Avec Black Swan, Darren Aronofsky livre un thriller psychologique à la limite de l’angoisse. Manipulation, érotisme, paranoïa, autant de thèmes ambigus que de talent chez les deux actrices qui tiennent le film.
Synopsis : Rivalités dans la troupe du New York City Ballet. Nina est prête à tout pour obtenir le rôle principal du Lac des cygnes que dirige l’ambigu Thomas. Mais elle se trouve bientôt confrontée à la belle et sensuelle nouvelle recrue, Lily…
Le film s’ouvre à la manière d’une boîte à musique sous les pas de danse de Natalie Portman et la musique du compositeur russe Tchaïkovksi. Dès cette première scène, l’ambiguïté de l’atmosphère qui y règne est saisissante. Aronofsky nous entraîne immédiatement dans les rêves de Nina comme pour prévenir le public que tout ce qui se déroulera par la suite sera de cette nature, et qu’il compte bien perdre le spectateur dans les tréfonds du subconscient de son personnage, puisqu’il sera question de délires. Habitué aux drames planants et aux thrillers psychologiques, le réalisateur américain montre l’étendue de son talent de mise en scène grâce à un film d’auteur qui ne peut laisser de marbre.
Dans Black Swan, Natalie Portman est opposée à Mila Kunis. En composant à la fois l’une contre l’autre pour obtenir le rôle de la reine des cygnes et ensemble à travers une union qui laisse perplexe, les deux actrices maîtrisent totalement le film. La dichotomie y est constante et essentielle. Ayant pour point de départ ce double-rôle : le cygne blanc, le cygne noir, Black Swan est en réalité l’histoire de deux personnalités et pas seulement celle du cygne noir comme pourrait le faire penser son titre. Le duo est ici un objet à part entière du film puisque tout repose sur l’opposition et le double. Tout va de paire. Les personnalités de chaque personnage sont équivoques, y compris celle du directeur. Chacun possède sa part d’ombre et sa part de lumière. Nina d’un côté dans le rôle du cygne blanc pour son innocence et sa pureté. Lily de l’autre, pour le cygne noir qui lui colle à la peau dans sa folie et sa liberté. La rivalité s’installe alors entre les deux jeunes femmes puisque Nina rêve d’interpréter ce double rôle tandis que ses capacités à jouer le cygne noir semblent fragiles. Vincent Cassel, dans le rôle du directeur artistique, la pousse dans ses plus grands retranchements et c’est ainsi que débute le délire dans lequel son esprit va se perdre.
Le maître du ballet va entraîner un dédoublement de la personnalité de Nina en voulant balayer sa chasteté utile à l’interprétation du cygne blanc pour plus d’érotisme et de séduction si elle veut le rôle du cygne noir. Ainsi, l’obsession compulsive d’obtenir ce rôle va la faire chuter dans sa propre destruction. La tyrannie de l’envie fera naître sa schizophrénie en plongeant le spectateur dans ses délires et hallucinations qu’il devra lui même distinguer de la réalité pour ne pas se perdre. Black Swan est la parfaite illustration du danger des passions humaines et de l’envie ou du désir qui poussent à la mort. Celle-ci apparaît d’ailleurs ici comme l’extase la plus totale où l’on sent toute la légèreté du personnage enfin trouvée.
La caméra du réalisateur sublime cette folie et retranscrit l’ambiance oppressante à la perfection pour faire ressentir au public autant d’angoisse que son personnage. Comme précédemment dans Requiem for a dream, les mouvements des prises de vue font ressortir toute la perte de repères du personnage qui erre dans son propre psyché. Encore une fois, le style propre au réalisateur ressort par ses choix pertinents qui embarquent les spectateurs dans l’ambiance perturbante du film. La caméra est elle aussi le double de Nina qui nous livre toutes ses émotions les plus oppressantes à travers par exemple des scènes haletantes où elle marche paniquée à la suite d’un spectacle. Black Swan fait ressortir une connexion entre le personnage principal et la caméra du réalisateur, que ce soit dans les scènes de danse ou les scènes plus privées. Aronofsky saisit ses pensées et les balance au public de manière subversive. Lors des moments dansés, l’esprit plus planant du metteur en scène ressort à nouveau donnant l’impression de voyager au rythme des pas de Nina et des autres danseurs, transportés à la fois par la musique et la grâce de leurs mouvements.
