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Pour cette 6ème soirée, le Festival Européen du Film Fantastique de Strasbourg, a décidé de proposer des films plus barrés les uns que les autres. Si on commence tranquillement avec Bitch et sa « desperate housewouaf », Kuso du DJ Flying Lotus va repousser toutes les limites en ce qui concerne le cinéma underground, avant de finir avec un midnight à base de jeu de société sanguinaire, Game of Death.

[Crossovers] – Bitch

Réalisé par Marianna Palka (USA, 2016)

Jill est au bout du rouleau. Son mari passe la plupart de son temps au bureau tout en batifolant avec des collègues et ses quatre mômes n’arrêtent pas de mettre le bordel à la maison. Bien évidemment chacun d’eux compte sur Jill pour être à leur service. Jill décide donc de changer, et devient un chien. Oui oui, vous avez bien entendu. La mère de famille se retrouve à pousser des grognements et à jouer avec ses excréments dans le sous-sol de la maison. Voilà le point de départ de Bitch, la comédie réalisée, écrite et interprétée par Marianna Palka. Sans Jill, tout part à vau-l’eau, et Bill le père se retrouve acculé dans un monde inconnu, celui où il doit faire les courses et amener les enfants  à l’école.

Complètement survolté, Bitch joue sur les codes de la comédie familiale, un genre certes vu et revu, mais avec son angle saugrenu, Marianna Palka apporte un rafraîchissement bienvenu. Bien évidemment, on va se concentrer davantage sur cette famille à la dérive, plutôt que sur la maman qui fait le chien dans la cave. Jason Ritter est par ailleurs très bon en mari détestable complètement dépassé par les événements. Loin d’être un véritable film de genre, Bitch s’apparente plus à une comédie un poil surréaliste mais délivrant un message fort. Marianna Palka se fait en effet un malin plaisir à mettre à mal cette société patriarcale et ces couples au mari carriériste, tandis que madame doit rester à la maison s’occuper des enfants. Bitch est une bonne petite surprise, parfois assez jubilatoire et parfois épuisante.

[Midnight Movies] – Kuso

Réalisé par Steve Ellison aka Flying Lotus (USA, 2017)

Difficile de se faire un avis précis après avoir vu cet OFNI qu’est Kuso. À la manière d’un We are the flesh l’an dernier, le premier long métrage du musicien Flying Lotus repousse toutes les attentes du spectateur et l’emmène dans un univers inédit des plus marquants. Après une ouverture jazzy et groovy décrivant les effets d’un tremblement de terre sur la ville de Los Angeles, Steve Ellison nous propulse, au travers de différents sketchs reliés entre eux par une télévision, dans un monde où le dégoût est roi. Trash et sale, Kuso l’est assurément, Ellison s’amusant sans cesse à repousser les limites de l’immondice à chaque séquence. Fluide et déjection en tous genres se mélangent, scatophilie et inceste se télescopent dans ce microcosme.

Visuellement épatant, alignant séquence complètement psychédélique et effets spéciaux organiques dégoûtants au possible, Flying Lotus accouche d’une oeuvre à la radicalité fascinante. Multipliant les ambiances allant du malsain au poétique macabre, le tout agrémenté de transition fait de collage inspiré des Monty Python, Kuso n’est pas un simple délire transgressif gratuit. C’est l’occasion pour Flying Lotus d’offrir une nouvelle représentation de cette civilisation. Loin de la superficialité régissant ce monde, cette quête de la beauté absolue, le DJ prend le contre-pied total et décide d’explorer le monde en le rendant le plus répulsif au possible. Pustules, excréments, anus, pénis sont légion dans ce cauchemar, tout comme les symboliques qu’il est impossible de déchiffrer totalement en une seule vision. Kuso reste un travail colossal, que cela soit visuel ou sur l’ambiance sonore avec des compositions de Aphex Twin ou de Akira Yamaoka, connu pour son travail sur la série des Silent Hill. Disposant d’un humour à la fois satirique et absurde, Kuso est une œuvre unique, offrant une proposition de cinéma couillue et qui bien entendu fera couler beaucoup d’encre.

