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Une pointe d’amour, un film qui célèbre la résilience et l’amour vrai. En traitant sans détours mais avec délicatesse le désir et la difficulté d’aimer dans un corps contraint, le film offre une belle leçon de vie, en utilisant les codes du road-movie. Sans militantisme, il pousse à la réflexion et rappelle, avec intelligence et subtilité, que les émotions et les aspirations profondes transcendent toutes les barrières.

Pour son premier long-métrage, le jeune réalisateur Maël Piriou nous offre, et c’est un vrai cadeau, une touchante comédie romantique. C’est aussi une histoire d’amitié authentique, inspirée du film Hasta la Vista de Geoffrey Enthoven en 2011, mais dont, à vrai dire, il ne reste pas grand-chose, au-delà du road-movie avec un vieux fourgon, le but du voyage et le handicap. Le thème des handicapés est certes très présent dans le film – traitant des questionnements sur l’amour et la tendresse –, mais le réalisateur en atténue avec justesse les effets au fil du film.

En allant droit au but des sentiments, dits ou non-dits, et des faux-semblants, le réalisateur exploite à fond les vertus du road-movie. Ils permettent à ces deux « vieux » amis avocats, Mélanie et Benjamin, de prendre du recul et de se révéler en découvrant qui ils sont vraiment l’un pour l’autre, ainsi que leurs aspirations profondes.

Dans une durée resserrée, traversant de superbes paysages espagnols, le métrage est construit sur un scénario rythmé et original, qui ne manque pas de rebondissements étonnants et certains moments drôles, avec surtout un twist qu’on ne voit pas venir. D’autant que l’accompagnant de circonstance des personnages, Lucas, conducteur-infirmier-homme à tout faire, tout juste sorti de prison, les entoure d’une affection humaine qui semble innée, contribuant à leur faire peu à peu oublier leur handicap, à l’instar de Driss/Omar Sy dans Intouchables.

Oser reconnaître l’amour malgré ses blessures et ses doutes

Mélanie la battante, travaillant malgré son handicap, venant d’apprendre de récentes mauvaises nouvelles sur sa santé, ressent l’urgence d’enfin connaître les bienfaits de l’acte sexuel, quitte à ce qu’il soit tarifé dans un bordel en Espagne s’occupant des handicapés. Car si elle croit en l’amour, il est pour le moment virtuel et platonique, Mélanie n’osant pas provoquer la rencontre dans son état, et ignorant ce qu’elle a sous les yeux.

Ayant réussi à convaincre Benjamin de l’accompagner in extremis dans son périple, ce tétraplégique par accident et amorphe, en apparence en tout cas, elle lui raconte ses états d’âme, n’hésitant pas à lui asséner quelques formules percutantes : « Tu te rends compte qu’on ne m’a jamais caressé les seins ? »

Mais après de nombreux échanges, une rencontre inopinée et révélatrice, à défaut d’être belle et drôle, et aussi grâce à Lucas qui sait provoquer Mélanie et Benjamin en leur faisant le coup de la panne, le but affiché du voyage va évoluer au fil du temps, par la découverte étonnante du vrai Benjamin, dont Mélanie finit par reconnaître le leitmotiv caché : Force et Tendresse, comme un code de ceux qui n’arrivent pas à se parler.

Cette découverte et ses évolutions ne manquent pas de provoquer de beaux moments, où l’on lit dans leurs pensées plutôt qu’ils ne les expriment, avec une profondeur des sentiments et quelques émotions que l’on ne manque pas de ressentir, les libérant ainsi de leurs chaînes apparentes.

On aime ce film par la vitalité conjuguée de ses trois acteurs principaux

• Julia Piaton, cette actrice déjà reconnue (récemment dans Le Secret de Khéops, Le Mélange des genres), interprète ici un très grand rôle dans le personnage de Mélanie, parfaite en handicapée fonceuse et libre dans son fauteuil roulant, affichant aplomb et vérité, mais aussi beaucoup de sensibilité ;
• Quentin Dolmaire, ce jeune acteur méconnu, qui a bien failli rater ses auditions pour le film, et qui se révèle d’une écoute et d’une tendresse inouïes dans le rôle de Benjamin, composant avec brio les attitudes du tétraplégique plutôt difficiles à interpréter;
• Gregory Gadebois, immense acteur qu’on ne présente plus (Délicieux, Louise Violet), et qui trouve ici un rôle clé d’accompagnant bourru, mais volubile et d’une grande humanité, lui qu’on trouve habituellement plutôt dans des rôles de taiseux.

