LeMagduCiné

Véritable diatribe politique contre la place des écrans dans la colère qu’ils exposent ou film d’une humanité jaillissante sur des sentiments contraires ? L’Atelier questionne nos vies, notre société, notre monde et frappe nos émotions. Laurent Cantet est infiniment doué pour théoriser nos existences contemporaines.

Synopsis : La Ciotat, été 2016. Antoine a accepté de suivre un atelier d’écriture où quelques jeunes en insertion doivent écrire un roman noir avec l’aide d’Olivia, une romancière connue. Le travail d’écriture va faire resurgir le passé ouvrier de la ville, son chantier naval fermé depuis 25 ans, toute une nostalgie qui n’intéresse pas Antoine. Davantage connecté à l’anxiété du monde actuel, il va s’opposer rapidement au groupe et à Olivia, que la violence du jeune homme va alarmer autant que séduire.

Les films d’écriture où des professeurs donnent le goût d’écrire ou ne serait-ce que d’apprendre à des élèves en difficulté, il y en a eu. Laurent Cantet en a d’ailleurs plus ou moins tiré lui même le sujet d’Entre les murs, récompensé d’une Palme d’Or à Cannes en 2008. Ici, L’Atelier réussit parce que ce n’est pas réellement un film sur l’écriture, qui ne sert que de toile de fond pour parler de la complexité des relations sociales, de la construction ou déconstruction du collectif. Comme à son habitude, le réalisateur va au delà de son thème général pour proposer des réflexions socio-politiques. C’est dans un stage d’écriture où un groupe de jeunes, tous envoyés par la mission locale, se rejoint pour travailler autour de l’écriture d’un roman. Chacun a son histoire et sa personnalité bien trempée : Antoine livre ses récits violents, Malika ne parle que de son grand père, Fadi se rebelle, Boubacar détend l’atmosphère. Et au milieu de tous, Marina Foïs toujours fabuleuse, dans le rôle d’Olivia, l’écrivaine en charge de mener ce groupe vers l’écriture. Elle excelle en leader mais chaque membre du groupe ne démérite pas non plus ; recrutés lors d’un casting sauvage, on pourrait véritablement croire qu’ils incarnent leur propre rôle sans avoir vraiment trop à en faire pour jouer.

Entre les lignes

Cependant, Laurent Cantet ne se contente pas de dépeindre une jeunesse que le pouvoir des mots atteint. Il fait plutôt de celle-ci son porte parole pour relater la société qu’il connaît en choisissant de resserrer ses propos sur Antoine ; jeune bouillonnant qui permet à Matthieu Lucci de se faire remarquer. Le garçon ne parle pas, demeure solitaire mais captive par son regard sombre qui, on le sait, est rempli d’un quelque chose que l’on tente de découvrir tout le long du film. Contre qui est-il en colère ? Contre lui même, contre les autres ? Chaque mot sortant de sa bouche ou de son crayon respire la haine. L’atelier doit servir à l’écriture d’un roman noir mais c’est pourtant ce même atelier qui se transforme en film noir dans lequel Marina Foïs se retrouve prisonnière entre fascination et angoisse. Elle ne peut se résoudre à abandonner ce jeune homme, qui, selon elle, a besoin d’aide.  Le côté torturé et tourmenté de l’adolescent réussit totalement à embarquer le spectateur ailleurs que ce qu’il pouvait en attendre, qui se passionne alors pour la psychologie du personnage. Olivia se retrouve ainsi à cheval entre deux sentiments quant à Antoine, avec qui ils se livrent à un jeu d’espionnage réciproque. Elle va chez lui, se documente sur ses amis en regardant sa page Facebook, il lit ses livres, regarde ses interviews. Jusqu’où iront-ils et surtout que cherche à nous dire le cinéaste avec cette relation équivoque ?

Cantet fait alors tourner son film en thriller et fait surgir l’actualité frappante à travers la violence contenue d’Antoine, qui ne demande qu’à être extériorisée. Une violence surtout psychologique avec ses multiples provocations, ses allures d’extrême droite et son nationalisme gerbant jusqu’au tournant effrayant. La romancière canalise le jeune à la recherche de ses propres limites, ce jusqu’à un certain point. Pourtant, il apparaît que sa personnalité va bien au delà de son patriotisme certain mais douteux sur lequel on peut d’ailleurs s’interroger largement. On se plaît à penser que son extrême provocation n’est qu’un amusement ou peut être que l’on essaie de se rassurer comme le fait la romancière dans le film. L’écriture apparaît alors comme bienfaitrice et comme la meilleure thérapie pour endiguer le mal qui tente parfois de nous submerger, jusqu’à un final qui laisse sans voix avec un discours que l’on arrive même à comprendre tant l’on est rentré dans l’esprit trouble et complexe d’Antoine.

