont voulu se lâcher et se faire plaisir avec du scabreux et du non sens. Sans prendre la peine de s’assurer que le public suivrait. Après avoir vu ce film, il est clair que le duo d’Éric et Quentin devrait rester encore à la télévision et attendre de gagner du galon pour retenter l’expérience. Si possible dans plusieurs décennies, car il y a encore du travail, et pas qu’un peu ! En tout cas, avec Gangsterdam et À bras ouverts, autant dire que l’année 2017 ne vole pas haut question humour. Juste du gentillet divertissant avec Alibi.com de – tiens tiens ! – la Bande à Fifi.

Bad Buzz : Bande-annonce

Bad Buzz : Fiche technique

Titre original : Bad Buzz
Réalisation : Stéphane Kazandjian
Scénario : Éric Metzger, Quentin Margot, Stéphane Kazandjian et Flora Desprats-Colonna
Interprétation : Éric Metzger (Éric), Quentin Margot (Quentin), Bérengère Krief (Sophie), Razane Jammal (Salayadinya), Marie-Anne Chazel (la mère de Quentin / Chantal), Olivier Broche (Philippe), Fabian Le Gouallec (Hugo), Paco Falgas (Mathias)…
Décors : Matthieu Beutter
Costumes : Valérie Artiges-Corno
Montage : Christine Lucas Navarro
Musique : Fred Avril
Producteur : Abel Nahmias
Productions : Echos Films, EuropaCorp., TF1 Films Production et Scope Pictures
Distribution : EuropaCorp. Distribution
Durée : 77 minutes
Genre : Comédie
Date de sortie : 21 juin 2017

France – 2017

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Ana mon amour, le nouveau film du roumain Cãlin Peter Netzer est une sorte de pépite entourée d’un voile d’austérité qui pourrait rebuter. Pourtant, il est tout en subtilités pour raconter la relation complexe entre deux personnes amoureuses mais à la psyché trouble. Chronique d’un désamour annoncé.

Synopsis : L’histoire d’amour d’Ana et Toma commence dans une chambre d’étudiant. Ils sont jeunes, beaux, sensibles et exaltés ; ils s’aiment furieusement et rêvent de refaire le monde. Mais quand vient le temps d’affronter leurs démons, réels ou imaginaires, les amoureux s’accrochent désespérément l’un à l’autre, au risque de tout faire voler en éclats.…

A dangerous method

Le roumain  Cãlin Peter Netzer a marqué des points avec son précédent film, Mère et fils, une peinture peu ragoûtante du milieu bourgeois roumain, où la pourriture de la corruption post-soviétique est loin d’être asséchée, et continue d’infecter les relations humaines et sociales du pays. Un film fort par son traitement et par son sujet, dont l’absence de complaisance fut récompensée de l’Ours d’Or à Berlin.

Le cinéaste récidive avec son dernier opus, Ana mon amour, en restant dans le sillon du film qui ne recule devant quasi rien. La forme, originale, est à base de séquences chronologiques anti-linéaires, procédé assez galvaudé certes de nos jours, mais dont le petit plus différentiel est qu’on ne distingue pas vraiment ce qui est flash-back de ce qui est flash-forward. Chaque moment peut finalement être l’instant T dans l’histoire d’Ana (Diana Cavaliotti) et de Toma (Mircea Postelnicu), le début, tout comme le milieu, tout comme la fin qui en plus, n’est peut-être pas la fin. Un changement inopiné d’époque toujours plutôt bien amené par des raccords plus ou moins audacieux. L’histoire se déroule sur une petite dizaine d’années, et l’évolution capillaire du protagoniste, tout comme des détails tels que le look des téléphones sont les seuls indices qui permettent au spectateur de s’y retrouver…

Mais au-delà de la forme, le fond de l’histoire est également jusqu’au-boutiste. Très roumain en cela (car pas forcément pour les autres aspects), Ana mon amour est bavard. Mais par moments, quand les protagonistes ne bavardent plus, ils ne font vraiment pas semblant…On pense aux scènes de sexe bien sûr, mais à d’autres scènes également. On pourrait croire à de la provocation facile, mais les scènes explicites soulignent la force de ce qui se passe entre Ana et Toma.

