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Malgré les apparences, ces Tommyknockers se révèlent une bonne surprise.

Synopsis : Dans une petite ville de Nouvelle-Angleterre, une romancière qui vit seule au milieu de la forêt trébuche un jour sur un objet métallique enfoui dans le sol. Obsédée par ce souvenir, elle va cherché à déterrer ce qui va s’avérer être une soucoupe volante.

D’emblée, on peut émettre des réserves sur l’adaptation d’un roman plutôt faible de Stephen King, sous la forme d’un téléfilm en deux parties de 85 minutes chacune. Et il est vrai que le réalisateur de ces Tommyknockers est bien obligé de se limiter à un certain cahier des charges.

D’abord, faire un téléfilm, cela signifie que le réalisateur n’a pas la maîtrise de la durée de son œuvre. Il faut que ça rentre dans 85 à 90 minutes environ. La longueur du roman de King (environ 600 pages) obligeaient donc à faire deux parties, mais le résultat est le même : il faut parfois combler les vides. Et c’est bien l’impression que donne John Power dans son téléfilm. Certaines scènes n’ont vraiment aucun intérêt, sinon de faire fonction de remplissage.

Autre inconvénient du genre : le budget, pour le moins fauché. Alors, on prend au casting des « têtes d’affiche » sur le retour (Jimmy Smits, surtout connu pour avoir tenu un des rôles principaux de la superbe série NYPD Blue au début des années 90, mais qui n’a pas fait grand chose depuis, ou Joanna Cassidy, que l’on avait vue dans Blade Runner ; et que dire de la présence de Traci Lords, ancienne star du porno ?). Et surtout, on fait les trucages que l’on peut.

Clairement, dès que les effets spéciaux apparaissent, le film sombre dans la laideur infâme. Les extraterrestres sont ridicules, la couleur verte qui envahit l’écran au fur et à mesure du déroulement de l’histoire est d’une grande laideur. Et on ne parle même pas du vaisseau spatial lui-même…

Malgré tous les défauts inhérents au genre, Les Tommyknockers constituent une bonne surprise pour les amateurs de Stephen King.

Finalement, les défauts du film, qui sont surtout concentrés dans la seconde partie, laissent au réalisateur le temps de développer l’ambiance et d’implanter le décor. Et là, on retrouve avec plaisir ce qui fait la saveur des romans de Stephen King.

Les Tommyknockers se déroulent dans une petite ville de Nouvelle-Angleterre, et le scénario va s’attarder sur plusieurs personnages principaux qui vont être pris par l’obsédante invasion mentale extraterrestre. Cela va permettre au film de développer les liens compliqués, parfois conflictuels, entre les personnages, et de lever le voile sur une petite communauté pas aussi sage qu’elle en a l’air.

Autre thème typiquement kingien : la drogue, dans son sens le plus large, c’est-à-dire l’addiction. Bien entendu, il y a le personnage principal, Jim Garner, pour qui chaque jour est une lutte contre l’alcoolisme (souvenir de King lui-même, ex-alcoolique, thème qui apparaît dans de nombreux romans).

Mais l’addiction va plus loin. Avec cette lueur verdâtre qui va envahir progressivement la vie du village, au point de devenir une obsession pour tous les habitants, le cinéaste livre, comme le romancier avant lui, une allégorie sur l’addiction qui prive les individus de leur personnalité, les change en monstres.

Une dernière méthode typiquement kingienne apparaît également : les objets du quotidien se transforment en sources d’angoisse. Alors, certes, ça ne fait pas peur un seul instant (la faute à une réalisation qui bannit toute inventivité et qui va trop souvent à la facilité), mais la façon qu’ont les objets les plus familiers à être assimilés par la lueur verte est une bonne idée.

Les Tommyknockers, d’ailleurs, ne se contente pas de respecter l’univers de Stephen King. On peut y voir de nombreuses allusions aux classiques du genre, depuis Le Village des Damnés jusqu’à L’Invasion des Profanateurs de sépulture.

Au final, ce long téléfilm est loin de décevoir ceux qui cherchent la fidélité à l’œuvre de King. Par contre, la fin reste plombée par des trucages à deux sous.