[irp posts= »104881″ name= »120 battements par minute, la palme du cœur » enfin au cinéma »]

L’Atelier : Bande Annonce

L’Atelier : Fiche Technique

Réalisation : Laurent Cantet
Scénario : Robin Campillo, Laurent Cantet
Interprètes : Marina Foïs, Matthieu Lucci, Warda Rammach, Florian Beaujean, Issam Talbi, Mamadou Doumbia, Julien Souve, Mélissa Guilbert
Musique : Bedis Tir, Edouard Pons
Image : Pierre Milon
Montage : Mathilde Muyard
Producteur : Denis Freyd
Sociétés de production : Archipel 25, France 2 Cinema
Société de distribution : Diaphana Distribution
Durée : 113 minutes
Genre : drame
Date de sortie : 11 octobre 2017

France – 2017

Une fois de plus, Kathryn Bigelow frappe fort avec Detroit, un film moins innocent que son label de film d’action/guerre ne le laisse supposer. Une fois de plus, elle use de son vecteur, le cinéma, pour participer et faire participer aux réflexions majeures de l’Amérique.

Synopsis : Été 1967. Les États-Unis connaissent une vague d’émeutes sans précédent. La guerre du Vietnam, vécue comme une intervention néocoloniale, et la ségrégation raciale nourrissent la contestation.

À Detroit, alors que le climat est insurrectionnel depuis deux jours, des coups de feu sont entendus en pleine nuit à proximité d’une base de la Garde nationale. Les forces de l’ordre encerclent l’Algiers Motel d’où semblent provenir les détonations. Bafouant toute procédure, les policiers soumettent une poignée de clients de l’hôtel à un interrogatoire sadique pour extorquer leurs aveux. Le bilan sera très lourd : trois hommes, non armés, seront abattus à bout portant, et plusieurs autres blessés…

Bang bang, you’re dead

La ligne directrice de Kathryn Bigelow semble incroyablement enfermée dans les balises du film d’action, voire de plus en plus exclusivement du film de guerre, et pourtant elle excelle à la diversifier en l’appliquant à des sujets différents. Aujourd’hui, elle le consacre carrément à une cause, celle de la dénonciation des ségrégations raciales qui gangrénaient son pays, et le rongent encore aujourd’hui, malgré la présidence d’un homme noir, Barack Obama, pendant huit bonnes et belles années.

La manière sèche que la cinéaste a l’habitude d’adopter pour traiter son sujet, et le traitement cinématographique de Barry Ackroyd qui délivre une photo très proche des vraies images d’archives qui sont intercalées dans le film, confèrent à Detroit un aspect documentaire qui convient à un film inspiré de faits qui se sont réellement produits à Detroit pendant quelques jours du mois de Juillet 1967. Divisé en trois parties, dont la plus importante se déroule au Motel Algiers, possédé par et majoritairement fréquenté par des Noirs, le film d’une violence terrifiante, ou plus exactement qui montre la violente terrifiante d’une partie de la police, parvient à ses fins, celle d’informer, et de manière plus militante que jamais de la part de la cinéaste, de dénoncer.

Le film retrace dans sa première partie l’origine de ce qu’on appelle la « révolte de Detroit » dans un style documentaire très percutant où on voit la dégradation très rapide d’un contrôle de police plus ou moins abusif dans un établissement emblématique de ce quartier de Detroit qui a entraîné l’embarquement non justifié de noirs par tombereaux dans les fourgons de police.  Il s’attarde ensuite pendant près de 50 minutes sur la situation particulière à l’Algiers Motel qui a entraîné la mort de trois jeunes Noirs, un épisode très peu connu des américains eux-mêmes.

Source de toutes les polémiques aux États-Unis, son précédent film Zero Dark Thirty a été accusé de faire l’apologie de la torture, et Bigelow elle-même d’être en collusion avec la CIA. Dans Detroit, on l’accuse de maux différents, d’être trop blanche et trop bourgeoise pour s’approprier du sujet correctement et de manière empathique, d’être trop indulgente avec la police où on disait que les moutons étaient bien plus nombreux que ce qui est suggéré dans le film, ou au contraire d’être trop anti-flic dans la représentation qu’elle a faite de la violence des forces de l’ordre impliquées dans la tuerie du Motel Algiers.

