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Tourbillon d’irrévérence et d’humour noir. Davy Mourier, dans son dernier album, La Petite Mort : les héros meurent aussi, paru aux éditions Delcourt, réinvente l’art de la satire à travers le prisme d’une faucheuse atypique, qui s’exerce sur tout ce que la culture populaire compte de héros. Autonome et efficace, ce petit opus se lit d’une traite, avec légèreté.

Pour nous amuser, Davy Mourier s’aventure dans les méandres de la culture populaire, convoquant des figures emblématiques allant de Bob l’Éponge à Super Mario, en passant par des références cinématographiques et vidéoludiques majeures telles que les franchises Avengers ou Star Wars. Le détournement de ces icônes, à travers des scènes comiques et souvent grotesques, relève souvent du jeu de massacre. Peppa Pig est transformée en jambon, les Tortues Ninja, renommées selon des figures italiennes controversées (Mussolini, Berlusconi, Siffredi et Armani), s’entretuent pour de la pizza, et ce ne sont là que de menus exemples de la manière dont l’auteur et dessinateur utilise l’humour – et la mort – pour tourner en dérision certains de nos héros d’enfance (et/ou actuels).

La Petite Mort : les héros meurent aussi va au-delà de la parodie. La figure de la faucheuse, souvent représentée comme une entité lointaine et impersonnelle, est ici humanisée, voire vulnérabilisée, confrontée aux dilemmes existentiels et aux trivialités de la vie moderne. On la voit par exemple hésiter entre une multitude d’activités possibles, très enthousiasmantes, et… la procrastination sur les réseaux sociaux. Écho à notre propre incapacité à gérer le temps et à donner un sens à notre existence, ce clin d’œil cohabite avec des fausses réclames gouvernementales et les parodies de sponsors, comme Mort VPN, soit autant de critiques, à peine voilées, du capitalisme et de la consommation de masse.

La chambre de Nonos, la jeune Faucheuse mise en scène, est décorée d’autocollants Batman, d’une figurine Pikachu ou encore d’affiches Hello Kitty, et comprend une Nintendo NES. Elle redouble les références à la culture populaire. Cette dernière permet à Davy Mourier d’appuyer sur de nombreux ressorts comiques : Tigrou et Winnie l’Ourson dévorent leur compagnon Jean-Christophe, on fait du petit bois de Popeye, Kenny devient le seul survivant d’une catastrophe dans South Park et une tête explose à la manière de Scanners de David Cronenberg. Que cela soit par renversement des codes ou par easter egg, ça ne manque jamais de faire mouche.

La Petite Mort : les héros meurent aussi est un miroir tendu à notre société, une réflexion sur notre rapport à la mort, à la mémoire et à la culture. Davy Mourier jongle avec les codes de la pop culture. Le rire se fait catharsis et le grotesque, révélateur de vérités inconfortables. Et même la philosophie la plus triviale se cache dans les recoins les plus obscurs. Ainsi, comme l’apprend Nonos : « C’est plus facile de laisser une trace dans son slip que dans l’histoire. »

La Petite mort : les héros meurent aussi, Davy Mourier
Delcourt, janvier 2024

Dans ce troisième opus de L’Homme le plus flippé du monde, Théo Grosjean renoue avec son thème de prédilection, l’anxiété généralisée, qu’il met en scène à travers toute une série d’événements quotidiens.

Depuis plusieurs années, Théo Grosjean réussit à retranscrire avec talent et humour l’expérience de vivre avec une anxiété sociale souvent paralysante. Une fois encore, en se mettant lui-même en vignettes, il dresse un portrait authentique et émouvant de ces vulnérabilités psychologiques sur lesquelles il n’a aucune prise. 

