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Bien que la science-fiction soit mise en avant dans Tropic, sachez qu’il n’est clairement pas prédominant dans le long-métrage d’Edouard Salier. En réalité, il s’agit ni plus ni moins qu’un prétexte scénaristique, certes maladroit, qui permet à l’ensemble de se présenter à nous comme un intense drame fraternel.

Synopsis de Tropic : Lázaro et Tristán, jumeaux, font partie d’un programme militaire qui vise à former les meilleurs astronautes de demain. Leur mère a tout sacrifié pour les porter vers cet objectif. Mais leur rêve se brise et la cellule familiale explose lorsque Tristán est contaminé par un résidu toxique qui le transforme physiquement et mentalement…

Alors que la période estivale bat actuellement son plein et que tous les regards sont tournés vers les blockbusters hollywoodiens (notamment Barbie et Oppenheimer, étant donné leur succès au box-office mondial), certains projets indépendants tentent de coexister. Tant bien que mal, vu que la plupart d’entre eux passent littéralement inaperçus aux yeux du grand public. Et si l’entrée en matière de cette critique peut paraître redondante au fil des étés, il est toujours bon de rappeler que des titres méritent amplement toute notre attention, contrairement à des projets fadasses et mercantiles. Surtout quand il est question d’un film français voulant sortir des sentiers battus en flirtant avec un genre cinématographique peu traité dans nos contrées – en l’occurrence la science-fiction. C’est donc avec entrain qu’en ce début d’août, nous ne pouvons que vous conseiller Tropic. Un long-métrage réalisé avec soin et passion qui sait tirer son épingle du jeu, sans pour autant prendre le spectateur pour un jambon.

Cela se ressent amplement dès les premières secondes. Et pour cause, en ouvrant son film en pleine séance d’apnée dans une piscine, le cinéaste Edouard Salier parvient à installer une ambiance aussitôt envoûtante. Avec une caméra se laissant aller dans une eau stagnante, captant des personnages inertes, dans un silence abyssal juste coupé par l’excellente bande-originale signée SebastiAn – dont l’aspect électronique rappelle le cinéma de genre bis des années 80. En somme, il aura seulement fallu d’un simple plan, d’une simple scène pour que le réalisateur captive notre attention. Et ce, sans jamais la perdre par la suite ! Bien évidemment, de par la maîtrise de son atmosphère si spécifique, mais surtout par le traitement que Salier réserve à ses personnages principaux tout au long de son récit. Des jumeaux que beaucoup de choses semblent opposer – l’ambition, les compétences aussi bien physiques qu’intellectuelles… – mais dont la relation se révèle être diablement solide, jusqu’au jour où cet équilibre va se retrouver chamboulé lorsque l’un des frères commence à se transformer suite au contact d’une mystérieuse substance venue du ciel. Cet événement pousse donc les deux frères à revoir leurs liens et à s’adapter en conséquence. Il doivent réapprendre à vivre ensemble, à s’apprivoiser et à s’accepter comme tel, car si Tropic flirte avec la série B de science-fiction – comme le laisse prétendre son synopsis – il se présente à nous tel un drame fraternel ô combien intense.

Servi par des interprètes investis et une écriture de personnages juste, le long-métrage nous plonge dans une relation pour le moins complexe et humaine. L’intrigue prend littéralement le temps de brosser le portrait de ses protagonistes, afin que nous puissions mettre leurs forces et fêlures sous le feu des projecteurs. Nous nous attachons ainsi à eux, de même qu’à leur destin respectif qui nous touche en plein cœur. Sans oublier qu’en plaçant son récit au sein même d’un programme spatial, Edouard Salier ajoute bon nombre de thématiques venant enrichir le tout. Notamment celle du dépassement de soi – avec ces jeunes devant aller au-delà de leurs limites pour être les « meilleurs » – ou encore de la mère sacrifiant sa vie pour le bien être de ses enfants, afin qu’ils atteignent leur rêve. Tropic, présentant un personnage physiquement handicapé, se permet même de nous adresser un message de tolérance en présentant un groupe de parias en inéquation avec toute notion de perfection – que ce soit par leurs différences et par leurs états d’esprit. Des personnages qui, derrière l’aspect glacial et sévère de l’entraînement spatial, offrent au film une parenthèse simple, naïve et emplie d’humanité. Vous l’aurez compris, Tropic se révèle être un drame savamment écrit, faisant preuve d’une justesse et d’une complexité tout bonnement réussies.