Dans tous les cas, ces controverses montrent à quel point la cinéaste a appuyé là où ça fait mal avec son nouveau film. Sans concession, au risque, là encore, de se faire taxer de voyeurisme, Bigelow montre avec une précision implacable à la fois la violence policière et l’impuissance des Noirs face à la haine raciste et même au-delà, l’impuissance de l’homme face aux « guns », deux thématiques qui brûlent les américains. Sorti aux États-Unis en plein drame de Charlottesville (un suprémaciste blanc venu rejoindre le défilé raciste contre le déboulonnement programmé de la statue de l’esclavagiste Robert Lee a foncé dans la foule des contre-manifestants et a tué une jeune femme), Detroit y a fait un relatif flop commercial qui ne reflète pas la qualité de ce grand film où Kathryn Bigelow installe une hallucinante atmosphère de guerre dans les rues d’une ville qui était alors la 5^ème puissance américaine, et qui était alors en état d’insurrection, des termes mêmes du président Johnson. Mais la période estivale et le drame live de Charlottesville n’expliquent pas tout, et c’est sans doute le refus de voir la réalité en face, comme la cinéaste le dit elle-même, qui fait que de l’autre côté de l’Atlantique, on détourne son regard de ces scènes qui mettent face-à-face des Noirs opprimés par des policiers racistes.

Contrairement à ses deux précédents films, Démineurs et Zero Dark Thirty, caractérisés par des scènes d’action sans relâche, Detroit connaît quelques respirations qui installent les personnages noirs dans leur quotidien : leur travail, les fêtes, la Motown, la bonhomie générale des protagonistes qui ne masquent pas non plus leur partie sombre (des activités illégales suggérées ici et la prison que beaucoup ont connu). Ce souci de leur donner un vrai relief, une vraie humanité est la seule manière de montrer la nature profondément injuste des exactions dont ils sont les victimes. De même, Kathryn Bigelow et son scénariste Mark Boal évitent le manichéisme, avec des scènes positives impliquant tel garde national ou tel autre policier. Le film est ainsi tout à fait cohérent avec les précédents, tout en apportant ce plus nécessaire sur un sujet aussi sensible.

Au-delà de son apport majeur à la démocratisation de cette histoire qui, comme la cinéaste le dit elle-même, n’attendait qu’à être racontée depuis 50 ans maintenant, Kathryn Bigelow , une artiste qui a évolué sous l’égide de personnalités telles que l’immense Susan Sontag, emmène désormais son cinéma d’action au rang d’un art majeur ; elle choisit le film de guerre pour provoquer émotions et réflexion. La présence de Barry Ackroyd derrière la caméra permet de donner à Detroit la nervosité et le réalisme des films comme Jason Bourne, en même temps que le spectateur se trouve pétrifié par le message que la cinéaste lui transmet. Et même quand le film devient plus calme dans sa dernière partie, après les longues séquences agitées du Motel Algiers, la violence de ce qui s’y noue le frappe (le spectateur) tout autant, si ce n’est plus. Comme on le dit un peu trop facilement aujourd’hui, c’est une vraie claque qu’on est content d’avoir reçu, une leçon d’histoire et de cinéma qu’il serait dommage d’ignorer, comme les concitoyens de Kathryn Bigelow l’ont ignoré à trop grande échelle.

Detroit – Bande Annonce

Detroit – Fiche Technique

Titre original : Detroit
Réalisateur : Kathryn Bigelow
Scénario : Mark Boal
Interprétation : John Boyega (Dismukes), Will Poulter (Krauss), Algee Smith (Larry), Jacob Latimore (Fred), Jason Mitchell (Carl), Hannah Murray (Julie), Jack Reynor (Demens), Kaitlyn Dever (Karen), Ben O’Toole (Flynn), John Krasinski (Auerbach), Anthony Mackie (Greene), Nathan Davis Jr. (Aubrey)
Musique : James Newton Howard
Photographie : Barry Ackroyd
Montage : William Goldenberg, Harry Yoon
Producteurs : Kathryn Bigelow, Mark Boal, Matthew Budman, Megan Ellison, Colin Wilson, Coproducteurs : Jonhatan Leven, Jillian Longnecker
Maisons de production : Annapurna Pictures, First Light Production, Page 1
Distribution (France) : Mars distribution
Budget : 34 000 000 USD
Durée : 143 min.
Genre : Drame, Histoire
Date de sortie : 11 Octobre 2017
USA – 2017

