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Confiée à Steven S. DeKnight, cette suite du blockbuster de Guillermo Del Toro ne réussit pas à renouveler la magie du premier opus. Pire, Pacific Rim Uprising prouve que le cinéma « geek » s’enfonce de plus belle dans sa propre stupidité auto-satisfaite.

A la fois hommage et réinterprétation internationale d’un imaginaire proprement japonais, Pacific Rim (2013) n’avais pas vraiment trouvé son public. Trop idiot pour certains, trop étrange pour d’autres. Il n’en restait pas moins que derrière l’étiquette de gros blockbuster bas du front, Guillermo Del Toro avait réussi à donner un souffle épique aux aventures de ses robots géants, grâce à l’amour sincère qu’il portait au genre et à ses talents de metteur en scène qui ne sont plus à prouver. Deux éléments qui font cruellement défaut à cette suite qui semble avoir été réalisée dans l’unique objectif de mettre en place une saga qui risque bien de s’arrêter maintenant.

L’élément le plus cité par les détracteurs du premier film, qui pensent toujours faire tomber un édifice en enlevant une seule brique, est cette histoire d’épée qui sort de nulle part lors d’un combat aérien. « Pourquoi ne l’utilisent-ils pas plus tôt ? ». C’est vrai que la question aurait pu être réglée plus vite. Sauf que ce que l’on aurait gagné en efficacité narrative, nous l’aurions perdu en force spectaculaire.
Pacific Rim était un spectacle total. Par sa débauche d’effet spéciaux particulièrement réussis, Del Toro offrait un film en forme de manifeste : le cinéma pouvait encore faire rêver et mettre des paillettes dans les yeux, loin de tout le cynisme mercantile qui plombe la production actuelle. Cette épée qui sortait de nulle part était une surprise pour nous, une façon de dire que le film pouvait encore nous étonner. Il y avait quelque chose de naïf et d’enfantin dans cet univers rempli de robots géants, de savants fous et de soldats casse-cou. C’était un monde qui ne sortait pas de l’esprit d’un fou, ni d’un geek, mais d’un enfant rêveur.
L’épée est toujours là, prête à servir et utilisée dès que les héros en ont l’occasion. La seule surprise, c’est qu’elle sera doublée à la fin du film. L’effet tombe à plat, l’amusement enfantin est parti. Tout ce qu’il nous reste c’est cette impression que le film n’a été pensé qu’en termes de marketing. Toujours plus gros, toujours plus dense… Mais pas forcément plus beau.

Autre point de discorde sur le premier : son scénario tenant sur un timbre poste. Poussons le bouchon plus loin : c’était plus ou moins la même trame que Independence Day (avec un soupçon de Top Gun). Mais au moins Del Toro avait compris les enjeux propre aux genres qu’il convoquait. Il comprenait que l’extension mécanique devait être extension psychologique (la perte d’un membre de sa famille, le besoin de protection etc). Cette très belle idée de « la dérive » où deux pilotes fusionnent leurs souvenirs pour contrôler un robot géant amenait les personnages à se comprendre, et donnait à leur combat une profondeur et un enjeu plus fort. Couplé à la lourdeur assumée des robots, le film montrait des personnages loin d’être infaillibles, obligés de faire front face à une situation qui les dépasse. Osons la comparaison, Pacific Rim était presque une réponse arty à l’esthétique publicitaire de Michael Bay.

Uprising se veut comme une extension de l’univers de Del Toro. Mais jusque dans son final presque identique, le film de Steven S. DeKnight ressemble un peu trop à Independance Day : Resurgence. Multiplication des personnages, tentative ratée de décrire un monde ouvert sur la question extra-terrestre, références maladroites aux anciens et ajout forcé de nouvelles têtes. La référence à Top Gun n’est pas non plus très lointaine, puisque l’histoire se concentre dans un premier temps sur des drones censés remplacer les pilotes humains (mais à quoi servent encore ces robots si la guerre est finie ?). Sauf qu’aucun de ces éléments n’a vraiment de sens autre que celui de multiplier les possibilités. La simplicité du premier opus qui permettait le spectaculaire en prend donc un sacré coup dans l’aile.