Le seul souci que nous pourrions pointer du doigt, c’est l’aspect même de la science-fiction usée par le long-métrage. Si nous sentons l’envie du réalisateur d’aborder le genre en proposant un élément déclencheur venu d’ailleurs, sa légitimité peut laisser perplexe. Non pas que le manque d’informations concernant ladite substance soit un défaut. Au contraire, cela instaure un mystère rehaussant l’atmosphère de l’ensemble. Mais mis à part déclencher la douloureuse métamorphose d’un des jumeaux – mise en image par un somptueux maquillage, soit dit en passant – il n’en sera plus du tout question pour le reste de film. Comme s’il s’agissait d’un simple prétexte pour expliquer qu’un personnage se retrouve affecté au plus profond de sa chair, alors qu’il existe bon nombre de causes beaucoup crédibles, tel un terrible accident de voiture ou un incident qui se serait produit durant l’entraînement. De ce fait, en choisissant cet élément scénaristique, Tropic se permet une artificialité qu’il aurait pu éviter et qui s’éloigne de la sincérité si caractéristique de l’intrigue.

Mais qu’à cela ne tienne, cela n’impacte en rien le plaisir de cinéma que vous ressentirez en vous lançant dans le visionnage de Tropic. En voulant mettre en scène un film avec ambition et passion, Edouard Salier a su livrer un drame rimant avec intensité et humanité tout en lui offrant une véritable identité artistique, une véritable personnalité. Et rien que pour cela, Tropic mérite d’avoir un minimum de reconnaissance de notre part, contrairement au blockbusteur aussi insipide qu’ennuyeux qu’est En eaux (très) troubles, sorti le même jour.

Tropic – Bande-annonce

Tropic – Fiche technique

Réalisation : Edouard Salier
Scénario : Maurisco Carrasco
Interprétation : Pablo Cobo (Làzaro Guerrero), Louis Peres (Tristán Gerrero), Marta Nieto (Mayra Guerrero), Marvin Dubart (Louis Delaporte), Alane Delhaye (Oscar), Victor Robert (Charles), Fanta Kebe (Leela), Isis Guillaume (Chloé)…
Photographie : Mathieu Plainfossé
Décors : Pascal Le Guellec
Costumes : Elise Bouquet et Marlène Serour
Montage : Julien Perrin
Musique : SebastiAn
Producteurs : Jean-Michel Rey et Ninon Chapuis
Maisons de Production : Rézo Productions, Digital District, Pictanovo et BNP Paribas
Distribution (France) : Rézo Films
Durée : 115 min.
Genres : Drame, science-fiction
Date de sortie :  02 août 2023
France – 2022

Pendant que Barbie se pavane en rose bonbon, que Yannick orchestre savamment un joli coup d’esbroufe, Un hiver en été le vibrant et délicat film de Laetitia Masson pourrait presque passer inaperçu tant sa sortie s’est déroulée discrètement.

Une fin du monde approche qu’elle soit réelle (les températures chutent) ou métaphorique (chaque personnage a à vivre une petite chute intérieure, un deuil ou une métamorphose), le film de Laetitia Masson se vit comme les Nymphéas de Monet, telle une géographie des cœurs, des visages paysages, des frissonnements sensoriels. 

Pouvoir regarder la grâce solaire d’Elodie Bouchez, pouvoir revoir le tact et la douceur infinie d’Hélène Fillières, apprécier avec étonnement l’intensité nonchalante et grave de Benjamin Biolay , redécouvrir la tendresse à fleur de peau de Nicolas Duvauchelle, s’étourdir du jeu martial et insolite de Laurent Stocker, se réjouir de la sensibilité empathique de Judith Chemla, tout cela crée le paysage lumineux, mystérieux et palpitant de Cet hiver en été.

Laetitia Masson construit son film en miroir de la grand œuvre de Claude Monet, l’étang aux Nymphéas. Tout en ondes, horizons, bruissements et énigmes.

Monet écrit, « il s’agit de ce projet que j’avais eu, il y a longtemps déjà: de l’eau, des nymphéas, des plantes, mais sur une très grande surface». Le film de Laetitia Masson recèle cette amplitude de plans, de couleurs, de reflets, de lumières, amplitude d’émotions, d’acteurs tous plus attachants les uns que les autres. 

S’inventent par touches fugaces et pérennes les palpitations des personnages de cette fresque originale et majeure.

Un hiver en été est un film choral magique, presque tactile, impressionniste traversant les destins mélancoliques et mouvants d’une dizaine de personnages en quête d’amour et d’horizon.

Il faut voir Elodie Bouchez chanter Coward de Vic Chesnutt, il faut s’imprégner de ce qu’elle fait avec sa voix, son visage, du désespoir gracieux de ses gestes. Il faut voir Clémence Poesy toute droite sortie de The Walking Dead arpenter le film avec sa salopette de peintre et faire songer en un plan à tout l’univers de Carax. Il faut voir Nicolas Duvauchelle s’effondrer sur les planches du boardwalk d’un paysage du Nord désert et pleurer. Il faut entendre et voir l’aura de Hélène Fillières et se souvenir de sa gémellité avec Sophie, sa sœur d’âme, morte récemment. Il faut voir Benjamin Biolay tiré à quatre épingles élégant jusqu’au bout de la mèche confesser son absence de cœur. Il faudrait tous les citer tant ces acteurs sont prégnants. Et se laisser happer par la composition légère et fluide de ce film qui peint l’humanité ondoyante et diverse.

