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La victoire est la récompense ultime de nos efforts individuels. Que dire lorsque cette détermination est mise au service d’un collectif déséquilibré, mais qui partage le même objectif ? Donnez un ballon de basketball à Jang Hang-jun, laissez-lui le temps de cirer le parquet, de redresser le panier, de composer son équipe hétéroclite et venez constater qu’une seconde chance est toujours permise. Pour ce faire, Rebound joue autant sur l’empathie que sur son humour pince-sans-rire pour marquer des points auprès des spectateurs, ravis qu’on les convertisse habilement en supporters.

Synopsis : Ancienne promesse du basket, Yang-hyun est embauché pour coacher l’équipe du lycée Jungang de Busan, qui a connu son heure de gloire mais n’obtient plus aucun résultat. Il réunit des joueurs rejetés par les autres équipes, du plus maladroit (mais très motivé) au plus doué et les entraîne dans un seul but : concourir au championnat national et tenter de ne pas passer pour des losers.

Après le thriller Forgotten, le quatrième long-métrage Jang Hang-jun relate le parcours exceptionnel de l’équipe de basketball du lycée Jungang de Busan en 2012. Contrairement au choix narratif de The First Slam Dunk, en flashbacks tout au long d’un seul match, Jang Hang-jun préfère valoriser le progrès de ses personnages sur plusieurs confrontations. Chaque instant de doutes, chaque moment d’euphorie, on les répète et on les assemble encore et encore. On ne perd pas une miette des compétences acquises lors des matchs. Les films de sport ont ainsi le don de rassembler le public derrière une équipe d’outsiders, ce qui est notamment le cas ici du fait de son effectif, rapidement réduit à son strict minimum.

High Five

Lors d’une réunion pour discuter de la nécessité de relancer le club de basketball du lycée, l’ancienne star de la discipline, à présent fonctionnaire, Yang-hyun (Ahn Jae-hong) se voit propulsé à la tête d’une équipe recomposée. Les joueurs les plus expérimentés se tournent forcément vers les clubs de la capitale, tandis que le nouveau coach trime pour dégoter les perles rares qui n’ont pas encore été débauchées. Et suite à un mercato un peu expéditif, les premières sessions d’entraînements permettent à Ahn Jae-hong de livrer une interprétation qui flirte avec l’absurde. Cela aurait pu l’enfoncer dans un ridicule grinçant, mais il n’en est rien, car le cinéaste est au fait d’un timing comique qui fait souvent mouche.

D’une balle perdue à une autre, Yang-hyun se retrouve alors avec six athlètes, dont un gringalet passionné par le basketball, mais mal à l’aise avec le ballon en main. De plus, il n’est pas fichu de mettre un panier. S’il n’est clairement pas le favori, il marquera tout de même des points et c’est ce que le film cherche à véhiculer. Ne rien lâcher, tout donner, ne rien regretter. Jouer avec le cœur, le film sait bien l’illustrer grâce à ses beaux discours émouvants. Cette équipe peut également compter sur la prestation de Lee Sin-young, le liant du groupe. Et les moments les plus forts de cette folle aventure, humaine et remplie d’une joie de vivre, sont ceux qui font gonfler les scores au tableau d’affichage.

So let’s set the world on fire

Le championnat national des lycées n’a peut-être pas le niveau de la KBL (Korean Basket League), mais avec un filon aussi pur, difficile de ne pas être séduit par le parcours atypique de l’équipe de Jungang. Le cinéaste s’efforce donc de rendre les matchs aussi dynamiques et réalistes que possible. Des caméras grand angle posées sur le terrain à la caméra d’épaule, tout est bon pour créer de l’intensité sur des séquences de jeux qui semblent spontanées. Il y parvient également grâce au dévouement et à l’acharnement des comédiens, qui ont eu tout le temps de faire grincer le parquet et de secouer le panier en amont du tournage, afin que l’on puisse reconstituer des faits de jeu palpitants. Une fois le ballon en main, le jeu est capté avec rigueur et chaque geste technique rapproche les personnages d’une délivrance collective. Ce n’est que dans les temps morts que l’on peut espérer reprendre son souffle.