Troisième projet de Fabrice Eboué et premier film réalisé en solo (après Case départ en 2011 co-réalisé avec Lionel Steketee et Thomas Ngijol et Le Crocodile du Botswanga en 2014, sans Ngijol à la réalisation), Coexister marque le grand retour de cet humoriste issu de la première saison du Jamel Comedy Club et spécialisé dans le stand up provocateur et rentre dedans.  Il est donc tout à fait logique qu’il en soit de même pour ses films ! Il livre pour l’occasion une comédie alerte, intelligente et, forcément, borderline, tout en réussissant le pari périlleux de ne (presque) jamais se vautrer avec ce sujet pourtant extrêmement casse gueule. Chapeau bas !

Il a déjà prouvé à deux reprises qu’on pouvait réussir à évoquer des sujets sensibles dans la comédie en poussant les curseurs du mauvais goût et de l’humour grinçant. En effet, après deux premiers essais concluants, Fabrice Eboué prouve, une fois n’est pas coutume, que l’on peut réussir une comédie avec tous ces ingrédients même si certains anciens aspects négatifs de ses œuvres précédentes ne sont pas encore gommées … Effectivement, en racontant l’histoire d’un directeur de label musical (Eboué lui-même) et sa collaboratrice (Audrey Lamy) qui doit, pressé par sa patronne (Mathilde Seignier), trouver un concept musical pouvant remplir l’Olympia et qui a donc l’idée de réunir sur scène un rabbin (Jonathan Cohen), un imam (Ramzy Bedia) et un prêtre (Guillaume de Tonquédec), le réalisateur-acteur-scénariste n’évite pas certains écueils. Par exemple, l’intrigue avec la compagne du personnage incarné par Eboué (Amelle Chabi) qui le fout à la porte de chez eux suite à une infidélité de Monsieur, est absolument dispensable et sans intérêt puisqu’elle n’apporte rien au scénario et fait même perdre du rythme à l’ensemble. De plus, les gags et références sexuels sont souvent en trop et reviennent très régulièrement (il n’y a que ça dans les parodies musicales et les principaux enjeux tournent beaucoup autour de cette question également), ce qui enlève un peu de finesse au long métrage. En même temps, c’est désormais la marque de fabrique obligatoire dans les comédies françaises actuelles et, franchement, ce n’est pas dans ce film qu’on a vu les pires blagues sur la question mais plutôt dans Alibi.com, Gangsterdam ou encore A bras ouverts, pour ne pas les citer.

Mais malgré ces défauts et sans être renversant au niveau de la réalisation (c’était plus pêchu et inventif avec Steketee), Coexister est plus malin que certains puisque plutôt que de nier ce qu’il raconte comme le faisait si bien  Qu’est ce qu’on a fait au bon dieu, la purge réalisée par Philippe de Chauveron, il ne tape pas tant sur les religions que sur les religieux qui sont sans arrêt en désaccord alors que, finalement, ils croient tous en un dieu et à des textes, aussi différents soient-il. C’est la croyance et la religion qui les réunissent tous. Et, comme à son habitude, le comique sait tirer une morale pas trop conne malgré une happy end, tout de même désamorcée par des blagues qui continuent, jusqu’au bout, de piquer là où ça fait mal. Justement, ce qui rend ses films réussis si on excepte quelques facilités, c’est cette capacité d’emballer proprement le paquet mais de truffer le contenu de pièges. Eboué bouscule tout et ne s’excuse jamais en proposant une petite réflexion sans prétention toujours évacuée par un humour coup de poing qui dit finalement qu’on peut avoir des idées différentes si on décide d’en rire en évitant le blasphème car ça fait aussi partie de la richesse et de la valeur des religions qui prônent le partage, l’écoute et le dialogue, le rire y aidant en partie. En disant ça de façon simple et efficace, sans trop s’attarder sur le côté larmoyant et les bons sentiments de son script, le métrage sait toujours prôner la drôlerie lorsqu’il aborde les erreurs, les paradoxes et les désaccords de ces trois chanteurs qui sont loin d’être des saints.