L’homme est une branloire pérenne dit Montaigne et cette oeuvre picturale filme des hommes des femmes en grand émoi, des hommes des femmes en bouleversement et en espérance. Que peut-on espérer de plus du cinéma que de nous donner à vivre cette expérience de sensations, cette vie à même le coeur. 

Bande-annonce : Un hiver en été

Fiche Technique : Un hiver en été

Réalisatrice : Laetitia Masson
Scénariste : Laetitia Masson
Avec Benjamin Biolay, Élodie Bouchez, Judith Chemla
26 juillet 2023 en salle / 1h 50min / Drame
Distributeur : Jour2fête

The Meg 2, suite d’un premier film plutôt réussi, avec Jason Statham aux prises avec des requins géants préhistoriques, offre un spectacle réjouissant, propre à ravir les amateurs du genre. Le ton légèrement parodique, la qualité des effets spéciaux et le respect consciencieux des codes du genre en font un nanar de grande envergure.

Un film de monstres est un rêve frustré d’enfant, habituellement relégué au rang de série B ou Z, aux effets spéciaux vomitifs et au jeu d’acteur catastrophique, et que, de temps à autre, un auteur digne de ce nom, Spielberg en général, se charge d’accomplir. En outre, faute de budget, un film de monstres nous en montre souvent trop (compte tenu de la faiblesse des effets spéciaux), ou pas assez. Le sous-genre « requin » en est assurément la branche la plus populaire. Ni le crocodile, ni l’abeille tueuse, ni même la moussaka géante n’ont essaimé à ce point.

On peut répartir les films de monstres, et spécialement les films de requins, en deux grandes catégories. Dans la première que j’appellerai  « survivaliste », une ou deux personnes (parfois un peu plus) doivent faire face dans le plus grand dénuement à une menace carnassière. On peut citer Open water, The Shallows ou The Reef, qui reposent essentiellement sur le suspense comme ressort dramatique, et de ce fait s’apparentent davantage au film d’horreur à tendance psychologique. La seconde catégorie, que j’appellerai « apocalyptique », implique un héros bourru, des scientifiques écolo-prométhéens et des baigneurs hédonistes. Autant les films du premier groupe se déroulent dans un cadre intimiste, autant ceux du second impliquent le collectif et posent de grandes questions : le rapport entre l’éthique et la science, ou celle de la responsabilité individuelle face au groupe. Évidemment, les deux catégories ne s’excluent pas. Le plus souvent, c’est le type « apocalyptique » qui comprend en son sein des moments de type « survivaliste ». Et c’est encore dans la catégorie « apocalyptique » que s’inscrivent en général les « films de monstres ».

The Meg 2, comme son prédécesseur de 2018, relève classiquement de la veine apocalyptique. Il en est même, presque, une synthèse. Tout y est. Il ne cesse d’ailleurs de citer ses prédécesseurs. Les références à Jaws, à Jurassic Park ou à Piranha sont évidentes et, comme ce dernier, The Meg 2 lorgne du côté parodique sans perdre tout à fait sa prétention à être un véritable film de requins. The Meg 2, pourrait-on dire, est au film de squales ce que Scream est au film d’horreur : un pastiche subtil qui ne rompt cependant pas avec le genre, voire le magnifie.

The Meg 2 présente un avantage par rapport à la plupart des films de requins : le budget. Le jeu d’acteur est correct et les effets spéciaux de bonne facture, ce qui tend à faire de l’opus une sorte de film de requins ultime. The Meg 2, c’est un nanar à gros budget, auquel ont participé des techniciens compétents, et qui, de ce fait, se contemple avec exaltation, comme si l’on daignait enfin nous récompenser de ces heures passées devant Shark Attack, Deep Blue Sea et autre Méga Shark versus Giant Octopussy : œuvres qui laissaient après elles une drôle d’impression, mélange de culpabilité et de frustration, nous incitant perversement à recommencer. Mais avec The Meg 2, nous voilà enfin comblés. Rendez-vous compte : trois mégalodons, une pieuvre géante et même quelques petits dinosaures amphibiens, sous toutes les coutures et assez bien fichus ! Tant et si bien qu’on pourrait reprocher parfois à The Meg 2 une tendance « pornographique ». Il me semble à moi, après toutes ces années à espérer un tel film, que le dosage est merveilleusement excessif. Comme le film précédent, The Meg 2 pratique la surenchère perpétuelle, culminant dans les deux films en une scène où Jason Statham, face à face avec un mégalodon, sans autre arme qu’un grand objet coupant longiligne, met un terme à la vie du gros poisson.