Le film met en scène une histoire d’amour complexe, psychanalytique même, où la jeune femme est en proie à des profondes crises d’angoisse, et où son soupirant lui aussi doit gérer des insécurités intenses qui le poussent à vouloir prendre le contrôle d’Ana. Commençant par une scène qui les cueille au beau milieu d’une phrase faisant partie d’un échange philosophique sur Nietzsche, le film capte ces délicieux moments du début où l’on boit les paroles de l’autre et où l’incandescence de l’attraction physique se voit à mille lieues. Et pourtant, dès cette première scène, la maladie est là entre eux, car c’est elle véritablement qui attire littéralement Toma à Ana. C’est au travers de la crise d’angoisse que le désir s’est frayé un chemin, posant déjà toutes les prémices de l’ambiguïté qui va régner dans leur couple.

Ana mon amour est un titre assez significatif de ce qui se trame dans ce couple. Ce possessif qui rend Toma serein tant qu’Ana est dépendante de lui, ce possessif qui lui donne, croit-il, la légitimité de parler à sa place, de médecin en médecin, qu’il s’agisse d’une gynécologue ou d’un psychiatre. Ce possessif qui accroche la jeune femme en demande de soutien constant, ou peut-être pas, le sait-elle vraiment, et qui rend Toma indispensable à ses yeux, qui finit peut-être par valoir amour. Ana est « son » amour, l’objet de son désir plutôt que sujet. La répétition dans une bonne partie du film de situations assez identiques ponctuées par les crises d’Ana aurait pu lasser à la longue, mais elle montre avec beaucoup d’habileté les impasses de cette relation toxique, pour ne pas dire perverse.

Comme dans Mère et Fils, Cãlin Peter Netzer introduit les parents de chacun des protagonistes pour mettre en relief leur chemin difficile, des couples vivant dans une violence relationnelle stupéfiante, de marqueurs supplémentaires de la société roumaine qui décidément ne trouve pas trop de grâce aux yeux du cinéaste. Ainsi arrive-t-il à mêler de manière plutôt factuelle cette histoire de l’intime à son environnement social et familial.

Filmé avec force et finesse à la fois, le métrage est également servi par deux interprètes qui jouent l’écoulement du temps qui passe et de l’amour qui se désagrège avec beaucoup de conviction. Depuis certaines scènes difficiles à jouer (sexuelles ou encore scatologiques, passionnelles dans tous les cas) jusqu’aux subtiles évolutions du langage corporel (les incessants tics d’Ana), Diana Cavaliotti et Mircea Postelnicu passent avec brio de leurs personnages d’étudiants fougueux à ceux d’adultes fatigués, sans plus aucune illusion mais décillés, aguerris. Ana mon amour est un beau film injustement écarté (ou presque) du palmarès berlinois, celui-là même qui a honoré son précédent opus ; c’est un film exigeant qui risque de passer à côté de son public en raison d’une certaine torpeur qui se dégage malgré tout du film.

Ana mon amour : Bande-annonce

Ana mon amour : Fiche technique

Réalisateur : Cãlin Peter Netzer
Scénario : Cãlin Peter Netzer, Cezar Paul-Badescu & Iulia Lumânare, d’après le roman de Cezar Paul-Badescu Luminita, mon amour
Interprétation : Diana Cavaliotti (Ana), Mircea Postelnicu (Toma), Carmen Tanase (La mère de Toma), Vasile Muraru (Le père de Toma), Adrian Titieni (Psychologue), Tania Popa (La mère d’Ana), Igor Caras-Romanov (Igor), Ionut Caras (Bogdan), Vlad Ivanov (Adrian le prêtre), Iulia Lumânare (Gynécologue)
Photographie : Andrei Butica
Montage : Dana Bunescu
Producteurs : Cãlin Peter Netzer, Oana Iancu, Coproducteurs : Jonas Katzenstein, Maximilian Leo, Sophie Dulac, Michel Zana, Laurentiu Damian,
Codin Maticiuc
Maisons de production : Parada Film, Augenschein Filmproduktion, Sophie Dulac Productions
Distribution (France) : Sophie Dulac Distribution
Budget : 2 000 000 EUR
Durée : 125 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 21 Juin 2017

Roumanie, Allemagne, France – 2017

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Auréolé du prix du public de Gérardmer, The Last Girl : Celle qui a tous les dons, ajoute une pierre au gigantesque édifice du film de zombies. Sauf que là où d’autres reprennent des codes usés jusqu’à la moelle, Colm McCarthy apporte une nouvelle dimension des plus rafraîchissantes.