« Il n’y a pas de tirs manqués, seulement des rebonds. » Tout le monde peut se contenter d’un tel credo, pourvu que l’on y croie. C’est en le répétant souvent dans les phases de jeu les plus difficiles que les protagonistes trouvent un regain d’énergie inespéré. Pas besoin d’ajouter plus de pression en hurlant. Yang-hyun ne se lance pas dans la même vocation que le Coach Carter, pour qui le basketball et la jeunesse californienne devraient partager la même discipline. Ici, on se laisse simplement guider par les rêves d’une nouvelle génération de joueurs, tantôt têtus, tantôt prodigieux.

Courir, chuter, se relever, rebondir. Toute cette séquence constitue un début de revanche dans le match de la vie. Et il est toujours bon de rappeler que ce témoignage provient d’une histoire vraie, qui prend tout son sens dans son épilogue, rendant hommage à la détermination des jeunes joueurs de Jungang et de leur coach. Nul besoin d’être un mordu de sport ou de connaître les règles et tactiques du basketball pour apprécier ce feel-good movie. Rebound coche toutes les cases d’un film sur la croissance et le développement personnel. De quoi encourager toutes les générations à se tourner vers un terrain de basketball, que l’on soit sur le terrain, le banc ou dans les gradins.

Bande-annonce : Rebound

Fiche technique : Rebound

Réalisation : Jang Hang-Jun
Scénario : Kim Eun-Hee, Kwon Sung-Whee
Directeur de la photographie : Moon Yong-Goon, Kang Joo-Shin
Producteur :  Park Yoon-Ho
Production : BA Entertainment, Workhouse Company
Pays de production : Corée du Sud
Distribution internationale : Barunson E&A
Durée : 2h02
Genre : Comédie dramatique, Sport
Date de sortie : Prochainement

Un faux shaman arnaqueur, un technicien maladroit, une femme qui voit des morts, un vieillard qui joue avec des doigts humains, cette énumération incongrue compose pourtant Dr. Cheon and the lost talisman. Un tel pitch ne peut qu’attiser la curiosité des moldus, qui ne sont pas venus se charger l’esprit en réflexions futiles. C’est justement ce que le premier film de Kim Seong-sik a à offrir, une aventure délirante, fantastique et pas du tout machiavélique.

Synopsis : Le Dr Cheon gagne sa vie en pratiquant de faux exorcismes pour des clients persuadés qu’ils sont hantés par des fantômes. Il en profite pour alimenter une chaîne YouTube qui fait sa renommée. Un jour, une jeune femme vient le trouver pour lui demander d’exorciser sa soeur, possédée par un esprit maléfique bien réel.

Assistant-réalisateur dans des œuvres de luxe (Parasite, Deliver Us From Evil, Decision To Leave), Kim Seong-sik passe à présent derrière la caméra, afin d’adapter le webtoon Possessed, écrit par Fresh et illustré par Kim Hong-tae. En plus d’un CV rassurant, le metteur en scène démontre son aisance à orchestrer une scène d’exposition qui marie le suspense et un humour pince-sans-rire. Nous sommes donc bien loin du premier degré horrifique et psychologique du récent The Strangers, une pépite réalisée par Na Hong-jin. Le cinéaste compte ainsi sur des artifices grossiers, car plus c’est voyant, plus le ridicule est tranchant. Cela ne fonctionne malheureusement qu’un temps avant que l’on s’embourbe dans un néant scénaristique, que l’on essaie de relancer avec des boutades ou des séquences épiques qui perdent leur charme dans la durée.