D’ailleurs, pour incarner ce groupe, le trio de comédiens s’en donne à cœur joie en sachant ne jamais tomber dans la caricature et en leur ayant créé des histoires personnelles intéressantes, à défendre. En plus, chose importante, aucun des comédiens ne tire la couverture à soi, ils se partagent bien les rôles, avec des intrigues concernant chacun d’entre eux, qui se rejoignent habilement, Eboué sachant toujours se mettre en retrait pour incarner un personnage qui est le liant entre les autres, en offrant un terrain de jeu infini et une liberté sans borne à ses acteurs tout en soignant le rôle féminin principal, élément souvent absent pour le surligner dans ces lignes. Enfin, le monde de la production musicale et la crise du disque sont largement abordés dans la première partie et ne quittent jamais l’histoire, vecteurs originaux pour évoquer les questions religieuses. Le détournement des goûts et codes musicaux de nos jours est très drôle, constituant les séquences les mieux réalisées et soignées du film, rattrapant ainsi les simples champs-contrechamps un peu mécaniques et un style parfois un peu trop télévisuel. Ce qui n’empêche pas ce délire d’exploser à plusieurs reprises en étant impertinent, marquant, touchant et avec un réel sens de la rupture qui lui permet de se hisser en tête des meilleures comédies hexagonales de l’année avec Problemos de Eric Judor, cultivant le même esprit anar divertissant que n’aurait pas renié un certain Jean Yanne.          .

Ce n’était pas gagné de réussir à aller au-delà de ce postulat qui ressemble au début d’une mauvaise blague racontée en fin de cérémonie de mariage et, pourtant, ça fonctionne ! En dépit de quelques faiblesses d’écriture, d’une réalisation trop basique et de certaines lourdeurs, Coexister ne s’interdit rien en faisant preuve d’une insolence et d’un culot devenus bien trop rares dans le cinéma comique bien de chez nous ! C’est construit,  bien que classique dans le développement et la forme pour ne pas brusquer les spectateurs assidus de ce genre même s’ils risquent d’être surpris tout de même tant le film dégomme tout ce qui bouge, surtout les contradictions et le cynisme qui règnent dans le monde. Certains diront qu’il est rempli de clichés mais justement, Eboué préfère en rire et se moquer de ces personnes percluses de clichés. Du divertissement qui oublie d’être bête sans pour autant se prendre la tête, c’est rare et quand, en plus, le politiquement incorrect y est majoritairement présent, c’est encore mieux. A voir !

Coexister : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=488YDTh6OH4

Synopsis : Sous la pression de sa patronne, un producteur de musique à la dérive décide de monter un groupe constitué d’un rabbin, un curé et un imam afin de leur faire chanter le vivre-ensemble. Mais les religieux qu’il recrute sont loin d’être des saints…

Coexister : Fiche technique

Réalisateur : Fabrice Eboué
Scénariste : Fabrice Eboué
Casting : Fabrice Eboué, Audrey Lamy, Ramzy Bedia, Jonathan Cohen, Mathilde Seigner, Amelle Chahbi..
Soundtrack Compositeur : Guillaume Roussel
Directeur de la photographie : Philippe Guilbert
Chef monteur : Alice Plantin
Ingénieur du son : Antoine Deflandre
Mixage : François-Joseph Hors
Distributeur : EuropaCorp Distribution
Genre : Comédie
Durée : 1h 30min
Date de sortie : 11 octobre 2017

France 2017

Auteur : Ugo T

Avec Numéro Une, Tonie Marshall imagine l’ascension d’une femme à la tête d’une entreprise du CAC 40. Son entreprise cinématographique à elle n’est pas si folle que ça et elle est portée par une Emmanuelle Devos très juste, qui n’en fait jamais trop pour camper cette executive woman en quête de pouvoir, et peut-être aussi d’utilité.