Synopsis : Dans un monde où la végétation a repris la main sur la civilisation, un champignon pathogène transforme les humains en zombies avides de chaire humaine. Une base militaire semble pourtant avoir trouvé  une solution au travers d’enfants infectés par le pathogène. Parmi eux, la jeune Mélanie va très vite se retrouver maîtresse du destin de l’humanité toute entière.

Dans un genre tellement vu et revu que celui du film de zombies ou d’infectés, il est difficile de marquer les esprits. D’autant plus que la comparaison avec des œuvres classiques même plus de 40 ans après, se fait encore et toujours. Malgré tout cela, chaque année un nouveau film de zombies vient pointer le bout de son nez et 2017 ne fera pas exception. C’est donc le réalisateur anglais, Colm McCarthy qui nous propose cette année sa vision du genre. McCarthy, plus connu pour son travail à la télévision – comme par exemple la réalisation d’un épisode de Sherlock ou de l’intégralité de la saison 2 de Peaky Blinders – a pour son entrée dans le milieu, adapté le roman de Mick Garey, The Girl with all the gifts.

The Last Girl nous plonge dans une Angleterre post-apocalyptique où la nature a repris son droit sur la civilisation. Les grands immeubles se retrouvent entrecoupés de gigantesques arbres dont les branches zigzaguent entre les fenêtres. Une épidémie engendrée par un champignon a très vite décimé la population en la transformant en zombie dont la seule préoccupation est de dévorer de la chair fraîche. À l’extérieur de la capitale subsiste cependant une base militaire. C’est d’ailleurs à l’intérieur de cette base que repose le seul salut du genre humain, des enfants hybrides humains-zombies.

Il ne faut pas attendre longtemps pour rapprocher The Last Girl de films comme 28 jours plus tard, mais l’œuvre frappe encore plus par sa ressemblance avec le phénomène vidéoludique de 2013, The Last of Us. Paysages similaires, champignon pathogène, groupes de survivants et bien évidemment jeune fille érigée en remède aux maux de l’humanité en sont les ingrédients. The Last Girl va donc nous faire suivre la jeune Mélanie, un de ces enfants hybrides particulièrement doués, et qui va ainsi se retrouver propulsée après une attaque de la base, au rôle de dernier espoir de l’humanité.

Comme la plupart des oeuvres du genre, The Last Girl est un film de survie. Le petit groupe composé de Mélanie, de la jeune enseignante Helen Justineau, du Dr. Caroline Caldwell, biologiste persuadée que la solution à l’épidémie se situe à l’intérieur de Mélanie et d’une mini troupe de militaire menée par le sergent Eddie Parks va de fait entreprendre une expédition afin de pouvoir joindre une autre base militaire. À ce niveau, The Last Girl est un long-métrage des plus efficaces. McCarthy alterne moments de tension remarquables comme les séquences où le groupe, grâce à un gel, peut masquer leurs odeurs, et s’infiltrer entre des hordes d’infectés de façon silencieuse ou, à l’opposé, des scènes plus brutales comme celle particulièrement impressionnante de l’attaque du centre de recherche tournée en plan séquence. Sachant manier très efficacement son rythme, Colm McCarthy arrive à tenir le spectateur en haleine tout au long de son oeuvre.

Il serait toutefois dommage de réduire The Last Girl à un simple « survival »  avec des infectés, car le film offre des pistes intéressantes sur la place de l’homme dans son écosystème. Le personnage du Dr. Caldwell campé par une excellente Glenn Close est l’expression parfaite de la supériorité de l’homme sur le reste de la nature. Elle semble être la seule décisionnaire de l’avenir de la planète. À ses côtés se développe cependant une nouvelle espèce, cet hybride incarné par Mélanie, enfant dont les pulsions liées à la présence de l’agent pathogène explose à certains moments. Et c’est véritablement cette jeune fille qui fait tout le sel de The Last Girl. Symbole d’une ère naissante, Mélanie, interprétée par une Sennia Nanua impressionnante arrive à alterner l’espoir et la terreur dans son jeu. Sous son masque à la Hannibal Lecter, c’est elle qui tient finalement les rênes de toute l’entreprise. Certains la craignent comme les soldats, d’autre comme l’enseignante Helen la prenne en empathie. Ces enfants de seconde génération, comme ils sont dénommés, imposent très facilement leur pouvoir aux humains. Il suffit de voir cette séquence où une bande de gamins arrivent à piéger un soldat, rappelant un peu les enfants perdus d’un Neverland post-apocalyptique. L’être humain n’est plus le maître, il n’est plus l’espèce qui contrôle le monde. Et ça, Mélanie va le démontrer clairement.

