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Comme un très bon chien sans maître, le cinéma de Terrence Malick a connu des errements pas toujours plaisants à suivre. Avec Une vie cachée, il a retrouvé un sens, et redevient passionnant de bout en bout.

Synopsis : Inspiré de faits réels. Franz Jägerstätter, paysan autrichien, refuse de se battre aux côtés des nazis. Reconnu coupable de trahison par le régime hitlérien, il est passible de la peine capitale. Mais porté par sa foi inébranlable et son amour pour sa femme, Fani, et ses enfants, Franz reste un homme libre. Une vie cachée raconte l’histoire de ces héros méconnus.

 Chemin de Croix

Depuis The Tree of Life, Terrence Malick semblait se chercher un nouveau souffle, avec un cinéma extatique mais sans grand impact finalement sur le spectateur. Même la Merveille du Mont-Saint Michel n’a pas sauvé le film du même nom d’un ennui patent, et ça n’a cessé de dégringoler depuis. Avec Une Vie cachée, il renoue enfin avec ce qui fait le sel de son cinéma, une ampleur, une beauté, des émotions qu’on peut traiter d’inégalées.

S’appuyant non seulement sur un vrai sujet, mais en plus sur des faits réels, le film de Malick s’ancre à nouveau sur du concret qui ne fait que mettre en valeur un cinéma qui sinon pouvait passer pour de vaines afféteries. L’histoire est celle de Franz Jägerstätter, interprété magistralement par August Diehl, un paysan objecteur de conscience autrichien qui a refusé jusqu’à en mourir de faire allégeance à Hitler. Le film dure près de 3 heures, le temps qu’il faut pour déployer le cheminement d’un homme qui avait tout pour être heureux et qui a choisi de mourir plutôt que de risquer de prononcer ce fameux serment, risque alors assez faible puisque nous sommes déjà en août 43, et de surcroît en travaillant potentiellement comme ordonnance en milieu hospitalier.

Ce cheminement est assez basique, dans le sens où son fondement n’est jamais questionné. (Vers la fin du film, Fani (Valerie Pachner), l’épouse de Franz, dira calmement « un jour, nous aurons l’explication de tout. De ce pour quoi nous vivons »). Et ce fondement, c’est la foi inébranlable, tant de Franz que de Fani, de fervents catholiques qui ne pensent qu’en termes de bien et de mal. De longues parties d’une Vie cachée sont consacrées à cette quête christique, méditations, prières, citations de la Bible, sans d’ailleurs que ça ne nuise à l’ensemble du dispositif du film. De fait le film est bien dichotomique, comme le bien et le mal. Une première partie irradiée de lumière dans les montagnes autrichiennes, un bonheur simple et pur pour ce jeune couple de paysans. La photo est toujours aussi magnifique, avec des grand-angles et des contre-plongées à foison ;  le montage toujours aussi impressionnant, comme dans cette belle scène de colin-maillard où  de deux enfants, la progéniture passe à 3 dans une sorte de continuum temporel autour d’un même jeu. Quand Franz est appelé et évidemment immédiatement jeté en prison pour insubordination, on passe à des tonalités beaucoup plus sombres, et de plus en plus sinistres, à chaque fois que l’administration pénitentiaire change Franz de cellule. La dichotomie est également dans l’utilisation surprenante de la langue : langue anglaise pour les époux, pour la voix off faite des échanges épistolaires des vrais Franz et Fani, et pour toutes les personnes empathiques de Franz dans son combat. Langue allemande vociférée et même pas traduite pour les « vilains » : les militaires, les villageois acquis à la cause d’Hitler, la cour martiale etc. Terrence Malick saura surprendre et tenir en éveil malgré l’introspection très prégnante dans le film.