This is a (wo)man’s world…

Il aurait été facile pour Tonie Marshall de faire de son héroïne, Emmanuelle (prénom de l’actrice et du personnage qu’elle campe), un cliché d’excutive woman telle qu’on aime à se l’imaginer : très carrée, parfaite, capable de contenter son mari, d’aimer ses enfants et de réussir. Pourtant, sans les exagérer, mais avec de jolies petites nuances, la réalisatrice montre aussi, et ce dès la toute première séquence de Numéro Une, les faiblesses de la femme dont elle fait le portrait. Elle lui dessine une petite fêlure, un besoin d’innocence volée trop tôt. En résumé, Emmanuelle est moins froide, moins stéréotypée et déshumanisée que sa sœur de cinéma, Emilie qui officiait dans Corporate. Pourtant, ces deux femmes seront confrontées au broyage de l’humain par l’entreprise, au suicide et à ses conséquences. Pour autant, les combats des deux films, sortis à quelques mois d’intervalle, ne sont pas les mêmes. Si Corporate tient plus ou moins pour acquis ou du moins ne s’interroge pas sur la place d’une femme à un haut poste de l’entreprise, Numéro Une en fait le cœur de son action. Brillante, polyglotte, investie, Emmanuelle Blachey est repérée par un groupe féministe pour être nommée à la tête d’une entreprise du CAC 40. Une première, l’achèvement d’un combat mené depuis longtemps par Olympe, sorte de condensé des réseaux de femmes qui se construisent un peu partout dans le monde de l’entreprise. Un féminisme sans intersectionnalité certes, mais tout de même un petit monde de femmes bien nées qui revendiquent la parité, mais mieux encore l’égalité. Avoir, à compétences égales, chances égales de réussir. La force du film est de ne pas faire d’Emmanuelle une chantre du féminisme, elle est partante pour le CAC 40, mais sans trop vouloir forcer sur le côté féminin de son ascension, elle qui a « toujours voulu faire oublier [qu’elle] était une femme ». Or, là il n’est plus question de se cacher, mais bien de se montrer, quitte à oublier en chemin d’autres combats, comme celui de déjouer les pièges de l’accès au pouvoir : magouilles, petits contrats, et destruction instantanée de la carrière du concurrent.

Combattantes, un passage obligé ?

L’intérêt de Numéro Une n’est pas tant de savoir si Emmanuelle accédera au pouvoir, mais comment elle y accédera. Telle une Borgen sur grand écran, l’héroïne du film est une combattante, une femme qui ne cède pas un quart de sa vie privée aux médias, qui tente de garder la tête hors de l’eau, d’éviter les blagues sexistes, de se fondre dans la masse de ses collègues. Emmanuelle le dit d’ailleurs très bien à son patron qui la félicite de son contact aisé avec des clients chinois : « boire comme eux, s’habiller comme eux, manger comme eux », en résumé elle explique que c’est par le mimétisme qu’elle crée des liens. Cela va même jusqu’à connaître sur le bout des lèvres une chanson d’enfance chinoise qu’elle fredonnera avec ses hôtes d’un soir, en pleine mer. Si le combat qu’Emmanuelle tente de gagner ne changera peut-être rien pour toutes les femmes, il permet au moins d’engager pleinement l’idée qu’une femme patronne d’entreprise n’est pas un problème. A ce titre, le discours de Rita (Suzanne Clément) lors de l’enterrement de la patronne d’Olympe est exquis, déconstruisant les discours machistes sur les femmes et la réussite, en dressant le portrait d’une femme singulière. C’est que la mise en scène de Numéro Une est habile, s’interrogeant autant sur le côté abyssal du monde de l’entreprise (avec des plans vertigineux sur des buildings, des quartiers d’affaires), que sur la place des femmes dans différents lieux (assemblées d’hommes, lieux publics).

Enfin, ce que le film ne dit pas mais fait ressentir, c’est qu’aujourd’hui une nouvelle injonction s’offre aux femmes : pour être digne d’être femme il faudrait vouloir se battre, être une combattante, ne rien lâcher, ne pas abandonner, mettre une partie de soi entre parenthèses pour satisfaire une réussite. Bref, il s’agit-là d’être la meilleure, d’être utile. Et c’est pour cela que l’histoire d’une noyée inconnue, faisant écho à la mère disparue en mer de l’héroïne, devient bouleversante. Non pas pour ce qu’elle évoque de la tristesse, de la solitude et de la mort, mais pour la possibilité de s’effacer, d’avoir juste envie de vivre, pas forcément de se sentir utile (on peut passer sa vie à aider les autres sans se croire utile). Se battre n’est pas une ligne de conduite unique, et Emmanuelle n’est pas un modèle, elle ne prétend jamais l’être, Tonie Marshall ne tombe pas dans ce piège, fort heureusement. C’est pourquoi elle multiplie les scènes où des femmes toutes différentes se mélangent, dès la scène d’ouverture dans la gare, donne aux femmes même la possibilité de ne pas s’excuser (d’être ce qu’elles sont ?), fait porter leurs voix dans une scène discrète mais déterminante qui fait basculer l’envie d’Emmanuelle (et auxquelles de « vraies » féministes ont participé). Un plafond de verre est certes brisé, mais il reste mille combats, que certaines mèneront pendant que d’autres traverseront la vie, avec, on l’espère, plus de douceur que leurs aînées, non pas dans un monde de femmes, mais prenons-nous à rêver, dans celui de l’égalité.

