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Après Zulu, le scénariste Caryl Férey se replonge dans une Afrique du Sud meurtrie par l’apartheid. Sangoma : Les Damnés de Cape Town narre une enquête policière sur fond de crise politique au sujet du partage des terres agricoles.

L’Afrique du Sud ségrégationniste fait officiellement partie du passé. Pourtant, dans les faits, les propriétaires blancs continuent de bénéficier de la main-d’œuvre corvéable des ouvriers noirs. Et quand ces derniers revendiquent de meilleures conditions de travail ou des salaires plus élevés, on porte le statu quo au crédit de la sécheresse, ou on les renvoie sans sommation à leur statut de subalternes. L’exploitation agricole de Kobus Pienaar ne fait pas exception à la règle : la fronde y est menée par Nelson, dont l’antagonisme avec Éva Pienaar est subtilement établi dès l’enfance, par un implacable jeu de regard. Au Parlement, c’est un projet de réforme agraire qui met le feu aux poudres. Les Afrikaners et leurs représentants craignent de voir leurs propriétés spoliées et, in fine, que l’Afrique du Sud, déjà économiquement supplantée par le Nigéria, ne se mue en un second Zimbabwe. « Personne ne veut faire un pas vers l’autre, comme si les positions s’étaient figées du temps de l’apartheid. »

C’est dans ce contexte habilement mis en place par Caryl Férey que vient se greffer une enquête policière portant sur le meurtre d’un jeune ouvrier agricole noir, Sam. Parallèlement, à quelques encablures de là, le bébé de la jeune Nkosazana est enlevé. Le lieutenant Shane Shepperd est dépêché sur place. Il occupe une position centrale dans le récit, puisque s’articulent autour de lui les différents protagonistes des deux affaires, mais aussi Amy, sa maîtresse, la fille d’un puissant homme politique, qu’il voit dans la luxueuse villa de Van Der Wiese, avec qui elle est en couple, et qui a la particularité d’être l’adversaire idéologique de son père. L’introduction de Shane Shepperd n’a pas lieu sans humour : il doit fuir en urgence la résidence de VDW sous peine de voir sa relation adultère avec Amy éventée, ce qui semble beaucoup l’amuser. Cette dernière est pétrie de contradictions, puisqu’elle s’indigne des politiques de discrimination positive mais ne voit aucun mal à coucher avec son propre patron, lequel se double en plus d’un politicien ségrégationniste.

Sangoma : Les Damnés de Cape Town décrit parfaitement, et sans jamais ankyloser son récit, les rapports tendus entre Afrikaners et Noirs sud-africains. Caryl Férey et le dessinateur Corentin Rouge (dont le travail est irréprochable et le sens de l’image, confondant) vont même plus loin en mettant en scène les manipulations politiques rendues possibles par le recours à des miliciens armés. Ils caractérisent Éva Pienaar comme une personnalité obstinée et fière de ses racines. Elle se voit en effet comme issue d’une famille de « descendants de pionniers ». Dans cette Afrique du Sud post-apartheid, les Noirs font valoir leurs droits originels sur les terres, tandis que les Blancs mettent l’accent sur une méritocratie liée à leurs investissements et travaux passés. Les faits de terrorisme, les accusations de génocide, pilotés à distance, rendront l’atmosphère politico-raciale encore plus irrespirable.

La densité de l’album est encore renforcée par les passages dans le township de Mitchell’s Plain et les intrigues sur les guérisseurs sangoma, des tradipraticiens qui s’opposent à la médecine occidentale. Sangoma : Les Damnés de Cape Town recèle aussi un secret familial symptomatique des liens entre communautés dont le récit abonde. Mieux, ce one-shot ne se cantonne à l’effeuillage d’un pays malade de ses ségrégations, il fait preuve d’humour, d’action ou de violence, sans faute de goût ni de rythme, et en liant adroitement les protagonistes les uns aux autres. Malin et haletant.