Pacific Rim Uprising montre finalement ses limites dans un arc narratif particulièrement gênant. Le personnage d’Amara, d’abord mécanicienne free-lance, est recrutée de force par l’armée pour être formée comme pilote. Celle qui était du côté des laissés-pour-compte et de ce nouveau monde souterrain (trop peu développé) rejoint donc la légalité (comprendre « le bien » même si c’est des militaires). Développement classique qui ne poserait pas de problème si le personnage n’était pas… une enfant. Le scénario franchit la ligne dans le dernier acte en faisant participer la jeune fille et ses camarades de promo (tous du même âge) à la bataille finale. Faut-il envoyer un mémo aux producteurs pour leur rappeler que les enfants soldats sont un vrai problème dans certaines zones du monde ? Aucune situation ne devrait exiger d’envoyer des enfants au casse pipe. Pourtant le film se permet cet écart et personne (pas même la principale intéressée) ne remet en question ce fait. On s’attendrait presque à une scène où elle serait décrite comme mignonne en uniforme. Heureusement celle-ci ne viendra pas, mais les scénaristes sont déjà allés trop loin. En plus d’être stupide, ce film a quelque chose de dangereux.

C’est bien le problème majeur de Pacific Rim Uprising. Les nombreux éléments ne resteront que des éléments. Aucun ne sera vraiment développé ou commenté et tous s’accumuleront jusqu’à l’indigestion. Le seul intérêt de cette suite est qu’elle prouve aux détracteurs du premier que Del Toro avait au moins un talent de metteur en scène. Le filtre gris fade appliqué par DeKnight (hérité des Marvels) casse toute immersion, et aucune beauté ou poésie (car il y en avait un peu dans le premier) ne se dégage de ces combats gigantesques. L’apparition d’un mème connu dans le dernier quart, clin d’œil gênant au public geek, prouve au moins une chose : Steven S. DeKnight se fout de notre tronche, mais n’a rien compris à son propre film. Guillermo et son ami Oscar doivent bien se marrer dans leur coin.

Pacific Rim Uprising : Bande-annonce

Synopsis : Le conflit planétaire qui oppose les Kaiju, créatures extraterrestres, aux Jaegers, robots géants pilotés par des humains, n’était que la première vague d’une attaque massive contre l’Humanité. Jake Pentecost, un jeune pilote de Jaeger prometteur dont le célèbre père a sacrifié sa vie pour sauver l’Humanité des monstrueux Kaiju, a depuis abandonné son entraînement et s’est retrouvé pris dans l’engrenage du milieu criminel.
Mais lorsqu’une menace, encore plus irrésistible que la précédente, se répand dans les villes et met le monde à feu et à sang, Jake obtient une dernière chance de perpétuer la légende de son père aux côtés de sa sœur, Mako Mori – qui guide une courageuse génération de pilotes ayant grandi dans l’ombre de la guerre. Alors qu’ils sont en quête de justice pour leurs camarades tombés au combat, leur unique espoir est de s’allier dans un soulèvement général contre la menace des Kaiju. Jake est rejoint par son rival, le talentueux pilote Lambert et par Amara, une hackeuse de Jaeger âgée de 15 ans, les héros du Corps de Défense du Pan Pacific devenant la seule famille qui lui reste. S’alliant pour devenir la plus grande force de défense que la Terre ait jamais connue, ils vont paver un chemin vers une extraordinaire nouvelle aventure.

Pacific Rim Uprising : Fiche Technique

Réalisateur : Steven S. DeKnight
Scnenario : Guillermo del Toro, Zak Penn, Jon Spaihts, Derek Connolly, Emily Carmichael, Kira Snyder, T. S. Nowlin, d’après une histoire de Travis Beacham, Guillermo del Toro et Zak Penn
Interpretes : John Boyega, Scott Eastwood, Cailee Spaeny, Madeleine McGraw, Rinko Kikuchi, Charlie Day, Burn Gorman, Jing Tian, Adria Arjona, Zhang Jin, Karan Brar, Ivanna Sakhno…
Direction artistique : Luke Freeborn
Décors : Stefan Dechant
Photographie : Daniel Mindel
Montage : Dylan Highsmit et Zach Staenberg
Musique : Lorne Balfe
Budget : 150 millions USD
Bande originale : Lorne Balfe
Genre : science-fiction, action
Distributeur : Universal Pictures International France
Durée : 111 minutes
Date de sortie : 21 mars 2018

États-Unis 2018

Auréolé du prix de la mise en scène au dernier festival de Locarno, l’artiste punk F.J Ossang débarque avec son 5ème long-métrage en plus de 30 ans, 9 Doigts. Un voyage étrange à bord d’un cargo rempli de gangsters qui sert une histoire beaucoup trop nébuleuse, malgré une recherche formelle toujours exigeante.