L’auteur et dessinateur explore la manière dont chaque situation, y compris les plus banales, peut se transformer en une source de stress et d’angoisse. Que ce soit une simple rencontre dans la rue, une erreur de commande au restaurant ou une promiscuité anodine dans un supermarché, l’anxiété sociale est omniprésente. Théo Grosjean se penche aussi sur les objets du quotidien, qui deviennent des outils de gestion de cette anxiété, transformant ainsi leur fonction première : le judas lui permet de sortir en évitant tout contact humain, le masque chirurgical sert avant tout à dissimuler les sourires et les crispations, le SMS participe à l’évitement interpersonnel…

L’Homme le plus flippé du monde se distingue aussi par sa narration visuelle. En utilisant un style épuré en noir, blanc et orange, en traduisant les expressions hésitantes du personnage par des bulles de dialogue tremblantes, en exagérant ses traits comportementaux, Théo Grosjean parvient à transmettre des émotions complexes et intenses. Parmi ces dernières, on retrouve notamment la représentation de l’amour adolescent, entravé par une incapacité à établir des liens et à manifester ses sentiments en public. 

Il est intéressant de noter que Théo Grosjean nous montre comment le dessin et l’écriture sont devenus une forme d’exorcisme pour lui. Les moments où Théo se dessine en train de coucher sur le papier son propre vécu révèlent l’importance de l’art comme moyen de surmonter les tourments de l’anxiété sociale. Le processus de création devient pour lui un exutoire permettant d’extérioriser ses émotions et ses peurs.

Dans L’Homme le plus flippé du monde, l’anxiété règne en maître, du matin au soir. Les peurs, telles que la crainte de mal faire, de déranger ou de paraître ridicule, sont minutieusement décrites. Chaque interaction sociale est une épreuve, une source de malaise et de maladresse, et l’auteur parvient à rendre palpable l’intensité de la gamme d’affects qui en découlent. Ainsi, lorsqu’il contracte le coronavirus, Théo Grosjean voit ses inquiétudes se multiplier et s’exacerber, non seulement pour sa propre santé, mais aussi pour celle des personnes avec lesquelles il a eu des interactions. Cette surdramatisation reflète le fardeau constant que représente son « handicap ». 

Ce troisième épisode de L’Homme le plus flippé du monde est un nouveau plongeon dans l’univers tourmenté de l’anxiété sociale. Théo Grosjean se met à nu et nous offre un aperçu nuancé, à la fois amusant et touchant, de la vie d’un individu en proie à cette condition « diminuée ». Son exploration circonstanciée, d’un cabinet de psychologue aux balades dans une ville vidée de ses habitants (coronavirus oblige), en fait une œuvre authentique, dans laquelle beaucoup se retrouveront, fût-ce à petite échelle. 

L’Homme le plus flippé du monde : Improvisation totale, Théo Grosjean 
Delcourt, janvier 2024, 104 pages

L’Enfer c’est les hôtes organise la rencontre improbable entre Satan et Caïn, alors même que l’enfer est encore en cours de construction. Karibou et Lionel Richerand s’en donnent à cœur joie en plongeant les deux protagonistes dans des situations toutes plus loufoques les unes que les autres. 

L’album s’ouvre sur une scène surréaliste où Caïn, le premier invité des enfers, coupable d’avoir assassiné son frère, arrive dans un royaume encore en balbutiement. La surprise est totale pour les hôtes, qui ne s’attendaient pas à recevoir quelqu’un si vite. Caïn perturbe la routine infernale et semble insensible à la damnation à laquelle on l’a promis. Plutôt que de maugréer et pâmer d’effroi, il se distrait en faisant du tam-tam sur les fesses des démons ou en posant toutes sortes de questions non-sensiques à Satan, manifestement dépassé par la résilience ingénue de ce premier condamné.

Les auteurs ne se font pas prier pour déconstruire l’idée traditionnelle de l’enfer comme un lieu de terreur et de souffrance. Caïn trouve le démon Azag gentil et affable. Il se représente l’endroit comme un espace de plaisanterie et de légèreté. Les échanges entre ce premier invité et Lucifer sont teintés d’ironie et de sarcasme, avec à la clef la naissance d’une amitié improbable qui ajoute une nouvelle couche comique à l’album.