Dans le film, Jason Statham s’appelle Jonas et, comme son homonyme de l’Ancien Testament, il ne cesse de « mourir et de ressusciter », de frôler la mort et de s’en tirer, en prophète de malheur (tout le long il annonce des catastrophes qui surviennent inévitablement), obtenant finalement la préservation (du moins partielle) de Ninive, la ville du péché, ici une île thaïlandaise paradisiaque abritant un hôtel luxueux et baptisée « l’île du fun ». Car oui, les « films de requins apocalyptiques » sont bibliques en ce sens que le requin y est un châtiment mortel s’abattant sur les trois mêmes grands péchés : la démesure prométhéenne, représentée par des scientifiques idéalistes, la cupidité, représentée par leurs financeurs sournoisement intéressés, et l’hédonisme gourmand, luxurieux et consumériste, incarné par des baigneurs cagnards, des springbreakeurs lascifs ou des usagers de parc d’attraction aquatique.

Condensé du sous-genre « requin », avec coloration parodique, The Meg 2 n’est certes pas un grand film, mais un divertissement très honorable. Deux heures sans qu’on ne s’y ennuie une seconde. La rencontre entre la clownerie blanche de Jason Statham et le burlesque asiatique est assez charmante. Le suspense reste anecdotique. Le côté « survivaliste » est en effet peu exploité, sinon au début. Il ne faut pas non plus s’attendre au gore de Piranha 3D. The Meg 2 est familial. Il parle d’héroïsme, de solidarité, de l’importance de prendre soin les uns des autres, et aussi de prendre soin de la nature au lieu de l’exploiter agressivement. Comme dans le premier volet, un petit chien, contre toute attente, survit, pour nous rappeler que l’innocence est toujours victorieuse au bout de l’apocalypse.

Bande-annonce : The Meg 2

Fiche Technique : The Meg 2

• Titre original : The Meg 2: The Trench
• Titre français : En eaux très troubles
• Réalisation : Ben Wheatley
• Scénario : Dean Georgaris, Erich Hoeber et Jon Hoeber, d’après le roman The Trench de Steve Alten
• Musique : Harry Gregson-Williams
• Direction artistique : Andrew Bennett
• Décors : Chris Lowe
• Costumes : Lindsay Pugh
• Photographie : Haris Zambarloukos
• Montage : Jonathan Amos
• Production : Belle Avery et Lorenzo di Bonaventura
• Coproduction : Cliff Lanning
• Production associée : Kenneth Atchity et Chi-Li Wong
• Production déléguée : Catherine Xujun Ying
• Sociétés de production : Di Bonaventura Pictures, Apelles Entertainment, China Media Capital, Flagship Entertainment Group (en), Gravity Pictures et Maeday Productions
• Société de distribution : Warner Bros.
• Langues originales : anglais et mandarin
• Format : couleur
• Genre : action, thriller, horreur, science-fiction
• Durée : 116 minutes

Il est toujours préférable de voyager en bonne compagnie, c’est ce qui rend le trajet encore plus savoureux. Une sorte de parenthèse sur la vie qui s’ouvre au départ, et se ferme à l’arrivée. Les Avantages de Voyager en Train démontre que cet instant peut également être chargé en histoires, à la lisière de la réalité et de la folie.

Synopsis : Helga, éditrice madrilène, vient de faire interner son mari en clinique psychiatrique. Dans le train du retour, elle fait la connaissance du Docteur Angel Sanagustín qui lui fait part de ses expériences les plus fascinantes, sordides et obsédantes. Cette rencontre bouleverse Helga et la plonge dans une profonde introspection. Et ce sont bien là quelques-uns des avantages de voyager en train…

Cela fait déjà quatre ans que Les Avantages de voyager en train, unique long-métrage d’Aritz Moreno à ce jour, a trouvé les salles obscures espagnoles. Issus du roman d’Antonio Orejudo, les protagonistes se mettent en quête de la vérité derrière la condition humaine, et toute la souffrance qu’elle génère au sein d’un même individu, broyé, dévoré ou simplement aliéné par son environnement. L’ambition est vaste, mais le tour de force réside dans une narration lente, confuse et habilement amenée afin que l’on ne déraille pas de notre fil rouge. Deux passagers d’un TGV tissent fatalement des liens entre leur traumatisme respectif, dont l’humour noir laisse rapidement place aux ténèbres qui les habitent.

L’antre de la folie

« Imaginez une femme qui revient chez elle et surprend son mari en train d’inspecter sa merde avec un bâton de glace esquimau. » Ces premiers mots à l’ouverture nous plongent immédiatement dans une zone d’incertitude, où l’illustration de cette réplique pourrait aller de pair avec un voyage dont on peine à visualiser les fameux avantages. Avec un ton solennel et une mise en scène comique, ce projet embrasse différents genres où les curseurs de l’absurdité sont poussés à fond. Dans son court-métrage de 2013, Cólera, le cinéaste abordait déjà le cynisme à travers la virulence de villageois pressés, et convaincus de bien faire, d’éliminer un malade contagieux. De la même manière, et grâce à l’appui indispensable de son scénariste Javier Gullón, il parvient ici à entrecroiser plusieurs intrigues, telle une poupée russe qui cache un nouvel élément de rebondissement.