Après Bertrand Mandico au mois de février, un autre réalisateur au style tout aussi unique nous emmène faire un petit tour en bateau dans le cinéma de genre français. Les ressemblances entre les deux cinéastes s’arrêtent cependant ici. F.J Ossang est un artiste rare dans le paysage cinématographique français. 5 films en 33 ans, de quoi faire rougir Terrence Malick. Surtout connu pour des œuvres telles que Le Trésor des îles chiennes ou L’Affaire des divisions Morituri, F.J Ossang a développé une esthétique punk, mettant en avant un noir et blanc aux allures apocalyptiques, et une certaine dose de nihilisme. Avec ses films exigeants, montrant une démarche auteurisante extrême, Ossang pouvait laisser assez facilement ses spectateurs sur le carreau, mais le bonhomme montrait cependant toujours une grande capacité à créer des univers impressionnants comme en témoigne l’atmosphère post-apo qui émane de Le Trésor des îles chiennes, film dans lequel Ossang utilise au maximum le potentiel cinégénique de l’archipel des Açores. Point commun avec 9 Doigts, son dernier né dans lequel on retrouve l’âpre côté volcanique des îles portugaises. Ossang délaisse cependant ici la science-fiction pour nous offrir ce qui semble être dans un premier temps un film noir.

Comme souvent avec Ossang, il s’avère difficile de résumer brièvement l’histoire de 9 Doigts. Il est question de Magloire, un homme qui se retrouve enrôlé par une bande de gangsters pour un braquage. Lors de leur fuite, les malfrats vont se retrancher dans un cargo qui semble transporter une étrange marchandise. Au cours du voyage, plusieurs événements particuliers vont survenir, certains membres de l’équipage vont commencer à être atteints de folie, tandis qu’à côté de ça une île composée de déchets semble exercer une influence néfaste sur le cargo. D’autant plus que tout cela paraît s’imbriquer dans une machination de plus grande ampleur. À partir de là, on peut très vite comprendre que le récit de 9 doigts s’avère être on ne peut plus nébuleux. Surtout que Ossang n’est pas quelqu’un qui s’intéresse à des récits linéaires, et n’hésite pas à divaguer et à courir plusieurs lièvres à la fois. Sur un film de 1h40, tout cela peut s’avérer assez vite pénible, et il est difficile de se trouver une amarre pour se raccrocher. Évidemment pour pimenter tout ça, Ossang aime les dialogues très abscons devenant là aussi rapidement imbuvables, et alimentant facilement les détracteurs qui parlent de masturbation auteurisante. On peut très facilement résumer la démarche de Ossang à une interrogation posée par le personnage de Magloire à celui incarné par Lionel Tua, adepte d’envolées lyriques métaphoriques, qui lui demande : pourquoi est-il si énigmatique ? Ossang semble décidé à rendre son œuvre la moins compréhensible possible.

Malgré son fond qui lui porte préjudice, 9 Doigts dispose d’un travail formel non négligeable. Ossang retourne à ses premières amours du noir et blanc. Il y développe ici une ambiance très film noir au travers de l’éclairage et de jeux de lumières. Il mélange tout cela avec un expressionnisme appuyé, le personnage de Gaspard Ulliel semblant tout droit sorti d’un film de Murnau. Forcément on se doute bien qu’Ossang ne va pas rester dans une optique très classique et ne va pas se priver à essayer quelques expérimentations. S’amusant à jouer avec la forme du cadre ou avec des surimpressions, le cinéaste français arrive à nous sortir de la torpeur grâce à quelques idées plutôt innovantes. Tout cela laisse cependant un goût assez amer dans la bouche et semble au final beaucoup trop gratuit. La poésie s’enraye et tout tombe à plat. En seulement 5 films, on semble déjà avoir fait le tour de ce que veut nous raconter F.J Ossang. C’est un peu dommage car malgré tous les défauts de 9 Doigts, on sent une fougue qui ne s’est pas éteinte. Il manque juste quelque chose pour que tout s’embrase à nouveau et donne naissance à un morceau de cinéma puissant et féroce comme l’était un peu Le Trésor des Îles Chiennes.