Pendant que Caïn remet en question les fondements mêmes de l’Enfer, Karibou et Lionel Richerand redoublent d’inventivité pour faire mouche. La Mort est par exemple appelée à utiliser une machine pour faucher plus efficacement (et éviter les tendinites associées à la répétition d’un même geste). Satan doit défendre vaille que vaille sa transformation en serpent, dans une posture rendue pathétique. Caïn et Lucifer se découvrent une rancœur commune pour leur père respectif, tandis que les frères sont voués aux gémonies (les apparitions de Saint-Michel valent d’ailleurs le détour).

Le choix des couleurs – dominantes de rose et de mauve – ainsi que le style volontairement caricatural de l’album contribuent à son atmosphère légère. Chaque planche regorge de gags, parfois multiples, qui s’appuient sur des situations absurdes ou des dialogues piquants. L’humour est omniprésent, que ce soit à travers les interactions des personnages ou les situations décalées qu’ils vivent. Ainsi, quand Satan demande à Caïn s’il a regretté certains de ses actes passés, il répond qu’il aurait dû mieux cacher le cadavre de son frère…  Et quand on lui dévoile le Pandémonium, il comprend que cette capitale culturelle des Enfers n’est censée accueillir… que des spectacles de ventriloques. 

L’Enfer c’est les hôtes est une œuvre riche en humour et en absurdité, sublimée par les illustrations expressives de Lionel Richerand. Cet album dépeint un enfer loin des clichés, habilement détournés, et met en scène des personnages hauts en couleur. Karibou démontre une nouvelle fois sa capacité à faire jaillir le comique des éléments/références les plus inattendu(e)s. Jubilatoire. 

L’Enfer c’est les hôtes, Karibou et Lionel Richerand 
Delcourt/Pataquès, janvier 2024, 80 pages 

Avec Sous la surface le dessinateur Allemand Uli Oesterle nous propose le Livre 2 de sa série Le lait paternel, suite du Livre 1 Les errances de Rufus Himmelstoss.

Comme son titre l’indique, le Livre 1 présente la famille Himmelstoss, avec les agissements inconséquents (errements et absences répétées) de Rufus, le père, jusqu’en 1975, avec les dégâts que cela a provoqué dans l’esprit de son jeune fils Victor. Ce Livre 2 poursuit l’investigation.

Les errances de Rufus continuent

Chaque époque est présentée selon un choix de teintes immédiatement distinctes, ce qui permet une nouvelle fois au dessinateur d’alterner entre un présent narratif et le passé correspondant à la jeunesse de Victor. Au Livre 1, une voiture accidentée attirait l’attention par des touches de couleurs. On sait désormais que Rufus était responsable de l’accident, on sait aussi quelles en ont été les conséquences. Si Rufus s’en est tiré physiquement, on réalise que d’un point de vue psychologique, c’est une tout autre histoire. Avec les informations de ce Livre 2, on comprend mieux pourquoi Rufus a complètement disparu de la circulation…

Dévasté

Incapable d’assumer les conséquences (irréparables) de ses erreurs – et même si on ne sait rien des circonstances de l’accident – on sait que dans les années 70, Rufus fut l’homme de tous les excès : les femmes, l’alcool et la drogue, ce que le Livre 1 faisait sentir avec un talent certain. Rongé par la culpabilité, Rufus sombre littéralement. Ce Livre 2 nous montre que, même tombé très bas, tout un chacun peut trouver les soutiens les plus inattendus et considérer que la vie vaut malgré tout d’être vécue. Ainsi, Rufus fait une rencontre déterminante qui lui permet de voir les choses sous un jour un peu moins sombre. Bien entendu, rien n’effacera la culpabilité malheureusement si bien ancrée dans son esprit qu’elle se rappelle à lui dans son sommeil ou bien à des moments où il se laisse un peu aller. Mais, il trouve à se rendre utile et réalise qu’on peut vivre avec d’autres motivations que celles qui l’animaient précédemment. Plutôt que de vivre en profiteur ou en jouisseur, il apprend à adopter un comportement plus désintéressé et s’ouvrir à la détresse humaine, faire son possible pour la soulager. Il va même en arriver à penser qu’il peut peut-être regagner du terrain du côté de sa famille. Arrivent la fin des années 70 et le début des années 80. Ayant finalement renoncé à revenir à sa vie familiale antérieure, Rufus pense désormais uniquement au bien être de son ex-femme, mais son plan est quand même un peu tordu.