[Midnight Movies] – Game of death

Réalisé par Sébastien Landry et Laurence Baz Morais ( Canada, France, 2017)

Après Kuso, il fallait bien un film assez « nobrain » pour se remettre de ses émotions. Game of death et son pitch débile au possible semble être le film parfait pour cela. Comme son titre l’indique, ce long-métrage franco-canadien raconte l’histoire de sept jeunes gens qui découvrent un jeu de société aux règles plutôt funeste. Tué ou être tué, Game of Death propose aux joueurs de tuer un certain nombre de personnes sous peine de voir leur tête exploser dans un geyser de sang. Concept en or me direz vous, c’est vrai que sur le papier Game of Death annonce un délire régressif ultra-généreux qui va permettre aux festivaliers de se délecter de mise à mort élaborée. Spoiler alert, ce n’est pas trop le cas.

En effet, passées les deux premières explosions de têtes qui font leur petit effet, le film va se retrouver assez paresseux dans son déroulement. Hormis un homme se faisant littéralement éventrer à l’aide d’une voiture de livraison de pizza, le reste se contente de coups de fusils. Un peu dommage quand on pense au champ illimité des possibilités. D’autant plus que sur les 24 morts nécessaires, plus de la moitié seront passés en ellipse. Le massacre dans le centre palliatif aura le mérite de proposer quelque chose au travers d’une mise en scène à base d’animation, qu’elles soient de cartoon ou façon jeu-vidéo 8-bit, cette séquence fait sourire mais pendant un très court laps de temps. Globalement Game of death manque de folie, et par conséquent empêche véritablement le spectateur de prendre son pied devant ce qui aurait pu être un jeu de massacre jouissif. Un midnight movie des plus oubliables et qui ne marquera que par son amour pour les lamantins et les informations qu’il nous offre sur leur reproduction.

Alors que la fin du festival approche à petit pas, le 7ème jour du FEFFS est un pur exemple de son multiculturalisme. En effet, sont annoncés au programme du polar coréen, du post-apo brésilien et même du cyberpunk japonais avec le classique Tetsuo.

Alors que nous atteignons le mi-parcours dans cette édition anniversaire du Festival européen du film fantastique de Strasbourg, il est temps de refaire un petit tour du côté de la compétition internationale. Trois films ont été présentés ce mardi 19 septembre parmi lesquels on retrouve un premier long-métrage irlandais sur l’occultisme A Dark Song, le nouveau film de Kondrel Mundruczo déjà lauréat de l’Octopus d’or en 2014, La Lune de Jupiter, et un film canadien fait avec très peu de moyen, The Crescent.

[Compétition internationale] – A Dark Song

Réalisé par Liam Gavin (Irlande, 2017)

Présenté comme un film anti-jumpscare, A Dark Song nous raconte l’histoire d’une femme endeuillée par la mort de son fils, qui prend contact avec un médium pas très sympathique pour effectuer un rituel qui lui permettrait d’obtenir ce qu’elle veut. Effectivement, A Dark Song ne repose pas sur des effets aussi faciles que les jumpscares. Son réalisateur, Liam Gavin va prendre le temps d’instaurer une ambiance pesante. Retranché dans une maison isolée, le duo va se lancer dans un rituel dangereux et exigeant. Sa mise en place, ainsi que son exécution afin de prendre contact avec l’au-delà va être un travail de longue haleine, ce qui laisse le loisir à Liam Gavin d’établir une progression dans l’angoisse.

A Dark Song propose donc une ambiance qui va devenir de plus en plus étouffante, portée par une bande-originale extrêmement efficace en corrélation avec cet endroit désolé en plein Pays de Galles. Le film fonctionne également grâce à son duo d’acteur composé de Steve Oram et de Catherine Walker. Les tensions entre les deux protagonistes rendent l’atmosphère du film encore plus tendue, et la peur que tout parte de travers se fait constamment présente. Jouant sur le fil, insufflant cet épuisement à ses personnages lancés dans un périple éprouvant, Liam Gavin distille une peur frissonnante. Et alors que des longueurs pouvaient commencer à se faire sentir, le cinéaste bifurque dans son dernier quart dans un climat cauchemardesque des plus redoutables. A Dark Song est une belle surprise, typiquement le genre de petit film qu’on espère voir dans ce genre de festival. On en attendait rien, on en ressort assez conquis.

