Légende : Les 146 épisodes (22min) de New Girl sont disponibles sur Netflix
Netflix n’est pas uniquement un endroit pour regarder des séries désenchantées sur l’amour ou l’amitié. Depuis quelques semaines, la septième et dernière saison de New Girl est disponible sur la plateforme de streaming. Au total, ce sont 8 épisodes (22 minutes) viennent conclure les joyeuses aventures de Jess, Nick, Schmidt, Winston et Cece.
Photo par Freestocks, CC0
L’occasion pour nous de vous parler des points forts du show qui en font un monument de la sitcom des années 2010-2020.
Une histoire classique portée par un casting 5 étoiles
Comme de nombreuses sitcoms, il ne faut pas trop chercher d’originalité dans le pitch de départ. Une jeune femme cherche un appartement après une rupture douloureuse et entre en collocation avec trois hommes célibataires à Los Angeles.
C’est plutôt le grain de folie de chacun des personnages qui va tout de suite vous faire rentrer dans cette série. Porté par Zooey Deschanel (Jessica Day), aimée ou détestée pour son rôle de Summer dans le mythique (500) jours ensemble, le casting est exceptionnel.
Jake Johnson donne l’impression que Nick Miller et lui ne font qu’un, tandis Max Greenfield (Schmidt) porte les premiers épisodes sur ces épaules tant il est drôle. Hannah Simone (Cece, la meilleure amie mannequin de Jess) et surtout Lamorne Morris (Winston Bishop) vont également tirer leur épingle du jeu tout au long de la progression de l’intrigue.
Vous allez constamment rire durant les 7 saisons
Photo par Sterling Davis, CC0
Légende : L’intrigue de New Girl se déroule à Los Angeles (USA)
Pour beaucoup de critiques et de spectateurs, c’est Friends qui est mis au firmament quand on pense à une sitcom. On se souvient tous bien évidemment de ces milliers de scènes qui nous ont font rire comme la célèbre partie de cartes, mais laissez-moi vous dire que New Girl magnifie ce volet comique avec une touche de nouveauté.
Les situations comiques sont perpétuelles grâce au côté loufoque des protagonistes. Contrairement à d’autres séries qui misent sur un ou deux personnages pour nous faire rire (How I met your mother par exemple avec Barney Stinson), c’est l’ensemble du casting qui s’en donne à coeur joie dans New Girl.
Mention spéciale à Winston qui paraissait à peu près normal durant la saison 1, mais son évolution est une référence du genre : sa relation avec son chat, les puzzles, Winnie the Bish, Prank Sinatra… Vous connaîtrez bien assez tôt tous ses délires.
Et c’est là que réside un intérêt fondamental. Le téléspectateur peut s’identifier à chacun des personnages tant la lumière est mise sur chacun d’entre eux selon les épisodes.
Un ovni naïf et sentimental réussi
Ce que beaucoup de fans retiennent ce sont bien évidemment les histoires d’amour au sein du loft. Voir une bande de potes qui habitent ensemble et qui nous font rire est assez commun. Les voir évoluer dans leur vie sentimentale aussi.
Mais New Girl possède cette naïveté hors du temps. Alors que la plupart des sitcoms sont aujourd’hui portées sur le second degré et sont même parfois très sombres dans le traitement des histoires d’amour, la série de Liz Meriwether possède une innocence qui sent bon les années 90.
Les sentiments sont plus vrais que nature malgré des situations bien évidemment peu réalistes. Cette situation où l’on croit profondément aux histoires d’amour et d’amitié de New Girl provient tout simplement de l’alchimie incroyable qu’il existe entre les acteurs. L’un des baisers de la saison 2 est d’ailleurs considéré comme l’un des plus marquants de l’histoire de la télévision tant le momentum choisi est parfait et le jeu des acteurs est réaliste.
Nick Miller from the street of Chicago
Enfin si nous devions vous donner une seule raison de regarder New Girl, elle tiendrait en 2 mots : Nick Miller.
Anti-héros par excellence, usine à même, aussi drôle que touchant dans son personnage de looser pas aussi bête qu’il ne le laisse paraître. Ses remarques désabusées font souvent mouche et sa course vers l’autodestruction est souvent très drôle. Il restera certainement comme l’icône de la série pour la postérité à l’image d’un Ron Swanson dans Parks and Recreation ou d’un Dwight Schrute dans The Office.
Vous savez ce qu’il vous reste à faire pour passer un bon moment. Qu’est qu’on donnerait pour découvrir pour la première fois les 146 épisodes de New Girl…
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Dans ce monde dévasté, plus rien ne favorise la vie. Les rares survivants décèdent de maladies. L’unique nourriture consiste en des boîtes de conserve, malgré les tentatives d’une jeune femme de cultiver la terre. Jonathan Nossiter nous avertit ainsi des conséquences durables que pourraient avoir nos comportements et nos modes de consommation actuels sur l’avenir de notre planète. Symboliquement, c’est le berceau de l’Humanité, l’Afrique, recouverte par les eaux, qui donnera l’origine du dernier homme sur Terre.