Sangoma : Les Damnés de Cape Town, Caryl Férey et Corentin Rouge
Glénat, novembre 2021, 152 pages

Second tome d’un triptyque, « Mobilis in Mobile » s’inscrit, comme son prédécesseur « Le Théâtre des ombres », à la croisée de Rudyard Kipling (Kim) et Jules Verne (Vingt Mille Lieues sous les mers). Kimball O’Hara, suspecté d’animosité anti-coloniale, doit se dédouaner de toute responsabilité à la suite d’un attentat ayant ravagé le port de Bombay. Et pour ce faire, il n’a d’autre choix que faire évader le capitaine Némo, détenu dans une prison sibérienne, et lui emprunter le célèbre Nautilus, considéré comme le sous-marin le plus performant jamais conçu. Car pour s’innocenter, « Kim » doit à tout prix récupérer des documents prisonniers des coffres d’une épave coulée au fond des mers.

Déjà tiraillé entre deux identités inconciliables dans « Le Théâtre des ombres », Kimball O’Hara endosse le pseudonyme de Jean Paillole dans « Mobilis in Mobile ». Usurper le titre de capitaine français est pour lui un moyen commode de mettre la main sur un « monstre des mers qui avait hanté les cauchemars de tant de marins », « une merveille d’ingénierie et d’architecture ». On le découvre ainsi au début du récit de ce second tome de Nautilus en compagnie du capitaine Némo, tous deux bientôt flanqués d’un équipage composé d’indépendantistes. Leur objectif ? Se rendre sur les lieux du naufrage du HMS Northampton, pour récupérer des documents secrets permettant d’innocenter « Kim » – et que ce dernier fait passer aux yeux du vieux capitaine pour des instruments au service de la paix, à même d’éviter une escalade militaire entre Britanniques et Russes.

L’immersion dans le Nautilus occupe sans surprise une place de choix dans « Mobilis in Mobile ». Gigantesque, à la pointe de la technologie, doté d’un système d’écholocalisation, d’un sonar permettant de manipuler les baleines et d’une alimentation à l’aide d’une pile au sodium, le submersible est à la fois majestueux, sophistiqué, agile et puissant. Le lecteur découvre en même temps que « Kim » les secrets du mythique vaisseau. Mais un autre point va s’inscrire au cœur de l’intrigue, et pas seulement en pointillé : Némo apparaît belliqueux, désireux de tester les capacités de son sous-marin, voire de faire voler en éclats le monde civilisé. « Kim » et Jaya vont en faire les frais, finissant en otages. Au milieu de ces considérations, et en juxtaposition des enjeux identitaires déjà exprimés lors du premier épisode (« Toute l’expérience acquise ne balaye pas ce qui est inné en moi », avancera O’Hara), c’est un récit d’aventures mené tambour battant qui prend place.

Pour le servir, Guénaël Grabowski met les petits plats dans les grands. Le format de l’album et la taille des vignettes mettent en effet en valeur le somptueux travail graphique du dessinateur français, qui n’hésite pas à recourir aux pleines pages, voire aux doubles pages (p. 25, pp. 48-49). Lecture haletante – et rapide –, « Mobilis in Mobile » fait mouche tant dans sa représentation du Nautilus que dans les tableaux, plus rares, qu’il dresse d’une nature indienne exotique et sauvage. Quant à Némo, « Kim » et leur équipage, ils devront faire face à un saboteur, aux vaisseaux britanniques et aux nombreux et inattendus ersatz russes du Nautilus. De quoi garder le lecteur en haleine avant un dernier tome sur lequel se projette déjà cette promesse, énoncée par le capitaine Némo : « Où nous allons, il n’y a ni autorité ni justice. »

Nautilus : Mobilis in Mobile, Mathieu Mariolle et Guénaël Grabowski
Glénat, octobre 2021, 64 pages

La jeune (28 ans) dessinatrice néerlandaise Aimée De Jongh, qui a connu le succès avec Jours de sable (2021), propose avec cette compilation de « récits depuis la banquette arrière » une vision personnelle du monde, grâce à son expérience de personne ayant emprunté de nombreux taxis aux quatre coins de la planète.