Visiblement heureux d’être ensemble, ces acteurs sont parfaitement dirigés par Maël Priou, affichant pudeur, retenue et délicatesse, par une mise en scène sobre mais efficace.

Une belle leçon de vie

Abordant la douloureuse question de l’amour physique des handicapés, ce film en transcende les obstacles, sans militantisme ni pathos, en nous donnant une véritable leçon de vie, et en sachant faire éclore les vrais sentiments et transports amoureux tels que tout le monde peut les connaître.

Son visionnage donne l’espoir d’un futur plus tolérant, et nous fait mieux comprendre cette citation d’Oscar Wilde : « La beauté est dans les yeux de celui qui regarde », sous-entendu ici l’amour s’invite à celui qui sait regarder !

Bande annonce – Une pointe d’amour

Fiche technique – Une pointe d’amour

• Réalisateur : Maël Piriou
• Scénario : Maël Piriou, inspiré de l’œuvre de Geoffrey Enthoven
• Scénaristes (version originale) : Pierre De Clercq, Mariano Vanhoof
• Genre : Comédie romantique, road movie
• Musique : Pascal Sangla
• Directeur de la photographie : Guillaume Schiffman
• Montage : Francis Vesin
• Costumes : Sophie Bay-Baudens
• Chef décorateur : Wouter Zoon
• Ingénieurs du son : Dominique Lacour, Anne Gibourg, Sarah Lelu, Emmanuel Croset
• Durée : 1h24
• Pays d’origine : France
• Date de sortie : 30 avril 2025
• Production : Same Player Production, Pathé Films, Logical Content Ventures, France 3 Cinéma, Cine Nomine
• Producteur délégué : Vincent Roget
• Producteurs associés : Michael Kuperberg, Ardavan Safaee, Pierre Forette, Thierry Wong
• Producteur exécutif : Marianne Klopocki
• Directeur de production : Régis Vallon
• Attachés de presse : Dominique Segall, Apolline Jaouen, Jérôme Barcessat, Marion Seguis
• Distribution : Pathé Films

Casting principal

• Julia Piaton : Mélanie
• Quentin Dolmaire : Benjamin
• Grégory Gadebois : Lucas
• Florence Viala : Stéphanie
• Claude Guyonnet : Marc
• Louis Meignan : Séverin
• Aude Léger : Juliette
• Roc Esquius : Barman El Cielo
• Martin Petit : Frère de Mélanie

Contre toute attente, le dernier film de super-héros (enfin anti-héros ici) du MCU est plutôt réussi. En faisant sa version du Suicide Squad de la défunte franchise concurrente DC Comics chez Warner, la firme aux idées (version Marvel, cette fois) appartenant à Disney nous livre un blockbuster sympathique et étonnamment émouvant, qui peut compter sur une demi-douzaine de qualités que tout ce qui a précédé n’avait plus. Un peu de sentiments et de profondeur, une excellente actrice qui peut exprimer son talent, un méchant très réussi et quelques séquences spectaculaires bien réalisées, et le tour est joué. Cerise sur le gâteau : ces seconds couteaux, peu intéressants dans d’autres films, forment ici une petite bande éminemment attachante. La phase 5 se clôt donc avec les honneurs. Et un peu d’espoir ?

Synopsis : Marvel Studios rassemble une équipe de anti-héros peu conventionnelle : Yelena Belova, Bucky Barnes, Red Guardian, Le Fantôme, Taskmaster et John Walker. Tombés dans un piège redoutable tendu par Valentina Allegra de Fontaine, ces laissés pour compte complètement désabusés doivent participer à une mission à haut risque qui les forcera à se confronter aux recoins les plus sombres de leur passé. Ce groupe dysfonctionnel se déchirera-t-il ou trouvera-t-il sa rédemption en s’unissant avant qu’il ne soit trop tard ?

On y allait à reculons. On n’y croyait plus. On s’attendait à un nouveau blockbuster estampillé Marvel totalement désincarné. Et il faut avouer qu’on s’était trompé. La bonne surprise est donc proportionnelle à nos craintes légitimes. Après une phase 5 catastrophique, où des navets et boursouflures tels que Ant-Man – Quantumania, The Marvels ou encore Captain America – Brave New World se sont enchaînés, et où seul le volet final des Gardiens de la Galaxie valait vraiment le coup (on met de côté le sympa mais totalement vain et éphémère Deadpool & Wolverine, qui tenait plus d’une longue blague de fan-service que d’un film), ce Thunderbolts* apparaît donc comme un petit miracle.

