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RRR : le blockbuster tollywoodien qui a conquis le monde

Jérémy Chommanivong
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RRR : le blockbuster tollywoodien qui a conquis le monde

Quatre ans après avoir conquis le monde depuis son fauteuil de streaming, RRR débarque officiellement dans les salles françaises le 29 juillet 2026, grâce au soutien de Carlotta Films et la rétrospective que consacre la Cinémathèque française sur son réalisateur S.S. Rajamouli. Un sacre tardif d’un blockbuster spectaculaire et déjà auréolé d’un Oscar. On suit pendant trois heures deux révolutionnaires qui s’aiment comme des frères, manquent de s’entre-détruire, avant de fusionner, littéralement, en une seule force. Une amitié plus grande que l’Histoire elle-même et un plaisir visuel venu de Tollywood.

Rajamouli vient de Tollywood, l’industrie du cinéma télougou nichée à Hyderabad — une cousine de Bollywood, mais pas son double. Là où le cinéma hindi de Mumbai a bâti sa légende sur la romance et la grande comédie musicale, le télougou a préféré, ces dernières années, cultiver autre chose. Il s’agit d’un cinéma taillé dans le culte du héros où l’exploit surhumain est filmé comme un miracle au ralenti. RRR a fini par exporter ce genre bien au-delà de ses frontières régionales, jusqu’à en faire une évidence mondiale. Rajamouli, pourtant, ne se contente jamais d’en respecter les codes ; il les discipline avec une rigueur d’ingénieur, storyboardant chaque plan où aucune chorégraphie n’est dû au hasard, sans renoncer pour autant à la démesure mythologique qui fait battre le cœur du genre. Cette alliance entre artisanat de haute précision et fureur populaire assumée ne ressemble à rien d’autre, ni ailleurs en Inde, ni au-delà. C’est précisément ce qui distingue RRR d’un blockbuster hollywoodien, avec ses trois heures de visionnage qui ne sont jamais pesantes, tant Rajamouli cherche moins à impressionner par l’endurance qu’à submerger par l’émotion, jusqu’à ce que la notion même de durée s’efface.

Ce goût pour la démesure mythologique ne date pas de RRR, qui est déjà son douzième long-métrage ; il s’est construit film après film. Dans Maryada Ramanna (2010), comédie de vendetta villageoise librement inspirée de Buster Keaton. Vient ensuite Eega, la mouche vengeresse (2012), premier geste de conteur pleinement assumé, où la réincarnation et le karma deviennent le moteur d’une fable qui ne doute jamais de sa propre logique, aussi absurde soit sa prémisse. Puis le dyptique La Légende de Baahubali (2015-2017) fait passer cette logique à l’échelle d’un royaume entier, empruntant ouvertement aux grandes épopées sanskrites leur architecture de légende transmise comme un mythe fondateur. RRR (pour « Rise Roar Revolt ») referme cette boucle en appliquant cette même machinerie mythologique à une histoire réelle, celle de deux résistants à la colonisation britannique, pour en faire, à son tour, une légende.

Amour et trahison

Le film s’ouvre en Inde coloniale, au début des années 1920. Komaram Bheem, guerrier gond, traque Malli dans les rues de Delhi, une fillette de sa tribu enlevée par le gouverneur britannique et son épouse, séduits par sa voix. De l’autre côté, Alluri Sitarama Raju, officier au service de l’Empire en quête de reconnaissance et de promotion, poursuit tout autre chose. Les deux hommes, avant de se reconnaître, se rencontrent sous un pont en flammes pour sauver ensemble un enfant tombé à l’eau. Une scène fondatrice et presque un résumé codé de tout ce qui va suivre. Bheem et Raju, l’eau et le feu selon la propre mythologie du film, ne devraient jamais pouvoir s’allier. Ils vont pourtant devenir les meilleurs amis du monde, avant que le devoir, le secret, et une trahison qui n’en est pas vraiment une, ne viennent tout percuter.

Car RRR ne raconte pas l’Histoire, il la rêve. Alluri Sitarama Raju et Komaram Bheem ont réellement existé, réellement résisté à l’Empire britannique, et ne se sont, dans les faits, jamais rencontrés. Rajamouli ne s’en cache pas, les tout premiers cartons du film préviennent que son récit tient davantage du conte que de la reconstitution historique. Loin d’être une esquive commode, ce geste s’inscrit dans une tradition bien plus ancienne du cinéma populaire indien, qui a toujours préféré la puissance symbolique du mythe à la fidélité documentaire. RRR va même plus loin, en habillant ses deux héros d’une seconde peau épique, empruntée aux grandes épopées sanskrites. De quoi légitimer, aux yeux d’un public biberonné à ces récits depuis l’enfance, des exploits qui confinent au surhumain, aux super-héros.

Sans dévoiler les nombreuses péripéties qui vont dresser ces deux frères de cœur et de sang l’un contre l’autre, il faut comprendre que le feu et l’eau, avant de fusionner en une force qu’aucune armée ne pourra plus arrêter, commencent d’abord par se neutraliser. Chacun avance vers un absolu qui semble exclure l’autre. C’est ce qui fait tout le sel du film : une amitié habitée et une bromance assumée pour survivre à sa propre rupture.

Frères de danse

Formellement, RRR épouse ce même mouvement de bascule. Sa première partie carbure à une énergie résolument festive, empruntée à ce que le cinéma indien fait de plus galvanisant d’une romcom. C’est là, dans les jardins du gouverneur, qu’explose « Naatu Naatu », duel de danse endiablé devenu un mème planétaire avant de décrocher le Golden Globes et l’Oscar de la meilleure chanson originale. Puis, sans prévenir, le film change de gamme. Entre la flagellation publique de Bheem et les flashbacks qui dévoilent les motivations réelles de Raju, on referme délicatement la parenthèse burlesque pour replonger dans la tragédie et la mythologie révolutionnaire. Peu de blockbusters osent un tel écart de ton sur un seul métrage, mais Rajamouli, lui, n’a jamais eu peur de heurter son public pour mieux le cueillir ensuite.

Cette audace n’est pas neuve chez lui. Rajamouli s’amusait déjà, dans Eega, à tordre les conventions bien ancrées du cinéma tollywoodien, jusqu’à confier une séquence dansée entière à une mouche en images de synthèse, clin d’œil facétieux aux quotas de numéros musicaux qu’impose traditionnellement le genre. RRR hérite directement de cette désinvolture, celle d’un cinéaste qui connaît les codes du cinéma indien par cœur, et qui ne les respecte que pour mieux choisir, à chaque film, ceux qu’il va allègrement détourner à son avantage.

Ce qui n’empêche pas d’en assumer d’autres, car le versant colonial du récit revendique pleinement son goût du cliché — gouverneurs sadiques, épouses hautaines, garnisons interchangeables — pour offrir au grand public une lisibilité immédiate plutôt qu’une nuance historique. Un choix de blockbuster assumé, porté par un casting occidental (Ray Stevenson en tête) qui incarne cette caricature avec un aplomb presque jubilatoire. Mais la réserve mérite d’être posée : cette même simplification, appliquée cette fois aux populations Adivasi que le film prétend précisément célébrer, a aussi nourri des critiques, y compris en Inde, quant à la manière dont Rajamouli façonne, et parfois réduit, les peuples qu’il érige en héros. Le grand spectacle n’est jamais tout à fait innocent, même lorsqu’il se pare des habits de la révolte populaire.

Reste que RRR ne fonctionnerait qu’à moitié aussi bien sans l’alchimie physique de ses deux interprètes. Ram Charan et N.T. Rama Rao Jr. dansent, se battent et se dévisagent avec une intensité qui rend chaque regard échangé aussi lourd de sens qu’une déclaration de guerre ou d’amour. C’est sans doute là, plus encore que dans les explosions ou les tigres lâchés sur des soldats en déroute, que réside la vraie prouesse du film : faire de deux hommes, et de leur amitié, l’attraction la plus spectaculaire de toutes.

Alors oui, il faudra accepter de donner trois heures de sa vie à RRR, mais trois heures qui, en réalité, se dévorent bien plus vite qu’elles ne se comptent. Ce que Carlotta Films offre enfin au public français, avec quatre ans de retard mais une ferveur intacte, c’est moins un film qu’une expérience collective : celle d’une salle entière qui rit, pleure, chante et retient son souffle à l’unisson, comme le veut la tradition des salles indiennes que Rajamouli a fini par exporter jusqu’à Hollywood. Le feu et l’eau se rencontrent rarement sans dégâts. RRR fait la promesse que ces deux forces contraires, assez tenaces, finissent toujours par en faire qu’une, et avec la manière.

Une œuvre à chérir avec passion et à ne surtout pas manquer sur grand écran, en attendant la suite surprise qui est encore en pré-production.

RRR – bande-annonce

RRR – fiche technique

Titre original : Roudram Ranam Rudhiram (« Rage, Guerre et Sang »)
Réalisation : S. S. Rajamouli
Scénario : S.S. Rajamouli, d’après une histoire de V. Vijayendra Prasad
Interprètes : NTR, Ram Charan, Ajay Devgan, Alia Bhatt, Shreya Saran, Samuthirakani, Ray Stevenson, Alison Doody, Olivia Morris
Photographie : K.K. Senthil Kumar
Montage : Sreekar Prasad
Musique : M.M. Kreem
Direction artistique : Sabu Cyril
Effets visuels : V. Srinivas Mohan
Costumes : Rama Rajamouli
Responsable des cascades : King Solomon
Production : D.V.V. Danayya
Production exécutive : S.S. Karthikeya
Production exécutive et postproduction : M.M. Srivalli
Sociétés de production : DVV Entertainment
Pays de production : Inde
Société de distribution France : Carlotta Films
Durée : 3h04
Genre : Action, Guerre, Drame
Date de sortie : 25 mars 2022
Date de sortie en France : 29 juillet 2026

4.5

Le Rouge et le Noir (1954) : exploration d’une quête romantique, politique et spirituelle

Lucie Blondat
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Le Rouge et le Noir (1954) : exploration d’une quête romantique, politique et spirituelle

Gérard Philipe incarne l’un de ses rôles les plus intenses dans cette grande adaptation d’un roman central de la littérature romantique française, Le Rouge et le Noir de Stendhal.