Les Tommyknockers : bande-annonce

Les Tommyknockers : fiche technique

Titre original : The Tommyknockers
Réalisation : John Power
Scénario : Lawrence D. Cohen, d’après le roman de Stephen King
Interprétation : Jimmy Smits (Jim Garner), Marg Helgenberger (Roberta Anderson), E. G. Marshall (Grand-père Hillman), Traci Lord (nancy Voss)…
Photographie : Danny Burstall, David Eggby
Musique : Christopher Franke
Montage : Tod Feuerman
Production : Jayne Bieber, Jane Scott
Société de production : The Konigsberg/Sanitsky Company
Société de distribution : ABC
Budget : 12 millions de dollars
Genre : science-fiction
Durée : 180 minutes
Date de diffusion en France : 11 février 1995

Etats-Unis- 1993

La Part des ténèbres est la preuve qu’au-delà du simple aspect fantastique, il est possible d’adapter avec intelligence et profondeur un roman de Stephen King.

Synopsis : Thaddeus Beaumont est un professeur de littérature dont les romans ne rencontrèrent pas leur public. Par contre, sous le pseudo de George Stark, il a signé quelques œuvres violentes et brutales qui furent de vrais succès de librairie. Alors qu’un lecteur menace de le faire chanter, il décide d’enterrer ce pseudonyme devenu gênant.

Durant la première moitié des années 80, Stephen King a publié cinq romans sous le pseudonyme de Richard Bachman. Il a même poussé la supercherie jusqu’à donner une identité véridique à ce pseudo, avec une photo officielle (c’était l’agent d’assurance de King qui a joué le jeu), puis il l’a fait mourir d’une tumeur au cerveau (ultérieurement, King publiera encore deux autres romans sous ce pseudo, mais sans cacher sa véritable identité pour autant).

C’est ici que se situe le point de départ du roman La Part des ténèbres, publié en 1989 et qui sera adapté deux ans plus tard. Une adaptation qui marque la rencontre de deux figures majeures de l’univers horrifique : Stephen King et George A. Romero, réalisateur cultissime de La Nuit des morts-vivants et Zombie.

Double identité

La scène d’introduction donne le ton : Romero montre clairement une volonté de retranscrire fidèlement le roman de King, jusque dans ses thèmes les plus complexes.

Thaddeus Beaumont est dans la même situation que King : il subit un pseudo devenu trop envahissant et dont il cherche à se débarrasser. Sauf que le pseudo revient à la vie et commet une série de meurtres dont Beaumont est le principal suspect.

Très vite, le thème du double apparaît comme essentiel au film. Lors de son cours, Beaumont explique à ses élèves que chaque personne est double : un être introverti, qui constitue notre véritable personnalité, et un être social, une image que l’on donne aux autres. L’écrivain est celui qui laisse s’exprimer pleinement le personnage enfoui, qui reste normalement caché.

Évidemment, la référence au Docteur Jekyll et à Mr. Hyde s’impose vite. Thaddeus Beaumont écrit des romans bien policés, très intelligents, des romans très bien accueillis par les critiques mais complètement ignorés des lecteurs. George Stark est une célébrité, ses romans se vendent très bien, mais il écrit de la violence brute, des pulsions morbides. Beaumont lui-même change de personnalité lorsqu’il est Stark : il fume et il boit (référence à l’alcoolisme passé de Stephen King), ce que Beaumont ne fait plus. Thad est le bon petit mari, l’Américain moyen tel que les films ou les séries aiment nous le présenter, là où Stark est un être qui laisse se déchaîner ses pulsions. Beaumont le dira lui-même : Stark est sa part des ténèbres, sa moitié maléfique.

Romero aborde ce thème dès le début, avec une scène d’introduction qui est une des grandes réussites du film. En 1968, le jeune Thad, qui n’est alors qu’au début de son adolescence, commence sa carrière d’écrivain et, en même thème, développe en lui ce frère jumeau qui prendra vie par la suite.