En réunissant une bande d’anti-héros et de personnages de second plan (méchants ou semi-vilains) qu’on avait aperçus dans les précédentes phases, Marvel voulait clairement tenter une sorte de Suicide Squad comme l’avait fait feu le DCEU. Bien meilleur que le film charcuté de David Ayer – l’une des plus grosses déceptions de l’époque, une sorte d’objet informe de toutes parts, vidé de sa substance et de ses belles promesses – mais tout de même largement en-dessous de sa suite/reboot, l’incroyable, merveilleux et parfait The Suicide Squad de James Gunn, Thunderbolts* se positionne comme une étonnante surprise. D’autant plus que, de sa promotion à ses premières bandes-annonces, on s’attendait à une nouvelle catastrophe industrielle ou à un blockbuster insignifiant et dépassé.

Première bonne nouvelle : cette équipe crée un vrai lien sympathique, une complicité, et on la trouve vraiment attachante. Un peu comme un bon souvenir des Gardiens de la Galaxie, la déconne en moins. On regrette de ne pas voir davantage à l’écran le charismatique Sebastian Stan, mais Florence Pugh s’impose comme le cœur battant de l’équipe et du film, son noyau. Déjà épatante dans le malaimé mais sympathique Black Widow, elle parvient, dans ces produits manufacturés que sont devenus n’importe quel film du MCU, à faire vivre son personnage et à révéler pleinement ses talents d’actrice. Dès les premières images, son timbre de voix impacte notre ouïe et son jeu d’actrice nous captive.

Mieux : grâce à elle, Thunderbolts* prend un tournant tragique et réussit l’exploit de mettre de l’émotion et de la profondeur dans cet univers pourtant dévolu au grand spectacle et aux blagues souvent ratées. Ses états d’âme et certaines séquences fouillant son passé, comme sa relation avec son père, donnent du cœur à cette histoire. Mais surtout, c’est son lien avec le grand méchant du film, Sentry, qui nous touche. Et, miracle, Marvel parvient enfin à livrer un film avec un vilain réussi et complexe. Lewis Pullman donne de la chair à ce quidam devenu surpuissant. En second plan, il est bien secondé par le personnage opportuniste de Valentina Allegra de Fontaine, joué par une Julia Louis-Dreyfus magistrale. Du fond, quelques sentiments et des protagonistes qui peuvent exister dans ce grand barnum : ce n’est pas si souvent.

Ensuite, si l’on regrette que le film se noie encore dans les mêmes décors citadins gris et ternes, ici, ils ont leur raison d’être. Et cela fait du bien de quitter le Multiverse et ses délires pour retrouver une intrigue plus terre-à-terre, loin du cosmos, avec des enjeux plus humains. Comme un retour aux tout premiers films du MCU, et un brin de nostalgie involontaire qui s’infiltre durant la projection.

La mise en scène de Jake Schreier est compétente, et si la première partie nous livre des affrontements somme toute basiques et déjà vus, la seconde est plus palpitante. La séquence où Sentry met K.O. toute la clique est jubilatoire, l’affrontement citadin qui suit est impressionnant, et on peut dire que le dénouement déjoue toutes les attentes. Les effets spéciaux ont, pour une fois, l’air d’être finis, et une sorte de sentiment de réussite et d’objet sincère nous parcourt le cœur et l’esprit à la fin de la projection. Pas le meilleur Marvel, pas non plus un excellent film, mais certainement ce que la firme aux idées a fait de mieux et de plus honnête depuis bien longtemps, avec un caractère dépressif qui ajoute une sacrée valeur à ces Thunderbolts* qu’on a bien envie de les revoir.

Bande-annonce – Thunderbolts*

Fiche technique – Thunderbolts*

Réalisateur : Jake Schreier.
Scénaristes : Joanna Cola & Lee Sung-Jin d’après l’oeuvre de Kurt Busiek.
Production: Marvel Studios (Disney).
Distribution: The Walt Disney Company France.
Interprétation : Florence Pugh, David Harbour, Sebastian Stan, Wyatt Russell, Hannah John-Kamen, Lewis Pullman, …
Genres : Action – Science-fiction.
Date de sortie : 30 avril 2025.
Durée : 2h06.
Pays : USA.