Par ce récit, Teddy aborde avec une certaine originalité le sujet délicat de l’adolescence avec toutes ses implications, de l’apparition des poils à la naissance des désirs et des premières pulsions. Les transformations physiques paraissent monstrueuses à Teddy, qui apparente l’évolution du système pileux à une vraie métamorphose en loup-garou. Plus encore, sa vie avec son étrange oncle adoptif, les comportements inappropriés de sa cheffe et les premières déceptions amoureuses vont provoquer chez Teddy des pulsions meurtrières effrayantes et incontrôlables.
Minari traite ainsi avec réalisme des défis de l’acclimatation à un nouveau pays, un autre mode de vie et à d’étranges croyances. A leur arrivée, le père Jacob, interprété par Steven Yeun, explique à son fils qu’il ne faut pas agir comme les Américains mais comme un Coréen. Il faut réfléchir pour trouver un point d’eau, au lieu de recourir à un sourcier armé de bâtons. Au gré des épreuves pour cultiver ses produits, la famille va progressivement adopter les méthodes et la foi américaines. La boucle est symboliquement fermée à la fin du film, lorsque Jacob renonce à ses préjugés et fait finalement appel à un sourcier. Cette adoption du style de vie américain, en dépit de ses difficultés, apporte de l’espoir et des bénéfices à la famille. La santé du garçon s’améliore, les parents apprennent à se battre et à ne pas renoncer malgré de faibles chances de succès.
Ce patriarcat bien installé se maintient par une pression particulièrement forte et rodée. Se plaindre ne peut engendrer que la menace de perdre son emploi et avec lui tout rêve de faire un jour du cinéma. La scène de la conversation entre Jane et le responsable des ressources humaines, extrêmement pesante moralement, l’illustre parfaitement. De plus, les hommes ont l’art habile de faire miroiter à Jane un début de reconnaissance en lui assurant qu’elle effectue un excellent travail ou qu’elle aura une grande carrière. Face à cette situation intolérable, le visage fermé et fatigué de Jane montre peu d’émotions. Les regards, les non-dits et les rares larmes suffisent à révéler sa souffrance intérieure.
Uncle Frank nous replace ainsi dans le difficile contexte de la ségrégation des homosexuels. Si l’homosexualité n’est plus punie à New-York, elle reste tabou et très mal perçue dans les années 1970. Au point que les homosexuels continuent à mentir en société comme en famille. Le personnage de Frank reste marqué par les réprimandes et violences qu’il a subies enfant de la part de son père. Considéré comme un « dégénéré », il s’est senti rejeté et s’est progressivement éloigné de ses parents. Tout comme Frank, son compagnon Willy, d’origine arabe, ne peut pas révéler son homosexualité. Il a donc fui son pays, qui condamne les homosexuels, et fait croire à ses parents qu’il possède une femme.
L’expérience du film est excellemment complétée par ses bonus. On a bien sûr la présence de la bande-annonce. Surtout, on trouve une (très longue) présentation du long métrage par Antoine Coppola, professeur de cinéma à l’université de Séoul, spécialiste du cinéma coréen et réalisateur de documentaires. Ce dernier revient avec une passion tranquille – le temps d’une cinquantaine de minutes – sur les rapports que la fiction filmique entretient avec la réalité de Séoul, sur la conception du film ainsi que sur la réalisatrice. Enfin, l’éditeur a complété l’ensemble avec la présentation de deux courts-métrages de la réalisatrice : Bad Scene (2012 – présenté en 1080p HD) et Too Bitter To Love (2008 – en 1080i, peut-être un upscale d’un format plus petit). Les deux courts métrages s’intéressent à la place de la femme dans une société patriarcale. Le premier met en scène une actrice déjà trop vieille pour des rôles de jeune star. Celle-ci va devoir affronter l’idée de tourner une scène de sexe en tant que rôle mineur. Elle y arrivera en s’acceptant, en assumant d’être une jeune femme de presque trente ans, cessant de se cacher derrière des corsets de gros scotch pour tenter de répondre aux canons féminins installés et recherchés par le marché répondant à la gente masculine. À l’inverse, la protagoniste de Too Bitter To Love ne pourra assumer l’épouvante qui la consume. Peu après avoir fait l’amour pour la première fois avec un jeune homme à l’écoute, elle est violée par son plus vieux voisin alors que le premier, sur le retour d’une course, n’intervient pas. Le court métrage se termine en silence, la jeune fille ne pouvant rien expliquer à ses parents, et attendant des nouvelles du garçon. Réalisés en 2008 et 2012, les deux courts métrages et le long métrage Microhabitat – pour rappel, réalisé en 2017 – mettent ainsi en exergue un usage du cinéma par Jeon Go-woon comme un outil narratif d’expression contre les cadres socio-économiques qui soumettent les individus et personnages qui, pour leur part, ne doivent rien lâcher.
