LeMagduCiné

Avec son second film A Ciambra, Jonas Carpignano fait du néo-réalisme italien à la sauce 2017 avec un véritable regard politique sur la situation des laissés-pour-compte dans le sud de l’Italie.

Synopsis : Pio a 14 ans et veut grandir vite. Comme son grand frère Cosimo, il boit, fume et apprend l’art des petites arnaques de la rue. Et le jour où Cosimo n’est plus en mesure de veiller sur la famille, Pio va devoir prendre sa place. Mais ce rôle trop lourd pour lui va vite le dépasser et le mettre face à un choix déchirant.

Jonas Carpignano nous est apparu en 2015 avec son premier film Mediterranea dans lequel il racontait l’histoire d’Ayiva, un immigré burkinabé. Le film retraçait son voyage jusqu’en Europe et son intégration difficile dans le sud de l’Italie. Son second long-métrage A Ciambra qui se passe toujours dans la même petite ville n’est pas une suite mais une sorte de prolongement de Mediterranea. On y retrouve les mêmes personnages, deux ans plus tard. L’immigré burkinabé vit toujours dans les bidonvilles de la banlieue calabraise où il s’est échoué deux ans plus tôt. C’est sur son jeune ami, exclu social d’une autre nature, que se concentre A Ciambra.

Le temps des gitans 

Pio Amato fait partie de la communauté gitane. Contrairement à Ayiva, il a été à la marge de la société dès sa naissance. La Ciambra c’est le nom de ce camp gitan où il vit avec sa famille (très) nombreuse. Un monde parallèle en marge de la société italienne, loin de la ville au milieu d’un amas d’ordures. Lorsque son père et son frère sont arrêtés par la police, Pio est propulsé chef de famille et enchaîne les petites magouilles et autres larcins pour ramener de l’argent à sa mère, qui n’apprécie pas les méthodes de son fils mais qui accepte pourtant sans broncher les quelques billets rapportés. Pio vit en réalité une étape décisive de sa vie. Celle qui marque son passage de la cour d’enfants au clan des « hommes » de la Ciambra, représenté dans une très belle scène de fin.

La force du film est que le réalisateur rend bien compte de la marginalité du camp des gitans. De là-bas on aperçoit au loin le passage d’un train, seul lien avec l’ailleurs rendu inatteignable à cause de la claustrophobie de Pio. Le jeune gitan n’a pas d’échappatoire, il vit à et pour la Ciambra, empêchant toute chance de s’émanciper. Pour l’honneur familiale Pio est obligé de trahir ses seuls amis à l’extérieur du camp, comme ce passage poignant où il est forcé de voler son ami burkinabé pour être de nouveau accepté dans sa propre communauté.

Jonas Carpignano met en scène un serpent qui se mord la queue. Parce qu’il est exclu de la société, Pio n’a pas d’autres choix que de survivre de petits vols, et parce qu’il survit de petits vols, il ne sera jamais intégré autre part que dans sa famille. Tout comme Ayiva, Pio gravite autour de son camp sans jamais aller bien loin, comme aimanté par sa condition d’exclu social.

Un retour aux sources du néo-réalisme

C’est après s’être fait voler sa voiture que le cinéaste raconte comment il est tombé amoureux de la Ciambra. Il y a rencontré toute la famille Amato qui compose la quasi-totalité de sa distribution. Proche du documentaire, la mise en scène de Carpignano laisse tourner la caméra dans de longues séquences permettant de beaux moments d’improvisation comme cette scène de match dans le bidonville des immigrés africains ou celle d’un repas de famille arrosé. De manière général le film repose largement sur les épaules du petit Pio Amato qui est de tous les plans. Son visage d’enfant déjà durement marqué par l’existence donne de la profondeur à son jeu et révèle tous les paradoxes de ce passage à l’âge adulte forcé que dépeint le film.

En deux longs métrages Jonas Carpignano dépoussière un cinéma italien dominé dans les festivals par ses images léchées voire tape-à-l’œil (Tale of Tales de Matteo Garrone et tous les films de Paolo Sorrentino). Il apporte un vrai regard politique sur la situation des migrants africains qui s’échouent toujours plus nombreux chaque année sur les côtes calabraise, engendrant davantage d’exclus sociaux que ne compte déjà plus la société italienne.