Reconnu comme un martyr par l’église catholique, béatifié en 2017 par Benoît XVI, Franz Jägerstätter a tout d’un saint, y compris dans son entêtement quelquefois difficile à comprendre, dans un combat qui ne fait rien évoluer hélas, au prix de sa propre vie. Les trois heures servent alors à montrer  comment Franz et Fani , chacun de leur côté se martèlent l’unique et  bonne raison de résister à Hitler, « l’antéchrist » ; la bonne raison c’est le Christ, une figure autrement plus précise que le panthéisme habituel du cinéma malickien, bien que la nature un peu mystique reste très présente dans une Vie cachée. D’aucuns, hermétiques à ces questions pourraient donc trouver ce martèlement long, voire indigeste. Mais celui qui s’est -bien volontiers- laissé prendre dans les filets de Jägerstätter , et de Malick, fera le chemin de son ascension vers la sainteté en même temps qu’une apparente descente aux enfers, au même rythme que le protagoniste.

Une Vie cachée est  la preuve qu’en s’appropriant un sujet simple, un cinéma aussi tortueux et épiphanique que celui de Terrence Malick peut redevenir une œuvre merveilleuse que l’on portera longtemps après l’avoir visionnée, au même titre que Les moissons du Ciel ou la cultissime Ligne Rouge.

Une Vie cachée– Bande annonce  

Une Vie cachée – Fiche technique

Titre original : A Hidden Life
Réalisateur : Terrence Malick
Scénario : Terrence Malick
Interprétation : August Diehl (Franz Jägerstätter), Valerie Pachner (Fani Jägerstätter), Maria Simon (Resie Schwaninger), Karin Neuhäuser (Rosalia Jägerstätter), Tobias Moretti (Père Fürthauer), Ulrich Matthes (Lorenz Schwaninger), Matthias Schoenaerts (Capitaine Herder), Karl Markovics (Me maire Kraus), Bruno Ganz (Le juge Lueben), Michael Nyqvist (Monseigneur Fliesser)
Photographie : Jörg Widmer
Montage : Rehman Nizar Ali, Joe Gleason, Sebastian Jones
Musique : James Newton Howard
Producteurs : Josh Jeter, Grant Hill, Dario Bergesio, Elisabeth Bentley, Coproducteur : Jini Durr
Maisons de production : Studio Babelsberg, Elizabeth Bay Productions
Distribution (France) : UGC Distribution, Orange Studio Cinema
Récompenses : Prix François Chalais – Compétition officielle, Festival de Cannes 2019. National Board of Review, USA : Top 10 films indépendants.
Budget :  USD 7-9 000 000
Durée : 174 min.
Genre : Biographie | Drame | Romance | Guerre
Date de sortie : 11 Décembre 2019
Allemagne | Etats-Unis – 2019

Avec Adoration Fabrice Du Welz termine sa trilogie ardennaise, débutée en 2004 avec Calvaire et poursuivie en 2014 par Alléluia, en signant une cavalcade déroutante où s’entremêlent la beauté macabre et le chaos d’un amour fou.

Synopsis : Paul, un jeune garçon solitaire, rencontre Gloria, la nouvelle patiente de la clinique psychiatrique où travaille sa mère. Tombé amoureux fou de cette adolescente trouble et solaire, Paul va s’enfuir avec elle, loin du monde des adultes…

Projet de longue date pour le cinéaste belge, sa trilogie ardennaise constitue le plus gros de sa filmographie qui oscille entre projets plus personnels et films de commandes. En 2004, lorsqu’il débute sa carrière, Fabrice Du Welz signe avec Calvaire un film d’horreur crasseux, sorte de Deliverance à la française, où l’on suit un jeune chanteur perdu dans un village des Ardennes dans lequel il sera pris pour la réincarnation de la femme d’un villageois qui va donc le séquestrer, le travestir et abuser de lui. De cette illusion improbable naîtra la principale thématique de la trilogie de Fabrice Du Welz, l’amour fou dans sa forme la plus littérale. Un amour qui consume jusqu’à la folie, ou alors une folie désespérée qui cherche à tout prix à s’extirper d’une solitude implacable. En 2014 avec Alleluia, il signe un film moins poisseux mais tout aussi macabre même s’il l’enlace dans une mélancolie parfois poétique. Fortement inspiré des « Lonely Hearts Killers », un couple de tueurs en série ayant sévi à la fin des années 40 aux États-Unis, il suit la folie meurtrière d’un petit escroc qui dépouille des veuves et de son amante, éperdument amoureuse de lui jusqu’à une jalousie maladive qui la poussera à assassiner les femmes qu’il escroque. Chez Du Welz l’amour étant définitivement une maladie aussi mystique qu’incontrôlable qui alimente autant la beauté des sentiments que le plus cruel des actes.