On notera d’ailleurs que malgré la large partie sombre de Black Swan, le corps des femmes est à l’honneur, même dans sa souffrance. La douleur est habituelle pour la danseuse qui est prête à tous les sacrifices. L’élégance de la danse est connue. Mêlée à la douceur des compositions de Tchaïkovski, ces moments arrivent comme un peu de répit dans toute la torture infligée au personnage, des intermèdes de douceur qui reposent l’esprit du spectateur. L’obscurité laisse parfois place à la lumière qui rappelle au public la beauté des femmes plutôt que la noirceur de l’esprit.
Mais si Darren Aronofsky se passionne souvent pour la mort ou le psychisme dans son cinéma, il est facile de faire le lien entre l’Art et ces grands thèmes. Il est question de danse dans Black Swan, le sujet aurait pu être toute autre forme d’art puisque les plus grands artistes se servent souvent de leurs talents pour exprimer leurs peurs, leurs folies ou mélancolies. L’art est, après les rêves, le meilleur moyen de laisser son inconscient s’exprimer. Certes, ici, c’est bel et bien l’art qui entraîne la folie de Nina, mais qu’est ce qu’Aronofsky nous dit sur lui dans toute sa filmographie ?
Black Swan : Bande Annonce
Black Swan : Fiche Technique
Réalisation : Darren Aronofsky
Scénario : Marc Heyman, Andres Heinz, John J. McLaughlin, d’après l’oeuvre de Andres Heinz
Interprétation : Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel
Image : Matthew Libatique
Musique : Clint Mansell, Piotr Ilitch Tchaïkovksi
Costumes : Amy Westcott
Producteurs : Mike Medavoy, Arnie Messer, Scott Franklin, Brian Oliver
Société de production : Protozoa Pictures, Phoenix Pictures
Distributeur : Twentieth Century Fox
Budget : 13 millions de dollars
Récompense : Oscar de la meilleure actrice, Prix Marcello Mastroianni
Durée : 103 minutes
Genre : drame, thriller
Date de sortie : 9 février 2011
États-Unis – 2011
vulgaire et surfaite, où règnent les breloques en tous genres, les riches étoffes aux mille couleurs, les plantes exotiques suffocantes, les odeurs de parfum capiteux : cette opulence et ce mauvais goût contribuent à faire de Chéri une satire qui tourne subtilement en dérision les habitudes et les mœurs de ces parvenues, ces bourgeoises d’un autre temps fardées de rose et coiffées de perruques poudreuses. Entre grâce et lourdeur, Stephen Frears décrit avec un humour très discret les travers de ces dames du monde dont la méchanceté, la prétention et la fourberie n’ont d’égal que les oripeaux dont elles se parent. Cette mascarade, régie par des codes tacites, se ressent efficacement sans que rien ne soit jamais vraiment pointé du doigt : Frears maîtrise son propos avec une sagesse qui lui évite de tomber dans la caricature et qui permet aux personnages d’exister en dehors des clichés qu’ils incarnent. Une peinture sociale malicieuse qui amuse autant qu’elle séduit.
elle-même ancienne courtisane et rivale de Léa, rappelle son fils à l’ordre et organise une réunion en grandes pompes pour annoncer ses fiançailles prochaines avec Edmée, fille illégitime d’une autre courtisane, pourvue d’une fortune importante : dans ce milieu, tout le monde sert ses intérêts avant tout, l’argent prime. Sous des faux-semblants et des sourires aussi forcés que superficiels, tout ce petit monde complote et échafaude des plans pour se faire des coups bas dans cette bataille d’ego entre ces séductrices déchues qui n’ont de cesse de se tirer dans les pattes. L’hypocrisie de ce microcosme cache en réalité des rivalités profondes entre ces héroïnes qui vivent dans le souvenir de leur gloire fanée. C’est donc dans cette atmosphère viciée que Léa apprend que l’objet de son amour va lui être arraché, des mains de celle qui le lui avait pourtant confié en premier lieu. Mais dans ce cercle où les apparences sont primordiales, comment maintenir la face ? Alors que Léa va jouer la carte de l’indifférence joyeuse pour éviter que le vernis craque, Chéri, lui, va tenter de s’accommoder de la situation, même si les deux amants souffrent en secret, jusqu’à choisir, chacun de leur côté, l’exil. Rumeurs, ragots et suppositions hasardeuses vont alors bon train parmi les courtisanes qui bavassent entre elles, dans un écrin de superficialité qui étouffe tout sur son passage. Comment vivre, lorsque l’on doit réprimer ses sentiments ? A partir de là, cet univers dans lequel Léa se sentait pourtant chez elle va lui sembler insupportable. Serait-ce un chagrin d’amour ?