Synopsis : Au XVIIIe siècle à Besançon se déroule le procès de Julien Sorel, inculpé pour tentative de meurtre envers Madame de Rénal. En attendant le verdict, Julien revit son passé : simple fils de charpentier, sa volonté de s’élever socialement le conduit à devenir précepteur des enfants de Monsieur de Rénal. Après avoir séduit sa femme, il s’éloigne de la famille pour mettre un terme aux rumeurs et s’entiche de Mathilde, la fille du marquis de la Mole. Madame de Rénal, rongée par les remords et la jalousie, adresse une lettre d’aveux au marquis afin de révéler la liaison passée de son futur gendre…

Des personnages romantiques par excellence

Attirés par l’amour, la mort, la joie et la souffrance, Julien, Madame de Rénal et Mathilde évoluent consumés par leurs propres passions, entourés par des tentations qui les guettent. Gérard Philipe interprète un Julien fougueux et avide de liberté, dont le regard bleu glacé cache les sentiments les plus réprimables. « Jamais un péché n’aura été commis avec moins de joie », affirme Julien au cœur de la nuit.

« Ma mère, est-ce que quelqu’un a jamais voulu vous tuer ? Oh, vous ne savez pas ce que c’est que d’être aimée ! », clame Mathilde. Cette réplique pourrait résumer le tempérament de ces personnages sulfureux. La caméra reste en retrait face à ces acteurs pleins de vie. Malgré quelques plans filmés en mouvements panoramiques, le regard du spectateur se concentre davantage sur les mouvements mêmes des acteurs que sur la mise en scène.

Les passions terrestres face aux passions spirituelles

Alors que Madame de Rénal a toujours évolué au sein d’une existence pieuse, la venue de Julien chamboule sa vie. Elle le perçoit à l’image de Dieu, le remplaçant presque. « Je sens pour toi ce que je devrais sentir pour Dieu. Le respect, l’amour, l’obéissance », dit-elle dans un souffle. Les nombreux gros plans délivrent toute l’intensité du jeu de Danielle Darrieux, jusque dans les larmes qui abandonnent ses yeux. Au contraire, la religion est seulement pour Julien un moyen de s’élever socialement.

Les costumes portés par Madame de Rénal traduisent ce déchirement intérieur, entre robes aux couleurs vivifiantes et d’autres bien plus sombres et ternes, lorsqu’elle désire se repentir. Néanmoins, la rédemption semble impossible lorsque la fin du film est montrée dès son début. Les péchés sont commis, l’amour divin rejoint l’amour physique, jusqu’aux actes les plus condamnables. La providence n’attend pas, comme si leur destin était déjà écrit d’avance.

Contexte historique de l’œuvre

Bien que l’on retienne plus aisément le penchant romantique du roman, Le Rouge et le Noir constitue également un récit de lutte des classes, au sein duquel Julien Sorel en est le centre. Dans une France post-napoléonienne, il tente d’évoluer dans des classes supérieures mais est toujours ramené à sa démarche jugée trop « provinciale » et « paysanne ».

Comme dans le livre de Stendhal, Claude Autant-Lara démontre avec minutie le fait que les femmes permettent l’ascension sociale de Julien, à l’image de Georges Duroy dans Bel-Ami de Guy de Maupassant, car elles ne le réduisent pas à son statut social. Les femmes et l’Église l’accueillent, à l’image de l’abbé Chélan puis de l’abbé Pirard qui le prennent sous leur aile. Le long-métrage souligne le charme qu’opère Julien sur son entourage, et ce malgré son tempérament exalté.

Analyse chromatique

Le réalisateur opte pour une mise en scène à la fois sobre et chatoyante : sobre car la caméra reste discrète dans ses mouvements, et chatoyante par le prestige de ses décors et costumes. Pourtant, bien que la couleur noire soit surtout présente dans les costumes portés élégamment par Gérard Philipe, nous pourrions déplorer l’absence de rouge dans le cadre. Le rouge nous serait alors imaginé, selon notre propre interprétation de cette couleur.

Une pièce détonne cependant : la bibliothèque aux livres rouges du marquis de la Mole, dans laquelle se rencontrent Julien et Mathilde. Le rouge pourrait ainsi être aisément associé à l’amour, à la passion, ou encore à la souffrance et à la damnation. Il est également présent sur les costumes militaires que portent Monsieur de Rénal puis Julien dans quelques séquences. Ainsi, dans le titre, le « rouge » pourrait traduire la carrière militaire qui s’offrait au protagoniste, tandis que le « noir » représenterait au contraire sa carrière ecclésiastique, au travers des vêtements religieux.

Que vaut cette adaptation ?

En somme, il semblerait que Claude Autant-Lara ait voulu réaliser une adaptation fidèle du roman, se concentrant davantage sur les tourments des personnages que sur une mise en scène unique. Ce choix constitue l’expérience cinématographique du film en elle-même. Sept ans plus tard, en 1961, il réalise une autre adaptation d’un roman majeur de la littérature française, Le Comte de Monte-Cristo, avec Louis Jourdan.

Le Rouge et le Noir – bande-annonce

Le Rouge et le Noir – fiche technique

Réalisation : Claude Autant-Lara
Scénario : Jean Aurenche, Pierre Bost et Claude Autant-Lara, adapté du roman Le Rouge et le Noir de Stendhal
Dialogues : Jean Aurenche et Pierre Bost
Décors : Max Douy
Costumes : Rosine Delamare, Jacques Heim, Paulette Coquatrix
Photographie : Michel Kelber
Cadreur : Vladimir Ivanov
Son : Antoine Petitjean
Montage : Madeleine Gug
Musique : René Cloërec
Genre : drame, romance, historique
Durée : 186 minutes (version longue)
Date de sortie en France : 29 octobre 1954

Sur la route d’Omaha : le pari de la retenue

Beatrice Delesalle
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Sur la route d’Omaha : le pari de la retenue

Présenté au Festival de Sundance et à Deauville en 2025, Sur la route d’Omaha suit un père et ses deux enfants contraints de quitter leur maison du jour au lendemain. Sans jamais céder au misérabilisme, Cole Webley signe un road movie d’une grande délicatesse, où chaque étape révèle ce qu’une famille tente encore de préserver lorsque tout semble lui échapper.

Synopsis : Ella et son frère Charlie sont réveillés en pleine nuit par leur père. Sans explication, il les embarque pour un long voyage sur les routes du Midwest. Alors que les deux jeunes enfants découvrent un monde qu’ils n’ont jamais vu, leur père demeure mutique et soucieux. Ella commence alors à entrevoir la vérité derrière ce voyage improvisé…

The Pursuit of Happyness

Les road movies commencent généralement par un départ. Sur la route d’Omaha commence par une expulsion. Une famille quitte sa maison dans les premières lueurs de l’aube, presque comme des voleurs, emportant avec eux le strict minimum. En quelques minutes, Cole Webley pose les bases de son récit. On ignore où Martin (John Magaro) emmène ses deux enfants. Et Rex, leur chien. En revanche, on sait exactement ce qu’ils viennent de perdre : leur maison, leurs repères, leur quotidien. À partir de cet instant, la voiture cesse progressivement d’être un simple moyen de transport. Elle devient une salle à manger, parfois une chambre. Un refuge de plus en plus indispensable.

Les habitués de Sundance reconnaîtront immédiatement une certaine grammaire du cinéma indépendant américain : un rythme contemplatif, une photographie naturaliste, un score tout en retenue. Pourtant, rien ne donne le sentiment que Cole Webley cherche à cocher les cases du parfait film Sundance. Le film en possède naturellement les qualités, jamais les recettes.

Le spectateur avance comme Charlie (Wyatt Solis) et Ella (Molly Belle Wright) : sans savoir où la route mène. Les étapes se ressemblent. Stations-service. CVS. McDonald’s. Motels aux piscines faussement accueillantes. Une succession de lieux impersonnels où l’on ne fait que passer. Face à ces décors interchangeables, la vie des gens ordinaires semble toujours ailleurs, au sens propre comme au figuré.

Cette Amérique des marges évoque parfois The Florida Project. Mais là où Sean Baker faisait encore des motels un lieu de vie, Cole Webley les filme comme des espaces de transit qui disent aussi l’extrême précarité financière dans laquelle Martin s’enfonce.

La voiture mérite qu’on s’y attarde. Elle tousse, rechigne, refuse de démarrer. Ella descend régulièrement aider son père à la pousser. Lorsqu’enfin le moteur repart, un sourire triomphant éclaire leurs deux visages. Une victoire dérisoire, mais une victoire malgré tout. Plus qu’un simple moyen de transport, cette vieille voiture devient le dernier foyer de cette famille. À mesure que le voyage avance, elle s’épuise avec eux jusqu’à finir échouée au beau milieu de la chaussée.

Le distributeur français a choisi le titre Sur la route d’Omaha. Pas Sur les routes. Ce singulier paraît presque anodin. Tout, pourtant, évoque une errance, une succession d’étapes sans véritable destination. Ce n’est qu’une fois le générique de fin achevé que ce choix révèle toute sa pertinence.

Pourtant, le véritable cœur du film n’est ni la route ni même la précarité grandissante. C’est une absence.

La mère n’apparaît presque jamais. Pourtant, elle ne quitte jamais réellement le récit. Cole Webley ne recourt jamais au flash-back. Il préfère faire entendre une voix. Un CD enregistré pour être « écouté en famille », quelques silences et cette vieille chanson populaire américaine, reprise bien plus tard par Nirvana, suffisent à rendre cette mère, cette épouse, intensément présente sans la montrer. Rarement un personnage aura existé avec si peu.

Martin lutte évidemment contre les difficultés matérielles. Mais le film laisse planer une autre question : a-t-il seulement survécu à cette disparition ?