Avec Adoration, le cinéaste continue à suivre la même logique pour clôturer sa trilogie s’intéressant cette fois à un amour plus adolescent. Même si le film reste emprunt d’une certaine cruauté et d’un macabre assez trouble, il est parcouru d’une innocence juvénile et surtout dépeint la vision d’amour la plus pure de son cinéaste car non entachée par les perversions adultes. Paul, le protagoniste, est un adolescent timide et attentionné qui voue une passion pour les oiseaux et s’évertue à soigner ceux qu’il trouve blessés. Un peu simplet, on voit assez vite qu’il n’a que très peu été confronté au monde extérieur, vivant à côté d’un hôpital psychiatrique isolé où sa mère surprotectrice y travaille en tant que concierge. Une mère qui entretient avec lui une relation presque incestueuse qui crée chez le jeune homme un profond malaise. Lorsqu’il rencontre Gloria, une jeune fille de son âge récemment internée dans l’hôpital, c’est le choc pour lui qui n’a connu qu’un monde adulte qui ne l’a traité qu’avec dédain, les employés de l’hôpital, ou d’une affection déplacée, sa mère jalouse et possessive. Facilement manipulable, Paul tombera sous l’emprise d’une Gloria au comportement schizophrène qui oscille entre le calme et la fureur et n’aspire qu’à échapper d’un monde adulte qu’elle perçoit comme totalement perverti.

Jamais Du Welz ne nous explique la maladie qui ronge Gloria ou n’indique la vérité derrière les histoires qu’elle raconte, nous laissant comme Paul, démunis et soumis face à ces moments de folie incontrôlable. Rythmant la cavalcade des deux tourtereaux par les rencontres qu’ils sont amenés à faire dans leur fuite, Du Welz présente un monde décent loin de la perversion macabre à laquelle il nous a habitués avec ses précédents films. L’amour d’Adoration est épargné, car ce n’est pas lui qui est fou. La dévotion et l’adoration, dont vient le titre du film, que Paul exprime à Gloria est d’une innocence touchante. Son amour est pur, mais l’amour fou vient du fait qu’il tombe amoureux d’une folie. Pas dans un sens péjoratif, la représentation de la maladie étant ici hors de tout cadre clinique, et confronté à un regard enfantin et simple qui apparaît comme une folie. Parfois douce et parfois violente mais jamais Fabrice du Welz n’a le mauvais goût de diaboliser la maladie mentale. Même s’il a tendance à parfois marcher sur une ligne assez fine, il reste totalement lucide devant la complexité de son sujet et le traite avec une finesse émouvante. En ça, le dernier tiers du film où les deux adolescents se retrouvent chez un gardien de parc, magistralement interprété par Benoît Poelvoorde, est d’une vibrante poésie tant il conjugue à la fois la cruauté d’une inévitable réalité mais aussi l’espoir d’un amour capable de tout surmonter.