[Compétition internationale] – La Lune de Jupiter

Réalisé par Kornel Mundruczo (Hongrie, 2017)

Il avait marqué les esprits avec le sublime White God qui était reparti de la capitale alsacienne avec l’Octopus d’or, le revoilà 3 ans après avec son nouveau film après non sans dire, un petit passage par la compétition cannoise. Kornel Mundruczo revient donc avec La Lune de Jupiter, un film racontant l’histoire d’un migrant qui se découvre la faculté de pouvoir léviter. Une nouvelle fois, le cinéaste hongrois imprime son imaginaire fantastique dans un récit social et réaliste. L’ouverture saisissante du long-métrage donne le ton et met en lumière cette réalité implacable du sort des migrants. Malgré cela, Mundruczo ne va jamais réellement transcender son sujet, du moins sur le fond. Car si il y a bien une chose qu’on ne peut reprocher à La Lune de Jupiter, c’est sa virtuosité technique truffée de plans séquences ou de plans aériens époustouflants (et il en fait peut-être un peu trop).

En dépit de ses qualités techniques remarquables, et notamment ces scènes de lévitations angéliques, La Lune de Jupiter manque clairement de nuance dans son propos. Le déroulement est en effet assez facile, avec cette histoire de migrant pris pour un terroriste et poursuivi sans relâche par la police. On se retrouve devant un film assez manichéen et c’est l’écueil principal dans lequel le film pouvait tomber. C’est assez frustrant, et même si le message délivré par le film est des plus louables, il est développé avec une subtilité de phacochère. La Lune de Jupiter propose donc un bel enrobage mais peine à rendre son discours marquant. Et puis Mundruczo sait proposer des plans acrobatiques ahurissant mais en ce qui concerne la post-synchronisation du doublage, c’est pas trop ça, à tel point que la plupart des dialogues du personnage de Mimidze semble venir en voix-off.

[Compétition internationale] – The Crescent

Réalisé par Seth A. Smith (Canada, 2017)

Il arrive parfois qu’on se retrouve devant un film dont on ne peut s’empêcher de se demander comment a-t’il pu être sélectionné en compétition. Sur les centaines de films proposés, il parait difficile de croire qu’aucun n’était mieux que celui-ci. Tout cela pour dire que The Crescent est certainement le pire film proposé par le FEFFS depuis bien longtemps. Pas la peine de se cacher derrière le couvert amateur du film dont le réalisateur a là aussi du empiler les rôles. The Crescent est une catastrophe à tous les niveaux, de sa mise en scène cheap au possible faisant écho à des œuvres tels que The Room de Tommy Wiseau (mais en moins drôle), sans parler de ses acteurs tous plus mauvais les uns que les autres. On ne portera pas la faute sur le gamin de 3 ans, que le réalisateur filme pendant la quasi-totalité du film vu que c’est peut-être celui qui s’en sort le mieux.

Derrière cette réalisation fadasse au possible, Seth A. Smith essaie de faire passer certaines de ses idées pour des choix artistiques riche en symboliques. Résultat, on se retrouve avec une indigestion de papier marbré, technique de peinture que le réalisateur a du découvrir un jour et a décidé de broder son film autour. Si Smith arrivait encore à instaurer un semblant de frisson dans son film, on pourrait se dire que tout n’est pas complètement raté. Mais même à ce niveau le réalisateur se vautre complètement, la seule chose risquant de provoquer une trouille au spectateur c’est d’imaginer Smith nous sortir un second film. Ridicule de A à Z, disposant d’un twist médiocre dont le spectateur n’en aura complètement rien à faire car il sera indifférent de l’histoire au bout de 30 min, The Crescent s’impose définitivement comme le plus mauvais film de l’année.

Pour le 6ème jour du FEFFS, on risque de s’attendre à du trash à foison. D’un côté le crossover Bitch et de l’autre deux midnight movies dont Kuso qui a fait parler à Sundance et le petit français Game of Death.

Chaque année le Festival Européen du Film Fantastique de Strasbourg,  met à l’honneur des films qui ont marqué l’histoire du cinéma. L’occasion de revoir sur grand écran des classiques qui ont imprimé l’imaginaire de nombres de cinéphiles. Pour cette 10ème édition, les deux rétrospectives portaient sur l’invité d’honneur William Friedkin et sur le thème Humans 2.0. L’occasion rêvée pour revoir L’Exorciste et Robocop.