Maintenant, grattons

Le début et la fin de ce Livre 2 donnent à réfléchir. En effet, le prologue se passe au cimetière et ce sont bel et bien les paroles de Rufus qu’on lit, telles celles d’un mort-vivant, et c’est encore lui qu’on voit émerger du sol justement comme un mort-vivant qui donne la frousse de leur vie à un jeune couple. Ce prologue donne l’impression que Rufus a droit non à une deuxième vie, mais qu’il va poursuivre son errance comme un être se mouvant parmi les vivants sans la possibilité d’interférer pour de bon avec eux. Quant à la fin, dessinée de manière opaque comme si Rufus voyait tout dans le brouillard d’une semi-conscience, lui qui vient de s’évanouir, qu’en penser également ? Surtout que, lorsqu’il émerge de cet état particulier, c’est pour détaler tel un lapin, comme s’il avait enfin la bonne idée pour recoller les morceaux de son existence. Bien entendu, il ne peut être question que de sa vie sentimentale. Enfin, dernière idée qui reste à creuser, car seule la suite pourra ou non la confirmer, la fin du Livre 1 laissait entendre que le rêve de Victor était de faire une BD. On peut donc se demander si ce Livre 2 ne serait pas tout simplement la concrétisation de son rêve, ce qui collerait avec le fait qu’Uli Oesterle s’inspire de son passé familial pour élaborer cette série. Le dessinateur annonçant d’ores et déjà que Le lait paternel sera une quadrilogie, nous n’en arrivons encore ici qu’à la moitié. Il nous reste donc pas mal de choses à comprendre pour que toutes les pièces du puzzle s’organisent correctement. Cela devrait correspondre à la période entre le début des années 1980 et 2005, date de l’enterrement de Rufus (voir le Livre 1). Quant au présent narratif, il semble cette fois se situer à une période où Victor, la trentaine, fait une balade en montagne avec sa femme et leur jeune fils. Autre détail accréditant la thèse de Victor narrateur, celui-ci dialogue parfois avec une sorte de petit personnage flou (et verdâtre) qu’il nomme Ulrich et qui représente apparemment sa conscience. Le dessinateur s’inspirant de son passé familial pour une sorte de catharsis, Le Lait paternel est probablement une mise en abyme de ce qu’il a en tête où quelques souvenirs romancés se trouvent mêlés de façon inextricable à ses fantasmes d’artiste.

Avis à parution

Ce Livre 2 est moins marquant que le Livre 1 pour l’état des lieux de l’Allemagne de l’époque. Ici, on s’immerge essentiellement dans l’univers des marginaux mangeant à la soupe populaire. Par contre, les questions continuent de s’accumuler au fil des huit chapitres (autant qu’au Livre 1) et des 136 pages. Les péripéties jouent un peu trop sur des hasards qui arrangent bien la narration, avec notamment cette policière obsédée par l’affaire jamais résolue de l’accident causé par Rufus. Préférant démissionner pour pouvoir poursuivre son enquête, cette femme trouve un petit boulot de survie là même où Rufus en a trouvé un. Cela se révèle source de quiproquo. Avec le même talent qu’au Livre 1, le dessinateur alterne les périodes avec aisance, pour faire avancer son intrigue en distillant les informations essentielles et en enrichissant les portraits psychologiques de ses personnages qu’il dessine sans concessions. Le trait fait la part belle aux angles, même sur les visages, ce qui reflète bien des caractères bruts dans l’ensemble. Cela n’empêche pas quelques moments bien inspirés où le trait se fait particulièrement expressif, ainsi que quelques dessins grande taille notamment pour des lieux ainsi mis en valeur. On attend évidemment la suite !

Sous la surface (Le Lait paternel : Livre 2); Uli Oesterle
Dargaud, février 2024

Enzo Berkati revient aux éditions Glénat avec Mauvais monstre dans un mélange unique de fantaisie, d’humour et de réalisme. 