Mauvais esprits

Passé maître dans l’art de cerner les points faibles de ses clients, qui invoquent la possession à tout-va, le Dr. Cheon (Dong-won Gang) ne se laisse submerger que par l’appât du gain. C’est un peu comme s’il était une version malicieuse et bienveillante d’un Sherlock Holmes qui a pleinement digéré sa désintox. Ce héros déchu reste séduisant dans sa démarche un peu farfelue, car il profite de chacune de ses interventions pour réparer les pots cassés dans les familles dysfonctionnelles. Accompagné de son fidèle et peu lucide apprenti, In-bae (Lee Dong-hwi), dont les outils technologiques ont le don de nous faire rire, il semble partir à la chasse d’un élément mystérieux, qui nous est évidemment expliqué dans un flashback nostalgique.

Avant cela, il est nécessaire de prendre du recul sur ces combines faciles. Kim Seong-sik se permet alors de brosser le portrait d’une Corée du Sud de moins en moins superstitieuse et qui s’éloigne de plus en plus de sa propre culture. Les multiples arnaques du Dr. Cheon ne sont qu’un aperçu du virage que le pays a pris vers le capitalisme, au détriment des citoyens dans le besoin. Cependant, le cinéaste choisit de ne pas creuser dans cette direction et réoriente rapidement ses protagonistes vers une nouvelle affaire. La petite sœur de Yoo-gyeong (Esom), qui voit le mal autour d’elle, souffrirait d’une réelle possession, malgré le scepticisme du duo. Malheureusement pour eux, la clochette « détecteur de démon » qui accompagne le Dr. Cheon à son poignet retentit pour la première fois. Cet enfant est bel et bien sous une emprise démonique et c’est à partir de là que l’intrigue prend la direction opposée à celle de l’Exorciste de William Friedkin.

On quitte assez vite cette maison, située dans un coin isolé et brumeux. Puis un vilain revenu du passé, Beom-cheon (Jun-ho Heo), annonce son plan en fronçant les sourcils. Un atout charismatique qui lui permet d’être cohérent avec la mutilation forcée qu’il impose aux disciples qui ont failli à leur mission. Et notre héros cherche évidemment à finir le travail de ses ancêtres, en scellant son âme dans le fameux talisman du titre. Les objectifs sont simples, mais les détours sont nombreux dans cette quête, qui croise modérément le Scooby-Gang et la troupe des Ghostbusters.

L’humour sarcastique parsème alors toute l’œuvre, ce qui souligne immédiatement un manque de rythme évident. Il faut patienter jusqu’à la dernière demi-heure pour qu’un arc surexplicatif vienne justifier tout le parcours des protagonistes. Il ne reste plus qu’à apporter un peu de frissons par l’action, ce qui n’est pas totalement assumé lors d’une succession hasardeuse de possessions en pleine nuit dans un village. Où sont donc cachés les démons de minuit ? Le film ne parvient plus à être aussi amusant qu’au départ. La galerie de personnages secondaires gonfle subitement dans la seconde moitié du récit et disparaît aussitôt, comme si on les avait intentionnellement attachés et bâillonnés dans un coin jusqu’à un climax en CGI. Ce qui est d’autant plus regrettable, car le film ne s’en tire pas mal dans ses duels à l’épée, malgré quelques raccourcis attendus. Sur le moment, deux mondes s’entrechoquent et nous n’avons qu’à contempler son issue.

Tandis que Hallyuwood (industrie cinématographique de la Corée du Sud) a d’ores et déjà conquis les plateformes de streaming par chez nous. A l’avenir, il faut donc s’attendre qu’il bouscule davantage ses concurrents directs, venus de Hong-Kong et de Hollywood. Le film de Kim Seong-sik en est le parfait exemple, étant donné l’ambition d’en faire une franchise. Ce qui est dommage, car cette mise en bouche a de quoi frustrer par son manque de générosité, comme si on souhaitait garder le meilleur morceau pour plus tard. Et malgré des faiblesses évidentes, Dr. Cheon and the lost talisman démontre un savoir-faire indéniable du cinéma grand public sud-coréen. Il s’agit d’un agréable divertissement qui se consomme en groupe, car le film joue sur les réactions des spectateurs. Sans quoi le récit perdrait trop rapidement son intérêt. C’est à prendre ou à laisser et nous songeons très fortement à la seconde option.