Cette approche de la place de l’homme dans la nature n’est pas forcément amenée de la manièe la plus subtile, mais elle offre des points de réflexion particulièrement intéressants et donne une certaine dimension dans un genre où les messages sont plutôt politiques. Les zombies étant très souvent des peintures du capitalisme ou de la société de consommation qui transforme les humains. Ici, c’est un message écologique qui émane de The Last Girl, qui montre que l’homme peut à tout moment être dépassé par cette nature qu’il prend pour acquise. Le final est particulièrement réussi et McCarthy s’amuse du concept du chat de Schrödinger pour donner naissance à un nouveau commencement dans son monde.

The Last Girl sous ses traits au départ plutôt classique de « survival », offre donc un nouveau souffle au genre ultra référencé du film de zombie. Le long-métrage bénéficie en outre d’une esthétique soignée. Que cela soit son empreinte visuelle qui malgré son faible budget arrive à offrir un univers saisissant avec des effets spéciaux des plus convaincants, mais également au niveau sonore avec un très beau travail de Cristobal Tapia de Veer. Le compositeur chilien qui avait déjà marqué les esprits en offrant une ambiance sonore des plus troublantes à la série Utopia, réitère ici son coup en donnant à The Last Girl une composition qui lui vaudra un prix de la meilleure musique originale à Gérardmer.

The Last Girl : Celle qui a tous les dons – Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=tMOdDOEKCrQ

The Last Girl : Celle qui a tous les dons : Fiche Technique

Réalisation : Colm McCarthy
Scénario : M.R Carey, d’après son roman The Girl with all the Gifts
Interprétation : Sennia Nanua ( Melanie), Gemma Arterton (Helen Justineau), Glenn Close ( Dr Caroline Caldwell), Paddy Considine ( Sergent Eddie Parks), Anamaria Marinca ( Dr Selkirk), Dominique Tipper ( Devani)…
Photographie : Simon Denis
Montage : Matthew Cannings
Musique : Cristobal Tapia de Veer
Producteurs : Will Clarke, Camille Gattin, Angus Lamont
Sociétés de production : Attitudes Film Sales, BFI Film Fund, Poison Chef
Durée : 111 minutes
Genre : Post-apocalyptique, horreur
Date de sortie : 28 Juin 2017

Royaume-Uni – 2017

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Avec Ava, son tout premier film sur les palpitations d’une adolescente fougueuse, Léa Mysius s’inscrit dans les pas de ses grandes sœurs de cinéma, elles aussi passées par la Fémis : Julia Ducournau et Céline Sciamma. Elle livre une œuvre sensible et habitée, portée par la mine boudeuse et alerte de Noée Abita.

« On dirait une aventure dans l’esprit d’Ava avec tout ce qu’il y a de fantasmagorique, de romanesque et de réel »

Ava veut dire, d’après son héroïne, « je désire ». Mais que désirer à 13 ans, quand la vue disparaît peu à peu, quand notre corps ne nous appartient pas encore tout à fait, quand on cherche à devenir quelqu’un ? C’est la question que se pose Ava à travers le regard de la réalisatrice Léa Mysius. Ce regard se veut d’abord social, très réaliste et bascule peu à peu du conte initiatique à la fougue des sens en éveil, de la découverte amoureuse et de l’évasion. En s’émancipant des codes attendus des films sur l’adolescence et en donnant à son héroïne la capacité de faire confiance à l’autre, Léa Mysius livre un film surprenant et passionnant porté par de superbes interprètes. Tout commence sur une plage par une vision mi-paradisiaque, mi-cauchemardesque. Sur le sable, des vacanciers paisibles se reposent, quand tout à coup débarque un chien noir qui rejoint notre héroïne, Ava, 13 ans. La jeune fille n’en n’est pas à sa première vision noire puisqu’elle perd progressivement la vue. Et ce plus vite que prévu. Elle l’apprend en compagnie de sa mère, foutraque, libérée et très émotive, ce qu’Ava n’est pas. Elle est toute en retenue, difficilement reliée à son corps, à ses sentiments. On gardera longtemps en mémoire une scène de son cauchemar qui apparaît comme une continuité – et qui pourtant est une rupture avec la réalité – au cœur du film, vision étrangement très floue entre rêve et fiction. Ava est une jeune fille puissamment liée aux éléments : eau, sable, ciel, elle défie la vie qui veut la rattraper en la privant de la vue. Elle découvre l’amour aussi, sans le dire vraiment, sans le comprendre d’abord. Juan est un garçon qui représente le danger, l’inattendu, l’aventure. Et toujours  ce grand chien noir qui va d’Ava à Juan et de Juan à Ava.