Comme la voiture n’est jamais une simple voiture, Rex n’est jamais un simple chien. Il est l’un des derniers liens qui rattachent encore cette famille à une vie ordinaire et insouciante. C’est peut-être là que le film rejoint le plus justement Wendy and Lucy de Kelly Reichardt. Non parce qu’il met lui aussi un chien au cœur du récit, mais parce que, dans les deux films, l’animal devient le révélateur silencieux de tout ce qui est en train de disparaître.

John Magaro impressionne par son économie de jeu. Il prononce très peu de mots, mais son visage raconte le reste. Face à lui, Molly Belle Wright et Wyatt Solis trouvent une justesse remarquable. On croirait parfois assister à des instants de vie plus qu’à des scènes écrites, tant les enfants semblent évoluer avec une liberté désarmante.

Une scène résume à elle seule la délicatesse du film : celle des feux d’artifice. Pour la première fois, les habitants sont visibles : ces feux d’artifice les jettent dehors. Ils discutent, regardent le ciel, partagent un moment de fête. Contrairement à ce que cette succession de bourgades impersonnelles pouvait laisser croire, la vie des autres n’était pas qu’ailleurs. Elle était là aussi, sous leurs yeux. Pourtant, Martin ne voit même pas ces explosions de joie, englué dans ses soucis ; il ne réveille pas ses enfants pour assister à ce spectacle qui leur est de fait refusé, comme tant d’autres choses.

Le reste du temps, et à l’inverse de Nomadland de Chloé Zhao, où Fern finit toujours par rencontrer une communauté prête à l’accueillir, Martin demeure presque constamment seul. Personne ne partage réellement sa route.

Au détour d’un plan, un camion arbore l’inscription « Don’t cross the line ». Martin, lui, ne semble jamais franchir la ligne. Tout au long du film, il s’efforce au contraire de protéger ses enfants et de préserver une forme de normalité. La véritable ligne est peut-être celle que la société a franchie bien avant lui.

Puis vient un ultime carton.

Il ne renverse pas le film. Il oblige simplement à le regarder autrement.

Sous les apparences d’un road movie minimaliste, Cole Webley filme avec une infinie délicatesse tout ce que cette famille aura tenté de préserver en chemin ; lorsque la route s’achève, c’est ce qui demeurera en mémoire, bien plus que les kilomètres parcourus.

🎬Sur la route d’Omaha – Bande-annonce

🎬 Sur la route d’Omaha – Fiche technique

Titre original : Omaha
Réalisateur : Cole Webley
Scénario : Robert Machoian
Interprétation : John Magaro (le père), Molly Belle Wright (Ella), Wyatt Solis (Charlie), Talia Balsam (l’infirmière Edie), Rachel Alig (la shérif)
Photographie : Paul Meyers
Montage : Jai Shukla
Musique : Christopher Bear
Producteur : Preston Lee
Sociétés de production : Sanctuary Content, Kaleidoscope Pictures, Monarch Content
Distribution (France) : Condor Distribution
Année de production : 2025
Durée : 83 minutes
Genre : Drame
Date de sortie (France) : 22 juillet 2026

Les Maîtres de l’univers (2026) : les muscles froissés

Jérémy Chommanivong
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Les Maîtres de l’univers (2026) : les muscles froissés

Les Maîtres de l’univers méritait mieux qu’un bide en salles suivi d’un enterrement discret en streaming, un mois et demi plus tard, sans même passer par les cinémas français. Ce naufrage ne doit rien au hasard. Il sanctionne un film qui n’a jamais eu le courage d’être aussi excessif que son héros Musclor ou de son méchant cartoonesque Skeletor.

Face au succès populaire de Star Wars, Mattel invente sa propre mythologie taillée pour les rayons de jouets, à mi-chemin entre l’heroic fantasy qui rappelle Conan le Barbare et le space opera de George Lucas. Et c’est en 1982 que nait le royaume d’Eternia, son château en forme de crâne géant, son barbare musclé au regard vide et son ennemi juré, à qui il manque justement la peau sur le visage. He-Man and the Masters of the Universe, le dessin animé qui accompagne le lancement, est pensé comme un spot publicitaire, décliné en centaines d’épisodes, où l’intrigue sert avant tout de prétexte à vendre la panoplie du mois. Ce procédé suit la même logique que pour les licences Transformers et G.I. Joe, donnant à toute une génération une nostalgie diffuse, plus attachée à des silhouettes et à des punchlines qu’à un scénario véritable.

C’est toute l’ambiguïté de cet univers, dont l’empreinte culturelle tient davantage du mème que du récit. Tout le monde reconnaît le rictus de Skeletor ou hurle mentalement « Par le pouvoir du crâne ancestral ! », mais peu de gens sauraient raconter une seule intrigue de la série sans bafouiller. Alors quand Barbie, en 2023, transforme une autre antiquité du catalogue Mattel en phénomène de société porté par Margot Robbie, la logique de studio devient imparable : si une poupée peut remplir les salles, pourquoi pas un bonhomme au torse briqué et à l’épée magique ? Le problème, c’est que Barbie n’a pas fonctionné parce qu’elle exploitait la nostalgie, mais parce qu’elle la retournait comme un gant, avec une intelligence et un cynisme que peu de studios osent revendiquer. Musclor, lui, n’aura jamais ce courage.

Par le pouvoir du merchandising

Une première tentative de porter la licence au cinéma avait pourtant déjà tout dit en 1987. Le colosse suédois Dolph Lundgren est appelé dans un rôle-titre qu’il habite plus par le corps que par les mots. Et le tournage a été bouclé avec un budget si maigre qu’Eternia disparaît presque entièrement de l’intrigue au profit d’un parking de banlieue californienne. Le film coule, entraînant dans sa chute le studio Cannon Group, déjà agonisant. Mais quarante ans plus tard, cet accident industriel est devenu un objet culte, adoré précisément pour son toc, son bricolage et son incapacité totale à masquer ses coutures. Il osait, quitte à se planter magistralement, et c’est peut-être ce qui lui a sauvé la mise auprès de la postérité.

Netflix retente sa chance en 2021 avec la série animée Les Maîtres de l’univers : Revelation, confiée à Kevin Smith. Le showrunner fait un pari risqué en laissant Musclor en retrait dès le premier épisode pour faire de Teela, personnage jusque-là secondaire, la véritable protagoniste. L’idée n’est pas mauvaise sur le papier, mais un marketing qui vend une série centrée sur He-Man provoque un sentiment de trahison chez une partie du public. Sur ce type de licence, le moindre écart de conduite déclenche une fracture immédiate entre fans, et aucune tentative de renouvellement ne fait jamais l’unanimité.

Cinq ans plus tard, c’est au tour de Travis Knight de s’y coller, avec un pedigree qui laissait espérer le meilleur. Passé par l’animation en volume chez Laika, réalisateur de Kubo et l’armure magique, puis « sauveur » inattendu de la saga Transformers avec Bumblebee. Le projet des Maîtres de l’univers traîne depuis dix-sept ans dans les limbes du développement, passe de studio en studio, avant qu’Amazon MGM ne mette enfin entre 170 et 200 millions de dollars sur la table. Sur le papier, on pouvait y croire.

Le prix de la prudence

Dans les faits, le film s’écroule dès son premier week-end américain et ne redresse jamais la barre, ne récupérant que la moitié de son investissement. Un mois et demi plus tard, il atterrit en streaming dans le monde entier, y compris en France, où il n’aura même pas eu droit à une sortie en salles. Un enterrement de premier ordre pour une production à neuf chiffres, et un symptôme qui ne trompe personne. Ce genre de bide sanctionne rarement une seule scène ratée. Il sanctionne un ton, une absence de prise de risque, quelque chose de trop sage pour espérer surprendre qui que ce soit dans son salon.

Le film a pourtant de quoi séduire. Nicholas Galitzine incarne un prince Adam chétif, sans la moindre envie de briller par la force, exilé sur Terre depuis quinze ans et rattrapé malgré lui par un héritage qu’il n’a jamais désiré. Skeletor cherche cependant à s’emparer de son Épée du Pouvoir pour affirmer une autorité qu’il possède à moitié. L’origin story lorgne autant du côté de Superman que de la tragédie d’Hamlet, avec ce même refus initial du destin qui structure tant de récits héroïques. L’idée est solide. Knight souhaite faire de la musculature du Prince Adam un fardeau avant d’en faire un exploit. Ce qui efface peu à peu les rôles d’Idris Elba et de Camila Mendes dans un groupe qui n’a pas le temps d’exister.

Le kitsch assumé aussi est un choix défendable. Les figurines de notre enfance reprennent vie à l’écran avec une évidente gourmandise visuelle, une bande-son pop signée Daniel Pemberton, un casting qui cabotine avec l’énergie qu’on attend de ce genre d’entreprise. On ne vient pas voir Les Maîtres de l’Univers pour de la nuance psychologique, mais pour des cosplayeurs surmusclés qui s’insultent en hurlant des incantations avec conviction. Mais il y a une dissonance dans l’écriture (une brochette de scénaristes se succède au générique), expliquant le naufrage en règle de ce reboot. Il faut attendre près d’une heure d’exposition laborieuse avant que Knight ne puisse enfin s’amuser avec les jouets qu’on lui a confiés. Il y a quelques bonnes idées dans les affrontements, mais on se rapproche, la plupart du temps, d’un spot publicitaire de jeux vidéo. On vit moins l’action qu’on la contemple avec plaisir ou émotion. Quant aux dialogues, ils s’étirent avec une réplique de trop, et l’humour, burlesque et répétitif, calqué sur le manuel des Gardiens de la Galaxie de James Gunn et sur l’univers colorée du Thor : Ragnarok de Taika Waititi, retombe systématiquement après chaque gag physique, comme si le film n’avait pas confiance dans ses propres pitreries et ressentait le besoin de les commenter à voix haute. Résultat : la tension ne monte jamais vraiment, les rires non plus.