A Ciambra : Bande-Annonce

A Ciambra : Fiche Technique

Réalisation : Jonas Carpignano
Scénario : Jonas Carpignano
Interprétation : Pio Amato, Koudous Seihon, Iolanda Amato, Damiano Amato, Patrizia Amato
Image : Tim Curtin
Montage : Affonso Gonçalves
Musique : Dan romer
Distributeur : Jour2Fête
Durée : 118 minutes
Genre : Drame
Date de sortie : 20 septembre 2017

Italie – 2017

Sous couvert d’un drame intimiste féroce et triste, Zviaguintsev étrille une fois de plus son pays, la Russie, pour ses nombreuses contradictions, ses tares héritées de l’ère soviétique ou nouvellement acquises par son occidentalisation. Faute d’Amour est un beau film, un cri d’amour malgré tout de la part du cinéaste.

Synopsis : Boris et Genia sont en train de divorcer. Ils se disputent sans cesse et enchaînent les visites de leur appartement en vue de le vendre. Ils préparent déjà leur avenir respectif : Boris est en couple avec une jeune femme enceinte et Genia fréquente un homme aisé qui semble prêt à l’épouser… Aucun des deux ne semble avoir d’intérêt pour Aliocha, leur fils de 12 ans. Jusqu’à ce qu’il disparaisse.…

From Russia with(out) Love

Comme cela a dû être le cas pour d’autres cinéphiles à d’autres époques et pour d’autres cinéastes, il est fascinant de voir s’opérer sous nos yeux la montée en puissance de bêtes de cinéma telles que Yorgos Lanthimos (dernier film en date : la Mise à mort du cerf sacré, bientôt dans nos salles), ou Andréï Zviaguintsev (Faute d’amour, son cinquième long métrage à ce jour). Avec quelques films, ils deviennent des acteurs majeurs, puis incontournables de la sphère cinématographique.

Ainsi donc, le russe Andreï Zviaguintsev qui a fait énormément sensation avec son avant-dernier film, Leviathan. Beau, très beau même, puissant, plein de sens, on peut dire que ce quatrième long métrage est celui qui l’a consacré au rang des très grands. C’est dire l’attente par rapport à Faute d’amour, film sorti cette semaine, récompensé du Prix du Jury à Cannes en Mai dernier. Faute d’amour semble être focalisé sur un drame intimiste, mais l’intelligence de la mise en scène du russe permet d’en avoir une lecture à plusieurs niveaux.

Commençant presque comme Elena, avec des arbres nus et des corneilles qui craillent, avec ici la neige en plus qui sublime le noir et blanc très contrasté de son DP Mikhail Krichman (le même qui officie sur tous ses films), Faute d’Amour, martelé d’une unique note inquiétante jouée au piano, est d’abord cette longue séquence mutique annonciatrice du pire. Un calme presque surnaturel, suivi d’une sortie d’école, bruyante, joyeuse, où camarades courent, rient et se mêlent ; où parents et enfants, parfois avec de chaleureux animaux domestiques, se retrouvent. Aliocha, 12 ans, (Matveï  Novykov) se détache du lot, le regard triste et infiniment solitaire, marchant lentement entre l’orée d’une forêt glacée et la bordure d’une rivière noire, manifestement peu envieux de retrouver son chez-lui. Il est de ce genre d’enfants qui, une fois rentrés chez eux, regardent dehors, le front appuyé contre une vitre détrempée de neige. Sa mère Genia (Maryana Spyvak), une belle femme encore jeune, vissée à son iPhone, le regarde à peine, lui aboie des ordres en vue d’une visite, car oui, les parents divorcent et revendent leur appartement de cadres « moyens sup’ » d’une banlieue de Moscou.

Le divorce est dur et la violence des échanges entre Genia et son mari Boris (Alexeï Rozin) est indescriptible. Le pire est que Zviaguintsev ne semble jamais être dans la surenchère ; les mots d’une dureté inouïe coulent, le langage du corps, la haine dans les yeux, tout est dosé à la perfection par le cinéaste pour résonner de la manière la plus réaliste et la plus sincère auprès du spectateur. Le sujet de la discorde de ce soir-là est la garde de l’enfant, ou plus exactement la non-garde de l’enfant, car chacun de ces deux parents est déjà tourné vers une autre vie, un autre homme, une autre femme. Personne ne veut d’Aliocha, et à l’incrédulité devant de telles violentes disputes succède le déchirement le plus total pour le spectateur lorsqu’il se retrouve face à la détresse d’Aliocha.