9 Doigts – Bande Annonce

9 Doigts – Fiche Technique

Réalisateur : F.J Ossang
Scénario : F.J Osang
Interprétation : Paul Hamy, Damien Bonnard, Gaspard Ulliel, Pascal Greggory, Diogo Doria, Elvire
Directeur de la photographie : Simon Roca
Distribution (France) : Capricci Films
Durée : 99 minutes
Genre : Polar
Date de sortie (France) : 21 Mars 2018

France – 2018

Dix ans après le succès phénoménal de Bienvenue chez les Ch’tis, l’acteur-réalisateur-humoriste Dany Boon revient dans sa région natale avec la comédie La Ch’tite famille, bien partie pour devenir l’un voire même LE succès français de l’année…

Synopsis : Valentin D. et Constance Brandt forment un couple célèbre d’architectes designers. Pour pouvoir s’intégrer au monde du design et du luxe parisien, Valentin a menti sur ses origines : il est issu d’une famille de ch’tis prolétaire. Sa mère, son frère et sa belle-sœur débarquent alors par surprise au vernissage de Valentin et Constance au Palais de Tokyo… Alors que chacun doit surmonter la différence culturelle et sociale des uns et des autres, Valentin perd la mémoire suite à un accident : il se comporte alors comme le Ch’ti qu’il était vingt ans auparavant…

Dany Boon a du mal à faire l’unanimité dans la presse spécialisée et la communauté cinéphile. Ses budgets inutilement spectaculaires (La Forme de l’eau a coûté moins cher que La Ch’tite Famille) ou sa crise aux Césars 2009 après l’absence de nominations de Bienvenue chez les Ch’tis (qui avait alors comptabilisé 20 millions d’entrées) font partie de ces petites choses qui ont divisé la Toile. Dernier exemple en date, Boon a décroché le César du Public, suite au succès de Raid Dingue, à la tête du box-office français en 2017. Pourtant, Boon réussit toujours à attirer les foules depuis ses débuts derrière la caméra. La Ch’tite famille a même signé le meilleur démarrage français depuis 10 ans…

Les détracteurs de Dany Boon ne seront toujours pas convaincus par sa dernière comédie, rappelant initialement le même schéma que Bienvenue chez les Ch’tis : il ne s’agit plus d’un fossé culturel entre le Nord et le Sud, mais cette fois-ci entre nordistes extrêmement pauvres au patois parfois incompréhensible et parisiens mondains aisés et distingués. La Ch’tite famille a le mérite d’être un film inoffensif et sympathique, prônant de belles valeurs : la réussite sociale ne doit pas vous détourner de là où vous venez.  Regarder une comédie sans polémique à l’horizon ne peut pas faire de mal (entre Gangsterdam, A Bras Ouverts, Épouse-moi mon pote et Si j’étais un homme, la comédie française s’est particulièrement mal portée l’année dernière).

Même si les accents sont très exagérés, la différence linguistique entre les personnages reste un élément comique plutôt efficace. Les scènes avec l’orthophoniste, dans la même veine de Pygmalion de George Bernard Shaw, sont également très drôles, peut-être même les meilleures du long-métrage. De plus, Dany Boon est toujours bienveillant et tendre à l’égard de tous les personnages (en dehors de celui de François Berléand, qui incarne le méchant de l’histoire) : les ploucs sont en réalité gentils, sincères et travailleurs et l’arrogante Constance, par amour pour Valentin, finit par apprendre le langage ch’ti.  En outre, le casting est assez convaincant, même si on regrettera un Pierre Richard sous-exploité.

Cela dit, même s’il n’y a rien de honteux dans cet agréable divertissement, La Ch’tite famille déçoit. Le film démarre pourtant plutôt bien, avec cette présentation de caricature de bobos insupportables malpolis créateurs de meubles modernes hors de prix et peu pratiques. Par ailleurs, le running gag autour des personnages se plaignant d’un affreux mal de dos après s’être assis sur des chaises de luxe inconfortables fonctionne bien. Une grande partie du budget faramineux du film a dû aussi passer par la création de cet univers soi-disant révolutionnaire (sinon, on ne comprend pas où sont passés les 27 millions d’euros là-dedans). En fait, et dans un sens, cela peut être problématique selon le point de vue, le mépris est envers les artistes riches stupides et sans humanité. Le copinage pourra déplaire aux détracteurs de Boon mais les différentes apparitions de stars le temps d’une scène (Arthur, Kad Merad, Claire Chazal, Pascal Obispo) sont plutôt plaisantes.  Mais, à force de vouloir prôner une morale pourtant plus que louable, Dany Boon tombe dans ses éternels travers : son film perd en force comique pour devenir trop mièvre. Pour ne rien arranger, l’histoire se met également en place de manière trop laborieuse avec cette intrigue autour de l’amnésie de Valentin. Enfin, même si certaines scènes sont plutôt amusantes, le scénario a souvent recours à de grosses ficelles rendant le film lourd par moments.