L’épine du pouvoir

Il y a peut-être Jared Leto qui s’amuse à cabotiner en Skeletor, derrière un masque numérique qui l’empêche d’incarner un méchant crédible mais volontairement caroonesque. Le film préfère ainsi le folklore au frisson. Même les clins d’œil les plus travaillés du film sonnent creux. Une réplique et un morceau de Queen empruntés à Highlander n’ont d’autre fonction que de rappeler qu’Amazon MGM produit aussi le reboot de ce dernier avec Henry Cavill. Le symbole, encore une fois, prime sur le sens et la citation devient un logo publicitaire plutôt qu’un dialogue avec l’œuvre citée.

À force, les décors, les costumes, la playlist des années 80 en fond, les émotions et l’humour finissent par sonner faux, un peu à la manière d’un parc à thème qui simule l’aventure sans jamais y croire vraiment. Le film cherche son moment de bravoure collective sur la fin, où tous les héros s’unissent enfin, l’instant que la franchise attend depuis 1987. Et n’y parvient jamais, comme si personne, sur le plateau, n’avait cru assez fort à sa mythologie pour la rendre inoubliable.

L’échec ne tient pas au budget, largement suffisant pour porter ce projet, mais à une écriture trop calibrée et prudente pour espérer surprendre un spectateur qui, chez lui, a la télécommande à portée de main et l’ennui pour seul ennemi. En cela, le film rejoint étrangement son ancêtre de 1987 sur l’échelle de la bêtise, sans en partager l’audace. Amazon n’a pas d’excuse. Musclor version 2026 s’éteint proprement sur tous les écrans du monde sans avoir jamais eu le cran de faire du bruit. Et c’est bien dommage, car tous les ingrédients d’une bisserie étaient pourtant réunis.

Les Maîtres de l’univers (2026) – bande-annonce

Les Maîtres de l’univers (2026) – fiche technique

Titre original : Masters of the Universe
Réalisation : Travis Knight
Scénario : Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee, Dave Callaham
Histoire : Aaron Nee, Adam Nee, Alex Litvak et Michael Finch (d’après Masters of the Universe, créé par Mattel)
Interprètes : Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Alison Brie, Jared Leto, Idris Elba, James Purefoy, Morena Baccarin, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Charlotte Riley, avec la participation de Kristen Wiig (voix de « Roboto »)
Photographie : Fabian Wagner
Direction artistique : Dominique Law
Montage : Paul Rubell
Costumes : Richard Sale
Décors : Guy Hendrix Dyas
Musique : Daniel Pemberton
Producteurs : Todd Black, Jason Blumenthal, Robbie Brenner, DeVon Franklin
Producteurs exécutifs : Ynon Kreiz, Bill Bannerman, David Bloomfield
Studio : Amazon MGM Studios
Société de production : Escape Artists, Mattel
Pays de production : États-Unis
Société de distribution France : Prime Video
Durée : 2h12
Genre : Science-fiction, Action, Aventure
Date de sortie : 5 juin 2026
Date de sortie en France : 22 juillet 2026 (sur Prime Video)

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Grand Prix de Hongrie de Formule 1 2026 : Calendrier, Billets, Circuit et Tout ce qu’il faut savoir

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Le Grand Prix de Hongrie de Formule 1 2026 se disputera sur le Hungaroring, circuit sinueux réputé pour ses 14 virages techniques. Cette manche estivale impose des défis stratégiques majeurs aux monoplaces. Betwinner Cote d’ivoire offre aux parieurs un accès complet aux marchés liés à cette épreuve. Bien que l’usure physique des gommes y soit modérée, la gestion thermique des pneumatiques sur ce tracé exigeant demeure un paramètre déterminant pour la performance.

Quand aura lieu le Grand Prix de Hongrie de Formule 1 2026 ?

Le Grand Prix de Hongrie de Formule 1 2026 se tiendra du 24 au 26 juillet. Cette onzième manche du championnat intervient juste avant la traditionnelle trêve estivale d’août. Les monoplaces fouleront l’asphalte du Hungaroring durant ce week-end précis, offrant aux spectateurs trois jours d’actions ininterrompues sur le circuit mogyoródi.

Calendrier du Grand Prix de Hongrie de Formule 1 2026

Le déroulement du Grand Prix de Hongrie de Formule 1 2026 exige une organisation minutieuse, répartissant les sessions sur trois jours complets. Les essais libres, les qualifications et la course principale s’enchaînent selon un rythme soutenu pour les écuries.

 

Session Date Heure (CEST)
Essais Libres 1 24 juillet 2026 13:30 – 14:30
Essais Libres 2 24 juillet 2026 17:00 – 18:00
Essais Libres 3 25 juillet 2026 12:30 – 13:30
Qualifications 25 juillet 2026 16:00 – 17:00
Course 26 juillet 2026 15:00

Chaque séance possède une importance capitale pour la stratégie des équipes. Pendant les pauses entre les sessions, les supporters présents dans les tribunes peuvent accéder à l’option Penalty shoot out jouer depuis leurs appareils mobiles, profitant ainsi d’une diversion ludique tout en attendant le retour des pilotes sur la piste.

Guide du Circuit du Hungaroring

Le tracé sinueux du Hungaroring impose une configuration aérodynamique maximale pour le Grand Prix de Hongrie de Formule 1 2026. Souvent assimilé à une piste de karting géante, ce circuit punit impitoyablement la moindre erreur de trajectoire. La gestion thermique de la gomme devient un paramètre décisif ici, car les faibles vitesses de passage limitent le refroidissement des pneumatiques dans les enchaînements soutenus.

  • Virage 1 : Zone de freinage tardif cruciale, seule véritable opportunité de dépassement conventionnel.
  • Virages 4 et 5 : Enchaînement technique exigeant un équilibre mécanique parfait pour maintenir la vitesse de passage.
  • Voie des stands : Particulièrement longue, pénalisant lourdement les arrêts et favorisant les stratégies conservatrices.

La raréfaction des dépassements en course brute transforme les qualifications en session déterminante. Les analystes évaluant les marchés du Grand Prix de Hongrie 2026 privilégient systématiquement les écuries capables d’extraire un tour de qualification exceptionnel. L’évolution de la piste modifie radicalement les niveaux d’adhérence entre les essais libres et la grille de départ.

Pilotes et Écuries à Surveiller au Grand Prix de Hongrie

Les circuits à fort appui rebattent les cartes de la hiérarchie lors du Grand Prix de Hongrie de Formule 1 2026. Cette épreuve récompense l’efficience du châssis plutôt que la vélocité pure. Les monoplaces dotées d’une excellente motricité dictent le rythme, séparant les prétendants au podium du reste du peloton.

  • Max Verstappen : Sa capacité à moduler l’accélération préserve la traction mécanique dans les épingles lentes.
  • Lando Norris : Sa capacité à qualifier la McLaren dans les premiers rangs offre un avantage structurel.
  • Charles Leclerc : Son feeling exceptionnel en basse vitesse maximise la performance de la Scuderia.

Les philosophies de développement s’affrontent sur ce terrain technique. Les écuries générant une charge aérodynamique supérieure dominent les secteurs sinueux et transforment chaque week-end en un laboratoire d’ingénierie.

  • McLaren : Leur package aérodynamique polyvalent excelle dans les configurations de forte charge.
  • Ferrari : L’évolution du propulseur italien garantit une traction supérieure à la sortie des virages.
  • Red Bull Racing : Leur maîtrise du règlement technique 2026 assure une efficience mécanique redoutable.

Les parieurs avertis scrutent le deuxième secteur. Une monoplace y affichant une vélocité supérieure convertit sa position en points lourds lors de la Formule 1 Hongrie 2026.

Prédictions pour le Grand Prix de Hongrie 2026

L’architecture sinueuse de la piste hongroise avantage structurellement les monoplaces générant un appui aérodynamique maximal. Les bookmakers ajustent leurs cotes selon ces contraintes historiques. Le marché des paris sportifs pour le Grand Prix de Hongrie 2026 positionne clairement les favoris en fonction de leur performance en qualification.

  • Victoire finale : McLaren s’impose comme favori structurel, Lando Norris ou Oscar Piastri exploitant la supériorité du châssis dans les configurations à forte charge.
  • Accès au podium : Max Verstappen et Charles Leclerc conservent leurs chances grâce à leur capacité exceptionnelle en qualification et leur gestion des pneumatiques.
  • Pole position : Lando Norris détient l’avantage statistique, sa maîtrise du tour rapide offrant un avantage décisif sur ce tracé.
  • Outsider compétitif : Mercedes pourrait surprendre si l’évolution aérodynamique de la W17 compense les lacunes en traction mécanique.

L’analyse des variables externes modifie instantanément l’équilibre compétitif. Les parieurs étudiant la Formule 1 Hongrie 2026 doivent scruter les données télémétriques des essais du vendredi. Le concurrent obtenant un air propre en début d’épreuve consolide sa fenêtre stratégique optimale face aux incertitudes météorologiques typiques de cette période estivale.

Prévisions Météorologiques pour le Week-end du Grand Prix de Hongrie

Le climat estival de Budapest impose des conditions extrêmes. Les températures ambiantes dépassent régulièrement les 30 degrés Celsius, portant l’asphalte au-delà de 50 degrés. Cette chaleur intense provoque une surchauffe mécanique sévère. Des orages locaux et soudains perturbent fréquemment les sessions de qualifications, modifiant radicalement les paramètres d’adhérence. Les équipes doivent anticiper ces variations atmosphériques brutales pour optimiser leurs réglages.

Billets pour le Grand Prix de Hongrie

L’acquisition des sésames pour le Grand Prix de Hongrie 2026 requiert une anticipation rigoureuse. Les guichets officiels du Hungaroring ouvrent les ventes plusieurs mois avant l’épreuve, proposant des accès journaliers ou des abonnements complets. Les tarifs varient considérablement selon les tribunes, les places pelouse restant les plus abordables pour les spectateurs cherchant une immersion atmosphérique sans compromis sur la vue d’ensemble du tracé sinueux.

Comment regarder le Grand Prix de Hongrie 2026

La diffusion mondiale de la Formule 1 garantit une couverture exhaustive de chaque tour du Grand Prix de Hongrie 2026. Les diffuseurs officiels retransmettent l’intégralité du week-end en haute définition. Parallèlement, les plateformes numériques et les bookmakers internationaux, comme Betwinner cameroun, offrent des mises à jour en direct et des données télémétriques en temps réel pour maximiser l’expérience des passionnés de sport automobile.