Son succès a valu à la dessinatrice de nombreuses invitations à droite et à gauche pour présenter ses œuvres. Lors de ses voyages, elle a utilisé les services de taxis pour ses déplacements dans les villes où elle allait, en particulier pour rejoindre des hôtels et des aéroports. Dans cette BD autobiographique, elle entremêle ses souvenirs de quatre trajets en taxi dans des grandes villes (Los Angeles, Paris, Jakarta et Washington), pour dresser un rapide état des lieux des relations humaines du moment.

Vie d’une dessinatrice BD

Aimée De Jongh (qui utilise l’expression autrice de BD) passe de longues périodes privée de tout contact avec ses semblables. Alors, quand elle emprunte un taxi, elle trouve naturel d’engager la conversation. Et… elle va de déception en déception avec des chauffeurs plus ou moins blasés (à force de véhiculer des personnes aux comportements très prévisibles et rarement agréables). Ainsi, Aimée passe régulièrement d’un enthousiasme qui se lit sur son visage à une déception en forme d’agacement qui peut virer à la bouderie.

Mondialisation des comportements

Même si ce serait exagéré d’affirmer que d’une grande ville à une autre sur la planète, on observe systématiquement les mêmes comportements et réactions, il faut bien dire que ce que montre la dessinatrice ressemble beaucoup à de simples variations. Les encombrements amènent les mêmes réactions agressives et Paris y reçoit haut la main la palme d’or. Bien entendu, entre individus ne se connaissant absolument pas et qui se côtoient pendant une durée relativement courte, les conversations personnelles se révèlent d’une grande rareté. L’époque n’est pas aux confidences dans ce genre de situation. Alors, quand la dessinatrice annonce sa nationalité, la réaction classique de son interlocuteur (pas de femme chauffeur de taxi ici) est de citer Johan Cruyff. Comme quoi le football est bien une sorte de référence culturelle internationale, ce qu’une jeune femme n’ayant jamais connu le célèbre footballeur en activité a bien du mal à exploiter pour lancer la conversation. L’autre gêne à laquelle elle doit faire face, c’est quand à Jakarta, le chauffeur lui rappelle que les Pays-Bas ont longtemps exercé une domination sur le pays (Indonésie) où elle-même a ses origines.

Perspectives du métier de chauffeur de taxi

Le plus marquant sans doute dans l’histoire restera probablement son observation de l’Uberisation à laquelle le métier de chauffeur de taxi fait face depuis quelque temps. Cette émergence met en lumière le comportement « naturel » d’une grande majorité d’usagers, à savoir le choix d’un moyen de transport uniquement en fonction du prix. À ce tarif-là, les chauffeurs de taxi classiques ne peuvent qu’être amenés à disparaître. Cette issue n’aurait rien d’anodin. Ce serait ni plus ni moins qu’un signe de soumission sans limite à la loi de la concurrence et la porte ouverte à des conditions de travail toujours plus déshumanisantes. Aimée De Jongh a le mérite de le faire sentir et comprendre. De là à penser que sa façon de faire aura suffisamment de force par rapport aux lois du capitalisme, il y a un gouffre.

Le tour du monde sans le connaître

Cet album qui se lit relativement vite a donc le mérite de faire un état des lieux de comportements typiques de notre époque, grâce à son expérience de dessinatrice voyageuse. Elle se montre habile scénariste pour faire de cette BD plus profonde qu’il n’y paraît au premier abord, une histoire unique faisant intervenir ses souvenirs de quatre trajets en taxi dans quatre grandes villes distinctes. Elle a aussi le mérite de dépasser sa condition de privilégiée voyageant suite à un succès, puisqu’elle n’hésite pas à montrer ses échecs lors de différentes tentatives d’échanges. Elle montre bien également combien les échanges possibles dans ce type de situations ne vont pas bien loin et peuvent même amener à des situations gênantes. Enfin, elle montre les vicissitudes du métier de chauffeur de taxi, où le soi-disant avantage de la liberté est franchement limité dans un monde dominé par le pragmatisme et des préoccupations souvent bien futiles.