« C’est bientôt la fin de notre civilisation, lis les journaux, regarde autour de toi, tu n’y verras que du noir »

Le film de Léa Mysius surprend par un rythme rondement mené, un scénario porté par la surprise, une BO électrisante et réjouissante qui mêle mille sonorités, offrant de nouvelles couleurs au personnage d’Ava. Sortie tout droit de la Fémis, Léa Mysius prend le chemin de certaines autres de ses grandes sœurs de cinéma : Céline Sciamma ou plus récemment Julia Ducournau. Chaque fois il est question d’identité, de construction et d’acceptation de soi, de son corps. Mais comme les deux réalisatrices citées, Léa Mysisus trouve sa voie, sa singularité et nous donne à voir une vision du monde entre noirceur et espoir, car si Ava a l’avenir devant elle, elle est aussi pressée par le temps. A l’image des minutes de soleil peu à peu perdues au cours de l’été qu’Ava décrit dans son journal intime. Pour en porter le contenu à l’écran, la réalisatrice a une idée toute simple mais très belle : elle filme le visage de son actrice, l’excellente et touchante Noée Abita, seule sur une chaise avec simplement le texte en bouche. Ce texte si littéraire et assez dur, cru (le filme ose aussi la dureté), fixe la volonté d’Ava, ses craintes, ses espoirs. Ce qui se lit à se moment-là sur le visage d’Ava-Noée vaut toutes les images du monde. Son corps sera passé par mille étapes (la nudité, la sexualité, la sensualité, et même recouvert d’argile pour jouer à Calamity Jane) pour trouver le courage de se lancer dans la vie, tout simplement. Des étapes très joliment mises en scène et en couleurs d’été dans ce paysage filmé en 35 mm. Ava a toutes les qualités d’un premier film : balbutiements, tentatives, hésitations, jolis défauts et surtout fougue des toutes toutes premières fois derrière et devant la caméra.

Ava : Bande annonce

https://www.youtube.com/watch?v=lLi0IRm-hBw

Ava : Fiche technique

Réalisation : Léa Mysius
Scénario : Léa Mysius et Paul Guilhaume
Interprètes : Noée Abita, Laure Calamy, Juan Cano
Photographie : Paul Guilhaume
Montage : Pierre Deschamps (images), Alexis Menet (son)
Compositeur: Florencia Di Concilio
Producteurs: Jean-Louis Livi et Fanny Yvonnet
Sociétés de production: F comme Film et Trois Brigands Productions
Distributeur : Bac Films
Durée: 105 minutes
Genre: drame
Date de sortie : 21 juin 2017

France-2017

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Depuis ce mercredi 26 juin, les sauveteurs de Malibu sonnent l’alerte dans Baywatch, adaptation de la série homonyme. Au programme : des personnages réussis qui sauvent le film d’un naufrage, mais pas du bain de pétrole.

Synopsis : Le légendaire sauveteur Mitch Buchannon est contraint de s’associer à une nouvelle recrue, Matt Brody, aussi ambitieux que tête brûlée ! Ensemble, ils vont tenter de déjouer un complot criminel qui menace l’avenir de la Baie…

Alerte au naufrage

Le projet Baywatch semblait tout avoir : un ton déjanté, une bande-son cool au possible, et un casting parfait mené par Dwayne « The Rock » Johnson. L’histoire ne semblait pas folle, mais son traitement oui : poursuite sur un scooter tellement lent que Johnson doit pousser avec ses jambes ; planque dans une morgue, etc. Toutefois, malgré l’annonce et les bandes-annonces alléchantes du projet, des éléments venaient obscurcir le tableau.

Seth Gordon d’abord. Réalisateur des sympathiques et inégaux Comment tuer son boss ? et Arnaque à la carte, Seth Gordon a appliqué à Baywatch les points positifs et négatifs de ses précédents films. Nous trouvons ici de formidables personnages, un high-concept au fort potentiel de folie débridée comique… Une ambiance bien caractérisée. Tout est limpide. Et puis l’intrigue, ici policière, s’essouffle rapidement pour devenir prétexte à suivre les personnages géniaux.