Alors, quand le cinéaste poursuit son film avec les images successives des deux nouveaux couples des parents du jeune garçon, des amours débutantes baignées de sexe, de très belles scènes au demeurant, on ne fait que penser à Aliocha, privé d’amour, seul sans aucun doute avec son chagrin, un choix de montage extrêmement percutant de sa part.

Zviaguintsev part de ce drame familial pour mettre en exergue comme à son habitude les scories d’une société russe que pourtant il continue d’aimer (après le tee-shirt marqué Russia porté par un des protagonistes dans Léviathan, voici un sweater d’une équipe nationale de Russie arboré par l’actrice principale à la fin du film, le personnage de la mère et le nom de la Russie dans un seul plan, la Mère Russie comme leitmotiv…). Le drame en question est un ensemble de drames. L’enfant disparaît, et plus dramatique encore, ni Genia ni Boris ne se sont aperçus de rien pendant plus de 24 heures, chacun tout occupé à son bonheur nouveau, son désir revigoré, n’ayant aucune attention, aucune pensée pour leur fils. Le reste du film va montrer au travers de ce drame à quel point la société qu’il dépeint est délétère.

L’individualisme de ses compatriotes, gangrénés par la soif de l’argent et de la gloire (selfies à gogo, sugar daddy et escort girls à tous les coins de rues), l’hypocrisie et l’inanité de l’état incapable de protéger ses citoyens, mais prête à en découdre en Ukraine et ailleurs, l’omnipotence de l’église orthodoxe déjà tellement fustigée dans Léviathan, l’héritage d’une génération aigrie par les ravages du soviétisme qu’on voit dans cette autre scène édifiante entre Genia et son acariâtre mère, une scène qui explique sans l’excuser le comportement aberrant de la première envers son propre fils. Tout cela est amené par doses plus ou moins subtiles par Zviaguintsev, car l’homme est du genre à appeler un chat un chat. Mais même ce manque de subtilité et la brutalité psychologique de certaines scènes sont beaux, et font mouche à chaque fois. Aucune scène, aucun personnage ne sont gratuits, jusque dans le passant qui s’enfonce dans la nuit noire comme dans un anonymat…

Le constat est triste et lucide, et même l’implication extrême des bénévoles dans les battues lors de la recherche d’Aliocha semblent robotiques et sans chaleur. Il y a quelque chose de pourri au royaume de Poutine, et une fois de plus, ce n’est pas l’excellent film de Zviaguintsev qui nous dira le contraire…

Faute d’amour : Bande annonce

https://www.youtube.com/watch?v=em7xg53W5cc

Faute d’amour : Fiche technique

Titre original : Nelyubov
Réalisateur : Andreï Zviaguintsev
Scénario : Oleg Negin, Andreï Zviaguintsev
Interprétation : Maryana Spivak (Genia), Alexeï Rozin (Boris), Matveï Novikov (Aliocha), Daria Pisareva (Dasha), Marina Vasilyeva (Masha), Andris Keiss (Anton), Alexeï Fateev (Le coordinateur)
Musique :Evgueni Galperine & Sacha Galperine
Photographie : Mikhail Krichman
Montage : Anna Mass
Producteurs : Alexander Rodnyansky, Sergey Melkumov, Coproducteur : Gleb Fetisov, Producteurs associés : Vincent Maraval, Pascal Caucheteux, Grégoire Sorlat
Maisons de production : Arte France Cinéma, Fetisoff Illusion, Les Films du Fleuve, Non-Stop Productions, Senator Film Produktion, Why Not Productions Entertainment, Savvy Media Holdings
Distribution (France) : Pyramide Distribution
Récompenses : Prix du Jury, Sélection Officielle – Festival de Cannes 2017
Durée : 127 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 20 Septembre 2017
Russie, France – 2017

A l’occasion de la sortie prochaine de Thor : Ragnarok (le 25 octobre), retour sur un des premiers longs-métrages de son réalisateur néo-zélandais, Taika Waititi, avec Boy, qui narre l’histoire d’un jeune garçon idéalisant son père qui revient chez lui après des années d’absence.