par baisser la garde et retomber dans les bras l’un de l’autre, les retrouvailles tournent court, et la réalité les rattrape à nouveau : Chéri veut faire sa vie avec une femme de son âge et s’interroge sur la nature de son amour pour Nounoune, tandis que Léa ne supporte pas d’être rejetée une seconde fois. Cloués sur place par le carcan des conventions, immobilisés par le regard de toute une société et condamnés à la séparation par le destin, Léa et Chéri n’ont d’autre choix que de se quitter pour honorer leur rang et obéir une fois de plus aux faux-semblants qui réglementent leur monde. Maudits et écrasés par le poids d’un contexte dont ils sont victimes, ils finiront tragiquement. Cet amour tourmenté nous touche par sa délicatesse, sa douceur et sa grâce, mais ne nous transporte pas malgré la douleur que connaissent les héros. A cause d’une atmosphère trop travaillée et d’une ambiance feutrée qui frise parfois l’ennui, Frears ne nous émeut pas autant qu’on l’aurait voulu.
A priori rien de bien nouveau dans le concept, et la série fait indéniablement penser à d’autres œuvres du même style, rappelant les grandes heures de Stargate, ainsi que quelques touches de Firefly. Difficile également de ne pas y voir un point de ressemblance avec Continuum pour son futur marqué par la dictature de corporations puissantes et amorales, impression renforcée par la présence d’un même acteur au casting (Roger Cross, 6). Pour la ressemblance avec Stargate, cela n’a toutefois rien d’étonnant puisque l’on y retrouve les mêmes producteurs (Joseph Malozzi et Paul Mullie). Le design du vaisseau est d’ailleurs assez proche de la dernière déclinaison de la franchise.
Si de prime abord les personnages pouvaient paraître assez lisses et stéréotypés, entre le bourrin détestable, le guerrier muet, ou la petite ingénieuse bizarre, la suite les rend plus ambigus et les plus retors ne sont pas forcément ceux que l’on pourrait croire. Le personnage du bourrin détestable par exemple (3, Anthony Lemke) s’il donne l’impression de pouvoir les trahir à la première occasion, semble être plus attaché qu’il n’y parait et ses fâcheuses habitudes relèvent plus d’une grande gueule que d’un mercenaire sans foi ni loi. La leadeuse autoproclamée (2, Melissa O’Neil) semble prendre à cœur l’intérêt de l’équipage, quitte à leur mentir ou les manipuler. Et derrière son mutisme et sa maîtrise de soi, que cache l’homme aux sabres (4, Alex Mallari), est-il du genre à se soucier d’autrui ou ne suit-il que ses propres intérêts ?
Si la série se concentre sur le vaisseau, elle en dévoile au sein de la première saison progressivement un peu plus sur les forces en présence : l’Autorité Galactique, des rebelles terroristes, les corporations, leurs exactions et les rivalités entre elles, mais aussi des empires comme celui des Ishida, peuple d’origine asiatique ayant gardé des traditions de combat à l’épée au milieu de technologies avancées. Un univers qui semblait assez prometteur, mais que les saisons suivantes n’ont malheureusement pas vraiment contribué à étoffer d’avantage.
Seven Sisters repose d’ailleurs beaucoup sur cette performance, que ce soit du point de vue technique que sur les épaules de l’actrice. Gérer un acteur qui joue sept rôles simultanément au sein d’un même décor est un exercice délicat à opérer en temps normal, car il faut naviguer entre les doublures, les ajouts numériques mais surtout retourner une scène plusieurs fois pour chacun des rôles menés par l’acteur. Mais ici, Seven Sisters ne se contente pas seulement de mettre en scène ses personnages autour d’une table pour les faire dialoguer, mais va aussi les faire interagir lors de scènes d’actions. Techniquement irréprochable, on ne voit jamais les artifices lors de ces séquences musclées qui se montrent savamment mises en scène par leur lisibilité, mais aussi une brutalité plutôt bienvenue qui impressionne par la difficulté que ces scènes ont dû représenter lors du tournage. Tommy Wirkola fait donc un très bon travail avec la réalisation de son film. Il arrive à construire un univers dystopique crédible et cohérent notamment dans sa représentation de la surpopulation. Les rues grouillent de monde et il appuie sa mise en scène par un sentiment d’étouffement qui fait souvent son petit effet. La pauvreté croissante qui donne aux décors des airs post-apocalyptiques, le contrôle intensif de la population qui confine au despotisme etc… Il crée un monde qui se rapproche facilement du nôtre et qui parait plus que plausible.