La bande à Dwayne

Les personnages sont formidables, portés par un excellent casting et une écriture plutôt bonne les concernant. Du nouveau Mitch, interprété par le « coolest of the coolest » d’aujourd’hui Dwayne Johnson (qui remplace donc David Hasselhoff) à la nouvelle C.J. (ancien rôle de Pamela Denise Anderson repris ici par le mannequin Kelly Rohrbach), en passant par le nouveau Matt Brody (rôle repris par l’excellent Zac Efron) et le jeune timide et empoté Ronnie Greenbaum (joué par un très drôle Jon Bass), l’équipe fonctionne. Mais des personnages peuvent-ils réellement supporter tout un film ?

https://www.youtube.com/watch?v=JIJmL1ONfG8

Ci-dessus, Ronnie a du mal à contenir son admiration pour C.J. et se met dans une situation embarrassante.

La gueule d’un noyé bouffé par les requins et poiscailles du coin

Le titre ci-dessus est tout à fait explicite sur l’ensemble visuel de Baywatch. Comment des personnages, bien écrits et excellemment interprétés, peuvent-ils exister à l’écran quand le montage les fait disparaître de l’image ? Comment des personnages peuvent-ils supporter des coupes violentes dans l’action et son déroulement, au point de mettre en place des incohérences monstrueuses (ah un personnage a l’idée de filmer des bandits, mais les mecs n’y penseront pas après, même bien en face de la preuve) ? Le montage est en cause. Et celui-ci est réellement catastrophique, en particulier sur la deuxième moitié du film.

Non seulement la cohérence, la construction visuelle de bien des scènes, et le déroulement de l’intrigue (déjà peu intéressante) en souffrent violemment, mais la comédie en prend aussi pour son grade. Bien sûr, des grands films ont été coupés de grandes scènes – on pense à Die Hard With A Vengeance et sa fin brillante coupée du montage pour devenir une scène alternative culte. Autre cas : le jeu vidéo Star Wars Le Pouvoir de la Force II vendait dans une de ses belles bandes-annonces une bataille entre le héros et Darth Vader sur une planète enneigée. Le combat et toute l’action sur cette planète furent complètement absents du jeu. Dans Baywatch, de grandes scènes d’une belle puissance comique ont véritablement disparu du film pour servir au marketing : elles apparaissent dans les bandes-annonces et même dans les extraits officiels du film ; et elles participent au bêtisier de fin de film. Certes, de nombreux petits dialogues « drôles » censés faire mouche jalonnent le film, mais ne fonctionnent pas. N’allez donc pas dire qu’il est écrit ici que la comédie aurait pu être parfaite. Passons pour arriver à un dernier constat concernant l’imagerie : les effets spéciaux riment ici avec « Playstation 2 ». En effet, ceux-ci sont datés en plus d’être catastrophiques par moments tant ils ont été finis à la truelle. Que peut alors faire notre équipe chérie de sauveteurs et sauveteuses face à ces vagues monstrueuses de CGI ?

Conclusions au « téléphoque »

On ressort ainsi du film frustré. Frustré face à un tel gâchis de potentiel, déçu face à la prise de contrôle du chaos sur le long métrage et tous ses enjeux, dont les éléments essentiels qui forment sa comédie. Et pourtant, quel amusement passé avec ces personnages, dans cette ambiance chaude et drôle portée par une formidable bande-son (toutefois peu aidée par la composition originale). Quelle introduction, et même première moitié de film ! Quel plaisir pris face à cette comédie irrévérencieuse et grossière, lourde et absurde, folle et burlesque ! Et pourtant, Baywatch n’est pas aussi déjanté qu’il le fût vendu dans ses bandes-annonces et extraits. Si le film aspirait au niveau de ses géniaux modèles (21 & 22 Jump Street), Baywatch a déjà bien du mal à tenir son chaotique cahier des charges. Le métrage frustre et déçoit, autant qu’il réjouit. Vous pouvez compter sur les éternels caméos, ici davantage mal placés que bien écrits malgré une bonne intention concernant la présence de David Hasselhoff.

Enfin, une suite devrait voir le jour, si tant est que le succès au box-office soit au rendez-vous. On le souhaite. Mais il faudra d’autres scénaristes, un autre réalisateur et d’autres producteurs à la barre. Pourquoi pas Todd Phillips, ou -on peut toujours rêver-, Phil Lord et Christopher Miller ?