Bande-annonce : Dr. Cheon and the lost talisman

Fiche technique : Dr. Cheon and the lost talisman

Titre original : Cheonbaksa toima yeonguso : seolgyeongui bimil
Réalisation : Kim Seong-sik
Montage : Gang-hee Lee
Son : Chang-sub Kim, Chul-woo Moon
Effets visuels : Jin-hea Hwang, Han Joon Kim
Production : Filmmaker R&K
Pays de production : Corée du Sud
Distribution internationale : CJ Entertainment
Durée : 1h38
Genre : Fantastique
Date de sortie : Prochainement

À quoi bon le cinéma ? Deuxième jour de l’AFF, et déjà un pour leitmotiv cette cuvée 2023. Une Affaire d’honneur nous a proposé une formidable piste de réflexion hier, les films proposés en ce jour en dégagent une autre : le goût de la lutte.

« Une vie de combats » : c’est le sous-titre de L’abbé Pierre, parfait contender de la résilience du grand écran… Sur le papier. À l’image, on évitera de s’appesantir sur un BIOPIC qui dépose les armes devant TOUTES les conventions du genre, en majuscules et à caractère bien gras. Autant dire qu’à côté, l’académisme pontifiant d’un Bohemian Rhapsody fait figure d’alternative expérimentale. Autant écouter le prochain single des Enfoirés, ça a le mérite de durer moins longtemps.

Dans Vincent doit mourir, Karim Leklou incarne un M.Tout le monde que tout le monde se met à agresser… Pour rien. Un formidable high-concept qui prend corps dans celui burlesque et élastique de Leklou, monstre d’intériorité et formidable punching-ball humain qui prend les gnons comme dans un film de Sam Raimi. Le film se repose beaucoup sur la performance de l’acteur, parfois un peu trop. Notamment dans un ventre-mou d’une vingtaine de minutes, où le film expose les angles morts de son concept à force de tirer à la ligne.

Mais Stéphane Castang emporte l’adhésion avec le virage en film-catastrophe dans son dernier acte, et peut compter sur le formidable couple Karim Leklou/Vimala Pons pour fournir du carburant quand le moteur commence à caler. Car Vincent est un personnage qui prend les coups, mais apprend à les encaisser lorsqu’il trouve une raison de se battre. Une véritable œuvre romantique dans un emballage de sale gosse (voir cette baston dans une fosse sceptique), comme chez tous les réalisateurs qui cachent leur cœur, gros comme ça sous plusieurs couches de trash.

Pour ce qui est de la résistance au quotidien, l’héroïne de Backwards constitue un cours magistral à l’année. Mère célibataire et (vraiment) seule d’un enfant pas désiré dans la Pologne post-chute du Mur de Berlin, ce n’est déjà pas une sinécure. Mais aux galères du quotidien et des rêves d’études brisées s’ajoutent à l’autisme de son fils et le rejet des crèches, écoles, et tout ce que le pays compte d’institutions peu désireuses de s’adapter à ce qui a le malheur d’enfreindre la norme… On en passe et des meilleurs, le réalisateur n’épargnant pas plus le spectateur que l’héroïne dans un rollercoaster d’emmerdes qui filerait des complexes au Lars Von Trier de Dancer in the Dark.