La Ch’tite famille est une comédie familiale assez divertissante et sans prétention mais qui devient rapidement lourde et niaise. 

La Ch’tite famille : bande-annonce

La Ch’tite famille : Fiche Technique

Réalisation : Dany Boon
Scénario : Dany Boon & Sarah Kaminsky
Interprètes : Dany Boon, Laurence Arné, Line Renaud, Valérie Bonneton, Guy Lecluyse, Pierre Richard, François Berléand, Juliane Lepoureau, Thomas VDB, Antonia de Rendinger…
Producteurs : Jérôme Seydoux, Bruno Morin, Eric Hubert
Société de production : Les Productions du Ch’timi, TF1 Films Productions, 26 Db Productions
Distributeur : Pathé Distribution
Durée : 107 minutes
Genre : comédie
Date de sortie : 28 février 2018

France  – 2018

Annarita Zambrano évoque la génération italienne post-activisme d’extrême gauche des années 80 et les conséquences actuelles dans Après la Guerre, un premier film poignant.

Synopsis :  Bologne, 2002. Le refus de la loi travail explose dans les universités. L’assassinat d’un juge ouvre des vieilles blessures politiques entre l’Italie et la France. Marco, ex-militant de gauche, condamné pour meurtre et réfugié en France depuis 20 ans grâce à la Doctrine Mitterrand, est soupçonné d’avoir commandité l’attentat. Le gouvernement italien demande son extradition. Obligé de prendre la fuite avec Viola sa fille de 16 ans, sa vie bascule à tout jamais, ainsi que celle de sa famille en Italie qui se retrouve à payer pour ses fautes passées…

Fort de son expérience dans le court métrage (une dizaine dont Ophelia, sélectionné en 2013 dans la Compétition Court Métrage à Cannes) et lauréate 2015 de la Fondation GAN qui soutient les projets de jeunes réalisateurs, Annarita Zambrano s’impose comme une révélation et une cinéaste à suivre avec Après la Guerre, son premier long métrage, présenté à Un Certain Regard 2017. Son film traite des conséquences d’un ancien activiste italien du milieu des années 80 qui doit faire face à son passé, le jour où un meurtre politique en Italie fait resurgir les vieux démons d’une famille brisée par l’assassinat d’un juge. Entre l’Italie et la France, Annarita Zambrano explore l’histoire de son pays à travers les nouvelles générations, victimes collatérales d’une guerre qui ne leur appartenait pas et qui ont dû payer pour les fautes des autres. Car derrière la bêtise de ces actions vaines et cruelles se cachent trente ans de souffrances, de familles brisées et d’absence de réponses. Plus encore, ce bouleversement affecte même les carrières de ces personnes qui traînent ce passé comme un boulet dont on ne peut se défaire sans avoir à réaliser des sacrifices. C’est ce que vit le personnage de l’ex-activiste et désormais intellectuel Marco (puissant Giuseppe Battiston !) prêt à tout abandonner derrière lui pour conserver sa liberté, quitte à sacrifier sans remords le parcours de sa progéniture. C’est dans ce conflit entre un père et son enfant que se dresse in fine le reflet d’une société italienne tiraillée par l’amertume des nouvelles générations face à leur histoire. Dans sa fuite, Marco cherche tout de même une rédemption dans ses actions, en acceptant une interview avec un journal national. Une manière de revendiquer sa position politique et son absence de regrets, comme s’il se savait condamné. Sans doute parce qu’au fond de lui, il l’est déjà.