[Rétrospective William Friedkin] – L’Exorciste

Réalisé par William Friedkin (USA, 1973)

Certainement le film le plus reconnu de la vaste et diversifiée filmographie de son auteur, L’Exorciste aura marqué de nombreuses générations. Véritable traumatisme pour de nombreux spectateurs, il se sera très vite imposé au panthéon du genre horrifique. Basé sur des faits réels, cette adaptation du roman de William Petter Blatty raconte l’histoire d’une jeune fille de 12 ans qui se retrouve possédée par un démon mésopotamien répondant au doux nom de Pazuzu. Alors que son état se détériore, sa mère désemparée se voit obligée de faire appel à un rite ancien effectué par des hommes d’église, un exorcisme. Avec L’Exorciste, William Friedkin aura complètement redéfini l’horreur.

En lui donnant ce réalisme saisissant, cette universalité terrifiante, il va faire entrer le genre dans une toute nouvelle dimension. C’est en effet une pauvre enfant, au visage angélique, qui se retrouve frappée par ce funeste sort. Friedkin a depuis toujours opté pour une approche documentariste dans la réalisation de ses longs-métrages de fiction et L’Exorciste ne fait pas exception. Se basant sur le roman très richement renseigné de Blatty, il met en lumière une pratique ancestrale et la met en scène avec un naturalisme frappant. Ponctué de scènes marquantes comme la célèbre descente d’escalier en position araignée, ou encore les mutilations génitales à base de crucifix accompagnées de « Jesus, fuck me !« , le film de Friedkin hantera l’inconscient des cinéphiles dans le monde entier. C’est à ça qu’on reconnait une œuvre fondamentale, une œuvre qui a su  bouleverser un genre entier et qui inspire encore une crainte plus de 40 ans après sa sortie, malgré un coup de vieux inévitable.

[Rétrospective Humans 2.0] – Robocop

Réalisé par Paul Verhoeven (USA, 1987)

Croisade vengeresse d’une homme détruit, relecture cyberpunk du nouveau testament, dystopie rongée par le crime, critique acerbe de la course à l’armement, satire sociétale des États-Unis, Robocop est énormément de choses. C’est aussi l’œuvre phare d’un cinéaste fascinant utilisant Hollywood comme moyen d’expression universel. Sous son aspect de blockbuster surfant sur la vague S-F/action des années 80, Paul Verhoeven fait le portrait acide d’une époque. Verhoeven est en pleine possession de ses moyens, il tape là où ça fait mal, n’hésite pas y aller avec des gros sabots comme en témoigne la pub pour le jeu Nukem. Revoir Robocop sur grand écran montre à quel point, c’est un film d’une force rare, avec un parti pris assumé et déguisé dans un blockbuster au capital divertissement énorme.

Alex Murphy assassiné puis ressuscité sous forme d’un cyborg faisant régner la loi. D’une violence outrancière où la moindre balle déchiquette les membres de la victime mais possédant également un certain spleen avec cet homme enfermé dans cette carapace qui va petit à petit se remémorer sa vie d’antan. Regorgeant d’idée de mise en scène, agrémenté de punchlines mémorables « Your move, creep« , et son portrait de méchant anthologique (Kurtwood Smith en Clarence Boddicker sublime), Robocop est au cinéma Hollywoodien ce que 1984 est à la littérature S-F. Une œuvre iconoclaste qui survivra au ravage du temps et qui apportera toujours ce plaisir infini tout en délivrant un constat terrifiant sur notre monde.

https://www.youtube.com/watch?v=zbCbwP6ibR4

[Crossovers] – Fashionista

Réalisé par Simon Rumley (USA, 2016)

Après les valeurs sûres que sont les deux films précédents, il était temps de se replonger dans l’inconnu de la compétition crossovers avec Fashionista. April est une fashion addict, mais pas uniquement dans le sens acheteuse compulsive, elle ne peut pas s’empêcher de sniffer les vêtements comme si il s’agissait de colle. Sa vie va cependant basculer quand elle va découvrir que son mari la trompe avec une de ses amies, elle va alors faire la rencontre d’un homme mystérieux. Fashionista est une épreuve, un film bizarroïde que l’on pourra comme le réalisateur l’a annoncé en début de séance soit adorer, soit détester, et ce n’est pas les gens qui ont quitté la salle qui diront le contraire. D’autant plus qu’il est très facile de partager leur envie.