Car si l’opposition entre la personnalité enfouie et le masque social (alma et persona, diraient les psychanalystes) est vraie pour toute personne, elle est rendue encore plus évidente par le travail de l’écriture. Toujours dans cette scène d’introduction, la mère de Thad est persuadée que le garçon se rend malade à force d’écrire. Et Stark ne désire, en fin de compte, qu’une chose : que Beaumont écrive encore, parce que c’est ça qui le maintient en vie. L’écriture semble donc accentuer ce rapport conflictuel entre le moi caché et le moi social.

Tout au long du film, le spectateur sent facilement que c’est ça qui intéresse Romero. Le cinéaste insiste sur cet aspect et le met en valeur. Par contre, les meurtres commis par Stark sont rapidement expédiés, voire bâclés même pour certains. Romero, fidèle à sa conception plutôt intellectuelle et symbolique du film d’horreur (voir les interprétations politiques de ses films de zombie), ne cherche pas forcément à dégoûter ses spectateurs. Son Stark est plus ridicule qu’effrayant, avec sa façon de rouler des mécaniques comme un blouson noir des années 50.

Par contre le réalisateur insiste sur l’ambiance glauque et morbide. Les oiseaux, qui valent bien ceux d’Hitchcock, contribuent à implanter cette atmosphère sombre. Des oiseaux qui nous permettront d’avoir une scène finale plutôt réussie, la seule scène d’horreur du film à proprement parler.

Au final, ceux qui attendront un simple film d’horreur seront déçus, mais les amateurs de Stephen King verront là une des rares adaptations fidèles de ses romans, un de ces trop rares films qui ne se contentent pas de voir en lui un romancier d’horreur mais qui savent dénicher des thématiques plus intellectuelles. Le résultat est certes inégal et aurait peut-être mérité d’être un peu condensé, mais il est largement supérieur à la moyenne des adaptations de King.

La Part des ténèbres : bande-annonce

La Part des ténèbres : Fiche technique

Titre original : The Dark Half
Réalisateur et scénariste : George A. Romero, d’après le roman de Stephen King
Interprétation : Timothy Hutton (Thaddeus Beaumont / George Stark), Amy Madigan (Liz Beaumont), Michael Rooker (Sheriff Alan Pangborn)…
Photographie : Tony Pierce-Roberts
Montage : Pasquale Buba
Musique : Christopher Young
Producteur : Declan Baldwin
Société de production : Orion Pictures, George A. Romero Productions
Société de distribution : Columbia TriStar
Budget : 15 millions de dollars
Genre : fantastique, horreur
Durée : 122 minutes
Date de sortie : 18 août 1993
Film interdit aux moins de 16 ans lors de sa sortie en France

États-Unis-1993

En 1990, Misery était déjà la 17^ème adaptation d’un roman de Stephen King ! Sa réussite est aussi et surtout la preuve que tout ce qui, dans l’œuvre de l’auteur, ne relève pas du fantastique est ce qu’il y a de plus simple à porter à l’écran.

Synopsis : Le romancier Paul Sheldon vient d’achever le dernier tome de la saga littéraire Misery qui l’a fait connaitre. Après un brutal accident de voiture, il est recueilli par Annie Wilkes, une ancienne infirmière qui ne cache pas être fan de ses livres. Mais en découvrant que son nouveau manuscrit s’achève par la mort de son héroïne, elle commence à insister de plus en plus brutalement auprès de Paul, alité, d’en rédiger la suite qui inclurait la résurrection de Misery.

Fan des années 80

Parmi les obsessions de Stephen King, le sentiment d’être prisonnier de ses propres créations se pose là. Cette thématique du pouvoir démiurgique de vie et de mort qu’a l’artiste sur ses personnages est d’ailleurs l’une des bases de sa saga La Tour Noire (sera-t-elle incluse dans l’adaptation ? C’est peu probable). En 1987, son roman Misery exploite cette interrogation en mettant un auteur à succès face à ce que son lectorat peut avoir de plus radical, puisqu’il se retrouve séquestré auprès d’une fan psychopathe. Trois ans plus tard, cette histoire atterrit entre les mains de Rob Reiner, tout juste auréolé du succès international de Quand Harry rencontre Sally, mais qui surtout avait déjà en 1986 signé Stand By Me, la première adaptation d’une œuvre de King déchargée de sa délicate dimension horrifique. Peu enclin à filmer la violence, Reiner a vu en ce thriller psychologique en huis-clos le matériau idéal pour renouveler le coup… à la condition d’abroger les passages les plus sanglants du livre. Ainsi débuta sa seconde collaboration, après Princess Bride, avec le scénariste William Goldman (Butch Cassidy et le Kid, Marathon Man…), chargé de l’adaptation de ce récit dont la théâtralité pouvait sembler difficile à retranscrire sur grand écran.