Helga Pato (Pilar Castro), qui revient d’un hôpital psychiatrique, tombe nez à nez sur le docteur Angel Sanagustín (Ernesto Alterio) ainsi que sur ses obsessions concernant ses patients. Nous pourrions croire au subterfuge d’une compilation de plusieurs courts-métrages, mais au fur et à mesure que l’on avance, la clarté du récit ne fait aucun doute. Loin de simplement assembler des histoires déconnectées, comme nous avons pu le voir dans Les Nouveaux sauvages ou plus récemment avec The Mortuary Collection, on en sauvegarde presque la même esthétique de ce dernier film, sans nécessairement invoquer de créatures lovecraftiennes. Ainsi, la photographie de Javier Aguirre impose sans mal ses diverses couches de noirceur, qui embrument l’esprit des personnages et des spectateurs.

« La vie, ce n’est pas seulement respirer. C’est aussi avoir le souffle coupé. » Alfred Hitchcock en savait quelque chose, car il s’agit d’un propos que l’on peut facilement associer à ses œuvres, de même que ce voyage en train. La métamorphose est permanente, car on bascule souvent de la comédie au thriller avec une efficacité à glacer le sang. Pourtant, on se garde d’en dévoiler les aspects les plus fiévreux, tournant autour du complot, du deuil et de l’aliénation. Le geste est d’une nature assez violente pour que l’image commente plus que des mots, et que les idées, qui infusent dans les séquences, se digèrent mieux avec du recul. La contrainte d’une intrigue segmentée pourra faire fuir plus d’un spectateur, surtout avec les thématiques abordées, quand bien même l’humour allège la réception des tabous, quels qu’ils soient.

Loin d’égaler le style provocateur de Pedro Almodóvar à ses débuts (Matador, La Loi du Désir, Femmes au bord de la crise de nerfs), Aritz Moreno ne se laisse pas pour autant distancer par la différence de classe qui le sépare de ses influences et de ses aînés en matière de suspense. La curiosité nous guette déjà à la lecture d’un titre aussi sobre que farfelu, qui conduit les spectateurs à mesurer ces fameux avantages à voyager en train qu’invoque le cinéaste. Un film original, qui ne peut que fasciner par sa bizarrerie ludique et son audace irrévérencieuse. N’attendez plus pour prendre votre billet et monter dans ce train, au risque d’emprunter plusieurs détours cérébraux à l’humour caustique.

Bande-annonce : Les Avantages de Voyager en Train

Fiche technique : Les Avantages de Voyager en Train

Titre original : Ventajas de viajar en tren
Réalisation : Aritz Moreno
Scénario : Javier Gullón
Photographie : Javier Aguirre
Décors : Mikel Serrano
Coiffure : Olga Cruz
Costumes : Virginie Alba
Maquillage : Karmele Soler
Montage : Raúl López
Musique : Cristobal Tapia de Veer
Production : Morena Films
Pays de production : Espagne
Distribution France : Damned Films
Durée : 1h43
Genre : Drame, Comédie, Thriller
Date de sortie : 9 août 2023

Encore une nouvelle itération des plus célèbres tortues de la culture geek et adolescente, me direz-vous ? Symptomatique de la panne d’idées à Hollywood en cours depuis plusieurs années ? Oui un peu, mais pas que. Car Ninja Turtles : Teenage Years est un film d’animation qui revient brillamment aux fondamentaux de l’histoire des reptiles, même si sa trame n’est pas plus développée qu’un épisode de Power Rangers. Le long-métrage, patronné par Seth Rogen et Evan Goldberg, se pare surtout d’une animation plutôt originale malgré sa similitude – de prime abord en tout cas – avec celle des derniers Spider-Man animés. Dommage que l’humour soit parfois lourd et les images régulièrement trop sombres, laissant un goût de moyen en bouche.

Synopsis : Après des années passées loin du monde des humains, les frères Tortues entreprennent de gagner le cœur des New-Yorkais et d’être acceptés comme des adolescents normaux grâce à des actes héroïques. Leur nouvelle amie April O’Neil les aide à s’attaquer à un mystérieux syndicat du crime, mais ils se retrouvent dépassés par les événements lorsqu’une armée de mutants se déploie contre eux.