Synopsis : Boy est un jeune garçon qui vit dans un petit village maori avec sa grand-mère, ses frères et sœurs et ses cousins. Il est fan de Michael Jackson et de son Thriller et surtout de son père, Alamein, qui est dans ses histoires un ami de la star américaine mais aussi un samouraï ou encore une star de rugby. Après avoir passé plusieurs années en prison, Alamein revient voir son fils…

Taika Waititi, nommé aux Oscars en 2005 pour son court-métrage Two Cars, One Night, considère Boy comme son premier long-métrage même s’il est sorti après Eagle vs Shark. On peut comprendre pourquoi ce film lui tient tant à cœur : tourné à Waihau Bay en Nouvelle-Zélande, c’est-à-dire là où il a passé son enfance, le réalisateur (et également acteur puisqu’il interprète le rôle d’Alamein, le père de Boy) a intégré dans son scénario des éléments autobiographiques. En effet, comme Boy, Waititi, également admirateur de Michael Jackson, a grandi avec beaucoup d’enfants et peu d’adultes.

Malgré un faible budget, Boy a rencontré un énorme succès en Nouvelle-Zélande. Il est regrettable que le public français ne connaisse pas davantage l’existence de ce petit bijou qui prouve bien que le cinéma néo-zélandais ne se limite pas à Peter Jackson et Jane Campion. Boy est une relecture d’un conte, le garçon évoqué en tant que titre, sans parents, se réfugiant lui-même dans son imaginaire pour mieux affronter la dure réalité de son existence. Un conte est la plupart du temps un récit associé à l’enfance : le ton semble léger et accessible à un large public, le fond, lui, est souvent d’une réelle cruauté. L’imaginaire de Boy est ce qui remplace en quelque sorte l’aspect merveilleux habituellement détectable dans ce genre. En outre, le folklore néo-zélandais (apparaissant à travers des plans saisissants sur de magnifiques paysages verdoyants) n’est d’ailleurs jamais bien loin en guise de rappel avec le conte. Sa structure par rapport au conte, jamais trop appuyée, consolide alors ce récit a priori simple mais qui offre en réalité une réelle profondeur, et surtout une véritable émotion.

S’il y a bien de l’émotion, Boy se rapproche bien du feel-good movie mais il n’est pas non plus « trop » léger comme on aurait pu le craindre. Il s’agit alors d’un long-métrage authentique et sans prétention, rythmé, tout en étant parfois d’une belle douceur et plein de vie malgré la dureté des thèmes abordés. Principalement, l’abandon (aussi bien du père envers son enfant que de ses propres rêves et « capacités ») et la délinquance. Taika Waititi évite merveilleusement bien les clichés et le pathos qui auraient pu naître à partir de son histoire, et combine intelligemment une véritable sensibilité à l’humour. On aurait également pu s’attendre à retrouver les tics d’un certain cinéma indépendant actuel mais ce n’est pas le cas : le réalisateur propose alors notamment des séquences animées ou encore des références de pop culture (qui ne se limitent évidemment pas à Michael Jackson) bien dosées et justifiées, ne prenant pas non plus trop de place.

Par sa mise en scène poétique, inventive et parfois burlesque, et son scénario mettant également en avant la situation sociale des Maoris (éloignés de tout et plongés dans la délinquance), Taika Waititi -plus malin qu’il en a l’air- signe une véritable pépite terriblement attachante, bien interprétée, filmée et racontée à hauteur d’enfant.

Boy : Bande Annonce

Boy : Fiche Technique

Réalisation : Taika Waititi
Scénario : Taika Waititi
Interprètes : James Rolleston, Te Aho Eketone-Whitu, Taika Waititi
Producteurs : Emanuel Michael, Ainsley Gardiner, Cliff Curtis
Société de production : Nolita Production
Distributeur : Paladin et Les Films du Préau
Durée : 88 minutes
Genre : comédie dramatique
Date de sortie : 12 septembre 2012

Nouvelle-Zélande  – 2010

Andy Muschietti signe une adaptation de Ça qui ne manque pas de charme mais qui manque d’audace. Hommage au genre horrifique et hommage à la culture des années 80, Ça est un film qui joue la carte de la sécurité et du succès mais derrière ses choix attendus se cache aussi une œuvre sincère et touchante qui dépasse son propre cadre.