Région Diffuseur Télévisé Plateforme de Streaming
France Canal+ myCanal
Belgique RTBF / Auvio Auvio
Canada RDS / TSN TSN Direct
Afrique SuperSport SuperSport Streaming
États-Unis ESPN ESPN+

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Les matchs internationaux les plus attendus par les supporters togolais

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Les matchs internationaux les plus attendus par les supporters togolais

En 2006, le Togo, ce modeste pays africain, a brillamment obtenu sa place pour la Coupe du monde de football en Allemagne. Le leader incontesté de l’équipe, l’attaquant Emmanuel Adebayor, a humoristiquement révélé par la suite qu’avant cette victoire, beaucoup pensaient réellement que son pays d’origine n’était qu’une sorte de thé exotique ou une marque de café instantané. Bien d’eaux ont depuis traversé les rivières : la FTF a acquis l’expertise pour gérer des budgets conséquents, les attendus des supporters togolais étant au niveau jamais atteint de l’histoire. Hors Lomé et Kara cependant, d’autres stades et disciplines sportives suscitent une ferveur encore plus forte chez les fans. Et en 2026, ces événements sont si nombreux qu’on ne sait plus où donner de la tête.

Si vous souhaitez non seulement regarder le match, mais aussi en vivre chaque instant, le site Melbet au Togo vous permet de suivre les cotes en direct et de faire des pronostics sur les performances de votre équipe préférée. Les Éperviers se préparent pour les compétitions officielles. Déjà, les supporters de tout le Togo consultent le calendrier, notent les dates et se préparent pour les matchs qu’ils ne veulent pas manquer. Et c’est justement de cela dont nous allons parler.

Football

Leçon clé pour les supporters togolais : une révolution totale de la ligne à suivre. En mars 2026, l’équipe nationale était officiellement dirigée par le Français Patrice Neveu, 72 ans, fort d’un parcours remarquable à la tête de six équipes du continent africain. L’objectif est ambitieux : après une longue période sans succès dans les grandes compétitions de football, il faut redonner aux « Faucons » leur gloire d’antan.

Le premier véritable défi qui attend la nouvelle équipe de Névet sera les éliminatoires de la Coupe d’Afrique des nations (CAN) 2027. Le calendrier est déjà fixé. Le Togo accueillera le Burundi dans son stade le 23 septembre. Affronter pendant 90 minutes le style de jeu prôné par l’entraîneur français représente bien plus qu’un simple match pour l’équipe locale.

Les résultats des matchs amicaux permettent d’être prudemment optimistes. Kevin Denka a inscrit un doublé et Kumlavi a marqué d’une frappe millimétrée à la 57e minute, menant les « Faucons » à une victoire 5-1 contre le Bénin lors de la trêve de la FIFA en juin. Leur dernier match s’est soldé par un match nul 1-1 contre la République centrafricaine. En mars de l’année dernière, le Togo avait fait match nul 2-2 contre la Guinée et s’était imposé 1-0 face au Niger.

Les figures emblématiques de l’équipe, ceux qui en assurent la cohésion :

  • Kevin Denka — au centre de la ligne de front, l’instigateur de l’attaque.
  • Ismail Ouro-Agoro est un attaquant intelligent qui possède une expérience des compétitions européennes.
  • Le défenseur Djene Dakonam, âgé de 34 ans, est un atout inestimable pour l’équipe grâce à sa grande expérience acquise en Europe.

Lorsqu’ils affronteront le Burundi en septembre, leur cohésion sera mise à rude épreuve. Si Neve parvient à redynamiser un système dépassé, les espoirs du Togo de se qualifier pour la Coupe d’Afrique des nations 2027 pourraient devenir plus réalistes. Cependant, il reste encore deux matchs à disputer dans le groupe I : contre l’Algérie et la Zambie.

Les fans auront certainement du mal à maîtriser leur excitation à l’approche de ces événements incontournables. Dans ces instants, il est tout à fait normal de ressentir le besoin de s’engager dans une activité stimulante pour échapper à ses préoccupations et trouver un moment de sérénité. Une excellente manière de se détendre et de passer le temps avant le coup d’envoi consiste à explorer le Site Officiel Melbet Aviator, où l’on peut à la fois s’amuser et faire fructifier son capital.

Basket-ball

Le Togo est une puissance du football, mais le basket-ball y gagne rapidement en popularité. La Coupe de l’Indépendance sera lancée par la Fédération nationale de basket-ball du Togo (FNB-Togo). Du 24 au 26 avril 2026, Lomé a accueilli la phase finale du tournoi. S’inscrivant dans le cadre du championnat des moins de 19 ans, cet événement a réuni des équipes masculines et féminines.

Les fans de basket au Togo sont à fond en ce moment. Faut dire que le calendrier hyper chargé des tournois de la FIBA y est pour beaucoup :

  • Gros rendez-vous du 3 au 16 août 2026 : la Côte d’Ivoire gère l’AfroBasket U18, la plus grosse compét’ junior du continent. Derrière, enchaînement direct avec les qualifs FIBA pour la BAL 2027. 
  • Le tournoi de qualif pour la saison 2026 de la BAL va s’étaler du 1er octobre au 30 novembre. Les clubs d’Afrique de l’Ouest vont clairement tout donner.
  • Quart de finale et huitièmes de finale de l’AfroBasket FIBA. Du 23 novembre au 1er décembre 2026, les équipes masculines et féminines disputeront des matchs de qualification pour le Championnat d’Afrique.

Des efforts sont également déployés pour renforcer les liens entre le Togo et la communauté européenne du basketball. Par exemple, Unicaja (Espagne) et la Fédération togolaise de basketball (FNB-Togo) viennent de signer un accord de collaboration de deux ans. Grâce à cet accord, les athlètes togolais auront davantage d’opportunités de s’entraîner en vue des prochaines compétitions internationales.

Handball

Avril 2026 a été un mois marquant pour le handball togolais. Du 24 au 27 avril, Lomé a accueilli le Championnat d’Afrique de beach handball masculin et féminin. Dix équipes de six pays se sont affrontées lors de 36 matchs, dont 20 chez les hommes et 16 chez les femmes.

Cet événement revêtait une double importance. D’une part, il se déroulait au Togo et, d’autre part, il servait de qualification pour le Championnat du monde de beach handball. Pour le Togo, il représentait une occasion unique de s’affirmer sur la scène internationale. Auparavant, du 5 au 11 avril, Lomé avait déjà accueilli avec succès le Trophée IHF.

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Les joueurs maliens à surveiller lors des prochaines compétitions internationales

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Le développement du football au Mali revêt désormais une importance capitale. Avec les compétitions à venir, les Aigles du Mali écrivent une page de leur histoire. Les attentes liées à leur toute première qualification pour la Coupe du Monde de la FIFA et à la préparation de la CAN 2027 qualifient les Aigles, tandis que le reste du monde se prépare à réaliser ses rêves. Étant donné que le site FIFA.com présente les différentes équipes dans leur quête de qualification pour la Coupe du Monde, fournit les dernières mises à jour et se concentre sur les joueurs des plus grandes ligues, cette année pourrait être la plus passionnante.

Les Aigles du Mali : une nouvelle ère tactique

L’équipe nationale malienne est dirigée par Anthony Da Silva en tant qu’entraîneur pour la période précédant 2026. L’entraîneur Da Silva a un objectif clair : allier un style de jeu stratégique et discipliné à celui du football le plus rapide et le plus explosif. Selon Da Silva, la concentration totale des joueurs sera nécessaire pour créer les environnements les plus hostiles pour les équipes adverses. Cela sera facilité par l’intensité accrue de la foule du stade du 26 mars lors des matchs à domicile.

Les cadres indispensables de la sélection

Le Mali a créé une vaste plateforme pour rivaliser avec les géants continentaux et mondiaux. La performance de ces acteurs clés aura un impact sur le succès de l’équipe :

  • Yves Bissouma : Le joueur de Tottenham est un milieu de terrain agressif qui récupère le ballon et sert des passes pénétrantes. Son bloc sera soutenu par son expérience en Premier League et par sa capacité à frapper le ballon.
  • El Bilal Toure : Sa force et sa capacité à marquer des buts en font une grande menace et un joueur offensif clé. Le personnel médical doit contrôler son temps de jeu, car il risque de se blesser avec un emploi du temps chargé.
  • Hamari Traoré : En tant que capitaine et probablement le joueur le plus expérimenté de l’équipe, il maintient l’ordre en défense et, grâce à son leadership, sera la principale option de l’équipe lorsqu’elle sera sous pression.

Le terrain de jeu de ces joueurs captive les analystes qui scrutent chaque ligne statistique. Pour trouver les meilleures cotes et établir des prévisions fiables sur l’équipe, les parieurs comptent principalement sur le site officiel agréé du Mali, melbet mali. Ce site est dédié à une pratique fine de la prévision basée sur les cotes sportives.

L’ascension des pépites : l’avenir du football malien

Alors que les vétérans assurent l’équilibre collectif, l’ajout d’une jeune garde rapide et techniquement solide, comme au Mali, est susceptible de façonner au mieux le jeu offensif et d’apporter une profondeur créative pour venir à bout progressivement des défenses les plus solides.

Des profils explosifs au service du collectif

Avec les prochains tournois internationaux qui approchent rapidement, un groupe de prodiges a émergé et sera au centre de l’attention des recruteurs mondiaux :

  • Kamory Doumbia : Le milieu de terrain créateur exceptionnel utilise sa vision pour percer les formations défensives les plus compactes et délivrer des passes incisives.
  • Nene Dorgeles : Avec sa combinaison de vitesse fulgurante et d’une capacité de dribble impressionnante, l’ailier remarquable possède tous les outils nécessaires pour contre-attaquer efficacement.