Pour autant, Jacek Lusinski n’emprunte pas la voie du dolorisme punitif du danois. Ce qui l’intéresse, ce n’est pas le problème, mais la façon dont les individus les moins volontaires et préparés à gravir les montagnes se révèlent capables de les soulever pour trouver des solutions. Backwards fait ainsi écho au Lorenzo de George Miller, autre sujet de mélodrame prompt à assécher les canaux lacrymaux de Margaud qui choisissait la voie du combat vent-debout contre la fatalité. « Le combat est dans la nature humaine, la victoire où la défaite est entre les mains des dieux » : le dernier plan du film ouvre une porte de sortie vers une tranquillité tant espérée, mais pourtant la suite ne laisse aucun doute. La guerre du quotidien au cinéma change les hommes et les femmes, ici pour le meilleur. Une vie de combats, au sens propre.

Ce besoin de se lever, on le retrouve au cœur de Notre Monde, deuxième film (à seulement 22 ans !) de l’actrice et ici réalisatrice franco-kosovarde Luàna Bajrami, qui raconte comment deux amies inséparables quittent leur campagne natale pour la grande ville dans un Kosovo encore marqué par les stigmates de son histoire récente. Notre monde, c’est celui de ces deux héroïnes, bien ancrées dans la réalité socio-politique qui est la leur, mais aussi celui d’une jeunesse qui aura toujours universellement raison d’exprimer sa colère.

Cet équilibre entre le présent et l’intemporel, le local et le global n’est pas la moindre qualité du film qui va chercher le très gros plan pour enfermer ses spectateurs avec ses deux siamoises de cœur, et élargit le cadre à mesure que les choses de la vie séparent leur chemin. Un parti-pris fragile mais le plus souvent payant à l’écran. Bien servi par un superbe duo d’actrices, Notre Monde avance sans peur de faire fi des conventions pour suivre son instinct. Le combat du grand écran, c’est aussi oser et proposer des nouvelles façons de ne pas faire les choses comme avant . À l’Arras Film Festival, la forme c’est le fond qui remonte à la surface.

Quand bien même la jeunesse est capable d’être ouverte sur l’identité sexuelle, déclarer ses sentiments à son premier amour reste le premier facteur d’angoisse. Se sentir aimé et désiré, le duo d’adolescentes de The Dream Songs ne réclame rien d’autre lors d’une journée emblématique qui scellera à jamais leur amitié. Dans cet élan, Cho Hyun-chul en tire une fable bouleversante, quitte à prendre des risques esthétiques et narratifs.

Synopsis : C’est le printemps, la veille d’une sortie scolaire. Se‑mi voit la mort de Ha‑eun en rêve. Quelques jours plus tôt, l’adolescente s’est cassée la jambe dans un accident de vélo. Se‑mi tente alors de convaincre sa meilleure amie de l’accompagner en voyage de classe malgré son plâtre. Les deux jeunes filles vont passer une dernière journée ensemble avant le grand départ.

Après de multiples apparitions en tant qu’acteur dans des films et des séries, et fort d’une expérience de co-réalisateur sur le court-métrage Dempseyroll : Confessions, sortie en 2014, Cho Hyun-chul se lance seul aux commandes d’un premier long-métrage. Non sans maladresses, inhérentes à son début de carrière, il faut reconnaître certaines idées notables dans son approche de l’adolescence. Sa caméra tourne autour d’une relation fusionnelle entre deux lycéennes. Entre déclaration d’amour et avertissement de mauvais augure, on y évoque le rendez-vous manqué de deux âmes sœurs, à l’aube d’une tragédie nationale.

Les enfants du paradis

Au printemps 2014, un voyage scolaire se prépare afin de rejoindre l’île de Jeju. Le premier carton de texte foudroie pourtant les spectateurs lorsque l’on comprend que l’intrigue précède le naufrage du ferry Sewol. A son bord, la majorité fut des lycéens de l’école d’Ansan, la même que fréquentent les héroïnes d’un récit qui prend immédiatement une tout autre dimension. Le cinéma coréen s’est déjà emparé du sujet dans Birthday, où Lee Jong-eon rend hommage aux parents, victimes indirectes de l’incident. D’autres ont continué à chercher des réponses, ce qui a donné Intention, un documentaire de Kim Ji-Young qui déroule les résultats d’une enquête méticuleuse sur les causes et les conséquences du naufrage à l’échelle nationale. Cette toile de fond suffit à Cho Hyun-chul pour capter toute notre attention sur le sort de ses protagonistes, qui vivent fatalement le denier jour de leur amitié contrariée.