Synopsis : Dans la petite ville de Derry, les enfants disparaissent mystérieusement les uns après les autres. Durant ce temps, un groupe de sept enfants se forme et s’unissent après avoir tous été confrontés à des événements horribles et étranges : la rencontre avec « Ça »…

Stand by me

Ça est probablement un des plus gros succès et une des œuvres les plus connues de Stephen King, et il est presque étrange d’avoir attendu aussi longtemps avant d’avoir eu une vraie adaptation cinématographique. La première adaptation n’étant qu’un téléfilm en deux parties. Mais cette dernière adaptation aura été accouchée dans la douleur car il aura fallu 8 ans et 3 réalisateurs qui se sont enchaînés sur le projet avant que ce dernier puisse voir le jour. Sous la direction d’Andy Muschietti, l’œuvre de King trouve une nouvelle fraîcheur et revient à la vie au yeux de tous dans ce qui est un des plus gros succès du cinéma horrifique : le film bat actuellement des records au box-office. De quoi être très curieux de ce que peut offrir ce Ça, qui avec sa très bonne campagne promotionnelle promettait une œuvre très raccord avec les écrits de King mais qui semblait aussi développer sa propre personnalité. Surtout que Muschietti avait fait une bonne impression en 2013 avec son premier film, le conte fantastique Mamá. Un long métrage convaincant avec de belles fulgurances poétiques mais qui se montrait bancal dans ses mécaniques horrifiques.

Ça possède les mêmes défauts et qualités que le précédent film de Muschietti, c’est à dire qu’il s’impose à la fois comme un drame saisissant mais aussi comme un film d’horreur un peu raté. La force de cette adaptation c’est qu’elle a compris le roman de Stephen King, que la peur dépasse le cadre de la simple présence d’un clown démoniaque. Ici la peur s’incarne dans les épreuves du quotidien comme la brute de l’école qui nous tourmente, faire face à la mort d’un être cher, l’amour surprotecteur d’une mère étouffante, la perspective de grandir surtout pour une fille qui prend conscience de ce que cela implique de devenir une femme. Au travers de tous ses personnages, le film incarne diverses thématiques et arrive souvent à les magnifier avec un regard et une empathie sincère pour cette bande d’adolescents un peu paumés qui cherchent juste leur place dans la vie. C’est ici que se trouve le cœur du film, comme cela était le cœur du roman. Même si on regrettera que tous les membres du « Loosers’ club » ne soient pas traités avec la même importance, certains étant mis de côté par le récit, ils ont chacun leur personnalité et arrivent tous à être attachants. Leurs interactions sont souvent savoureuses, notamment grâce à des dialogues finement écrits, dans l’humour comme dans le drame mais ses lignes sont aussi délivrées par d’excellents jeunes acteurs. On retiendra en particulier le charismatique Jaeden Lieberher qui est définitivement un acteur à suivre, et qui avec sa prestation à fleur de peau s’impose comme un leader naturel. Mais aussi Finn Wolfhard (déjà aperçu dans la série Stranger Things) qui impressionne de naturel et surtout Sophia Lillis qui est la révélation du film. Non seulement Berverly est le meilleur personnage, mais la jeune actrice lui donne vie de la plus belle manière possible.

C’est donc à travers cette fresque adolescente touchante, drôle et vraiment bien amenée que Muschietti puise la force de son film, rappelant des œuvres comme Stand by me ou encore les Goonies. Il est d’ailleurs très ancré dans cet hommage aux films des années 80, ce qui est un peu un effet de mode, et il exploite parfois ce filon de manière un peu trop appuyée notamment dans sa bande son pop trop envahissante. Mais il parvient quand même à travailler une ambiance délétère pour encadrer le fantastique et ne se laisse pas ensevelir par l’appel du cool. Mais à trop être obnubilé par sa partie adolescente, il en oublie un élément essentiel et central du roman, son mysticisme. Il en vient, à cause de ça, à négliger toute la partie horrifique de son récit. Toute la partie investigation autour de Pennywise, l’entité maléfique, est négligée. Peut-être pour être exploitée dans la suite déjà annoncée, mais cela crée ici un manque bien réel. Surtout que le réalisateur ne semble pas savoir quoi faire de son clown et le traite comme un banal boogeyman alors que le personnage est censé représenter bien plus que cela. Ici, il vient l’incruster dans son récit avec des forceps, les passages du clown sont beaucoup trop téléphonés et sont les moments les plus faibles de Ça. Pourtant la performance de Bill Skarsgård n’est nullement en cause car l’acteur est tout simplement parfait. Moins dans l’optique du clown excentrique made in Tim Curry, il arrive à faire ressortir tout l’aspect hypnotique et étrange du personnage. On ressent bien le fait que ce n’est pas un clown, mais un monstre qui veut se faire passer pour un clown et ses maladresses ne le rendent que plus authentique. L’acteur est vraiment très bon mais c’est la manière dont il est jeté dans l’intrigue qui est problématique, apparaissant plus comme un passage obligé que l’élément perturbateur et la menace omniprésente qu’il est censé être.