Dans le monde créé par Enzo Berkati, chaque adolescent voit éclore à la puberté un œuf renfermant un monstre, symbole puissant de la transition amorcée vers l’âge adulte. Le premier tome introduisait cette idée originale en suivant les pas d’Éloïse, une adolescente introvertie confrontée aux défis classiques de l’adolescence, mais bientôt mise à mal par le destin : son monstre ne répondait en effet pas tout à fait aux exigences communément admises. Ce compagnon, qualifié de « mauvais », est loin d’être un simple accessoire. Sous la plume d’Enzo Berkati, il constitue une métaphore des tourments intérieurs d’Éloïse, en brodant autour de l’acceptation et de l’intégration.

La série procède avec humour, sens de l’absurde et allant fantastique, ce qui donne à l’histoire un ton léger mais percutant, parfaitement en phase avec le public adolescent. Le caractère visuel cartoonesque et les dialogues parfois fusants contribuent au divertissement. Mais ce dernier n’est pas exempt d’enjeux, puisque les complexités de l’adolescence y forment une solide assise scénaristique, même si ce second tome dérive quelque peu vers le pastiche policier. 

Les aventures d’Éloïse prennent en effet une tournure plus grave. Face à une société qui rejette les « mauvais monstres », oscillant entre le désir de cacher son secret et celui de s’affirmer, elle doit faire preuve de ruse et échapper aux inspecteurs de police, assez pathétiques, qui sont à ses trousses. Enzo Berkati nous montre ainsi le versant institutionnel de la marginalisation de ces créatures différentes, sur lesquelles on projette les pires fantasmes.

Ainsi, ce deuxième tome élargit considérablement le cadre de l’histoire, en introduisant de nouveaux personnages et en développant davantage les dynamiques sociales. Les illustrations, vives et expressives, jouent un rôle crucial dans la narration et la traduction des émotions des personnages. Eloïse cherche des réponses à ses questions et noue une vraie complicité avec ce « mauvais monstre » qui l’accompagne et la complète. Cette dimension du récit est primordiale et participe d’un discours plus profond qu’il n’y paraît sur l’adolescence. 

En ce sens, Enzo Berkati a décidé d’ériger les monstres en symboles puissants des enjeux définitoires et initiatiques de l’adolescence. Avec ses personnages attachants, son intrigue vivante et ses illustrations colorées, Mauvais monstre ne déçoit pas, mêle le sérieux et l’absurde, et réévalue son périmètre d’action, pour peut-être encore gagner en densité.

Mauvais monstre (T.02), Enzo Berkati
Glénat, janvier 2024, 80 pages

Paru aux éditions Marabulles, Le Mécanisme se caractérise par sa complexité narrative et stylistique. Le roman graphique de Gabi Beltran et Angel Trigo invite à une double exploration, biographique et existentielle. C’est en entremêlant les thématiques de l’obsession littéraire et de la quête de soi que les auteurs façonnent un labyrinthe où la réalité et la fiction semblent se confondre, dans une démonstration presque lynchéenne. 

Le Mécanisme débute comme une enquête littéraire classique, où Jonathan Bennett, essayiste, cherche à démystifier l’auteur Marcus Carlton, qui s’est suicidé en laissant derrière lui une foule de lecteurs désireux de vivre selon ses préceptes. Cela pourrait constituer le début d’un polar de l’âge d’or hollywoodien, mais c’est finalement vers les mystères insondables de David Lynch que Gabi Beltran et Angel Trigo nous emmènent. Car ce qui commence comme une enquête sur un auteur se transforme rapidement en une quête ambiguë, à la fois sur l’écrivain et sur son biographe-analyste, conditionnée qui plus est à un personnage haut en couleur : Don Carter.

L’interaction de Jonathan Bennett avec ce dernier est en effet déterminante dans le récit, puisqu’elle en phagocyte les deux tiers. Don Carter, porteur de ses propres démons, vit selon son interprétation personnelle du livre de Carlton Le Mécanisme. Il exerce une puissante fascination sur son hôte, qui, bien que conscient de sa folie relative, ne parvient pas à passer à autre chose et lui accorde de plus en plus d’attention. Leur relation est à la fois étrange et significative ; elle repose sur une dualité fascination-répulsion dans laquelle Bennett livre beaucoup plus de lui-même qu’il n’y paraît. Une sensation d’inconfort face à l’ordinaire se fait ressentir et ne lâchera plus le lecteur jusqu’au bout de la lecture, elle-même laissée en suspens.