À la découverte des autres

Relativement réaliste, son dessin en noir et blanc retranscrit bien les états d’âmes des personnages, ainsi que les détails qu’elle observe dans les différentes villes où elle a atterri. Sans rechercher le détail chirurgical, elle fait en sorte qu’on ressente bien l’atmosphère de chaque ville, tout en s’arrangeant pour qu’on réalise aussi que ces visites depuis la banquette arrière d’un taxi restent forcément du domaine de l’anecdotique, du raccourci (d’ailleurs, ceux tentés par un de ces chauffeurs tournent régulièrement au fiasco). La conclusion est donc que notre époque se contente souvent de lieux communs. Pour aller à la rencontre des gens et découvrir vraiment les caractéristiques propres à leurs pays ou régions, il faut y consacrer du temps. La question serait donc de savoir si on a encore ce temps et même de savoir si on a encore l’envie de le prendre.

Taxi ! : Récits depuis la banquette arrière, Aimée de Jongh
La Boîte à bulles, septembre 2021, 96 pages

Avec De Ira, Stéphane Hirlemann opère une légère extension : les crises sociales d’aujourd’hui deviennent les cataclysmes de demain. En adoptant le point de vue d’une adolescente conscientisée et rebelle, il décrypte avec une poésie noire la colère sourde qui anime en profondeur les sociétés occidentales.

La couverture de De Ira semble annoncer un avenir apocalyptique. Mais cette fois, ce ne sont ni les zombies, ni une menace extraterrestre, ni même une quelconque catastrophe naturelle qui en seraient la cause. Stéphane Hirlemann préfère s’inscrire dans un avenir proche où le dénuement, les inégalités sociales, les pénuries et les violences policières ont poussé la jeunesse dans ses derniers retranchements. Dans un noir et blanc crépusculaire et avec des dessins manifestement inspirés du manga, le scénariste et dessinateur français portraiture une société sans solution face aux grands enjeux de son temps : les camps de réfugiés sont des prisons à ciel ouvert où on manque de tout, et notamment d’espoir ; les bourses d’études semblent assujetties au bon vouloir d’entreprises partenaires ; les revendications sociales sont accueillies non pas avec une volonté de dialogue, mais de répression…

Dans ce contexte, Caro va peu à peu perdre pied. En rupture avec un environnement familial petit-bourgeois, elle se sent proche des réfugiés – auxquels elle apporte ponctuellement son assistance – et demeure sensible à la cause des plus vulnérables. La dureté du monde va se matérialiser en elle par des visions : métaphoriquement, les masques qu’elle ne cesse d’apercevoir viennent porter du crédit à la dualité, la duplicité, l’assignation sociale et/ou identitaire… Ils entrent aussi en résonance avec les enseignements de son père, professeur d’université toujours en poste malgré des accusations graves d’attouchements sexuels envers des étudiants. De Ira se transforme peu à peu en une sorte de Mad Max réaliste et social, où la colère se manifesterait par une explosion des normes admises et la contestation de toute autorité. On y crie son désarroi dans les amphithéâtres, dans la rue, au zoo, etc.

Au cours du récit, Caro va faire la rencontre d’Élisée, un vieux monsieur au regard acéré. Celui-ci lui annonce que « nous avons confondu paix et marchés, consommation et liberté ». C’est précisément le message que semble véhiculer l’album : on n’obtient la paix qu’au prix de la cohésion sociale, la liberté qu’en œuvrant contre les iniquités. Crépusculaire mais poétique, De Ira répondra par une vue programmatique : un avion échoué, dépecé, transformé en outil de propagande sur lequel on peint, comme une invitation : « Embrassez le chaos. » Stéphane Hirlemann fait d’ailleurs dire à ses personnages qu’« on patauge dans l’horreur de leur modèle » et que « le vrai No Future, c’est les gestionnaires d’actifs, pas les punks ». Martelée, cette dénonciation des sociétés consuméristes, inégalitaires et égocentrées s’accompagne pour Caro de toute une série d’affects : vis-à-vis des populations les plus fragiles, de son compagnon réfugié Tayeb, de sa famille en phase avec le système, de ses amis protestataires…