Numéro Une : Bande annonce

Numéro Une : Fiche Technique

Synopsis : Emmanuelle Blachey est une ingénieure brillante et volontaire, qui a gravi les échelons de son entreprise, le géant français de l’énergie, jusqu’au comité exécutif. Un jour, un réseau de femmes d’influence lui propose de l’aider à prendre la tête d’une entreprise du CAC 40. Elle serait la première femme à occuper une telle fonction. Mais dans des sphères encore largement dominées par les hommes, les obstacles d’ordre professionnel et intime se multiplient. La conquête s’annonçait exaltante, mais c’est d’une guerre qu’il s’agit.

Réalisation : Tonie Marshall
Scénario : Tonie Marshall, Marion Doussot, Raphaëlle Bacqué
Interprètes : Emmanuelle Devos, Suzanne Clément, Richard Berry, Sami Frey, Benjamin Biolay, Francine Bergé, Anne Azoulay, John Lynch
Photographie : Julien Roux
Montage : Marie-Pierre Frappier
Musique : Mike et Fabien Kourtzer
Producteurs : Véronique Zerdoun, Tonie Marshall
Distribution : Pyramide
Genre : comédie dramatique
Durée : 110 minutes
Date de sortie : 11 octobre 2017

France – 2017

N’évitant pas les pièges classiques d’une suite basculant dans la facilité et le manque d’originalité, Kingsman : Le Cercle d’Or surprend toutefois par son jusqu’au-boutisme irrévérencieux et des scènes d’action toujours aussi incroyables. Ce qui en fait une suite de bonne facture soutenue par des interprètes en totale roue libre.

Synopsis : KINGSMAN, l’élite du renseignement britannique en costume trois pièces, fait face à une menace sans précédent. Alors qu’une bombe s’abat et détruit leur quartier général, les agents font la découverte d’une puissante organisation alliée nommée STATESMAN, fondée il y a bien longtemps aux Etats-Unis. Face à cet ultime danger, les deux services d’élite n’auront d’autre choix que de réunir leurs forces pour sauver le monde des griffes d’un impitoyable ennemi, qui ne reculera devant rien dans sa quête destructrice.

« C’est à ses manières qu’on juge un homme ! »

Matthew Vaughn est de ces réalisateurs qui, dans ces films, aiment s’approprier un genre pour y apporter sa touche personnelle. Après le film noir (Layer Cake), le conte fantastique (Stardust), et les super héros (Kick Ass, X-Men – Le Commencement), c’est au film d’espionnage qu’il s’est attaqué il y a deux ans avec Kingsman – Services Secrets. Et ça lui a réussi : avec plus de 400 millions de dollars au box-office, pour un budget quatre fois moins élevé, et un bouche à oreille des plus efficaces, le film fut une véritable cure de jouvence dans le milieu du blockbuster et gagna quasi instantanément ses galons de film culte. Et une petite victoire pour Vaughn car son succès le plus colossal. A tel point qu’une suite fut immédiatement envisageable. Ni une ni deux, Vaughn accepte de briser sa propre règle de ne jamais réaliser de suite pour se lancer dans la nouvelle aventure de la crème des espions britanniques.

Le problème d’une suite est, par essence, de venir après, de ne pas ouvrir le bal, et donc de ne pas potentiellement proposer le même niveau d’innovation qui a participé au succès du premier opus. Car s’il y a un bien un défaut qui caractérise bon nombre de suites, c’est avant tout l’absence de l’effet de surprise, quitte à ce que le second souffre irrémédiablement de la comparaison avec le premier film. Malheureusement, Kingsman : Le Cercle d’Or n’échappera pas à la règle. Le ton déjanté enveloppé d’un drap d’élégance qui faisait la saveur de Services Secrets est bien sûr présent … mais familier. Le spectateur le retrouve, un sourire au coin des lèvres à la place des yeux pétillants de surprise. Il avance en terrain déjà conquis, où, en plus d’en connaître la majorité des codes et des ficelles, bute sur quelques problèmes. Les principaux sont des facilités scénaristiques auxquelles ne nous avait pas habitués Vaughn jusqu’à maintenant. Bien qu’épousant l’atmosphère globale du film, elles restent pour la plupart assez risibles. Une balle dans la tête ? Pas de problème, les Kingsman ont ce qu’il vous faut : une substance permettant de l’extraire, et hop, un agent remis sur pied et (presque) paré au combat ! Un personnage secondaire encombrant ? Qu’à cela n’tienne, une petite erreur de sa part, et le voilà vite éliminé par la grande bad girl du film, Poppy Adams (Julianne Moore), véritable psychopathe aux allures de ménagère idéale. D’ailleurs, malgré une interprétation somme toute correcte, et une extraordinaire planque sous forme de petit coin d’Amérique tendance fifties (cinéma rétro, fast food dinner…), cette dernière a un peu de mal à passer après Samuel L. Jackson.