Dès le départ, le film se démarque par un montage rapide et antéchronologique, s’amusant à mélanger les séquences avec des retours en arrière et saut dans le temps. Avec son esthétique clinquante et tape à l’œil rappelant les accoutrements de la Fashion Week, Fashionista agresse un peu la rétine. Si l’on ajoute le penchant de Simon Rumley pour les petits effets clippesques qui parsèment le long-métrage, on est parti pour 1h48 de souffrance visuelle. À la limite si le fond suivait, entre cette histoire classique d’adultère et les péripéties avec le mec s’amusant à des jeux malsains, on se doute où il veut en venir. Simplement raconter l’histoire d’une femme et des problèmes de sa vie qui vont aboutir à son changement dans la toute fin ? Un peu maigre tout ça. Fashionista s’apparente plus à un exercice de style prétentieux qui se vautre complètement dans son exécution. La meilleure chose du film restera certainement l’affiche de Ténèbre dans l’appartement d’April.

[Midnight Movies] –  Meatball Machine Kodoku

Réalisé par Yoshihiro Nishimura (Japon, 2017)

Avec Meatball Machine Kodoku, on met les pieds en plein dans la définition du Midnight Movie. Suite du gorissime Meatball Machine, dont Nishimura s’était justement occupé des effets spéciaux, Kodoku pousse les choses encore plus loin que son aîné. Le principe est simple : une cloche arrive sur Terre (en découpant des pénis ou des couples qui s’accouplent en passant) dans laquelle se trouve des parasites qui vont transformer les humains en espèce de cyborgs organiques possédant comme arme leur objet fétiche. Parmi eux, le loser Yuji est le seul à pouvoir résister à l’emprise du parasite qui sera détruit par ses cellules cancéreuses. Aidé d’une milice composée de samouraïs à la moustache tendancieuse et d’un sosie de Jackie Chan maîtrisant le drunken boxing, le voilà parti pour sauver la femme dont il est amoureux de ces parasites.

Sous ce postulat complètement idiot, Meatball Machine Kodoku est un plaisir aussi jouissif que régressif. On est parti pour plus d’une heure de combat entre ces hommes parasités (avec des effets spéciaux plutôt convaincants il faut le noter) qui vont finir dans des déluges d’hémoglobine. Entre l’homme possédant un marteau piqueur à la place du bras, celui qui a fusionné avec sa bagnole ou les femmes d’un cabaret capable de projeter du lait maternel de leurs seins ou encore cramer les gens à l’aide d’un briquet géant, les idées folles se multiplient dans cette oeuvre cyber-gore très généreuse. Repoussant à chaque fois les limites de la dégueulasserie, possédant un côté vicieux propre à ce genre d’oeuvre, Meatball Machine Kodoku souffre un peu sur la longueur et finit par devenir lassant. Il reste néanmoins plus réussi que son prédécesseur en sachant exploiter encore plus son concept.

On arrive tout  doucement à la moitié du FEFFS, et la cinquième journée sera de nouveau placée sous le signe de la compétition avec trois films dont La Lune de Jupiter, déjà présenté à Cannes. Il sera également temps de faire un petit tour du côté des courts-métrages et notamment ceux d’animations.

Il est temps de rentrer dans le vif du sujet de cette 10ème édition du Festival Européen du Film Fantastique de Strasbourg, car c’est en ce dimanche 17 septembre que commence la compétition internationale. Trois films ont été présentés, trois films d’origines différentes, trois films à l’opposé les uns des autres. Et si en plus, on a le temps de souffler entre temps avec un film de nunsploitation et de luchador, on va pas se le refuser.

[Compétition internationale] – The Endless

Réalisé par Justin Benson et Aaron Moorhead (USA, 2017)

C’est donc le duo américain Justin Benson et Aaron Moorhead qui aura l’honneur de débuter cette compétition avec son 3ème long-métrage, The Endless. Issus de la scène indépendante, les deux réalisateurs nous ont fait part en début de séance de la difficulté de monter un projet pareil lorsque les financements se font rares. Les deux jeunes hommes ont donc multiplié les casquettes au cours de la réalisation de ce film. Bien évidemment réalisateurs, ils sont également scénaristes, monteurs, responsables des effets visuels et même pour celui-ci acteurs. Un bel exemple de « Do it yourself ». Mais cela tient-il vraiment la route ?