Parfois empesé par des sophistications un peu superflues, De Ira s’amuse aussi à multiplier les clins d’œil : Jurassic Park, Batman, Je suis une légende… L’utilisation des ours par Stéphane Hirlemann invite également à la réflexion : symbole de Berlin (où l’auteur réside désormais) mais aussi du renouveau du printemps (celui des peuples en l’occurence ?), il peut se prévaloir de plusieurs niveaux de lecture. Ceci est symptomatique d’un récit dont le message est édifiant, mais les signaux, polysémiques.

De Ira, Stéphane Hirlemann
Delcourt, octobre 2021, 144 pages

Gwenaëlle Abolivier et Eddy Vaccaro mettent en images la vie d’Odette Nilès, militante communiste internée dans le camp de Choisel au début des années 1940, lorsque la France était sous occupation allemande. Il y a fait la rencontre de Guy Môquet, fils d’un cheminot et député communiste. Les deux adolescents, âgés de 17 ans à peine, y ont vécu une histoire d’amour naissante, mais soudainement avortée…

La narratrice de La Fiancée n’est autre qu’Odette Nilès elle-même. Quatre-vingt ans après les faits, elle raconte son enfance à Drancy dans une famille communiste, mais surtout son internement dans le camp de Choisel, où elle fit la rencontre de Guy Môquet – dont une célèbre missive fut au cœur des attentions durant le mandat présidentiel de Nicolas Sarkozy. Arrêtée pour avoir pris part à une manifestation stoppée avant même d’avoir lieu, cette jeune militante de dix-sept ans fut emprisonnée, puis conduite à Châteaubriant, où elle partagea une baraque sale et rudimentaire avec d’autres prisonnières politiques. Mêlant douceur et rudesse, les aquarelles d’Eddy Vaccaro entrent en résonance avec les expériences alors vécues par Odette Nilès : une vie en communauté, l’éveil à l’amour et au désir, une émulation intellectuelle (les cours auto-organisés et dispensés dans le camp), mais aussi une étroite surveillance, des conditions de vie déplorables et la violence subie au quotidien.

Adoptant le point de vue d’une adolescente en rupture avec l’innocence juvénile, La Fiancée vaut autant pour la romance qui y est énoncée que pour les réalités politiques qui l’encadrent. Ainsi, Odette Nilès et Guy Môquet se sont attachés l’un à l’autre alors même qu’ils étaient séparés par les murs du camp de Choisel, soumis au regard indiscret des officiers français et allemands, victimes de privations, vexations et violences en tout genre. Gwenaëlle Abolivier et Eddy Vaccaro accordent un soin particulier à la vie à l’intérieur du camp, à ses moments de communion, mais aussi, naturellement, à la détresse parfois immense qui la sous-tendait. Cette dernière est portée à incandescence au moment où vingt-sept camarades sont exécutés en représailles à des événements séditieux s’étant déroulés en ville. Alors que leur histoire venait à peine de s’amorcer, voilà Odette Nilès et Guy Môquet déjà irrémédiablement séparés par la tragédie de l’Occupation…

La Fiancée prend pour cadre la France occupée et portraiture un pays divisé, où collaborateurs et résistants parlent la même langue mais demeurent incapables de se comprendre. Sous le régime du maréchal Pétain, les condamnations sont politiques, expéditives et extra-judiciaires. Elles frappent tant l’acte que l’intention, adultes comme adolescents, de manière abjecte et indifférenciée. De cette période trouble où sa liberté fut mise entre parenthèses, Odette Nilès semble retenir deux choses : une répression arbitraire et un compagnonnage réconfortant. Son récit, ingénieusement restitué par la scénariste Gwenaëlle Abolivier, n’occulte aucune de ces dimensions. À cet égard, la communauté du camp de Choisel agissait comme une soupape. Mais l’album présente une autre facette tout aussi passionnante : il s’intéresse à l’enfermement d’une jeune femme qui n’apprend les « choses de la vie » (drogue, lesbianisme, prostitution, désir amoureux, etc.) qu’au moment de sa détention, redoublant ainsi le processus de maturation en cours.