Les Tortues Ninja, c’est un peu comme James Bond ou les boogeyman à la Scream et consorts : quand il n’y en a plus et bien si, il y en a encore. Après trois films dans les années 90 au charme suranné, et qui font désormais très kitsch (mais bien moins mauvais que le Super Mario Bros de l’époque, nanar indépassable), puis la série animée culte de tous les adolescents d’alors, et enfin les deux films patronnés par Michael Bay à la qualité plus que douteuse, voici donc le film en version animée. Et c’est sous l’égide de Seth Rogen et Evan Goldberg, plutôt habitués à nous proposer des comédies potaches telles que Nos chers voisins ou Supergrave. Néanmoins, le duo de producteurs nous a aussi offert un animé culte avec le très osé et coquin film pour adultes Sausage Party.

Quant à l’animation de Ninja Turtles : Teenage Years, elle a été confiée à Jeff Rowe (en duo avec Kyler Spears) qui avait impressionné avec un animé moins connu mais que les amateurs avaient porté aux nues : Les Mitchell contre les machines. La proposition visuelle, commandée par les producteurs, a été d’offrir une animation qui soit un mélange de street art et de comics. Un style unique et presque révolutionnaire, sauf que la claque  Spider-Man – New Generation est déjà passée par là, ainsi que sa suite épileptique il y a deux mois. Car même s’ils s’en défendent, on pense beaucoup à ces films en voyant Ninja Turtles Teenage Years, le côté bande dessinée qui s’anime prenant le dessus sur le côté graffiti recherché.

Il n’empêche, on ne peut nier que le visuel est de haute volée et que les dessins et les mouvements des personnages sont excellents. Une animation peut-être un peu trop particulière pour les enfants mais qui devrait ravir les autres. On tiquera tout de même sur son aspect trop sombre, renforcé par la 3D. Cependant, la majorité des scènes se déroulant de nuit, c’est malheureusement presque logique même si contraignant pour le spectateur, notamment dans un combat final à rallonge qui fatigue un peu la rétine.

On apprécie que le scénario du film revienne à la genèse de l’histoire des tortues, c’est-à-dire à leur adolescence, ce que les films précédents avaient totalement occulté. Les thématiques abordées ici sont celles de la différence (forcément) et de l’intégration, le but de nos jeunes tortues étant d’aller à l’école et de se faire accepter par les humains. Ce choix est appréciable mais il est décevant que le scénario ne soit pas plus développé. Ce dernier demeure basique et linéaire, et ce n’est pas sur ce versant que le public adulte trouvera son compte.

Concernant l’humour, c’est plutôt mitigé. On a parfois le droit à des gags et répliques un peu lourds, davantage destinés à un public américain et adolescent, références à l’appui. En revanche, dès lors qu’apparait cette troupe d’animaux mutants commandée par Superfly, la mouche géante, il y a un côté Sept Mercenaires appréciable, qui nous rappelle aussi le gang de 1001 pattes. Ils sont drôles, le comique de situation fonctionne à plein régime et leur caractérisation, aussi brève soit-elle, est amusante. En somme, ce Ninja Turtles : Teenage Years demeure un divertissement de qualité, malgré ses défauts, qui sort encore des sentiers battus malgré son ADN hérité des récents Spider-Man animés.

Bande-annonce – Ninja Turtles : Teenage Years

Fiche technique – Ninja Turtles : Teenage Years

Réalisation : Jeff Rowe et Kyler Spearce.
Production : Paramount.
Pays de production : USA.
Distribution France : Paramount Pictures France.
Durée : 1h40.
Genres : Animation – Comédie – Action – Science-fiction.
Date de sortie : 9 août 2023.

Le premier long-métrage d’Angela Ottobah, Paula, explore la thématique d’une paternité toxique, au creux des bois et sur les rives d’un lac. Une œuvre prenante, même si elle se heurte à certaines limites.

Après la vague Me Too et le climat de chasse aux sorciers qui oublie volontiers la présomption d’innocence au profit du soupçon de culpabilité, être homme est décidément devenu un dur métier. Marquée par son enfance auprès d’un père abusif, Angela Ottobah ne souhaite toutefois pas tirer sur l’ambulance. Elle dresse en Joseph, incarné avec autant de conviction que possible par le toujours très prometteur Finnegan Oldfield, le portrait d’un jeune père tonique, éloigné du monstre repoussant qui se lève à l’évocation du terme de « prédateur ».