Annarita Zambrano offre un traitement délicat de ce brûlot politique qui continue de déchaîner l’Italie, au même titre qu’elle saisit avec finesse la confrontation des générations qui paient chacune à leur manière le prix des erreurs passées. La cinéaste italienne profite de sa collaboration avec le directeur de la photographie Laurent Brunet (Irréprochable, Séraphine) pour expérimenter le format Scope, un parti qui permet à la mise en scène de donner l’illusion que les personnages semblent constamment enfermés. Tout semble resserré et les ouvertures se font rares, ce qui participe au climat fiévreux qui accentue les tensions aussi bien en Italie qu’en France. A cela s’ajoute la musique de Grégoire Hetflex d’une beauté sidérante qui participe sans lourdeur à la réussite de ce drame poignant. Tout semble ainsi abordé avec le recul et la justesse nécessaires, mais l’ensemble manque d’audace et reste dans une sobriété classique, notamment au vu de son dénouement simpliste. Qu’à cela ne tienne, Après La Guerre s’impose comme un drame politique et familial plaisant, traité avec l’intelligence, la finesse et la maîtrise d’une cinéaste dont on attend impatiemment le prochain projet mais qui aura fort de s’élever et de prendre davantage de risques si elle ne veut pas rester la génitrice d’un seul film.

Bande annonce : Après la Guerre

https://www.youtube.com/watch?v=hCAgCmEmdjY

Fiche Technique : Après la Guerre

Réalisateur : Annarita Zambrano
Scénario : Annarita Zambrano, Delphine Agut
Interprètes : Giuseppe Battiston (Marco), Charlotte Cétaire (Viola), Barbora Bobulova (Anna), Fabrizio Ferracane (Riccardo), Elisabetta Piccolomini (Teresa), Marilyne Canto (Marianne), Jean-Marc Barr (Jérôme)
Photographie : Laurent Brunet
Montage : Muriel Breton
Compositeur : Grégoire Hetzel
Production : Sensito Films, Cinema Defacto, Movimento Film, Nexus Factory
Distribution (France) : Pyramide Distribution
Récompenses : Sélection Un Certain Regard 2017
Durée : 92 minutes
Genre : Drame, politique
Date de sortie : 21 mars 2018

France, Italie – 2018

Les adaptations de jeux vidéo font rarement bonne figure au cinéma, décevant les attentes des joueurs sans convaincre en contrepartie les cinéphiles. Tomb Raider s’était déjà cassé les dents il y a plus de quinze ans ; mais en s’inspirant cette fois-ci d’un jeu ayant fait l’unanimité en 2013, Roar Uthaug disposait d’un matériau solide qui méritait d’être bien mieux exploité.

Tomb Raider n’est pas un mauvais film, mais un blockbuster terriblement banal et insipide. Si la comparaison avec le jeu vidéo est inévitable, c’est que ce dernier avait tout pour être porté avec originalité sur grand écran : narration cinématographique, passages cultes et iconiques, dimension fantastique mise en scène avec maestria, casting haut en couleurs et personnages rafraîchissants. On le sait, une adaptation de deux heures d’un jeu qui en dure une dizaine se doit de faire des choix, d’omettre certains aspects de l’histoire au profit d’autres sans doute plus efficaces, et d’aller droit au but. Il faut l’accepter : si l’on veut retrouver la consistance du jeu d’origine, autant y (re)jouer. Ceci étant dit, ce Tomb Raider semble ne faire que des mauvais choix, en sacrifiant des points fondamentaux qui faisaient la réussite de jeu au profit d’un cahier des charges typique du blockbuster de commande, sans âme, sans prise de risque ni recherche. Il n’en est pas désagréable pour autant.

Côté casting, les acteurs comme les personnages sont très inégaux. Alicia Vikander est parfaite, rien à dire, elle incarne son personnage avec brio et le porte même à bout de bras dans cet océan de personnages insignifiants et creux. Car les antagonistes sont vraiment « méchants », sans aucune nuance (comment être aussi rationnel et obstiné après sept ans passés seul sur une île déserte ?), et de même les « gentils » sont trop monolithiques et bien intentionnés pour être crédibles. Là encore, dans le jeu, les personnages étaient beaucoup plus ambigus car animés d’une part obscure très humaine au regard du contexte, donnant lieu à des tensions, des mensonges, des trahisons qui participaient à les rendre plus complexes et profonds. D’ailleurs, le choix de ne pas reprendre les protagonistes du jeu est une grave erreur, car c’est leur relation parfois conflictuelle qui permettait le développement de la psychologie de Lara, ici totalement négligée sinon traitée de manière très superficielle (car hormis la relation – ratée – qu’elle entretient avec son père, on ne sait pas grand chose d’elle, de ses goûts ou de son caractère). Une simplification malheureuse qui permet une économie de personnages et d’acteurs mais de ce fait entraîne aussi une économie de charisme, d’attachement et d’implication du spectateur.
Autre point contrasté : la volonté de faire de Lara Croft une nouvelle icône féminine. Évidemment, on sent l’influence de Wonder Woman (2017) avec cette Lara forte et désexualisée par rapport à ce qu’elle était à l’origine : d’héroïne d’un jeu qui passerait aujourd’hui pour sexiste, Lara devient presque tout l’inverse, à savoir une figure féministe. Le problème, c’est que cette thématique très actuelle dans notre société, que le cinéma est le premier média à mettre en avant (et c’est fort bien venu !), occulte totalement les véritables thèmes de Tomb Raider qui sont avant tout l’aventure et le rapport au fantastique.