Le voyage de Jonathan Bennett n’est pas seulement une recherche formelle, documentaire, extérieure, mais aussi un long et périlleux périple intérieur, qui remet en question ses certitudes et même son couple. Sa prise de conscience sur l’importance de Priya, son propre cheminement personnel, participent d’une forme de maïeutique qui passe, en quelque sorte, par l’écriture. Le Mécanisme semble opposer à chaque instant la réalité et son idéal, le parti pris et le doute, la raison et la déraison. Il est difficile d’en démêler tous les nœuds et c’est finalement l’atmosphère qui l’emporte sur le propos.

Le Mécanisme s’appuie beaucoup sur l’obsession et les mises en miroir. À travers un récit complexe et un style graphique sobre, Angel Trigo et Gabi Beltran invitent à une réflexion sur la nature humaine, les comportements grégaires ou encore la vie de couple. L’histoire de Jonathan Bennett, enchevêtrée dans les mystères de Carlton et adossée aux fantaisies de Carter, suggère que la véritable énigme ne se trouve peut-être pas dans les pages d’un livre, mais dans les abysses de l’esprit humain. 

Le Mécanisme, Angel Trigo et Gabi Beltran
Marabulles, janvier 2024, 128 pages

Violence brute, quête introspective, BRZRKR, co-créée par Keanu Reeves et Matt Kindt, plonge le lecteur dans l’existence tourmentée de B., un guerrier immortel pris dans les affres d’un monde en perdition et en pleine recherche d’identité. 

Ce troisième tome vient conclure une trilogie shootée à la testostérone mais pas exempte d’enjeux profonds. Dès le départ, BRZRKR se démarquait par son protagoniste principal, B., machine à tuer qu’une caractérisation soignée permettait d’humaniser peu à peu. Bien qu’immortel, B. est mû par une certaine fragilité émotionnelle, résultat de millénaires d’existence et de conflits incessants, ainsi que d’une confusion identitaire dont il essaie de se départir. Cette dualité entre invulnérabilité extérieure et vulnérabilité intérieure constitue le cœur battant de l’œuvre de Keanu Reeves et Matt Kindt.

Une fois encore, chaque page se mue en une expérience graphique intense. Les scènes de combat, d’une violence exacerbée, sont à la fois captivantes et horrifiantes. Bien que les styles visuels diffèrent, on peut rapprocher les tableaux du dessinateur Ron Garney de ceux d’un Todd McFarlane en ce sens qu’ils se présentent de manière explicite, sans fausse pudeur.

Au-delà de cet aspect viscéral, BRZRKR continue d’explorer des thèmes universels tels que la quête d’identité, le poids de l’immortalité et la recherche de rédemption. La série interroge d’un bout à l’autre la nature humaine, à travers un personnage qui, malgré sa force surhumaine, se retrouve éternellement en quête de sens et de connexion avec un passé à démystifier. 

Le dernier tome de cette trilogie apporte quelques-unes des réponses longtemps recherchées sur les origines de B. Les révélations qui en découlent, mais aussi les relations entre le guerrier et la chercheuse qui sonde son esprit, ainsi que les intentions des autorités, constituent la sève de cet album, fidèle à l’essence brutale de la série. Certains pourraient toutefois, à raison, rester sur leur faim devant une conclusion quelque peu ambiguë, ou regretter que d’autres portes n’aient pas été ouvertes par les auteurs au cours du récit. 

Quoi qu’il en soit, Keanu Reeves et Matt Kindt nous ont offert une expérience viscérale, visuellement abrupte. Leur saga, parsemée de moments de violence extrême, se nourrit aussi de réflexions sur l’humanité, la souffrance et la rédemption. De quoi satisfaire différents publics sans rien sacrifier des intentions initiales. 

BRZRKR (tome 3), Keanu Reeves, Matt Kindt et Ron Garney
Delcourt, janvier 2024