Finement écrit, et impeccablement joué notamment par les incroyables performances de Thomas Gioria et Fantine Harduin, deux jeunes acteurs à suivre de près. Adoration est aussi un voyage onirique magistralement filmé par Fabrice du Welz qui signe son film le plus inspiré et contemplatif. Véritable mosaïque de couleurs, usant même de leur symbolique pour créer l’imagerie de son récit, il profite d’une photographie somptueuse pour magnifier ses décors dans des jeux de lumière qui créent un sentiment d’ailleurs. Les Ardennes se transforment en un Eden aussi indistinct que tangible qui perd prise avec la réalité. Du Welz n’aura jamais fait film aussi abstrait et poétique mais aussi un film aussi sensible qui même s’il est encore parfois rattrapé par la violence ou le macabre de certaines situations, reste dominé par son innocence enfantine. Le contraste n’en étant au final que plus marquant.

Adoration est une œuvre incroyablement forte par la dureté de ce qu’elle nous montre. Continuant à exprimer sa fascination pour un amour fou loin de tout ancrage dans le réel et de la bien-pensance, Fabrice Du Welz signe un récit fort et consumant dont la douce folie s’immisce pour créer une vraie fièvre de cinéma. Adoration est un film viscéral, éprouvant et déroutant mais qui fascine par son onirisme et la poésie qu’il dégage parvenant à exprimer avec une justesse sidérante ce que c’est que de tomber éperdument amoureux. Loin de toute rationalité, de toute logique, ne restent que les émotions vives, écorchées et mises à nue, et un besoin déchirant d’aimer. C’est avec ce bouillonnement chaotique d’émotions que l’on ressort d’Adoration, après avoir vécu cette incroyable traversée aux cotés d’un casting exemplaire mais surtout de personnages d’une humanité souvent bouleversante. Un très beau film.

Adoration : Bande annonce

Adoration : Fiche technique

Réalisation : Fabrice Du Welz
Scénario : Fabrice Du Welz, Vincent Tavier et Romain Protat
Casting : Thomas Gioria, Fantine Harduin, Benoît Poelvoorde, Laurent Lucas, …
Décors : Emmanuel de Meulemeester
Photographie : Manuel Dacosse
Montage : Anne-Laure Guégan
Musique : Vincent Cahay
Producteurs : Vincent Tavier, Manuel Chiche et Violaine Barbaroux
Production : Panique, The Jokers et Savage film
Distributeur : Les Bookmakers / The Jokers / Memento Films
Durée : 98 minutes
Genre : Drame
Dates de sortie : 22 janvier 2020

Belgique – 2019

Le couple. Son déchirement. Sa disparition. Son effacement. Marriage Story, avec son écriture, sa fine réalisation et son duo magistral (Scarlett Johansson et Adam Driver), nous dévoile avec un réel sens du naturel, les rouages d’un mariage qui se disloque avec le temps et qui fait face à la mécanique procédurale et carnassière qu’est le divorce. Sauf que l’amour ne disparaît jamais, mais prend une autre forme. 

Tout l’intérêt du film se déroule dans cette construction du désamour ou, inversement, dans la déconstruction de l’amour comme pouvait l’être Kramer contre Kramer. L’introduction du film est symptomatique de cette schématisation : devant un médiateur, le couple (Charlie et Nicole) doit se dire à haute voix les qualités qu’il trouve chez l’autre. A la fois pour mettre des mots sur un amour qui a existé il fut un temps et aussi pour commencer cette phase de deuil de leurdit couple, sous de meilleurs auspices. Cependant, Nicole, au dernier moment, se rétractera et verra cet exercice d’un mauvais œil, sans doute gênée par cet étalage public de sentiments liés à l’intimité seule d’un couple. Car, même s’il y a des choses que l’on voit, un couple gardera toujours pour soi son propre visage, et ses secrets les plus indéfectibles. 