Bande-Annonce : Baywatch

https://www.youtube.com/watch?v=ldjVZnGCZ38

Fiche Technique – Baywatch : Alerte à Malibu

Réalisation : Seth Gordon
Casting : Dwayne Johnson, Zac Efron, Alexandra Daddario, Priyanka Chopra, Kelly Rohrbach, Ilfenesh Hadera, Jon Bass, Hannibal Buress…
Scénario : Damian Shannon et Mark Swift, d’après une histoire de Jay Scherick, David Ronn, Thomas Lennon et Robert Ben Garant, d’après la série éponyme créée par Michael Berk, Douglas Schwartz et Gregory J. Bonann
Direction artistique : Tom Frohling et Lisa Vasconcellos
Décors : Stepherd Frankel
Costumes : Dayna Pink
Musique : Christopher Lennertz
Montage : Peter S. Elliot
Production : Michael Berk, Gregory J. Bonann, Beau Flynn, Dany Garcia, Dwayne Johnson, Joe Medjuck, Tom Pollock, Ivan Reitman, Douglas Schwartz et Tripp Vison
Sociétés de production : Paramount Pictures, Seven Bucks Productions, The Montecito Picture Company, Flynn Picture Compagny
Distributeur France : Paramount Pictures
Budget : 69 000 000 $
Genre : Comédie d’Action
Durée : 1h57
Date de sortie : 21 juin 2017

États-Unis – 2017

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Après un second opus indigne des studios Pixar, Cars 3 permet à la franchise de reprendre convenablement la route grâce à un soupçon de maturité, à défaut d’être moins enfantin.

Synopsis : Dépassé par une nouvelle génération de bolides ultra-rapides, le célèbre Flash McQueen se retrouve mis sur la touche d’un sport qu’il adore. Pour revenir dans la course et prouver, en souvenir de Doc Hudson, que le n° 95 a toujours sa place dans la Piston Cup, il devra faire preuve d’ingéniosité. L’aide d’une jeune mécanicienne pleine d’enthousiasme, Cruz Ramirez, qui rêve elle aussi de victoire, lui sera d’un précieux secours…

La saga reprend la route pour une dernière course de bonne tenue

Dans l’inconscient collectif, les studios d’animation Pixar sont reconnus pour leurs longs-métrages originaux, enivrants et poétiques à souhait. D’ailleurs, depuis leur premier succès en 1995 (Toy Story), ils sont devenus en un rien de temps la référence en la matière, jamais ou que trop rarement égalés par la concurrence. Mais tout modèle possède un défaut ! En ce qui les concerne, il s’agit de la saga Cars. Si cette dernière a su marquer les petits garçons qui ne parlent encore que de Flash McQueen en ce moment, elle est surtout ce qu’il y a de plus commercial pour la firme. Entre un premier opus certes sympathique mais bien loin de l’émotion d’un Monstres & Cie ou encore du Monde de Nemo (sans compter le rachat douloureux de Pixar par Disney au même moment), et un second, sans âme comme ce n’est pas permis, la série des Cars n’a fait qu’exister par le merchandising : jouets et autres produits dérivés, jeux vidéo, mini-série télévisée (Cars Toons), spin-offs (Planes et sa suite)… Le jour où Cars 3 a été annoncé, autant dire que l’engouement n’était pas vraiment au rendez-vous. D’autant plus qu’en cette année 2017, les studios ont un projet original à nous faire découvrir, bien plus alléchant sur le papier (Coco, attendu pour le 29 novembre). Était-il judicieux de blâmer cette suite de la sorte ? Pas vraiment.

Le premier signe qui montrait un changement radical dans la franchise, c’était la toute première bande-annonce disponible depuis novembre 2016. Le film s’y présentait de manière réaliste (animation à la limite du live) et sombre (teintes grisâtres, accident violent, vrombissements de moteur à la place d’une musique…). Si beaucoup de parents furent indignés par cette vidéo, inadaptée pour leurs jeunes marmots, l’équipe du film y dévoilait toutefois une ambition au combien honorable : celle de faire évoluer la saga, de la faire avancer, grandir (comme ses spectateurs qui la suivent depuis son commencement en 2006). En voyant le résultat final, le changement se fait remarquer, le tout ayant acquis une certaine maturité. Et pour cause, plutôt que de mettre excessivement en avant les comic reliefs (comme l’insupportable Martin) ou de proposer une toute nouvelle gamme de personnages, Cars 3 remet son héros sur le devant de la scène et s’y intéresse pleinement. Le film lui offre un dernier tour de piste en abordant des thématiques beaucoup plus adultes, profondes et significatives telles que la passation de flambeau (John Lasseter and co laissant la place à de nouvelles recrues) ou encore le deuil (le décès du scénariste Daniel Gerson). Ainsi, aussi bien pour les enfants que les plus grands, la franchise gagne en ampleur et en intérêt grâce à ce Cars 3 sachant se montrer malin – le film allant jusqu’à critiquer le merchandising même en révélant ce qui attend McQueen s’il perd la course – et touchant. À tel point qu’il parvient sans mal à dépasser le premier opus, qui ne se contentait alors que de son univers gentillet.