Il débarque de nulle part. À peine a-t-on le temps d’apprendre son existence qu’il se hisse déjà dans le top 10 des plus grands succès de tous les temps au box-office mondial, devant le deuxième Vice-versa. Ne Zha 2 semble inarrêtable. Si la saga ne vous dit rien, c’est normal. Le premier opus, sorti en 2019, n’était pas parvenu jusqu’à nos salles (à une année près, on aurait compris pourquoi…). Aujourd’hui, le film d’animation chinois arrive en France, uniquement disponible en version originale sous-titrée. Et le moins que l’on puisse dire, c’est que Ne Zha 2 est un film à la hauteur de son succès, dont on se souviendra longtemps.

L’investiture des deux

Parlons peu, parlons bien : vous ne comprendrez pas tout au scénario de Ne Zha 2. La première raison est évidente : vous n’avez pas vu le premier film. Rien de bien grave, dans la mesure où cette suite replace le contexte dès son introduction. Ensuite, à moins d’être incollable sur le folklore chinois, ses dynasties, ses dieux, ses héros et ses légendes, vous passerez sûrement à côté de certains éléments de compréhension. Dans la mesure où les grandes lignes de l’histoire sont parfaitement compréhensibles, ce n’est pas si gênant. Les enjeux sont rapidement saisis aussi vite que les antagonistes sont identifiés. Pour ce que l’on a compris, Ne Zha 2 ne sort pas des clous établis par près d’un siècle de cinéma d’animation, mais fait tout très bien.

D’une durée de 2h30 tout de même, on n’échappe pas à quelques longueurs. Pourtant, les péripéties s’enchaînent parfaitement, le tout jonché d’un humour terriblement efficace. Dans une ère écrasée par les films de super-héros qui ne peuvent pas s’empêcher de placer une vanne toutes les deux minutes, on se surprend à aimer de nouveau la formule. Ici, elles fonctionnent quasiment toutes. Qu’il s’agisse de punchlines bien senties, de blagues visuelles ou encore du comique de situation, Ne Zha 2 est très, très drôle. On pourrait penser qu’il ne réussit pas autant ses parties dramatiques, détrompez-vous. Après avoir secoué nos émotions avec Le Royaume des Abysses, la Chine démontre de nouveau tout son talent pour décrocher nos larmes. Tout cela se mêle à une bande-son exceptionnelle (à ce jour indisponible en ligne, tout comme de nombreuses productions chinoises…) et à un climax absolument génialissime pour obtenir un résultat certes un peu longuet mais réellement enthousiasmant. Le tout se termine avec la porte grande ouverte à un troisième opus. On en trépigne déjà d’impatience.

Dragon Ball : Ne Zha

Mais là où le film se veut absolument monstrueux, c’est sur la qualité de son animation. Parlons franchement : Ne Zha 2 est la plus belle œuvre animée jamais réalisée auparavant. S’il n’est pas aussi généreux dans ses différences de style comme peut l’être un Spider-Man : Across the Spider-Verse, il décroche malgré tout nos mâchoires sans aucune difficulté. Si les joueurs ont pu s’offrir un magnifique voyage du même style avec le jeu vidéo Black Myth : Wukong l’année passée, Ne Zha 2 décide de surpasser toute concurrence et faire mieux que tout le monde, partout. Qu’il s’agisse du rendu de l’eau, du feu, de la lave ou le simple balancement d’une feuille dans l’air, le film est sidérant de maîtrise. Chaque détail est pensé et magnifié, la maestria des artistes agissant avec une finesse et une élégance jamais vues au cinéma et au-delà. Certains plans larges sur l’univers semblent même totalement photoréalistes, tout en gardant une patte d’animation pour qu’on puisse faire la différence. Je vais aller encore plus loin : on se rapproche parfois presque d’Avatar : La Voie de l’eau. Oui, j’ose.

La dernière heure de film est un orgasme visuel inégalé, tant par sa générosité visuelle que par sa réalisation. Car, oui, c’est bien beau d’être… beau, mais sans une belle réalisation derrière, ça ne vaut pas grand-chose. Le projet ne perd pas de temps et balaye toutes les inquiétudes que l’on aurait pu avoir à ce sujet dès les dix premières minutes. La première scène d’action de l’œuvre est un exemple de tout ce qu’il faut faire. Mise en scène léchée, plans réussis, mouvement de caméras bien trouvés et excellente lisibilité de ce qu’il se passe. Voilà comment on ouvre un film d’action. Mieux encore, voilà comment on fait une scène d’action. Les fans d’animés sauteront de leur siège face au spectacle proposé, d’autant que Ne Zha 2 semble lui-même fan de certains des plus grands, comme Dragon Ball, là où les séquences émotionnelles feront plus penser aux productions du Studio Ghibli. Que demande le peuple ?