La Fiancée, Gwenaëlle Abolivier et Eddy Vaccaro
Soleil, octobre 2021, 96 pages

Dans Kosmos, Pat Perna et Fabien Bedouel imaginent un récit contre-factuel faisant des Soviétiques les premiers cosmonautes à poser le pied sur la lune. Ce faisant, les auteurs font écho aux fake news qui circulent abondamment sur les réseaux sociaux.

De Stanley Kubrick à Alfonso Cuarón en passant par George Lucas, James Gray ou Christopher Nolan, de nombreux cinéastes ont pris l’espace pour cadre, esthétisant les étoiles et y fondant, souvent, ce qui fait l’essence de l’homme. Avec Kosmos, le scénariste Pat Perna et le dessinateur Fabien Bedouel leur emboîtent le pas : non seulement l’au-delà spatial constitue le théâtre très bédégénique du récit, mais ce dernier prend appui sur la concurrence géopolitique que se livrent deux superpuissances à l’orée des années 1970, les États-Unis et l’Union soviétique.

Dans une longue introduction entièrement muette, Neil Armstrong procède au premier alunissage de l’histoire de l’humanité. Il s’avance sur une terre encore inexplorée, démontrant de ce fait la suprématie des États-Unis sur les autres puissances spatiales. Mais ce qu’il s’apprête à découvrir va tout chambouler : un drapeau soviétique trône non loin de sa navette, tandis que le corps sans vie d’une cosmonaute russe git à quelques encablures de là. Pat Perna et Fabien Bedouel s’adonnent ainsi à un récit contre-factuel, qu’une citation de Joan Fontcuberta vient éclairer d’une lumière profuse : à l’ère des fake news, il est aisé de tordre les faits et de marteler un récit alternatif jusqu’à lui donner l’apparence d’une vérité.

Graphiquement, Kosmos pourrait diviser. Certains verront dans ses abondants aplats noirs figurant l’espace une épure mettant en exergue les représentations plus sophistiquées des fusées spatiales ou de la surface lunaire. D’autres pourraient en regretter le caractère simplifié, voire schématique. Il est pourtant difficile de contester l’iconicité des dessins de Fabien Bedouel, qui n’hésite pas à jouer avec les échelles de plan, le cadre ou les reflets – le drapeau soviétique apparaît ainsi réfléchi sur la visière de Neil Armstrong. Même en noir et blanc, l’espace apparaît finalement aussi propice au neuvième qu’au septième art. Hypnotique et intrinsèquement spectaculaire.

Si les quelque 200 pages de Kosmos se lisent promptement, notamment en raison des nombreuses pages dénuées de dialogues, l’album n’en est pas pour autant expurgé d’enjeux. Pat Perna s’appuie sur le programme COSMOS pour raconter les faux-semblants de la politique soviétique et la guerre spatiale que l’URSS et les États-Unis se livraient à distance au moment de la guerre froide. Prenant par moments l’aspect d’un faux documentaire, emmêlant le réel et le fictif, Kosmos balade le spectateur des cosmodromes aux modules d’alunissage, des centres de contrôle à la « lasagne dialectique » des faits alternatifs, le tout en racontant étape par étape une mission spatiale périlleuse, caractérisée par la perte d’un cosmonaute, la magnificence d’un panorama inédit et les sacrifices nécessaires à la propagande nationale.

Kosmos, Pat Perna et Fabien Bedouel
Delcourt, octobre 2021, 212 pages