Bien entendu, l’évolution s’est également faite d’un point de vue technique, le rendu ayant évolué depuis le tout premier Cars. Même si, et il fallait s’y attendre, ce troisième opus oublie le côté réaliste de sa bande-annonce pour revenir à l’univers cartoonesque de la saga, l’animation a de quoi bluffer ! En effet, celle-ci propose des paysages aussi saisissants que dans Le Voyage d’Arlo, donnant souvent l’impression de faire face à un véritable film. Un constat qui s’applique également aux personnages, qui perdent leur aspect plastique au profit d’une véritable carrosserie, mise en valeur par des jeux de lumières et de reflets tout aussi détaillés que maîtrisés. Cela peut paraître anecdotique de mettre le doigt sur ce qui semble être un détail visuel, mais cela apporte beaucoup de crédibilité à cet univers de voitures parlantes. On pourrait même parler d’une certaine immersion lors des séquences de courses, ces dernières étant plus fluides, vivantes et percutantes qu’à l’accoutumée. Si l’on peut encore ressortir l’exemple de l’accident de McQueen, la scène du « circuit boueux » reste tout aussi épique et spectaculaire. Le tout aidé par une bande son aux petits oignons.

Pourtant, malgré tous ces changements plus que bénéfiques, une certaine déception se fait ressentir lors du générique de fin. Celle de voir que ce Cars 3, même avec des ambitions plus adultes, garde néanmoins le côté (excessivement !) enfantin de ses prédécesseurs. Que ce soit par le biais d’une intrigue sans surprise (cela ressemble beaucoup au premier opus), d’un humour à ras les pâquerettes et de comic reliefs indigestes répondant toujours présents malgré un temps d’apparition moindre, la saga ne parvient toujours pas à changer de vitesse. Sur ce fait, elle reste au point mort, donnant moins d’impact que prévu à ce gain de maturité. Certes, l’ensemble offre une vision plus complexe de Cars aux jeunots et un divertissement familial sympathique pour les adultes. Mais il manque encore une fois ce qu’il aurait fallu de matière, d’ambiance, de travail scénaristique… bref, ce petit quelque chose qui aurait fait de Cars 3 un Pixar à part entière et non un film d’animation à gros budget lambda et très premier degré : une émotion qui prend aux tripes, une poésie suintant de l’image à tout instant.

Sans pour autant parvenir à faire perdre le statut de bête noire de la saga, Cars 3 en est une sympathique conclusion (ou pas ?). Beaucoup plus posé et mature, ce nouvel opus se présente au public tel un bon petit film d’animation, sans prise de tête, à voir en famille. Une sorte de mise en bouche au très attendu Coco, qui promet d’être un spectacle pixarien à souhait et de passer sous silence la sortie de ce troisième Cars. Rendez-vous donc le 29 novembre 2017 pour retrouver l’originalité et l’émerveillement propre à la firme !

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Cars 3 : Bande-annonce

Cars 3 : Fiche technique

Réalisation : Brian Fee
Scénario : Jonathon E. Stewart, Brian Fee, Ben Queen, Eyal Podell, Kiel Murray, Bob Peterson et Mike Rich
Doublage : Owen Wilson (Flash McQueen), Cristela Alonzo (Cruz Ramirez), Chris Cooper (Smokey), Nathan Fillion (Sterling), Larry the Cable Guy (Martin), Armie Hammer (Jackson Storm), Ray Magliozzi (Dusty), Tony Shalhoub (Luigi)…
Genre : Animation
Direction artistique : William Cone
Montage : Jason Hudak
Musique : Randy Newman
Producteur : Kevin Reher
Productions : Walt Disney Pictures et Pixar Animation Studios
Distributeur : Walt Disney Studios Motion Pictures
Date de sortie : 2 août 2017
Durée : 1h49

États-Unis – 2017