Bande-annonce : Ne Zha 2

Fiche technique : Ne Zha 2

• Titre original : 哪吒之魔童闹海 (Nezha Zhi Motong Naohai 2)
• Réalisation : Yu Yang (aussi connu sous le pseudonyme Jiaozi)
• Scénario : Yu Yang
• Production : Coloroom Pictures, Chengdu Coco Cartoon, Beijing Enlight Pictures
• Musique : Xiao Jin
• Genre : Animation, Fantastique, Action
• Durée : 1h55
• Pays de production : Chine
• Langue originale : Mandarin
• Date de sortie : 2024 en Chine (date internationale à confirmer)
• Distributeur : Beijing Enlight Pictures

Plongeant au cœur de l’alcoolisme féminin, souvent tabou et invisibilisé, Elsa Benett et Hippolyte Dard signent une œuvre audacieuse qui entrelace drame, vérité et éclats de comédie. Inspiré par des récits authentiques, notamment celui de Laurence Cottet, ce long-métrage éclaire, avec espoir, les ombres de vies tourmentées, tout en offrant des instants cathartiques qui allègent, par moments, la gravité du sujet.

Dans cette œuvre profonde et grave, le duo de réalisateurs aborde la délicate question de l’alcoolisme des femmes, ayant été touché par ce fléau dans leur entourage proche. Si celui des hommes est souvent évoqué, celui des femmes reste invisibilisé, comme honteux et difficile à accepter, de même au cinéma où il a été peu abordé.

Rassembler donc un groupe d’une quinzaine de femmes dans un centre anti-éthylisme, toutes victimes de fortes addictions dues à des situations personnelles tourmentées, et parmi elles seulement 3 actrices professionnelles, représente une audace et un courage d’affronter une réalité souvent compliquée, tant l’alcool, en vente légale, fait des ravages chez les deux sexes et agit souvent comme antidépresseur.

L’inspiration forte de la vie de Laurence Cottet (cette ancienne alcoolique qui témoigne de son expérience partout où elle peut, et que réalisateurs et acteurs ont pu rencontrer longuement, acceptant même d’y incarner un rôle secondaire), pour forger l’histoire de Suzanne, le personnage principal du projet, est un atout considérable qui crédibilise l’œuvre dans une ambiance de vérité toujours pesante et dramatique, même si le ton de la comédie permet de donner, par moments, de l’oxygène au spectateur, et apporte une dimension cathartique.

Solidarité, altérité et sororité

À bout de forces et devant abandonner ses 3 enfants dont elle a de plus en plus de mal à s’occuper, Suzanne arrive au début de l’histoire dans ce centre de désintoxication, la mine défaite, bien consciente qu’elle doit se soigner de son alcoolisme pour espérer les revoir un jour ! Elle y rencontre plein d’autres femmes qui essaient de s’en sortir avec difficulté, chacune avec son lourd passé et pour certaines dans le déni de leur état !

Par le biais d’échanges avec la psychiatre, et de pas mal de jeux de situations, dont des questionnements face caméra de ces femmes qui bouleversent par leurs réflexions et des aveux poignants sur leurs accidents de vie, séances proches du documentaire, les réalisateurs nous montrent un monde dans la souffrance, et des femmes affichant beaucoup de solidarité, même si elles se chamaillent souvent, et pour nombre d’entre elles un ferme espoir de s’en sortir !

Pour approfondir astucieusement le propos, Elsa Benett et Hippolyte Dard choisissent de mettre en avant, aux côtés de Suzanne, deux autres femmes, Diane (une comédienne abandonnée par sa fille, dans le déni total de son addiction) et Alice (jeune fêtarde qui boit pour exister), 3 femmes très différentes mais qui vont apprendre à se connaître, non sans conflit, et faire preuve d’altérité, dans un monde où la sororité est de mise ! Ces femmes sont jouées par des actrices de renom, plutôt habituées à jouer des comédies et ici à contre-emploi, naturelles et sans maquillage.