Se-mi (Park Hye-su) rêve d’une grande plaine où le corps de sa meilleure amie reste allongé inanimé. A son réveil, c’est le chaos absolu dans son esprit. Que doit-elle déduire de ce qui semble être une prémonition ? Un seul objectif occupe ses pensées : convaincre son amie de l’accompagner au voyage scolaire le lendemain, malgré une blessure à la jambe qui la laisse boiteuse. Elle parcourt ainsi les alentours de son lycée pour la retrouver, tandis que l’identité visuelle du film nous frappe aux yeux. La photographie est aveuglante. Cho Hyun-chul utilise une surexposition pour créer un sentiment de légèreté entre ces filles dans cette journée ensoleillée. D’un autre côté, c’est également une façon d’annoncer l’inévitable, que chacune d’entre-elles se situerait toute proche des portes de l’au-delà. C’est ce qui apporte le grain onirique et poétique à l’intrigue. Sans revenir sur la catastrophe qui arrive à grands pas, le cinéaste mobilise son attention autour d’une relation ambiguë, car Se-mi s’accroche plus que tout à Ha‑eun. Cette dernière est d’ailleurs incarnée par Kim Si-eun, que l’on a récemment découvert dans le rôle-titre de About Kim Sohee. Et un peu comme dans le film de July Jung, le deuil traverse tout le récit.

Il est cependant regrettable que le film se montre aussi bavard, alors que la qualité de jeu des comédiennes suffit à projeter toutes leurs détresses respectives. Le cinéaste en vient même à pousser la chansonnette un peu loin lors d’une scène de karaoké, dont l’intensité émotionnelle est atténuée par des paroles que l’on déduit parfaitement dans le regard des personnages. La subtilité épouse rarement la mise en scène, tandis que le temps défile à toute vitesse. Se-mi questionne de plus en plus sa relation et ses sentiments à l’égard de Ha-eun, qui vient de perdre son animal de compagnie. Lorsque l’opportunité se présente, ramener un chien égaré à son propriétaire devient une quête obsessionnelle pour Se-mi, qui ne parvient pas à saisir la tristesse que cache chaque sourire de son amie. Le dénouement de cet arc narratif est d’ailleurs aussi tire-larmes que tout le reste, mais il s’agit sans doute de la séquence bouleversante la plus sincère que Cho Hyun-chul soit parvenu à capturer.

Il n’a pas l’intention de faire un procès sur l’orientation sexuelle du couple d’adolescentes, comme Jamie Babbit a pu le faire sur un ton satirique dans But I’m a Cheerleader. Il ne rejoue pas non plus la carte libidineuse de Naissance des pieuvres, car Cho Hyun-chul souhaite avant tout encenser la force de la sororité. Ces adolescentes, comme tant d’autres, sont en avance pour leur âge et la participation de Park Jung-min, dans le rôle d’un piètre séducteur-harceleur, en témoigne. Dans le cas de Se-mi et de Ha-eun, leur union est à l’image d’un verre d’eau, posé au bord d’une table. Le but n’est plus de savoir si la coupe est à moitié pleine, mais de constater que l’équilibre de leur relation dépend de leur confiance et de leur volonté à progresser ensemble. Cette image est sans doute la plus intelligente du film, avec tout ce qu’il faut en nuances pour que l’on s’attache aux protagonistes, mal dans leur peau.