D’autant que la prédation sexuelle, si même elle existe, est plus que discrète, signalée par de menus indices à qui voudra bien les décrypter. Habile calque du cinéma sur la réalité : ne voit que celui qui le veut bien… La mainmise qui se manifeste clairement est plus large, plus vaste, d’ordre existentiel, et touche à tous les domaines : le lieu de vie, l’alimentation, l’exercice physique et intellectuel, les activités, les fréquentations…
Rongé par une maladie respiratoire qui semble consumer inexorablement ses forces, Joseph, profitant de l’éloignement professionnel de sa compagne, emmène leur fille au fond des bois, sur les rives d’un lac, dans une maison coupée du monde, dont il réaménage peu à peu l’intérieur en le vidant progressivement de son contenu, en même temps qu’il soumet sa fille à des entraînements presque militaires et à une vie presque monacale. Paula, onze ans, personnage éponyme, est jouée avec une intensité surprenante par la jolie Aline Hélan-Boudon, regard grave et souvent replié sur lui-même, comme chez une enfant qui en saurait trop pour son jeune âge. Elle sera amenée à côtoyer un homme des bois et de l’eau, dont le personnage évoluera de façon intéressante et qui nous aura permis de retrouver avec plaisir Océan, l’acteur et réalisateur du documentaire autobiographique Océan (2019), dans lequel il accompagnait son processus de franchissement du genre.

Car les bois ne seront pas les seuls à jouer un rôle à la fois de cadre et de révélateur. L’eau, sur laquelle s’ouvre le film, occupera une place essentielle, en tant qu’espace amniotique, au sein duquel la jeune héroïne puise l’apport maternel qui lui manque auprès de sa mère de chair ; un apport si puissant qu’il aura sur Paula l’effet du sol sur le géant mythologique Antée, qui voyait ses forces décuplées par le contact avec sa terre-mère, Gaïa, mais les perdait s’il était coupé de ce branchement chtonien.

Lucie Baudinaud travaille une image précise, évoluant vers les bleutés au fur et à mesure que progresse la maladie de Joseph, et sa folie, mais profitant de la turbidité de l’eau lacustre pour préserver un rouge-orangé utérin dès que Paula s’immerge dans cet élément, salvateur pour elle.

Malgré de nombreuses qualités, ce premier long-métrage de la réalisatrice et scénariste Angela Ottobah souffre de la comparaison avec l’œuvre de Gilles Marchand, Dans la forêt (2017), qui explorait une thématique très proche et installait de façon plus inquiétante et naturelle un climat toxique. Sans doute le scénario rencontre-t-il un problème de rythme, ou d’enchaînement des actions. Mais peut-être, aussi, et malgré la qualité de son jeu, Finnegan Oldfield recèle-t-il en lui une juvénilité, presque une enfance, trop fondamentales pour parvenir à se montrer pleinement convaincant dans un rôle de père.

SYNOPSIS : Paula a onze ans. L’école l’ennuie et elle n’a qu’un seul ami, Achille. Son père lui fait une surprise : ils vont passer l’été dans la maison de ses rêves au bord d’un lac. Mais le temps file, l’automne approche et ils ne rentrent toujours pas.

Bande-annonce : Paula

Fiche Technique : Paula

De Angela Ottobah
Par Angela Ottobah
Avec Finnegan Oldfield, Aline Helan-Boudon, Océan
19 juillet 2023 en salle / 1h 38min / Drame
Distributeur : Arizona Distribution

Yannick ou comment Dupieux holp-up avec force et brio le cinéma français.

Une seule scène vaut les louanges unanimes de la presse pour le dernier opus de Quentin Dupieux. C’est Pio Marmaï qui la tient de bout en bout avec fracas, éclat, rage, authenticité et panache. L’acteur qui joue dans le film un acteur de boulevard assez ringard se métamorphose sous nos yeux, renverse les attendus du scénario, se confesse, explose et attaque le public : « J’en ai rien à foutre du public, moi j’aurais voulu être Depardieu, De Niro, Dewaere, pas me retrouver sur une petite scène de théâtre miteuse à débiter des dialogues médiocres. »

Dans cette seule scène la vie arrive, ses vibrations, ses émotions passant du trivial à l’emphase, du désespoir à la vitalité, du ridicule à la grandeur. L’acteur Pio Marmaï y est grand parce que vrai. Il dit la vérité que Yannick ne cesse d’entortiller sous un subtil jeu de frime ou d’esbroufe, perdant en route l’émotion et la sincérité, les remplaçant par un savant système d’entourloupe. 

Dupieux sait ce qu’il fait, il le dit dans ses interviews et il le fait en logicien et stratège génial. Il déplace ses obsessions et les transpose en récits cinématographiques. Nous sommes ici au cœur de la sublimation : transformation des pulsions (agressivité, peur, angoisse, frustration) en investissement et activité. Yannick ne fait pas obstacle à la règle et devient même performatif sur l’obsession, abrasif sur la frustration.