Dans Misery, King s’est créé un avatar, Paul Sheldon, qui s’est autorisé de se dédouaner de la franchise auquel son nom est attaché pour se permettre de passer à autre chose. Sans doute, King avait-il alors en tête choix similaire fait par Sir Athur Conan Doyle de tuer Sherlock Holmes puis, pour des raisons financières et sous la pression des lecteurs, de le faire revenir dix ans plus tard. Dans le film, l’écrivain a les traits de James Caan (Le parrain, Rollerball…), qui comme son habitude met son physique viril au profit d’une sobriété de jeu qui l’impose comme une figure forte. Mais même le plus fort des hommes ne saurait résister au personnage magistralement incarné par Kathy Bates (Dick Tracy, Titanic). L’aisance dont elle fait preuve à passer du statut de guérisseuse bienveillante à celui de groupie hystérique, pour finalement se révéler être une redoutable schizophrène, sans perdre en crédibilité à aucune phase de sa déviance lui fait amplement mériter son Oscar de la meilleure actrice. La multiplication des gros plans en contre-plongées l’impose de plus comme une figure horrifique aisément comparable au Jason Bates de Psychose.

Alors que son travail est habituellement rattaché à des films légers, Rob Reiner est parvenu avec Misery à mettre en place un suspense si intense qu’il s’est imposé comme une référence en termes de huis-clos horrifique.

D’ailleurs la comparaison au cinéma d’Alfred Hitchcock ne s’arrête pas là car Rob Reiner parvient, comme le maitre du suspense avant lui, à tirer parti de l’unicité du décor pour faire monter crescendo la tension. Tandis que le film va avancer, et au fur et à mesure que Paul va prendre conscience de la dangerosité d’Annie, la mise en scène, tout en restant d’une sobriété remarquable, va habilement parvenir à nous faire ressentir cet étouffant effet de claustrophobie dans cette chambre qui va nous sembler de plus en  plus étroite. L’idée même que l’unique accès visible sur l’extérieur, la fenêtre, ne laisse à voir qu’un vaste paysage d’un blanc immaculé par la neige renforce encore cette irrépressible sensation de réclusion. Les ruptures de ton, subtilement appuyées par la musique, illustrent parfaitement les brusques changements d’humeur d’Annie. C’est ainsi que nous partageons pleinement la peur de Paul à l’égard de sa geôlière et, par extension, sa volonté de fuir, source de toute la tension dramatique et du suspense lors de ses tentatives d’évasion. Là où Stephen King avait 350 pages pour faire évoluer en douceur la relation entre les deux personnages, Rob Reiner mise donc sur la brutalité de son évolution pendant la centaine de minutes à sa disposition pour en faire ressortir la dimension horrifique. Le défi est gagnant, on ne peut le nier.

Mais, puisque Misery n’est pas entièrement un huis-clos, il lui arrive de nous faire respirer en s’éloignant quelque peu du carcan de Paul. C’est ainsi que certaines scènes se concentrent sur le personnage du shérif Buster (Richard Farnsworth) chargé par l’éditrice (Lauren Bacall) de retrouver son auteur disparu. Cet arc narratif représente la principale différence entre le livre et le film, car William Goldman a bien saisi que, au regard de la durée du long-métrage, s’attarder sur les recherches de la Police se serait traduit par des ruptures de ton regrettables, mais son choix n’en est guère plus astucieux. Ainsi, alors que l’enquête  policière est, dans le livre, dépourvue d’une figure pour l’incarner mais n’en reste pas ressentie comme pouvant être l’unique chance de survie à Paul, ainsi que le prétexte à un meurtre sanglant de la part d’Annie, elle n’a, dans le film, droit qu’à quelques passages qui n’ajoutent en rien au suspense ressenti dans le noyau de l’action et par conséquent ne servent à rien de concret. A sa façon, la conclusion est elle aussi très amputée, mais parvient, en un seul jeu de regard, à parfaitement faire ressortir le traumatisme de Paul après cette expérience entre les mains de la terrifiante Annie, qui restera également dans la mémoire des spectateurs l’un des personnages les plus redoutables du cinéma.