C’est tout d’abord Valérie Bonneton (Suzanne), méconnaissable par rapport à ses rôles précédents et d’une profondeur étonnante tout au long du long-métrage. Une vraie prouesse car elle est tellement crédible et sensible dans le rôle de cette femme à la dérive. Dans une moindre mesure, Michèle Laroque incarne Diane, souvent dans la dérision, et Sabrina Ouazani (Alice, faussement insouciante) assume plutôt bien son rôle de femme en cours de sevrage et tentant de se reconstruire.

Le rallye des Dunes : on n’y croit pas, et pourtant !

Au-delà des soins, le centre de désintoxication propose des ateliers d’activités pour l’aide à la reconstruction. Denis, en charge de les animer, le seul homme du projet (interprété par un Clovis Cornillac convaincant, acteur et réalisateur touche-à-tout, déjà vu dans des rôles de coach dans Têtes Givrées et aussi dans Monsieur le Maire), se met en tête d’entraîner toutes les femmes à participer à un rallye dans le désert marocain, activités diverses et improbables, scènes émaillées heureusement de moments drôles, tellement on pense que c’est impossible ! Mais Denis n’aura de cesse de réussir son pari, plus proche qu’il n’y paraît du sort de ces femmes, par une blessure intime et ses conséquences qu’il sait dévoiler avec empathie et sincérité.

Et quand il embarque les 3 héroïnes principales avec lui au Maroc, on craint le pire de ce qui pourrait se passer, mais c’est tout le contraire : de belles rencontres, des aventures qui solidifient les liens et des incidents divers où elles peuvent mettre en pratique leur farouche désir profond, certes encore ténu, de s’en sortir, par la force des relations humaines et la reconquête de leur estime de soi. Leur retour ouvre enfin le chemin des possibles, même si une partie de leurs problèmes subsiste dans la vie qu’elles retrouvent.

Un avenir meilleur grâce à une réparation de l’âme mais des séquelles à vie

Les réalisateurs offrent une œuvre sérieuse de bout en bout. « L’addiction, ce n’est pas une question de volonté » comme l’assène le projet, car c’est un révélateur à causes multiples dont il faut soigner les causes, sous peine de rechutes nombreuses comme le film ne manque pas de le montrer avec intelligence.

Entre larmes et rires, c’est un jeu à somme nulle, mais on garde tout le long-métrage la boule au ventre, tellement il arrive à maintenir une tension constante et palpable pour la souffrance de ces femmes. Et si elles semblent s’en sortir, on en perçoit toute la fragilité, malgré des jours meilleurs.

Pensez-vous être guérie pour toujours ? Laurence Cottet : « par rapport à l’alcool oui. Par rapport à la maladie qui se cachait derrière l’alcool, c’est-à-dire la dépression, je fais très attention… »

Bande-annonce : Des jours meilleurs

Fiche technique du film Des jours meilleurs

Réalisateurs et scénaristes : Elsa Bennett et Hippolyte Dard, avec le collaboration de Louis-Julien Petit sur le scénario

Soundtrack : Clémence Ducreux (Compositeur)

Production : Vanessa Djian, Éric Jollant, Julie Carrière

Équipe technique

• Thomas Lerebour (Directeur de la photographie)
• Florian Khun (1er assistant réalisateur)
• Okinawa Guerard et Sebastiàn Moradiellos (Directeurs du casting)
• Fabrice Rouaud (Chef monteur)
• Laetitia Bouix (Chef costumier)
• Suzel Jouguet (Chef maquilleur)
• Emmanuel Fayer (Directeur de production)
• Stéphanie Gheeradyn (Régisseur général)
• Emily-Jane Torrens (Scripte)
• Noëlle Van Parys (Chef décorateur)
• Yves Bemelmans (Ingénieur du son)
• Damien Lazzerini (Mixage)

Sociétés de production et distribution

• Wild Bunch Distribution
• Newen International (Exports)
• France 3 Cinéma (CoProduction)
• Daidai Films (Production)
• Impact (CoProduction)
• Capa Cinéma (CoProduction)
• Newen (CoProduction)
• Les Gens (CoProduction)

Sortie en salles

• Date : Le 23 avril 2025
• Durée : 1 heure 44 minutes

Acteurs et actrices principaux

• Valérie Bonneton (Rôle : Suzanne)
• Michèle Laroque (Rôle : Diane)
• Sabrina Ouazani (Rôle : Alice)
• Clovis Cornillac (Rôle : Denis)
• Sophie Leboutte (Rôle : Chantal)
• Myriem Akheddiou (Rôle : Docteur Mathys)
• Laurence Cottet (Rôle : Colette)
• Manuel Ginion (Rôle : Théo).