En termes de mise en scène, Andy Muschietti maîtrise aussi maladroitement ses effets horrifiques qui non seulement sont attendus mais reposent toujours sur la même construction. Le tout devient répétitif durant le deuxième acte et les jumpscares sont trop présents et très peu efficaces. L’horreur est ici un élément trop contraint pour paraître palpable, Muschietti étant plus intéressé par le fantastique morbide ou l’humain derrière son récit. Et d’ailleurs dans le morbide, il arrive à offrir quelques jolis plans ici et là, notamment dans le dernier acte où les enfants se retrouvent dans la tanière du monstre. Il y a une certaine poésie glauque qui se dégage de ses cadres et de l’atmosphère qu’il arrive parfaitement à retranscrire, aidé par un score original plus inspiré que sur les débuts. Par moments, on a l’impression d’avoir deux films en un, conduits par des démarches différentes : un film d’horreur fade et un conte fantastique adolescent particulièrement réussi mais qui est limité par l’autre démarche. On a donc un film qui ne décolle jamais vraiment mais qui a ici et là de jolies fulgurances. Muschietti offre néanmoins une réalisation solide et soigne bien son atmosphère comme lorsqu’il bascule dans le réel et le fantastique, appuyant la transition par des mouvements de caméra planants symbolisant le flottement causé par l’arrivée du clown.

Ça est donc une adaptation inégale. On sent que le réalisateur a compris ce qui faisait l’essence de l’œuvre de King mais qu’il ne parvient pas toujours à lui rendre honneur. Il croule sous les impératifs horrifiques et l’horreur pure n’est visiblement pas ce qui l’intéresse ou l’inspire le plus. On a donc une majeure partie de Ça qui est particulièrement réussie dans son portrait adolescent, à la fois bien écrit, touchant et drôle. Mais le tout est restreint par un film d’horreur beaucoup trop sage et peu inspiré qui vient se greffer de manière maladroite et trop appuyée au reste. Ça reste pourtant une des adaptations qui arrivent le plus à retranscrire l’esprit de Stephen King et, sans être une des meilleures, n’en reste pas moins efficace. On avait par moments le potentiel d’un grand film et on peut être déçu que l’opportunité ne soit jamais pleinement saisie, mais le spectacle reste globalement bon et on a hâte de voir ces personnages grandir et de les retrouver dans le deuxième chapitre.

Ça : Bande annonce

Ça : Fiche technique

Titre original : It
Réalisateur : Andy Muschiettti
Scénariste : Gary Dauberman, Cary Fukunaga et Chase Palmer, adapté du roman Ça de Stephen King
Casting : Jaeden Lieberher, Bill Skarsgård, Finn Wolfhard, Sophia Lillis, Jeremy Ray Taylor, Jack Dylan Grazer, Chosen Jacobs, Wyatt Oleff, …
Compositeur : Benjamin Wallfisch
Directeur de la photographie : Chung Chung-hoon
Monteur : Jason Ballantine
Genre  : Horreur
Date de sortie : 20 septembre 2017
Durée : 135 min
Distributeur : Warner Bros.

États-Unis – 2017

Après En mai fais ce qu’il te plait, Christian Carion s’essaie au thriller avec le film Mon Garçon, en mettant en scène une chasse à l’homme effrénée d’un père à la recherche de son fils disparu, portée par un Guillaume Canet au meilleur de sa forme.

Synopsis : Lors d’une escale en France, Julien découvre sur son répondeur un message de son ex femme : leur petit garçon de sept ans a disparu lors d’un bivouac en montagne avec sa classe. Julien se précipite à sa recherche et rien ne pourra l’arrêter.