Marriage Story n’est pas le fil conducteur d’un couple, de manière exhaustive, de son début jusqu’à sa fin ; non, le postulat est connu de tous et la séparation est actée. Mais le divorce, pas encore prononcé. Mais alors que les deux anciens amants pensaient régler cela à l’amiable, sans avocat et sans drame, les choses vont petit à petit se compliquer pour les amener vers la direction de l’aspect juridique de la chose, notamment pour des dissonances concernant la notion de foyer, les mensonges de Charlie et surtout, autour de cette bagarre pour la garde de leur enfant, Henry. Malgré des regards de travers, des non-dits qui dissimulaient des rancœurs profondes, le respect mutuel était de mise entre les deux. La complicité restait palpable malgré la fracture et le changement de vie qui allait en découdre. Marriage Story portraitise l’écueil des sentiments, l’importance (voire la dépendance) que l’on a pour l’autre et observe comment deux êtres qui ne faisaient qu’un, changent de regard l’un sur l’autre tout en voulant garder une osmose naturelle, un respect pour ce que la relation leur a apporté. 

C’est à partir du moment, où les avocats vont rentrer dans la partie, que la frontière entre bienveillance et haine va vite s’étioler, et faire resurgir les frustrations les plus enfouies, comme durant cette scène de dispute magistrale et terriblement spontanée et familière. Pourtant, durant de nombreuses scènes de tribulations juridiques, jamais Noah Baumbach ne se fera dénonciateur, ni montrera les avocats comme des oiseaux de mauvais augures, mais en fera des miroirs d’une bataille qui voit malheureusement l’autre comme un ennemi. C’est là toute la sève sincère de Marriage Story : sa capacité d’observation, son intelligence dans sa façon d’agencer le romantisme, son regard sur la déshumanisation presque dévorante de l’amour, et sa neutralité émotionnelle qui ne diabolise aucune camp ni n’amplifie aucun propos. 

Dans ce genre de couple, il n’y a ni vainqueur ni vaincu, comme le voudrait un jugement. Juste un sentiment qui s’évapore mais qui n’efface pas tout. La réalité d’un quotidien est plus complexe et le cinéaste – et son scénario – l’a très bien compris. Aucune scène ne semble faire office de remplissage et aucune séquence ne semble surjouée dans la volonté d’accentuer l’émotion. Au contraire, l’émotion provient d’elle-même, dans l’idée que nous sommes face à Monsieur et Madame « Tout le monde » où l’identification en est presque un moteur sentimental. Au-delà de l’écriture, de ces multiples dialogues qui montrent que l’amour ne disparaît jamais réellement (les scènes de chant, magnifiques), au-delà des idées de cinéma qui grandissent durant tout le long métrage comme l’idée de faire se conjuguer l’introduction et la conclusion du film dans un flot de larmes éblouissant, Marriage Story tient aussi beaucoup sur les épaules de son actrice et son acteur principaux. 

Adam Driver, avec Paterson de Jim Jarmusch, avait déjà montré qu’il était un acteur somptueux lorsqu’il est mis dans un décorum naturel, qui ramifie les subtilités du quotidien. Pour Scarlett Johansson, après Her, elle démontre que son aura, sa voix, sa capacité à changer de registre font d’elle une actrice parfaite lorsqu’il s’agit d’amour contrarié. Et c’est d’autant plus remarquable, qu’au vu du film, nous n’avons pas l’impression de voir deux acteurs performants la fin d’un couple ; nous voyons littéralement une alchimie, un couple se dissoudre devant nos yeux, ou deux êtres se fondre l’un dans l’autre. C’est tel que même un laçage de chaussures devient un geste d’un rare romantisme. Toute la beauté du geste de Marriage Story se trouve dans cette équation : dessiner les traits de la mort d’un couple avec un rythme palpable et une vie si communicative. 

Bande Annonce – Marriage Story

Fiche technique – Marriage Story

Réalisateur : Noah Baumbach
Interprètes : Adam Driver, Scarlett Johansson, Laura Dern, Ray Liotta …
Scénario : Noah Baumbach
Montage : Jennifer Lame
Sociétés de production : Netflix, Heyday Film
Durée : 2h 17 minutes
Genre: Drame
Date de sortie :  6 décembre 2019 (Netflix)

USA – 2019

Le mercredi 4 décembre 2019, sortait en salles Brooklyn Affairs, un long-métrage réalisé par Edward Norton qui a, de surcroît, le rôle principal. Il s’agit d’un thriller américain dont l’action en demi-teinte a lieu dans le New York des années 50, un New York reconstitué et plus vrai que nature. 