Telle une malédiction, le sort a voulu que ni les acteurs, ni le réalisateur, ni même le scénariste (qui pourtant adapta d’autres romans de Stephen King… sans succès), ne parvinrent par la suite à retrouver une occasion de briller à travers un film aussi marquant que Misery.

Misery : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=7riXLLrFcmg

Misery : Fiche technique

Réalisation : Rob Reiner
Scénario : William Goldman, d’après le roman Misery, de Stephen King
Interprétation : James Caan (Paul Sheldon), Kathy Bates (Annie Wilkes), Lauren Bacall (Marcia Sindell), Richard Farnsworth (Buster)…
Photographie : Barry Sonnenfeld
Montage : Robert Leighton
Musique : Marc Shaiman
Direction artistique : Mark W. Mansbridge
Producteurs : Rob Reiner, Andrew Scheinman
Sociétés de Production : Castle Rock Entertainment, Nelson Entertainment
Distributeur :  UGC Ph
Budget : 20 000 000 $
Récompenses : Oscar de la meilleure actrice et Golden Globe de la meilleure actrice dans un film dramatique pour Kathy Bates en 1991
Classification : Interdit aux moins de 12 ans
Genre : Thriller
Durée :  107 minutes
Date de sortie : 13 février 1991

Etats-Unis – 1990

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Ce téléfilm en deux parties (difficile d’énoncer la mini-série en deux épisodes et pourtant citons un Emmy Award en 91 pour meilleure musique et nomination pour meilleur montage) qui a très mal vieilli, a surtout marqué deux générations entières. Retour sur Ça – « Il » est revenu, une légende du petit écran qui sera adaptée à son tour au cinéma à la fin de cette nouvelle année… .

Synopsis : Une créature sans nom, Ça, répand la terreur et la mort dans la petite ville de Derry. Jusqu’à ce qu’une bande d’enfants mette fin aux agissements du monstre. Trente ans plus tard, les sept amis se réunissent à Derry : Ça est revenu…

Le vrai faux visage de la peur

Il faut savoir dès à présent que l’adaptation a énormément lissé l’oeuvre originale du maître, passant sous silence la violence du livre. Ce n’est pas un homosexuel qui est sauvagement assassiné dans l’introduction à l’époque actuelle, mais une fillette qui disparaît sous un drap en hors champ. Dans le roman, Henry Bowers essaie de graver son propre nom au couteau sur l’abdomen de Ben. Dans le téléfilm, Ben s’enfuit avant que Henry ne passe à l’acte. Aucune connotation sexuelle entre les enfants non plus… etc. Il faut donc s’attendre à un film grand public de deux fois 1h30. Mais jusqu’où Tommy Lee Wallace, réalisateur informel sans grande ambition (Halloween 3 et Vampire, vous avez dit vampire ? 2), pousse-t-il le vice en édulcorant une épopée existentielle sur deux temporalités ?