[toggler title= »La relation entre Lara et son père » ]Ce qui est peut-être le plus gros défaut du film réside dans la relation entre Lara et son père. Cette relation, à l’origine de sa décision de partir à l’aventure, est la pierre angulaire de son caractère et de ses ambitions (exactement comme le meurtre des parents de Bruce Wayne est déterminant pour Batman). Les flashbacks, enregistrements vidéos ou lettres laissées par son père étaient une bonne façon d’expliquer au spectateur ô combien cette figure paternelle compte pour Lara. Mais toute cette construction tombe à l’eau dès lors qu’elle le retrouve sur l’île, puisque cette relation d’admiration reposait sur l’absence totale du père : il était d’autant plus présent dans son esprit qu’il était absent physiquement pour elle. Les faire se retrouver, c’est briser la mythification du père, ce modèle vers lequel Lara espère tendre. Il est une figure quasi-divine de guide pour elle, déifié, et le voir aussi misérable quand elle le retrouve, reclus dans une grotte et presque fou tel un Robinson Crusoé, c’est déconstruire la légende qu’elle s’est forgée autour de lui. Ainsi, de la même manière, sa mort finale ramène cet homme à sa condition humaine de simple mortel, là où le doute quant à sa disparition, ce faible espoir qu’il soit toujours en vie quelque part, telle une ombre planant au-dessus de sa fille, lui donnait une forme de grandeur et d’immortalité en tant que figure paternelle universelle. Un beau gâchis de ce côté là.[/toggler]

Malgré une frustration légitime lorsqu’on connaît la richesse du jeu de 2013, il faut reconnaître à ce Tomb Raider certaines qualités là où on ne l’attendait pas forcément. La bande-originale, sans être mémorable, est pour le moins efficace et accompagne correctement les scènes d’action comme de tension, quant à elles bien inégales (on retiendra une scène d’infiltration en plan-séquence dans le camp ennemi plutôt réussie, à défaut de combats et de chorégraphies inspirés). Les séquences de résolution d’énigmes sont assez appréciables, bien que vite expédiées, et rendent hommage à « l’esprit Tomb Raider » originel qui manquait même au jeu de référence, qui avait essuyé quelques critiques à ce sujet. Même si les puzzles et les pièges n’ont rien de très inventif, ils ont le mérite d’exister et d’être plutôt bien réalisés.
Néanmoins, l’élément le plus intéressant est le traitement du corps de Lara, mené à mal, blessé, éprouvé. C’était là la principale nouveauté du jeu de 2013 que l’on ne peut qu’apprécier voir conservée dans cette adaptation, à l’heure des blockbusters où la violence brutale est cachée au maximum pour ne pas choquer le spectateur et toucher un public le plus large possible. Voir Lara souffrir de la sorte est donc un parti pris fort, un élément clé que les producteurs ont eu la bonne idée d’utiliser. Mais dans ce cas, quitte à jouer la carte de la violence – pari risqué mais louable –, pourquoi s’arrêter en chemin et délaisser presque entièrement l’aspect surnaturel du jeu, qui donnait lieu à des scènes sanglantes, dérangeantes mais de ce fait extrêmement marquantes ?