Avant toute chose, il paraît essentiel d’expliquer le contexte dans lequel a été tourné Mon Garçon. Outre le fait que le tournage n’ait duré que 6 jours, Guillaume Canet, interprète de Julien, n’était pas au courant de la moindre bribe du scénario, cela lui permettant de suivre son instinct et de faire de cette traque une traque personnelle. L’occasion pour Christian Carion de puiser dans les ressources de son acteur principal. Certes, la démarche n’est pas nouvelle mais elle s’avère toujours plaisante.

Il est donc bon de s’appesantir sur la prestation des différents acteurs de Mon Garçon. Mélanie Laurent, qui incarne l’ex-femme de Guillaume Canet, se cantonne à un rôle de pleureuse et à du mal à se forger une identité, tant Guillaume Canet lui fait de l’ombre. Il faut dire que ce dernier est un personnage presque unique. Que ce soit Mélanie Laurent ou Olivier de Benoist, se sont des personnages extrêmement secondaires, bien qu’essentiels à l’histoire. Mon Garçon est également l’occasion d’offrir à Olivier de Benoist son premier rôle au cinéma, à la destinée malheureusement tragique. Son nombre de scènes est minime mais bien suffisant pour nous paraître convaincant. On se réjouit de le voir à l’avenir dans de nouvelles productions car le gaillard à les capacités pour nous étonner.

Intéressons nous maintenant au cas Guillaume Canet, avec à l’esprit que son jeu est une improvisation totale. Eh bien, inutile de tergiverser, cela faisait longtemps que Guillaume Canet n’avait pas autant excellé dans un long-métrage. De sa prestation émane un naturel, une rage et un combat qui rendent son personnage crédible et qui remettent en question la moralité. Jusqu’où sommes nous prêts à aller pour retrouver un être que l’on aime ? Entre vulgarité et violence, le spectateur est bousculé et s’interroge à son tour. Le réalisateur de Les Petits Mouchoirs et plus récemment Rock’n’Roll décroche, grâce à Mon Garçon, un des meilleurs rôles de sa carrière. Christian Carion à l’habitude d’offrir des rôles atypiques à Guillaume Canet, ce dernier ayant déjà tourné pour lui dans Joyeux Noël et L’Affaire Farewell.

Le bémol essentiel du film est sans nul doute le scénario. On ne compte pas le nombre de films, contemporains ou « plus anciens », basés sur une traque ou une chasse à l’homme. On peut évoquer À bout portant, de Fred Cavayé, Contre-enquête de Franck Mancuso ou Taken, de Pierre Morel, pour ne citer qu’eux. Dans Mon Garçon, tout est simpliste et extrêmement commun, que ce soit les relations entre les personnages (principe du couple séparé avec mésentente entre les deux), la progression du récit, qui se fait sans réelle surprise, ou encore le dénouement final, qui peut être deviné sans aucun souci.
Toutefois, construire un scénario complexe sans l’aide du comédien principal aurait été un défi périlleux et casse gueule. Christian Carion a assuré ses arrières.

Il faut également souligner l’incroyable travail du directeur de la photographie qui a su s’accommoder du jeu de Guillaume Canet. Ce dernier et Eric Dumont n’ont dû former qu’un, une « danse » comme aime à l’appeler Guillaume Canet, pour nous proposer une photographie brute de décoffrage grâce à laquelle les spectateurs perçoivent toute la pression et la rage du personnage principal. Un travail d’équipe dans lequel chacun a pris du plaisir, qui se ressent à la fois lorsque l’on découvre le film mais également quand l’équipe parle de la conception de l’œuvre.

Dans l’ensemble, Mon Garçon est un thriller porté par un Guillaume Canet qui crève l’écran mais la simplicité du scénario vient quelque peu ternir les bons sentiments éprouvés à la fin du visionnage.

Mon Garçon : Bande-annonce

Mon Garçon : Fiche Technique

Réalisateur : Christian Carion
Scénario : Laure Irmann, Christian Carion
Casting : Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Olivier de Benoist, Antoine Hamel, Marc Robert, Mohamed Brikat…
Photographie : Eric Dumont
Montage : Loic Lallemand
Costumes : Sarah Topalian
Musique : Laurent Perez Del Mar
Producteurs : Christophe Rossignon, Philip Boëffard
Production : Nord-Ouest Films, Une Hirondelle Production, Caneo Films, Auvergne-Rhône-Alpes Cinéma, CN6 Productions
Distributeurs : Diaphana Distribution
Genres : Thriller
Durée : 1h 24 min
Date de sortie : 20 septembre 2017

France – 2017