Seven Sisters apparaît étincelant dans sa forme et son interprétation, car le casting est ici impeccable avec, en tête, une impressionnante Noomi Rapace. Elle arrive à apporter un trait de caractère, une gestuelle et un phrasé différents à chacun de ses personnages avec subtilité et sans tomber dans la caricature que certains rôles auraient pu apporter. Cependant, le bât blesse au niveau de l’écriture parfois légère du film. Beaucoup trop prévisible dans son intrigue et muni de personnages parfois caricaturaux, Seven Sisters en vient à manquer de nuances et flirte avec le manichéisme. Pourtant le scénario a l’air d’avoir conscience d’évoluer dans un univers qui n’est ni noir ni blanc mais composé de zones de gris car il apporte des motivations concrètes et même valables à ceux qui font figure d’antagonistes, mais jamais il ne creuse la réflexion et ne questionne le bien fondé des actes. Surtout que ceux qui font office de mains armées chargées de traquer les sœurs sont pour le coup très stéréotypés dans leur fonction de méchant. L’ensemble reste quand même plus intelligent que la plupart des œuvres d’anticipation que l’on a pu voir ces dernières années dans cette optique de divertissement, et il nous gratifie d’une fin plus habile qu’escompté et de quelques réflexions plutôt bienvenues. Reste que le scénario a souvent recours aux facilitées pour excuser le développement de ses intrigues. Le récit a aussi du mal à gérer son suspense, mais compense par une gestion assez subtile de la tension, principalement à travers la frontalité avec laquelle il aborde le destin de certains personnages qui surprend. Les divertissements qui font si peu de cadeaux à leurs protagonistes se font de plus en plus rares.
Se déroulant dans la réserve de Wind River, Wyoming (délocalisée en Utah pour des raisons de budget), que le réalisateur connaît très bien pour l’avoir fréquentée très régulièrement de sa vingtaine à sa trentaine, le film met en scène la mort de Natalie (Kelsey Asbille), une jeune indienne qui est retrouvée un matin gisant dans la neige maculée du sang qui a semblé sortir par grands jets de sa bouche. Celui qui l’a découverte, c’est Cory Lambert (impressionnant Jeremy Renner), un gars taciturne des Eaux et Forêts, pisteur chasseur de grands prédateurs.
Le film a une dimension sociale non négligeable ; le discours de Sheridan est très empathique envers les Indiens qui apparaissent comme de vrais laissés-pour-compte, abandonnés du gouvernement, dans un pays du chacun pour soi (« This isn’t the land of waiting for back up. This is the land of you’re on your own. » dira Ben (Graham Greene), le chef de la police tribale à une Jane bien naïve qui compte sur des renforts inexistants). Les acteurs ne sont pas des indiens en carton pâte « made in Hollywood », mais de bons professionnels dont l’appartenance à une réserve n’est pas une anecdote, mais une vraie identité. La mise en scène du cinéaste permet cependant que le manichéisme ne prenne pas le dessus, à quelques dérapages près, comme cette scène assez graphique avec la mère de la victime qui pousse le bouchon de son discours peut-être un peu trop loin.
En revanche, il patine un peu dans les scènes d’action, prenant exemple sans y parvenir vraiment sur Denis Villeneuve (les vrombissements assourdissants des motoneiges, le ballet des grosses SUV à la rencontre du mal vers Ciudad Juárez pour Sicario, vers les cimes enneigées dans Wind River). Mais Sheridan n’arrive pas à tirer réellement parti du magnifique écrin de neige de son film lors de ses scènes d’action un peu cafouilleuses, ce que Tarantino a par exemple mieux réussi avec ses Huit Salopards.
On tape souvent sur les Youtubeurs dès qu’ils veulent sortir du web. Norman Thavaud (qui est aussi devenu humoriste sur scène) s’en était pris plein la figure à la sortie du film de Maurice Barthélémy Pas très normales activités. Natoo, elle, a récemment joué dans Le Manoir qui s’est fait descendre en flèche par la critique. Etait-ce alors une bonne idée de réunir Norman, Cyprien et Natoo à la télévision ?