Si The Dream Songs manque de clarté dans son épilogue, il ne gâche pas tout de son récit initiatique, de ces adolescentes en passe de devenir des femmes. Il prend soin de les rassurer, amenant ainsi le spectateur à redouter la destination douce-amère de ce rêve qui n’en est pas vraiment un. La joie de vivre des deux héroïnes, l’incertitude d’une relation romantique, l’incapacité à discerner la souffrance de l’autre, toutes ces notions et tous ces espoirs sont noyés dans un portrait mélancolique et déchirant. Ce premier film reste encourageant à bien des égards et le style d’écriture du cinéaste ne peut que s’affiner à l’avenir.

Bande-annonce : The Dream Songs

Fiche technique : The Dream Songs

Réalisation : Cho Hyun-chul
Scénario : Cho Hyun-chul, Jung Mi-young
Montage : Se-Young Park
Musique originale : Hyuk Oh
Producteur : An Bo-young
Pays de production : Corée du Sud
Distribution internationale : M-Line Distribution
Durée : 1h58
Genre : Drame
Date de sortie : Prochainement

Le monde d’après fascine toujours les curieux du sensationnel. Les films catastrophes ont la particularité de stimuler cet imaginaire afin de renverser la morale au sein d’un groupe. Et c’est dans cette direction que Um Tae-hwa développe sa version sociale et satirique de La Tour infernale (1974). Un immeuble HLM devient ainsi le dernier bastion des locataires, tandis qu’il constitue le dernier refuge pour ceux de l’extérieur. La survie est l’objectif commun des survivants de Concrete Utopia, qui vont peu à peu révéler les limites de leur humanité.

Synopsis : Séoul a été détruite par un gigantesque tremblement de terre. La ville est en ruines. Seul un immeuble tient encore miraculeusement debout, intact. Ses habitants s’organisent pour survivre et résister aux menaces extérieures…

Le soleil matinal caresse les joues d’un couple qui ne manque de rien. Pourtant, il ne faut pas très longtemps pour saisir l’enjeu social et survivaliste qui se jouera pendant un peu plus de deux heures. Quelques pas vers la fenêtre la plus proche et ce sont les ruines d’un Séoul anéanti par un séisme dévastateur qui nous apparaissent à perte de vue. Le monde entier est-il mis en échec ? Um Tae-hwa (Vanishing Time : A Boy Who Returned) préfère ne pas y répondre pour se concentrer sur la communauté de l’immeuble Hwang Gung et du nouvel ordre que les locataires tentent d’instaurer. Il ne va pas chercher la destruction à outrance, comme le ferait Roland Emmerich : son film catastrophe minimise les effets spéciaux pour nous enfermer dans le seul complexe habité qui tient encore debout.

Une histoire sans fin

Quelques séquences ne lésinent pourtant pas sur l’aspect spectaculaire du tremblement de terre, de quoi donner quelques frissons avant de s’attaquer au plat de résistance. Car ce qui intéresse essentiellement Um Tae-hwa et son co-scénariste Lee Shin-ji, c’est bien la gestion dystopique d’une crise. Lorsque des blocs de béton se sont écroulés sur un homme au volant de sa voiture dans Tunnel de Kim Seong-hoon, le gouvernement et les médias se sont mobilisés. Ici, il s’agit de recréer un sentiment de sécurité en employant le même dispositif administratif. Sans s’en rendre compte, la classe populaire commence peu à peu à devenir comme ceux contre qui elle s’est révoltée depuis des années. Cette effrayante perspective n’échappera certainement pas aux spectateurs coréens, car elle peut rappeler les heures sombres du soulèvement de Gwangju, face à la dictature mise en place. Paradoxalement, Concrete Utopia rejoue l’histoire du pays, même après sa chute.