Ces talents émergents ont fait de chaque rencontre un spectacle. Les matchs impliquant l’équipe nationale du Mali et ses pays voisins ont tous les traits d’un derby ouest-africain avec des niveaux élevés de défis physiques et mentaux. L’intensité de ces rencontres rivales a incité de nombreux fans à s’engager davantage dans le sport pour vivre autant d’excitation que possible.

Une dynamique prometteuse pour les défis de demain

Au niveau international, le football malien est susceptible de connaître une évolution nouvelle et passionnante. Mélangés à des joueurs expérimentés, les jeunes joueurs maliens ont le potentiel de défier, voire d’affronter, les géants du football. Les joueurs maliens continueront à rendre leur pays fier, avec le soutien de leurs compatriotes. Les Maliens sont fiers et passionnés par leurs joueurs, et leur soutien continuera de leur apporter l’appui dont ils ont besoin.

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« Les Gendarmes : L’album du film » : en coulisses

Jonathan Fanara
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« Les Gendarmes : L’album du film » : en coulisses

À mi-chemin entre le making-of et l’album hommage, Les Gendarmes : L’album du film vient accompagner l’adaptation cinématographique de la célèbre série publiée aux éditions Bamboo. Au fil des pages, il raconte la production d’un long métrage, les dilemmes d’une adaptation, tout en revenant sur les nombreux métiers du cinéma. 

Adapter une série humoristique bâtie sur des gags d’une page constitue un exercice particulièrement périlleux. Les auteurs ne cherchent pas à éluder cette difficulté. Ils narrent les choix cardinaux, la mécanique comique qui n’est pas toujours transposable d’un médium à l’autre et tout ce qui préside, plus généralement, à la réalisation d’un long métrage adapté.

Stephan Archinard et François Prévôt-Leygonie expliquent ainsi comment ils se sont retrouvés face à une somme vertigineuse de pages de bande dessinée, dont il fallait extraire une centaine de situations susceptibles d’alimenter un véritable scénario. Derrière cette entreprise, il s’agissait avant tout de retrouver l’âme des personnages imaginés par Olivier Sulpice, Henri Jenfèvre puis Christophe Cazenove.

L’album procède essentiellement de cette manière : il entreprend de raconter la fabrication du film en la confrontant à son matériau d’origine. On alterne ainsi entre des planches issues de la bande dessinée, accompagnées des commentaires des réalisateurs et des dossiers consacrés aux différents métiers du cinéma : producteurs, scénaristes, décorateurs, ingénieur du son, maquillage, cascades, montage, sans oublier les portraits du casting et les souvenirs de tournage. 

Le plus intéressant tient peut-être dans les confidences des réalisateurs, qui reviennent sans détour sur leurs arbitrages. Chaque planche reproduite est le point de départ d’une réflexion sur l’adaptation. Certaines scènes ont été conservées quasiment telles quelles parce qu’elles définissaient un personnage. C’est notamment le cas du contrôle routier où JP, supposé vérifier les papiers d’un automobiliste, finit par commenter avec attendrissement les photographies de son bébé avant d’oublier totalement l’objet du contrôle. Les réalisateurs expliquent avoir repris ce gag dans son intégralité tant il résume la personnalité de ce gendarme partagé entre sa fonction et sa tendresse de jeune père. 

À l’inverse, d’autres séquences ont été profondément remaniées. Une arrestation particulièrement musclée d’un adolescent, amusante sur papier, risquait de rendre les gendarmes antipathiques à l’écran ; elle sera donc adoucie. Même logique pour le camion rempli de rouleaux de papier toilette, né du jeu de mots « Montrez-moi vos papiers ! ». Les cinéastes racontent avoir longtemps hésité avant de supprimer cette scène, jugée peu compatible avec le rythme du film.

Les scènes purement burlesques ou les intrigues plus administratives de la première version du scénario ont progressivement disparu au profit d’un récit davantage centré sur les relations humaines, la transmission et la famille. On apprend qu’un grand nombre de situations liées aux inspections, aux contraintes budgétaires ou aux enjeux politiques ont été abandonnées pour recentrer le film sur des trajectoires plus émotionnelles. 

Quid alors du regard porté sur les artisans du cinéma ? Chaque métier fait l’objet d’une présentation pédagogique. Dans la partie consacrée au chef décorateur Pierre Ferrari, on nous explique comment une ancienne école a été entièrement métamorphosée en brigade de gendarmerie crédible, photographies avant/après et plans à l’appui. 

Le repéreur raconte ses semaines passées à parcourir les environs de Mâcon pour trouver les lieux correspondant aux scènes imaginées par le scénario. L’ingénieur du son détaille le travail de captation et de post-synchronisation, tandis que le chapitre consacré au HMC rappelle combien maquilleurs, costumiers et coiffeurs participent aussi à l’équilibre d’un tournage. Pour le montage, Stephan Archinard rappelle qu’un film « s’écrit trois fois », au scénario, sur le plateau puis dans la salle de montage, où des gags pourtant tournés disparaîtront définitivement.

Les nombreuses planches reproduites constituent autant d’études de cas permettant de comprendre pourquoi certaines idées survivent au passage vers le grand écran quand d’autres disparaissent. Les commentaires des réalisateurs montrent qu’ils ont parfois dû renoncer à des gags qu’ils affectionnaient simplement parce qu’ils nuisaient au rythme ou à l’équilibre du récit. C’est toute la logique de la construction narrative filmique qui est énoncée, de manière sommaire certes, mais pas inintéressante pour autant. 

Au final, Les Gendarmes : L’album du film documente, comme nous l’avons vu, les mécanismes de l’adaptation d’une bande dessinée humoristique vers le cinéma. À travers les souvenirs de tournage, les portraits des techniciens, les commentaires des auteurs et les comparaisons entre les planches originales et leur devenir à l’écran, cet album met en lumière un travail invisible qui consiste à transformer une succession de gags indépendants en un récit cohérent, sans jamais trahir les personnages qui ont fait le succès de la série. 

Les Gendarmes : L’Album du film, Olivier Sulpice et Christophe Cazenove 
Bamboo, 8 juillet 2026, 80 pages

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3.5

« L’Odyssée » : un monument de la littérature adapté en BD

Jonathan Fanara
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« L’Odyssée » : un monument de la littérature adapté en BD

Avec Nootilus, son nouveau label consacré aux classiques revisités, les éditions Bamboo ouvre le bal en s’attaquant à l’un des récits les plus fondateurs de la culture occidentale. Un pari ambitieux, tant L’Odyssée d’Homère irrigue encore aujourd’hui notre imaginaire collectif. 

L’Odyssée semble avoir inventé une partie de la fiction moderne. Le voyage initiatique, le héros ballotté par le destin, les créatures fantastiques, les dieux capricieux, le désir du retour, la famille laissée derrière soi : tout ou presque est déjà là, sous la plume d’Homère, près de trois millénaires avant nos romans et blockbusters contemporains. 

Plutôt que de chercher à condenser au-delà du raisonnable le poème originel, Maxe L’Hermenier et Thomas Labourot font le choix d’une publication en deux tomes. Une décision qui permet de laisser s’exprimer le récit et de restituer la progression du voyage d’Ulysse sans donner l’impression de feuilleter un simple résumé mis en vignettes.

Ce premier volume nous plonge dans une histoire où deux temporalités se répondent. D’un côté, Ithaque, où Pénélope résiste inlassablement aux prétendants qui convoitent autant sa main que le trône laissé vacant par son époux. Télémaque, lui, grandit dans l’ombre d’un père devenu presque légendaire. De l’autre, Ulysse poursuit un interminable périple, consumé par un unique désir mais toujours contrarié : rentrer chez lui.

L’homme le plus rusé de Grèce n’affronte pas seulement les éléments. Il est devenu la cible de Poséidon, qui entend lui faire payer l’aveuglement de son fils, le Cyclope Polyphème. Dès lors, chaque étape devient une nouvelle épreuve, où l’intelligence doit le disputer à la force.

Le récit retrouve ainsi quelques-uns des épisodes les plus emblématiques de l’œuvre d’Homère. Les Lotophages et leur fruit aux propriétés troublantes, capable d’effacer jusqu’au désir du retour, en est un exemple. Ailleurs, c’est Calypso qui retient Ulysse sur son île, dans une prison dorée où l’immortalité se heurte inévitablement au besoin de retrouver les siens. Une opposition essentielle dans L’Odyssée : entre la promesse d’une éternité sans attache et la fragilité d’une vie que l’on choisit pour des raisons émotionnelles.

L’intervention de Zeus, qui finit par envoyer Hermès ordonner la libération du héros, vient rappeler que, chez Homère, les hommes ne sont jamais totalement maîtres de leur destin. Les dieux observent, favorisent, punissent, bref arbitrent ce qui préside à leur existence. En ce sens, ils prolongent les passions humaines autant qu’ils les exacerbent.

Là où cette adaptation convainc, c’est dans sa volonté manifeste de raconter avant tout une aventure. Les dialogues demeurent accessibles, le rythme reste soutenu et la narration privilégie constamment la lisibilité des événements. Les néophytes peuvent ainsi découvrir l’histoire sans avoir le sentiment d’affronter un monument intimidant. Les plus jeunes y verront probablement un attrait supplémentaire.

Le dessin accompagne efficacement cette ambition. Sans verser dans une reconstitution pesante, il privilégie l’énergie du récit et le souffle épique qui accompagne chacune des escales. Les créatures mythologiques conservent leur dimension spectaculaire, tandis que les personnages demeurent immédiatement identifiables, une qualité essentielle pour un ouvrage destiné à un jeune public.

Le lancement de cette adaptation, quelques jours avant la sortie très attendue du film de Christopher Nolan consacré au même mythe, arrive à point nommé. Avec ce premier volume, la collection Nootilus pose ainsi les bases d’une entreprise éditoriale ambitieuse. En faisant d’Homère une porte d’entrée vers les classiques plutôt qu’un sommet inaccessible, les éditions Bamboo dépoussièrent un mythe. Et attendent qu’une nouvelle génération le redécouvre.