The Endless suit deux frères échappés d’une secte qui décident d’y retourner afin de découvrir ce qui s’y cache véritablement. Forcément le peu de moyens va forcer les réalisateurs à emprunter le chemin d’une mise en scène des plus minimalistes qui va leur permettre d’instaurer une aura mystérieuse autour de cette secte. Sachant prendre leur temps, Benson et Moorhead vont choisir peu à peu une direction un peu plus ambitieuse. Ils commencent alors à cultiver une imagerie Lovecraftienne et vont offrir à leur long-métrage une dimension plus fantastique à base de boucle temporelle. Malheureusement c’est là où le bât blesse, si formellement les effets visuels tiennent amplement la route, surtout vis-à-vis de leurs moyens, scénaristiquement ça commence un peu à s’emmêler les pinceaux. Est-ce une impression de trop-plein ou simplement des incohérences qui rendent le tout trop complexe et pas assez convaincant ? The Endless tient donc difficilement la route sur la longueur et des questions inondent la tête du spectateur, mais pas dans le bon sens. Il reste cependant un film assez ambitieux, qui bénéficie d’un travail passionné de la part des deux cinéastes.

[Crossovers] – The Little Hours

Réalisé par Jeff Baena (USA, 2016)

Changement complet de registre avec ce film américain présenté en compétition crossovers. Réalisé par Jeff Baena, ancien étudiant en histoire du Moyen-Âge, The Little Hours prend place dans un couvent italien au XIVème siècle dans lequel vivent des nonnes très particulières. Un servant fugitif se voit contraint d’y trouver refuge. Bien évidemment quand on voit les grands noms au casting de ce film, tels que Dave Franco, la géniale Aubrey Plaza, Alison Brie ou encore Nick « Ron Swanson » Offerman, on s’attend forcément à une sympathique comédie. Finalement, on est un peu loin du compte quand on remarque très vite que The Little Hours est un film complètement déjanté. L’arrivée de ce beau servant va en effet agiter les hormones de nos chères bonnes sœurs qui vont commencer à se comporter de façon instable.

Dès le départ, le ton employé par Baena déstabilise. Il ne faut pas attendre longtemps avant de voir une nonne jouée par Aubrey Plaza se mettre à jurer comme un charretier sur un pauvre petit serviteur. Cet éclair hystérique va peupler tout le long-métrage qui ne se refuse rien en ce qui concerne l’humour un peu cru. Se servant cependant de ses études en histoire, Baena arrive à créer une sorte de melting-pot jouant à la fois sur un humour anachronique mais également sur des aspects propre à l’époque ( les sublimes tirades de Nick Offerman en sont les exemples les plus frappants). Le trio de nonnes campées par Alison Brie, Aubrey Plaza et Kate Micucci, trois actrices ayant fait leurs preuves dans des sitcoms, est exquis. Entre une Alison Brie rêvant d’un mariage qui la sortirait de ce couvent, une Aubrey Plaza psychotique portée sur la sorcellerie et une Kate Miccuci, juive et fantasmant sur le sexe féminin, les barres de rires se feront nombreuses avant de finir en apothéose dans un barouf des plus jouissifs. C’est un peu les Proies version Saturday Night Live dans un couvent.

[Compétition internationale ] – Laissez Bronzer les cadavres

Réalisé par Hélène Cattet et Bruno Forzani (France, Belgique, 2017).

Dire que Laissez bronzer les cadavres était attendu comme le messie serait un euphémisme tellement le duo d’esthètes avait marqué les esprits avec leurs précédents longs-métrages Amer et L’étrange couleur des larmes de ton corps. Exit le giallo (enfin pas totalement), et place à deux autres genres phares du bis italien, le western spaghetti et le poliziesco pour une adaptation du polar noir de Bastid et Manchette. 250 kilos d’or, un hameau abandonné dans le sud de la France, trois braqueurs, et des invités inattendus, voilà comment commence cette rafale de balles et de sang. Diamétralement opposé à leur précédent essai, qui disposait d’un côté cauchemardesque dans un immeuble d’art nouveau, Laissez bronzer les cadavres est un western solaire tout aussi sensoriel.