L’argent ne vaut plus rien. Seul le troc de matériels essentiels à la survie compte. Et le partage des richesses communes ne se fait pas sans peine, car les avis divergent forcément lorsqu’il s’agit d’expulser les squatteurs. C’est le cas au sein du couple de l’appartement 602. Min-seong (Park Seo-jun) est un ancien fonctionnaire qui obtient l’opportunité d’exister dans ce nouveau microcosme, tandis que son épouse Myeong-hwa (Park Bo-young) tente de conserver ses valeurs d’infirmière, en aidant son prochain quoi qu’il arrive. Cette scission est représentative de la communauté de l’immeuble, qui semble avoir trouvé son nouveau leader, incarné par un comédien qui revient en force. Directeur de la KCIA (L’Homme du Président) ou père protecteur en pleine crise sanitaire (Défense d’atterrir), Lee Byung-Hun a également été un faire-valoir du cinéma d’action hollywoodien (G.I. Joe, Red 2, Terminator Genesys). Cette fois-ci, l’acteur n’incarne pas un personnage aussi revanchard que l’agent secret de J’ai rencontré le diable, bien qu’il s’en approche avec subtilité. Le monde s’est écroulé et Yeong-tak en a profité pour siéger au sommet d’une société totalitaire naissante.

Tout ce qui reste de la démocratie est écrasé par la terreur que sèment les groupes musclés, qui ne jurent que par la territorialité, que l’on peut également trouver dans High-Rise de Ben Wheatley. Chaque appartement devient alors peu à peu une cellule pour ses locataires, qui tentent malgré tout de garder espoir. Les différentes ruptures de ton que Um Tae-hwa éparpille tout au long de l’intrigue permettent alors de reprendre une grande inspiration. Il n’est pas non plus étonnant de voir le cinéaste manier l’humour comme un argument satirique, notamment lorsque les locataires commencent à mettre en place leur routine. Retrouver le goût d’avant, c’est ce qui les maintient dans cette utopie, dont les piliers ne peuvent que s’effondrer lorsque l’individualisme entre en conflit avec le collectif.

« On s’y sent aussi bien chez soi que chez les autres. » Cela pourrait être un slogan incongru, mais cela reste cohérent avec l’esprit du film, qui tacle amèrement l’inaction gouvernementale face à l’escalade de prix dans l’immobilier. Loger tous les citoyens coréens est un enjeu majeur encore aujourd’hui et le cinéaste en profite pour le rappeler. Il fait ainsi le choix de noyer certains personnages secondaires dans la masse, avant qu’ils incarnent pleinement leurs fonctions dans le film choral. Ceci, afin de ne pas briser le rythme d’un récit très bien structuré.

Sélectionné pour la course aux Oscars, le film de Um Tae-hwa mise évidemment sur l’empathie des spectateurs, car dans le fond, c’est ce qui nous rassemble autour des films catastrophes. Les couleurs cendrées du directeur de la photographie, Cho Hyoung-rae, nous projettent ainsi dans des ruines hivernales au milieu d’une tragédie qui se répète sans cesse. Et s’il faut s’armer de patience avant d’entrer dans l’arène du nouveau monde, Concrete Utopia nous rappelle, de manière ludique et un brin moralisatrice, que les racines du mal ne sont jamais enfouies bien loin dans le genre humain. Seul compte la force du collectif et le film nous montre ô combien cet équilibre peut être fragilisé en un battement de cils.

Bande-annonce : Concrete Utopia

Fiche technique : Concrete Utopia

Réalisation : Um Tae-hwa
Scénario : Um Tae-hwa, Lee Shin-ji
Directeur de la photographie : Cho Hyoung-rae
Montage : Han Mee-yeon
Chef décorateur : Cho Hwa-sung
Son : Kim Hyun-sang
Musique originale : Kim Hae-won
Producteur exécutif : Choi Byung-hwan
Producteur : Byun Seung-min
Production : Climax Studio, BH Entertainment
Pays de production : Corée du Sud
Distribution internationale : Lotte Entertainment
Distribution France : The Jokers, Les Bookmakers
Durée : 2h18
Genre : Catastrophe, Drame
Date de sortie : Prochainement