L’Odyssée : Ulysse, Maxe L’Hermenier et Thomas Labourot
Bamboo, 8 juillet 2026, 64 pages

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3.5

L’homme gribouillé, à l’aspect monstrueux

Laurent
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L’homme gribouillé, à l’aspect monstrueux

Avec cet épais (328 pages) roman graphique, débute la fructueuse collaboration entre le scénariste Serge Lehman et le dessinateur Frederik Peeters (on leur doit notamment la série Saint-Elme). Le dessinateur illustre avec une belle maîtrise un scénario en huit chapitres, qui ne révèle sa complexité que progressivement.

Au centre de l’intrigue située en 2015, nous trouvons Betty Couvreur une parisienne franchement déprimée par les conditions météo du moment : de la pluie à n’en plus finir. Son humeur tient également au fait qu’elle subit une nouvelle crise d’aphasie qui la rend incapable de prononcer un mot (pour compenser, quand c’est vraiment nécessaire, elle écrit une ou deux phrases sur son portable qu’elle présente à son interlocuteur). Betty est la mère de Clara, une adolescente typique de son époque. La mère et la fille vivent dans un appartement parisien plutôt vaste qui correspond à la bonne situation de Betty, maquettiste aux Éditions du Saule (elle discute régulièrement avec les écrivains qu’elle connaît bien). Mais Clara s’entend particulièrement bien avec sa grand-mère, Maud la mère de Betty. Quand Clara et Maud commencent à discuter, cela peut durer longtemps. Du coup, Clara adore rester dormir chez sa grand-mère. L’épaisseur de l’album permet donc de creuser les relations familiales qui s’avèrent plus qu’intéressantes, puisqu’elles occupent une place fondamentale dans l’intrigue. En effet, ces trois générations féminines vivent sans hommes à leurs côtés, même si Clara se vante d’avoir un père, elle (séparé de Betty, mais que Clara ne renie pas). Cette dominante féminine ne doit rien au hasard et le développement de l’intrigue va montrer qu’il faut remonter loin pour tenter de la comprendre. Faut-il considérer comme un indice, le tout début montrant Betty dans un café parisien de plus en plus agacée par un dragueur à qui elle finit par faire comprendre qu’elle pourrait le massacrer ?…

Max

Mais l’intrigue démarre vraiment quand un inconnu sonne chez Maud et que Clara vient ouvrir la porte. Masqué, l’inconnu annonce s’appeler Max et prétend être un ami de Maud. Il dit venir chercher un paquet que Maud devait lui apporter. Très sûr de lui, l’homme fouille les meubles pendant que Clara tente de réveiller sa grand-mère. Or, Maud ne réagit pas. Prise de panique, Clara fait à nouveau face à l’inconnu et la situation tourne bizarrement. Max annonce connaître aussi bien Maud que Betty et Clara. Il veut absolument le paquet qu’il venait chercher. Tel un énorme oiseau en furie, Max secoue Clara en lui disant qu’elle doit désormais assumer les responsabilités de Maud en affirmant plusieurs fois « Le nom est toujours vivant » puis en ajoutant « Trouve le paquet et apporte-le-moi. » Reprenant ses esprits après un court évanouissement, Clara trouve un papier visiblement laissé par l’inconnu (envolé ?), où elle lit « Vendredi matin – 8h – Square Le-Gall. » Entourant le papier, deux plumes noires !

Inféri

Bien entendu, Betty n’a aucune idée ni de Max cet étrange inconnu, ni de ce qu’il veut quand il parle du paquet que Maud devait lui remettre. Quant à Maud, elle est hospitalisée, suite à un nouvel AVC (le précédent date de 6 ans). Par contre, le paquet que cherchait Max, Betty le trouve dans le coffre-fort de Maud. Du coup, Betty fait appel à un ami policier. Puis, elle fait un rêve étrange où il est question de Traversants, sans qu’il soit question d’appartements. Par contre, lors d’une discussion avec un de ses collègues qui réalise par hasard qu’elle s’intéresse aux Traversants, celui-ci évoque une légende urbaine et lui conseille d’aller voir l’écrivain Pierre Inféri. Justement, Betty qui se méfie de cet écrivain avait prétexté un empêchement pour lui envoyer une stagiaire…

Clara

L’album nous emmène de surprise en surprise et insère une bonne touche de fantastique dans une intrigue bien ancrée dans notre époque. Le plus révélateur en ce sens s’avère la personnalité de Clara l’adolescente qui voit la vie avec un certain optimisme, ce qui se lit dans son regard régulièrement enjoué, ce qui ne l’empêche pas de passer par d’autres sentiments. Toujours est-il qu’elle ne se contente pas de dialoguer avec sa grand-mère. Sa façon de raconter des histoires lui vaut un contact aisé avec les petits, une expérience qui va grandement lui servir dans un épisode final qui tourne franchement au fantastique. Cette ambiance occasionne un vrai débordement du côté de l’action, qui fait passer le seul vrai point faible de l’histoire (avec quelques coïncidences), avec un certain flou dans la résolution finale.

Aspect technique

L’action ne se cantonne pas à Paris et les personnages ne se limitent pas aux éléments féminins de la famille Couvreur et leur entourage. Cela nous vaut de nombreuses péripéties qui viennent enrichir une intrigue particulièrement bien élaborée. La galerie de personnages est une vraie réussite. Et, encore une fois, l’épaisseur de l’album permet aux auteurs de donner une vraie respiration à l’ensemble, avec de nombreux détails qui sonnent justes. Au dessin, Frederik Peeters s’en donne une nouvelle fois à cœur-joie, très à l’aise dans cet univers où il peut donner libre court à son inspiration graphique. Tous très bien caractérisés, les personnages évoluent dans des décors jamais négligés, aussi bien en intérieurs qu’en extérieurs, en ville où dans des coins reculés. Le noir et blanc convient parfaitement à l’histoire. Et l’organisation des planches, très variée, met en valeur l’histoire sans chercher le tape-à-l’œil, mais avec un vrai travail de mise en scène et une belle utilisation des possibilités du médium BD, avec notamment une grande diversité des tailles et formes des vignettes, dont quelques-unes de grande taille qui font leur effet. D’autre part, si par moments les dialogues prennent pas mal d’importance, globalement l’album évite le bavardage inutile qui s’apparenterait à du remplissage.

L’Homme gribouillé – Serge Lehman (scénario) et Frédérik Peeters (dessin)

Éditions Delcourt : sorti le 17 janvier 2018

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4

La Guerre des prix : le pacte de non-rétribution

Jérémy Chommanivong
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La Guerre des prix : le pacte de non-rétribution

« Manger bio. Manger local. Manger mieux. » C’est le genre de slogan publicitaire qui s’affiche un peu partout, jusqu’aux étiquettes collées sur nos courses de la semaine. Mais un personnage du film résume la chose avec un cynisme presque désarmant : « À la fin, c’est toujours une question d’argent. » Et c’est dans cette urgence tarifaire, au siège d’une grande enseigne, qu’Anthony Dechaux nous emmène avec Ana Girardot et Olivier Gourmet. La Guerre des prix est un premier long-métrage très juste, et un thriller tout en nuances sur les rouages d’un système hostile envers les agriculteurs, mais qui oublie parfois d’appliquer la même exigence d’écriture à ses personnages, trop souvent réduits à être de simples porte-voix.

L’agriculture a toujours occupé une place de choix dans le débat sur la grande distribution et de la croissance des industries agroalimentaires. Édouard Bergeon avait déjà creusé son sillon pour sensibiliser les spectateurs, avec Au nom de la terre puis Rural, où la loi EGalim — censée rééquilibrer le rapport de force entre producteurs et distributeurs — ne fait finalement figure que de trêve fragile dans une guerre qui n’a jamais vraiment baissé ni les prix, ni les armes. Contrairement à Bergeon, Dechaux n’a pas grandi dans un ferme. C’est en animant, comme comédien, un séminaire d’acheteurs qu’il a basculé malgré lui dans cet univers, en entendant un dirigeant réclamer sans ciller des « requins-tueurs » pour mener les négociations. Il lui aura fallu quatre ans d’enquête et la confession d’un ancien acheteur repenti pour percer l’omerta des négociations commerciales, notamment dans la filière laitière.

Remise en question

Pour entrer progressivement dans cet autre monde, la caméra reste accrochée à Audrey, cheffe de rayon qui connaît aussi bien la chaîne de production que celle de la distribution des yaourts. C’est autant sa force de proposition que sa sensibilité qui la propulsent, telle une brebis égarée, au milieu de ce troupeau de carnivores en costumes. Ana Girardot a manifestement travaillé la démarche de son personnage pour qu’on sente, sous le tailleur, les résidus physiques d’une enfance à la ferme qui ne s’efface jamais tout à fait. Elle forme une passerelle entre deux univers qui ne se rencontrent qu’à travers les chiffres, les rendements et les intérêts de chacun.

Elle le comprend vite une fois mise en tandem avec Fournier, négociateur aux méthodes peu conventionnelles. Sa froideur chirurgicale s’avère autant au profit des consommateurs que de son entreprise en réclamant l’impossible aux fournisseurs. Pour autant, Dechaux ne pousse jamais ses négociateurs vers le manichéisme pur. Il y a de la nuance chez eux, et une détresse sourde, comme chez le négociateur du groupe concurrent Sodalis (Jonas Bloquet), conscient de son propre rôle de prédateur mais qui s’efforce de séparer le travail de la vie privée. Chez Fournier, on ne devine l’humanité qu’en creux grâce à une escapade à la ferme. Un indice suffisant pour deviner que le fils d’agriculteur qui l’incarne dans la vraie vie — Olivier Gourmet n’a sans doute pas eu à forcer beaucoup le trait — aurait pu porter une histoire plus tragique, et plus originale, si le film avait emprunté cette voie.

Car Dechaux fait justement le choix de minimiser l’immersion à la ferme pour mieux appuyer le contraste entre les bureaux glacés, les box de négociation filmés comme des salles d’interrogatoire et l’univers des « petits paysans » qu’on a vus bousculés devant la caméra d’Hubert Charuel. Ironie du sort : le film a justement été tourné dans une vraie ferme laitière normande, appartenant à un jeune couple qui fabrique son propre fromage sans jamais vendre à la grande distribution. Une mise en abîme presque trop belle pour être écrite.