Un spectateur double du metteur en scène est proposé comme perturbateur d’une pièce de théâtre en train de se jouer. Dupieux offre au spectateur lambda, mal dans sa peau, ici un rien ignare (joué par un Raphaël Quenard beaucoup moins habité que dans le classieux Chien de la casse de Jean-Baptiste Durand) d’interrompre la pièce sous prétexte qu’elle ne change pas sa vie ! L’idée inattendue et pourtant pas si saugrenue que ça (qui n’a rêvé d’interrompre un spectacle au débotté et de protester contre la vanité du pseudo-art en présence ?) est excellente, mais son évolution est délirante, scabreuse et pas drôle du tout. Et c’est sans doute là que se situe l’entourloupe ou la duperie autour de Dupieux. Ses films naguère franchement comiques sont depuis Le Daim de grands films d’horreur déguisés en fantaisies barrées. Le déguisement, l’alibi de la comédie ou du burlesque ne viennent pas forcément du réalisateur mais du système de promotion qui nous fait prendre un film profondément aride pour une joyeuse fantasmagorie. Yannick, au fond, c’est un pauvre type qui devient terroriste par bêtise et bon cœur dans une tête en manque, et sa logique poussée à l’extrême crée du vide et de l’oppression.

Hier, dans une salle au centre de la capitale parisienne, personne ne riait. C’est subjectif, allez-vous dire ! Et Quentin Dupieux pare à tout puisqu’il intègre malicieusement un personnage joué par Sébastien Chassagne qu’il affuble de l’adjectif Mr Subjectif. Tout ce que chacun pourra dire n’a que peu d’importance et nous savons gré à Dupieux de se donner la verge pour se battre. En vérité le personnage de Yannick, frustré par la pièce qu’il est en train de voir et qui décide de prendre le pouvoir sur le texte et la salle, nous tend le miroir de ce que nous ressentons devant le film de Dupieux : frustration et malaise. 

FRUSTRATION parce que nous sentons bien que nous avons affaire à un cinéaste prodigieusement inventif, subtil, malin, éperdu de cinéma, mais pris en otage par le succès excessif de ses films, un cinéaste surtout qui n’endosse pas le réel impossible d’une mise à nu. Cela commencerait par arrêter de se prêter au jeu marketing de présenter ses films pour ce qu’ils ne sont pas, arrêter la parade fake des comédies. Cesser d’être capturé par le désir de cette société du grand Capital, que par ailleurs il sait dénoncer tout autant qu’il ne sait y renoncer. Yannick n’oublie pas d’être marxiste. Yannick c’est le gardien de nuit sans parenthèse enchanteresse qui va au théâtre ou au cinéma une fois tous les 3 mois et qui pour cela entame une chevauchée du combattant : demander son jour de congé, faire 45 mn de transports, puis aller à pied. Bref, Yannick c’est l’ouvrier de Marx aliéné par son travail qui, lorsqu’il peut enfin être au théâtre, attend d’être dédommagé de son aliénation et remboursé de sa vie de forçat. Il attend un sacrifice sur scène, une explosion d’émotions, pas juste une piètre pantalonnade sans nécessité, piteuse et déprimante. 

L’unique morceau de bravoure du film, c’est la sortie de Pio Marmaï : tout à coup le cinéaste vrille, tout à coup il se passe quelque chose. Un grand acteur vient nous alerter et nous prendre à partie de son impuissance, de la nullité de son existence d’artiste. Tout à coup notre cœur fait boum. La réalité revient éclabousser le film, la réalité de la vie vivante. Pio Marmaï ne s’y trompe pas. Lorsqu’il s’agit de reprendre le cours de la fausseté, il réajuste délicatement d’un geste dandy sa mèche.

Autre personnage superbement écrit parce que libre, insolent, sans peur, impavide : un spectateur aristocrate interprété par l’élégant Jean-Paul Solal. Celui-là a le culot de rompre le hold-up du fake, de quitter la salle avec classe.

MALAISE parce que Yannick sous ses apparats farceurs est purement et profondément inquiétant, maladroit dans sa mise en scène, pesant, toujours à la limite du passage à l’acte. Le personnage joué par un Quenard, un peu trop ramené à un paumé populaire, looser ou beauf sans intérêt, ce personnage montre un mec qui ne sait plus faire la différence entre la scène et la réalité. Cette veine borderline est très belle lorsqu’elle accouche de la scène d’apothéose de Pio Marmaï. Elle est plus embarrassante sur le reste du film qu’elle fige dans une absence de vie, de chair, de mouvement, d’adrénaline. L’ensemble de Yannick dans sa proposition pétrifie et décrit davantage un malaise dans la civilisation qu’une franche farce. Bien sûr tout cela est subjectif et l’essentiel demeure : faire des films coûte que coûte. Vive que tombent les masques du mercantilisme absurde qui fausse les défis et les exigences de ce cinéaste complexe et brillant. Vive le Shining de Quentin ou plus idoinement une série Dupiesque.

Bande-annonce : Yannick

Fiche Technique : Yannick

Réalisateur : Quentin Dupieux
Par Quentin Dupieux
Avec Raphaël Quenard, Blanche Gardin, Pio Marmaï..
2 août 2023 en salle / 1h 07min / Comédie
Distributeur : Diaphana Distribution