En amorçant l’épisode telle une énième enquête d’une série calibrée grand public, le spectateur s’attend à trouver quelques repères d’une certaine inquiétante étrangeté dès qu’apparaît Grippe-Sous joué par Tim Curry (The Rocky Horror Picture Show). L’acteur aux traits à la fois doux et acérés campe le personnage comme jamais, aussi habité que Max Schreck incarnait Nosferatu, Boris Karloff la créature de Frankenstein ou Christopher Lee, Dracula… Malgré quelques lenteurs liées aux choix relativement maladroits scénaristiques sur la foisonnante oeuvre de King, le premier épisode dresse le portrait de chacun des personnages principaux. Un a un, par un tendre flashback, le club des 5 (sauf qu’ils sont 7) est réuni un peu trop conventionnellement. Reprochons donc un rythme effréné par rapport à la mise en place du deuxième épisode qui s’étendra entre émotions « soapopera-esques » à la limite du surjeu par les adultes et coups portés au villain à grand renfort d’effets fantastiques bon marché. Mais de cette énumération, le genre glisse insidieusement vers le slasher. Nous nous attendions dès l’ouverture en mouvement sur la bicyclette de la fillette à ce type d’horreur, mais en nous décrivant de soi-disant tendres personnages hantés, enfermés dans des peurs enfantines, le téléfilm est rattrapé par le drame psychologique que le réalisateur ne maîtrise guère.

Le tournage s’est déroulé à Anmore, Chicago, New Westminster, New York et Vancouver. Le paysage de la crypte est éblouissant de simplicité, sauf que l’effet de fumée est clairement produit par une machine probablement artisanale. Et il en va de ce paradoxe entre grandeur et élémentarité, volonté de surprendre et échec de narration tout au long des 3 heures et quart de film. Nous déconseillons le binge watching, car l’exaspération qui découle du mélange des genres et du surjeu des adultes finit par tuer la magie que propose en filigrane l’oeuvre de King. Par ailleurs, pour en revenir à Tim Curry, son personnage de clown effrayant a sans doute été inspiré de John Wayne Gacy Jr., tueur en série américain. Il avait été surnommé le clown tueur en raison de ses activités bénévoles à l’hôpital de son comté, où il se déguisait pour faire plaisir aux enfants. Il fut déclaré coupable du viol et du meurtre de 33 jeunes hommes et fut exécuté en 1994. La pédophilie est un sous-texte explicite tandis qu’elle reste comme pommadée par la mise en scène classique télévisuelle de cette époque, figée entre compréhension expéditive et divertissement au premier degré. Cependant, l’ultime force, et qui contribuera au caractère mythique de ce trop long téléfilm, provient de ses propres défauts. Si l’on met de côté la fabuleuse interprétation de l’acteur britannique (qui n’est pas mort malgré la rumeur qui a enflammé le web en ce début d’année. Non mais trop de grands sont partis ces derniers 365 jours!), il faut recontextualiser la diffusion originale. En cette fin d’année 1990, les spectateurs américains, puis français trois ans après, ont été nourris de classiques grandiloquents tel que Les Gremlins, Star Wars, Retour vers le futur, Blade Runner ou Alien sans oublier les nombreuses suites Halloween, Evil Dead, Les Griffes de la nuit… La décennie suivante verra le jour sur des œuvres plus émotionnellement sensibles, stylistiquement osées ou à la narration en tiroirs, plus subtile et tout aussi puissante. Ne citons que Zemeckis, Fincher, Singer, Scorsese, Spielberg, Burton ou Tarantino pour rester outre-Atlantique. Ça – « Il » est revenu s’inscrit donc dans cette transition charnière. Malheureusement, on a l’amère impression d’assister à une mauvaise scène de Dallas lorsque Annette O’Toole, actrice du petit écran prolifique entre 1970 et son rôle de Martha Kent dans Smallville, et Dennis Christopher* (La Bande des quatre de Peter Yates, aucun rapport avec David, en 1979) se disputent ou se réconcilient. Mais la principale thématique ne devrait-elle pas être les peurs enfantines? Les blocages qui découlent d’autres plus antérieurs? N’appelons pas Freud au risque de faire un hors sujet, mais plongeons nous dans ce thème premier.