Gangs de requins tueurs

À la place de l’étable et de la boue, on vit les difficultés des producteurs à travers un angle qui emprunte davantage au cinéma de Stéphane Brizé (La Loi du marché, En guerre, Un autre monde), en interrogeant le système de l’intérieur plutôt que depuis ses marges. Entre fiction et documentaire, le film se rapproche également de Goliath de Frédéric Tellier, mais sans sa narration chorale et ses gros violons. Le monde paysan est mis en opposition à un réseau presque uniforme : acheteurs, journalistes et cadres sortent du même moule social ou de la même école de commerce, conditionnés aux mêmes chiffres et à la même mentalité des requins-tueurs présentés plus tôt.

Le film présente très bien les différentes facettes et limites de cette structure, qu’il aborde d’abord avec pédagogie, au détour d’un lexique technique précis et quelques chiffres signifiants, avant d’en appeler à la sensibilité du spectateur. L’écriture reste efficace pour qu’on reste accroché à des échanges qui, même brefs, suscitent de nombreux questionnements. Cette tension frénétique rappelle aussi à quel point l’humanité et l’empathie sont laissées à la porte des box de négociation. Le revers de la démonstration, c’est qu’elle vire parfois au cliché, désamorçant certaines bascules chez les protagonistes qui peinent à rester crédibles hors du terrain du thriller, à commencer par la dynamique Audrey-Fournier, dont les dialogues semblent un peu trop mécaniques, même lorsque l’on perçoit une pointe de complicité naturelle.

Reste que, pour un premier film, Anthony Dechaux ne trébuche pas tant que ça sur un sujet toujours délicat à manier avec le bon ton. Techniquement maîtrisé, La Guerre des prix laisse simplement quelques jachères dans l’écriture de ses personnages secondaires. Dechaux l’assume lui-même et reconnaît avec lucidité que l’on ne renverse pas un système de l’intérieur à coups de bonnes intentions, et il se garde bien de nous offrir une happy end de consolation. Le film réussit surtout sa dissertation et sa vulgarisation du milieu de la négociation en laissant le soin aux spectateurs, et consommateurs par extension, selon leurs propres moyens, d’affuter leurs réflexes dans les rayons de supermarché. Difficile de ne pas repenser à notre ticket de caisse, où chaque produit posé dans le caddie oriente le marché et la logique des négociations des prix. Chaque code-barres cache le prix du compromis qu’il a fallu négocier pour l’obtenir.

Suppléments

Si La Guerre des prix n’a pas forcément trouvé son public en salles, cette édition vidéo rend justice à ses ambitions et à la démarche humble de son réalisateur.

Pour aller plus loin, Anthony Dechaux, accompagné d’Olivier Mével, consultant en stratégie et marketing des filières alimentaires, pose à plat les problématiques liées à la production, la transformation, la distribution et la consommation. Leur réflexion est limpide, passionnée et pédagogique, sans oublier d’évoquer le cinéma comme un medium qui appelle à l’émotion. Dechaux détaille les enjeux qu’il a intégrés à l’écriture, explique sa vision des négociations, puis commente deux séquences de son film. La première concerne la visite de Fournier à la ferme, où Julien Frison réussit à incarner toute la détresse que suscite cet espace menacé de disparition ou de rachat. Au sujet de la seconde, le réalisateur revient sur son expérience de la direction d’acteurs, quand il dirige Ana Girardot au talkie-walkie, jusqu’à lui souffler de retenir ses larmes en pleine prise.

On aurait aimé en apprendre un peu plus sur cette aventure et les obstacles rencontrés en cours de tournage, mais l’ensemble suffit à susciter l’intérêt de ceux qui ne connaîtraient pas encore l’AMAP (Association pour le Maintien d’une Agriculture Paysanne) ou d’autres initiatives similaires, qui permettent de se rapprocher des producteurs par un circuit direct, sans intermédiaire. Choisir comment se nourrir, c’est déjà militer pour un équilibre entre la gamme bio et industrielle, qui ont chacun leur place au rayon. Le film a un peu tendance à aspirer ce discours, ce qui est toutefois compensé par ce dont il témoigne.

La Guerre des prix – bande-annonce

La Guerre des prix – fiche technique

Réalisation : Anthony Dechaux
Scénario : Anthony Dechaux, Maël Piriou (en collaboration avec Benjamin Charbit et Mathilde Belin)
Interprètes : Ana Girardot, Olivier Gourmet, Julien Frison, Jonas Bloquet
Photographie : Pierre Dejon
Montage : Cécile Staes-Lacommère
1er Assistant Mise en Scène : Clément Comet
Son : Cyril Moisson
Musique : Benjamin Grossmann
Décors : Stéphanie Bertrand-Carussi
Costumes : Bethsabée Dreyfus
Productrices : Laurence Méoc, Aurélie Trouvé-Rouviere
Sociétés de production : Les Films de Jeanne, La Filmerie
Pays de production : France
Société de distribution France : Diaphana Distribution
Durée : 1h36
Genre : Thriller, Drame
Date de sortie : 18 mars 2026
Date de sortie DVD/Blu-ray : 21 juillet 2026
Édition : Diaphana Edition Video

Le casino au cinéma : pourquoi les salles de jeu fascinent les réalisateurs

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Peu de décors cinématographiques concentrent autant de tension dramatique qu’une table de jeu. Du feutre vert des tables de poker aux lumières tamisées des salles de roulette, le casino offre aux réalisateurs un terrain fertile pour explorer l’ambition, le risque et la psychologie humaine. Ce n’est pas un hasard si certaines des scènes les plus mémorables de l’histoire du cinéma se déroulent entre des murs tapissés de moquette épaisse.

Ce qui rend le casino si cinégénique, c’est sa capacité à condenser un conflit en quelques minutes. Un regard échangé au-dessus d’une main de cartes peut en dire autant qu’un dialogue de dix pages. Martin Scorsese l’avait compris en réalisant Casino en 1995, où Las Vegas devient un personnage à part entière, aussi imprévisible que les protagonistes incarnés par Robert De Niro et Sharon Stone.

Le cinéma a donné envie à des générations de spectateurs d’en apprendre plus sur casino et ses mécaniques. Des plateformes comme Carousel.be, opérateur belge actif depuis 2009, prolongent cette fascination en proposant une expérience de jeu enracinée dans une tradition locale. Mais c’est bien sur grand écran que le casino a forgé son image la plus durable.

Le poker comme miroir psychologique

Le poker occupe une place à part dans la filmographie liée au jeu. Contrairement à la roulette, où le hasard règne en maître, le poker met en scène une confrontation directe entre individus. Dans Rounders, sorti en 1998, Matt Damon incarne un joueur tiraillé entre la raison et l’obsession, face à un John Malkovich méconnaissable en mafieux russe.

En 2006, le réalisateur Martin Campbell transforme une partie de Texas Hold’em en prolongement d’un affrontement géopolitique dans Casino Royale. Daniel Craig y joue un James Bond vulnérable, dont la sueur trahit pour la première fois une forme de doute. La scène de poker dure près de vingt minutes, un pari narratif que peu de blockbusters oseraient tenter.

Plus récemment, Molly’s Game d’Aaron Sorkin, sorti en 2017, a décortiqué l’univers des parties clandestines à Los Angeles et New York. Jessica Chastain y incarne Molly Bloom, une organisatrice réelle de tournois privés fréquentés par des célébrités. Le film démontre que le poker au cinéma n’est pas qu’un prétexte visuel, c’est un révélateur de rapports de force qui dépasse largement la table de jeu.

Roulette, blackjack et mise en scène du hasard

Si le poker repose sur la stratégie, d’autres jeux de casino servent un propos différent au cinéma. La roulette, par exemple, symbolise souvent l’abandon au destin. Dans Casablanca en 1942, la scène où Rick aide un jeune couple à gagner à la roulette en dit plus sur sa moralité cachée que n’importe quel monologue.

Le blackjack a connu son moment de gloire cinématographique grâce à Rain Man en 1988. Dustin Hoffman et Tom Cruise débarquent dans un casino de Las Vegas, et la capacité de comptage de cartes du personnage autiste transforme une scène comique en un moment de tension palpable avec la sécurité de l’établissement. Cette séquence a contribué à populariser le concept de comptage de cartes auprès du grand public.

Ces représentations façonnent profondément la manière dont les spectateurs perçoivent les jeux de hasard. Ceux qui veulent en savoir plus sur casino et ses variantes découvrent souvent un univers bien différent de la fiction hollywoodienne. La réalité du jeu, qu’il soit en salle physique ou sur un site en ligne, repose sur des mécaniques de probabilité que le cinéma simplifie volontairement au service du récit.

Las Vegas, personnage de cinéma à part entière

Aucune ville n’est aussi intimement liée au cinéma de casino que Las Vegas. Steven Soderbergh en a fait le terrain de jeu de George Clooney et Brad Pitt dans Ocean’s Eleven en 2001, un film qui a relancé le genre du heist movie pour toute une décennie. Le Bellagio et le MGM Grand y apparaissent comme des forteresses modernes à conquérir.

Mais le traitement de Vegas a évolué au fil des décennies. Là où les films des années 1960 montraient une ville glamour et insouciante, les productions contemporaines en révèlent aussi les failles. Le Scorsese de 1995 dépeint une cité en pleine mutation, passant des mains de la mafia à celles des grandes corporations hôtelières, et le Strip y perd son romantisme pour gagner en complexité narrative.

Aujourd’hui, le casino ne se limite plus à un décor américain. Des opérateurs européens comme Carousel.be ancrent l’expérience du jeu dans un contexte local, loin de l’imagerie de Vegas. Pour les cinéphiles curieux d’en savoir plus sur casino tel qu’il existe en dehors des salles obscures, revoir ces films avec un regard attentif aux choix de mise en scène révèle comment chaque décennie projette ses propres obsessions sur le tapis vert.

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