Les habitués du duo ne seront pas déçus de ce rollercoaster aux mille et une expérimentations. Poussant leur perfectionnisme à leur maximum, Cattet et Forzani accouchent d’une œuvre fascinante à la richesse foisonnante. C’est simple, chaque plan propose une idée de cinéma, qu’elle soit visuelle ou sonore. Comme d’habitude tout passe par les sensations, et les deux metteurs en scènes réussissent encore une fois leur coup. Après les armes blanches, ce sont les armes à feu qui vont être l’objet du fétichisme de Cattet/Forzani, et autant dire que les balles fusent comme jamais dans l’histoire du cinéma. Inspiré par le cinéma de Tsukamoto ou de Tsui Hark, en ce qui concerne ce montage très rapide, le film est un véritable uppercut dans la tronche. Le jeu sur les couleurs est poussé encore plus loin, le design sonore nous place au centre de ce règlement de compte sanguinaire et les références pulp ou gothique se multiplient. En s’appropriant un récit assez linéaire, le duo arrive à y incorporer des séquences fantasmagoriques à l’onirisme saisissant. Du véritable travail d’orfèvre, une nouvelle fois rythmé par une bande-son composée de morceaux empruntés au cinéma français et italien des années 70/80. Sublime, tout simplement.

[Compétition internationale] – A Day

Réalisé par Seon-ho Jo (Corée du Sud, 2017)

Après les États-Unis et la France, rendez-vous à l’autre bout du monde avec le représentant annuel de la Corée en compétition, A Day. Depuis plusieurs années le cinéma Sud-Coréen nous a habitués à offrir des blockbusters originaux et rafraîchissants, A Day s’inscrit directement dans cette lignée. Loin d’être une œuvre aussi noire que les films de Park Chan-Wook, cet essai de Seon-ho Jo cache plutôt bien son jeu. Le film débute avec un médecin reconnu qui n’arrive malencontreusement pas à sauver sa fille d’un accident de voiture mortel. Cependant, peu de temps après l’accident il se réveille quelques heures avant le drame, le voilà donc piégé dans une boucle temporelle, prêt à tout pour arriver à sauver son enfant. Voilà le point de départ de A Day. L’histoire des boucles temporelles n’est pas un sujet nouveau ( pour preuve The Endless en parlait déjà précédemment dans la journée), mais Seon-ho Jo va faire preuve de malice pour faire de son film un véritable thriller.

Le récit prend en effet une tournure assez inattendue qu’il serait dommage de spoiler donc restons en là pour ce qui concerne l’histoire. On peut dire cependant que le goût pour la thématique de la vengeance refait surface dans le cinéma coréen, même si A Day dispose d’un ton beaucoup moins cynique que les grandes œuvres du genre. Possédant un travail sur la mise en scène assez propre malgré un manque de véritable originalité, le cinéaste coréen arrive à tenir en haleine le spectateur tout du long. On regrettera une fin un peu trop dégoulinante de bons sentiments et un peu facile, surtout quand on connait le ton habituel des films coréens. A Day reste un film ayant une volonté de toucher un public large. Il peut se reposer sur son scénario solide qui offre un second souffle à ces histoires de boucles temporelles.

[Midnight Movies] – Lowlife

Réalisé par Ryan Prows (USA, 2017)

Une fois n’est pas coutume, on finit avec le midnight movie du jour. Lowlife de Ryan Prows est un film choral s’inspirant de classiques du genre tels que Pulp Fiction et qui offre un panorama de personnages assez incongru. On y retrouve un catcheur mexicain, une toxico enceinte, un repris de juste arborant une swastika sur le visage ou encore une gérante de motel ancienne camée. Tous ces personnages vont alors se croiser dans une sordide histoire de trafic d’organe orchestrée par un proxénète/gérant de restaurant de taco. L’ambiance californienne irradie donc le long-métrage de Ryan Prows qui malgré ses faibles moyens offre un film assez propre au niveau de la mise en scène. Cela ne suffit malheureusement pas à en faire un bon film, ou du moins pas un bon midnight movie.

Lowlife, malgré des dialogues faisant parfois mouches et quelques explosions de violences cathartiques ici et là, ronronne un peu. Est-ce la faute du découpage en chapitre se concentrant sur chacun des personnages et se recoupant à un moment donné ? Ou peut-être un scénario assez maigre servi par un rythme trop lent qui l’alourdit ? Peut-être est-ce un peu tout ça, mais Lowlife reste une déception. Malgré la générosité entreprise par son réalisateur, son amour pour les films de El Santo, figure mythique du luchador, le fun se fait beaucoup trop rare pour faire de Lowlife une œuvre marquante.

Pour le 4ème jour, ce sera du classique hollywoodien qui sera au programme avec les cultissimes L’Exorciste et Robocop, deux chef d’œuvres de monstres sacrés. Puis ce sera autour de Fashionista, un film au pitch des plus étranges avant de finir sur la suite du très gore Meatball Machine en séance de minuit.