Né le 18 août 1969 à Columbia, dans l’Etat du Maryland, Edward Norton monte précocement sur les planches, dès l’âge de cinq ans. Arrivé à l’âge adulte, il va voir, très vite, décoller sa carrière au cinéma. C’est Peur Primale (1996) qui le sort rapidement de l’ombre. Ce polar lui vaut même une nomination aux Golden Globes. Il focalise, dès lors, l’attention des professionnels du septième art. Il enchaîne succès sur succès. Nous pouvons retenir son rôle comme avocat dans Larry Flint de Milos Forman et sa prestation dans la comédie musicale Tout le monde dit I love you de Woody Allen.

En une année (1996), il devient ainsi un des jeunes acteurs les plus convoités et les plus prometteurs du moment. Parmi les films les plus adulés du grand public, où il joue avec brio, nous devons citer, par la suite, American History X (1998) et Fight Club (1999) : le premier des deux lui vaut d’ailleurs une nomination à l’Oscar du meilleur acteur. Edward Norton passe alors derrière la caméra et nous livre son premier film Au nom d’Anna (2000). Il continue d’endosser divers rôles, véritable acteur caméléon, dans des registres vraiment variés : nous pouvons, en piochant dans une liste loin d’être exhaustive, mentionner le thriller Dragon Rouge, le drame La 25ème heure de Spike Lee, et le film historique Kingdom of Heaven. Il ne boude pas non plus les blockbusters, en acceptant d’incarner L’Incroyable Hulk, réalisé par le français Louis Letterrier, en 2008. Depuis l’époustouflant Birdman d’Alejandro González Iñárritu, sorti en 2014, Edward Norton, un temps plus rare sur le grand écran, signe enfin son grand retour, comme réalisateur et acteur, avec Brooklyn Affairs.

Brooklyn Affairs est une adaptation libre du roman Les Orphelins de Brooklyn (Motherless Brooklyn) de Jonathan Lethem publié en 1999. Edward Norton, qui pilote également le scénario, a préféré cependant transposer l’intrigue, fouillée à l’extrême, dans les années 1950 (au lieu de 1999 pour le livre) car c’est une période où le racisme était encore très prégnant, et la démocratie souvent mise à mal. Le pouvoir enivrant et l’argent au service de rêves grandioses, notamment l’urbanisation frénétique d’un New York aux autoroutes et ponts tentaculaires, se font au détriment de populations déplacées, dont la voix peine à se faire entendre, en dépit de la pugnacité, émanant surtout de femmes tenaces.

Edward Norton rêvait de réaliser ce long-métrage depuis les années 2000 et voit enfin son projet se concrétiser. Il nous sert un casting caviar avec des stars comme Alec Baldwin, Willem Dafoe, et Bruce Willis, sans oublier, de surcroît, d’excellents comédiens pour les seconds rôles. Si l’interprétation sonne juste, l’intrigue de Brooklyn Affairs demande une attention accrue, sinon on perd rapidement le fil conducteur de ce polar noir, qui a le don de nous égarer, entre les réminiscences à foison de Lionel Essrog, un souci peut-être trop prononcé du détail, et une durée de 144 minutes qui aurait pu être écourtée pour plus de percussion. Edward Norton incarne un détective privé, Lionel Essrog, souffrant du Syndrome de Gilles de la Tourette (il est donc bourré de tics dont nous sourions parfois), s’échinant à un jeu dangereux : comprendre pourquoi Frank Minna, son patron l’estimant à sa juste valeur, a été assassiné. Notons la présence du jazz qui s’invite dans ce long-métrage et renforce encore la qualité des décors et costumes d’une époque révolue mais reconstituée avec une qualité indéniable.