Il n’est certes pas évident pour un film d’action tendance comédie de se réinventer, à part la traditionnelle accentuation bigger and louder, notamment symbolisée par la planque de Julianne Moore décrit ci-dessus.  Et si c’était justement ça qui fait le sel de ce Kingsman ? Conscient de son excentricité, c’est en se refusant tout effet de renouvellement et revendiquant pleinement son outrance que Le Cercle d’Or puise en ce qu’il a de meilleur.

Et en cela, autant dire qu’on est servi ! Le film fonctionne en grande partie sur le principe du buddy movie opposant les distingués et maniérés Kingsman en costumes trois pièces, chargés de travailler avec les bruts de décoffrage et indomptables Statesman. Ayant l’intelligence de ne pas aligner systématiquement les blagues de choc des cultures, Kingsman : Le Cercle d’Or préfère privilégier l’excentricité même de ses personnages. En plus de ceux que l’on connaît déjà, les petits nouveaux en imposent, que ce soit Jeff Bridges en impayable texan ascendant républicain, un Pedro Pascal maniant le lasso comme personne, ou un caméo tordant d’Elton John semblant s’amuser comme un fou. Dans son coté outrancier, le long métrage trouve également son rythme de croisière au travers d’incroyables séquences clés. Les scènes d’action dans un premier temps : encore plus impressionnantes que dans le premier, elles semblent franchir un nouveau pas dans le côté cartoon et la folie visuelle de son réalisateur. Au menu, vous démarrerez en trombe avec une course poursuite en plein Londres pour terminer sur un combat final sous les notes dansantes de Word up version country, en passant par une télécabine en pleine montagne devenue totalement incontrôlable. Mais également dans des séquences plus fortes émotionnellement parlant dans un second temps, dont l’exagération est telle qu’elles en deviennent réussies, là où certaines suites se plantent, dû à un manque de recul et une trop grande prise au sérieux annihilant tout effet dramatique (coucou Les Gardiens de la Galaxie Vol 2 !). Un comble quand on sait que cette fameuse élite se doit de ne dégager aucun semblant d’émotion !

Plus émouvant, plus trash, plus fou, Kingsman : Le Cercle d’Or se vit comme un véritable shot d’adrénaline, dopé aux fusillades démentielles et instants comiques savoureux. S’il marquera moins les esprits que son illustre aîné, son excentricité no limit reste rare dans le paysage actuel des blockbusters. Et fichtre que ça fait du bien !

Kingsman : Le Cercle d’Or : Bande-annonce

Kingsman : Le Cercle d’Or : Fiche technique

Réalisation : Matthew Vaughn
Scénario : Jane Goldman et Matthew Vaughn, d’après l’œuvre de Mark Millar et Dave Gibbons
Casting : Taron Egerton (Eggsie/Agent Galahad), Colin Firth (Harry Hart/L’ancien agent Galahad), Mark Strong (Agent Merlin), Julianne Moore (Poppy Adams), Halle Berry (Ginger Ale), Channing Tatum (Agent Tequila), Pedro Pascal (Agent Whisky), Jeff Bridges (Champagne)…
Costumes : Arianne Phillips
Photographie : Georges Richmond
Musique : Henry Jackman et Matthew Margeson
Production : Adam Bohling, David Reid (V), Matthew Vaugh, Dave Gibbons, Mark Millar, Pierre Lagrange, Claudia Schiffer, Stephen Marks
Sociétés de production : Marv Films, Cloudy Production
Sociétés de distribution : 20th Century Fox
Budget : 104 millions de dollars
Langue originale : anglais
Genre : Action, espionnage, comédie
Durée : 141 minutes
Dates de sortie : 11 Octobre 2017
Etats-Unis – Royaume-Uni – 2017