[toggler title= »Le problème du surnaturel » ]La dimension fantastique est vraiment mal traitée et expliquée. Si le surnaturel est souvent évoqué dans les dialogues, on ne comprend pas bien ni les motivations de la Trinité, ni celles du père, ni celle de la reine Himiko et de son peuple dont les rituels malsains sont passés sous silence. Car finalement, c’est comme si rien n’avait avancé entre le début et la fin du film, puisque les personnages repartent de l’île sans rien avoir de plus qu’à leur arrivée, si ce n’est d’avoir détruit un squelette dont la magie maléfique était de toute façon inconnue du monde extérieur. Les scénaristes ont écarté la malédiction fondamentale du jeu qui voulait qu’on puisse arriver sur l’île mais ne plus en partir, être comme enfermé par l’île qui faisait se déchaîner la météo dès lors que l’on cherchait à s’enfuir. Dans le jeu, Himiko est morte mais son âme continuait d’exister et d’insuffler une forme de vitalité à cette île qui devenait ainsi un personnage à part entière, et non un simple décor exotique comme ici. Dans ce film, l’environnement n’a plus rien d’inquiétant, de hanté, et la seule menace se résume aux sbires de la Trinité : les antagonistes surnaturels (les malédictions, les monstres, les armures de samouraïs géants animées) sont délaissés au profit d’ennemis humains et donc moins impressionnants. On perd la transcendance divine et l’atmosphère chaotique du jeu qui amenait un côté survival à l’aventure, pour une histoire finalement très banale car trop ancrée dans le réel.[/toggler]

On a comme l’impression que les producteurs avaient peur, qu’ils ne savaient pas où se placer entre respecter l’atmosphère mature et sombre du jeu et proposer une aventure plus grand public. Ils semblent avoir décidé de mélanger les deux, avec d’un côté la violence physique appréciable mais de l’autre un surnaturel à peine effleuré et des enjeux très humains, trop terres-a-terres, vus et revus et donc sans grande prise de risques. Voilà le problème de cette adaptation : partir d’un modèle qui n’est clairement pas adapté à tous, radical dans ses choix, pour en faire un film sage et « passe-partout », sans originalité aucune. Et quand on voit le succès de Logan l’an dernier, la preuve en est qu’un film qui s’assume de bout en bout dans son parti pris violent est tout sauf synonyme d’échec (commercial comme critique), mais au contraire applaudi devant le formatage actuel des films d’action à gros budget.

Un mot pour terminer sur les visuels du film, gangrenés par les CGI et les fonds verts qui décrédibilisent les scènes d’action : d’une part parce qu’ils ne sont pas toujours très jolis, cassant ainsi l’immersion, et d’autre part parce qu’ils sont trop abusifs et ostentatoires pour rendre les scènes cohérentes ou réalistes. La faute à un budget pas aussi conséquent qu’on pouvait s’y attendre (94 millions de dollars) et des choix visuels tout simplement discutables. On se consolera avec certaines scènes marquantes du jeu toutefois bien retranscrites, mais presque toutes dévoilées dès la bande-annonce…

En définitive, Tomb Raider est un film d’action divertissant malgré tout, porté par un rythme effréné une fois le laborieux prologue passé, une bande-son de qualité et une Alicia Vikander irréprochable. Si ces maigres qualités seront suffisantes pour faire passer un bon moment, elles ne pourront sans doute pas empêcher cette adaptation frileuse et mal écrite de s’avérer plus que dispensable et de sombrer petit à petit dans l’oubli. Malgré un naufrage évité de justesse, et que l’on soit fan ou non des aventures de Lara Croft, on était en droit d’en attendre beaucoup plus pour cette licence vidéoludique légendaire.

Bande-annonce : Tomb Raider

Synopsis : Sept ans après la disparition de son célèbre père, Lara Croft, vingt-et-un ans, refuse de prendre la direction de l’entreprise familiale et gagne sa vie en tant que coursière à vélo à Londres. Mais un jour, elle découvre une vidéo dans laquelle son père avoue avoir découvert un tombeau, la Mère de la Mort, où est enterré la reine Himiko sur l’île du Yamatai au sud du Japon et en plein cœur de la mer du Diable. Sur cette île, une organisation qui se fait appeler la Trinité cherche le tombeau et pourrait donc mettre le monde en danger. Accompagnée du capitaine Lu Ren, Lara décide de partir enquêter pour empêcher que le tombeau tombe dans les mains de la Trinité. Mais l’expédition va vite basculer en tragédie et se transformer en lutte pour survivre.

Fiche technique : Tomb Raider

Réalisation : Roar Uthaug
Scénario : Geneva Robertson-Dworet et Alastair Siddons, histoire adaptée de la série de jeux vidéo Tomb Raider par Crystal Dynamics
Interprétation : Alicia Vikander, Dominic West, Walton Goggins, Daniel Wu, Kristin Scott Thomas
Durée : 118 minutes
Genre : Action, Aventure
Date de sortie : 14 mars 2018

États-Unis – 2018