« L’enfant et le sortilège »,  selon Guy Astic dans l’ouvrage collectif Stephen King : Premières Approches, est le thème préféré de l’auteur qui déclinera à de multiples reprises l’imaginaire enfantin/adolescent comme fourmillant d’items et de peurs identitaires (Shining et la suite sur l’enfant Danny dans Doctor Sleep, Carrie, Peur Bleue…). Décrivant utopiquement un passé trop vite disparu au travers d’une certaine peur de grandir, King élabore autour de ce paradoxe décrit plus haut, entre culture classique et culture de masse/populaire, des récits initiatiques questionnant la véritable nature de l’être humain sur des concepts fantastiques. Et c’est pour cela que King a tant touché la deuxième génération, dite Y par les sociologues, (ceux nés entre 80 et 90), au point de faire de la coulrophobie** un véritable problème de société, plus qu’un gage amusant pour un film dit aussi d’horreur. Cette deuxième génération a toujours baigné dans un fantastique grandiloquent, surréaliste et hautement divertissant. Si King a autant touché cette génération, c’est en partie car le terrain était déjà conquis. La première génération reconnait une corrélation avec les effets oniriques et les décors baroques des œuvres de Roger Corman et peut-être ceux de son cycle Edgar Poe paru entre 1960 et 1965 (La Chute de la maison Usher, Le Corbeau ou Le Masque de la mort rouge..). N’est-ce pas un hasard s’il confie l’écriture des scénarios à l’écrivain de romans d’épouvante et de science-fiction Richard Matheson, référence ultime pour Stephen King?

Les Goonies, véritable ode à l’épopée enfantine de Richard Donner (d’après une histoire de Steven Spielberg) laisse une empreinte indélébile sur Ça – « Il » est revenu qui a été très bien reçu par le public. Demandons aujourd’hui la même chose, il est fort probable que la réception ne sera pas la même, dû à l’écart technique et aux actuelles habitudes des spectateurs d’aujourd’hui. Les héros adolescents permettent au jeune public une meilleure identification pour une plus efficace emphase. Et par ailleurs, il n’est pas anodin de retrouver les mêmes personnages sur deux temporalités, car cela permet à deux générations de se retrouver. La volonté de King de capter un plus large public est-elle donc évidente? Quant à Tommy Lee Wallace, sa veine ne se démarque guère et l’adaptation, à 5 ans d’écart, n’est pas un bon cas d’étude littéraire et cinématographique, tant l’intemporalité du roman est trahie par une volonté de plaire et les impératifs des studio de Warner Television avec un très maigre budget. Demandez à un ouvrier de vous construire un château de cartes avec trois allumettes et vous verrez que le résultat ne sera pas à la hauteur des premières attentes. Peut-on seulement, comme en amour, s’abandonner en refrénant l’expectative? Difficile d’espérer un plaisir certain ici et non ! le film ne reste pas une bonne adaptation pour la simple et sublime interprétation de Tim Curry consoeurs mesdames les plumes autres critiques qui couvrent sur le net (combien de fois vous lirez aussi ces inepties).

*qui, âgé de 24 ans, a reçu un BAFTA et nommé aux Golden Globes!

**peur exagérée des clowns

 Ça – « Il » est revenu : Bande Annonce

Ça – « Il » est revenu : Fiche Technique

Réalisation : Tommy Lee Wallace
Scénario :  Lawrence D. Cohen d’après le roman  de Stephen King
Interprétation : Harry Anderson (Richie Tozier), Dennis Christopher (Eddie Kaspbrak), Richard Masur (Stanley Uris), Annette O’Toole (Beverly Marsh), Tim Reid  (Mike Hanlon), Jonathan Brandis (Bill Denbrough adolescent), Brandon Crane (Ben Hanscom adolescent), John Ritter (Ben Hanscom), Richard Thomas (Bill Denbrough), Adam Faraizl (Eddie Kaspbrak adolescent), Tim Curry (le clown Grippe-Sous/ Pennywise), Emily Perkins (Beverly Marsh adolescente), Marlon Taylor (Mike Hanlon adolescent), Seth Green (Richie Tozier adolescent), Ben Heller (Stanley Uris adolescent)…
Photographie : Richard Leiterman
Montage : David Blangsted, Robert F. Shugrue
Décors : Douglas Higgins
Musique : Richard Bellis
Production : Green/Epstein , Konigsberg/Sanitsky Company, Lorimar Television, Warner Bros. Television
Durée : 3h12
Genres : Fantastique, horreur, slasher
Date de sortie : 18 et 20 novembre 1990 (USA) – 16 octobre 1993 (France/ M6) ( 12 octobre 2016 (réédition dvd))

Etats-Unis – 1990