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« L’Ondine de l’étang » : obstination amoureuse

Jonathan Fanara
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« L’Ondine de l’étang » : obstination amoureuse

Les éditions Bamboo publient dans leur collection « Les Aventuriers d’ailleurs » L’Ondine de l’étang, d’Anna Aparico Catala. Réappropriation d’un conte des frères Grimm, l’histoire se leste de fatalité et de romance.

L’adaptation en bande dessinée de L’Ondine de l’étang des frères Grimm permet un passage du conte oral au visuel narratif, offrant ainsi une nouvelle dimension à cette histoire classique. Le récit s’articule autour des thèmes universels du désespoir, de la malédiction, et enfin, de la rédemption par l’amour absolu.

Joachim a été promis à l’Ondine par son père, dont la pérennité économique était menacée. Pensant céder un animal à la prisonnière de l’étang, le meunier a en fait porté le sort sur son propre fils, né quelques minutes plus tôt. Anna Aparico Catala a su capter l’essence onirique et parfois sombre du conte, grâce à une utilisation habile des couleurs et des formes. 

Le personnage de Joachim affiche en première intention une insouciance naïve face au mythe de l’Ondine, qui contraste avec la prudence et l’intuition de Hanna, sa fiancée. Et le message central du conte ne souffre aucune ambiguïté : la puissance de l’amour et de la détermination face à des forces apparemment insurmontables. Car Hanna, par son courage et sa ténacité, devient le véritable moteur de l’histoire, et parvient à tromper l’Ondine en recourant à des sortilèges. 

Pour ce faire, elle a pris conseil auprès d’une vieille magicienne. Ses présents – le peigne, la flûte, et le rouet d’or – deviennent les symboles de la quête de Hanna, chaque objet marquant une étape de son voyage émotionnel vers la réunion avec son amour perdu. Espoirs et désillusions, avant les retrouvailles tant attendues.

Cette adaptation de L’Ondine de l’étang confirme tout l’intérêt de cette nouvelle collection. Réussie sur le plan graphique, elle offre aux (jeunes) lecteurs une plongée passionnante dans un monde où la parole engage et où l’amour pur possède le pouvoir de renverser les malédictions les plus sombres. Une lecture recommandée pour ceux qui cherchent à redécouvrir les contes classiques à travers le prisme enchanteur de la bande dessinée.

L’Ondine de l’étang, Anna Aparico Catala 
Bamboo/Les Aventuriers d’ailleurs, mars 2024, 64 pages

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3.5

Sous la maison… un univers parallèle

Laurent
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Sous la maison… un univers parallèle

Daisy est une jeune adolescente fraichement arrivée dans un établissement scolaire où elle peine à s’intégrer. Quand elle se fait une amie, Jeanne-Claude, elle lui fait part de son secret.

Le secret de Daisy s’avère bien plus gros que ce que vous pouvez imaginer de la part d’une adolescente. Dans la maison qu’elle habite avec ses parents (qui n’apparaissent jamais tout au long des 96 pages de l’album), Daisy a son coin privilégié : les deux machines à laver qui se tiennent côte-à-côte au sous-sol. On peut imaginer qu’elle s’y réfugie à l’occasion pour tenter, inconsciemment, d’y retrouver quelque chose s’approchant de la quiétude du ventre maternel, le moyen le plus sûr pour se rassurer alors qu’elle aborde une période difficile de sa jeune vie. Mais, cela va beaucoup plus loin, car dans ces machines (l’une ou l’autre, indifféremment) elle a trouvé un accès vers ce qu’elle considère comme un univers parallèle peuplé d’étranges créatures qui tiennent aussi bien de la pure fantaisie que de discrètes allusions à l’univers d’Alice au pays des merveilles. Nous sommes donc clairement dans le genre fantastique qui permet à l’auteur, le Canadien Jesse Jacobs, de laisser libre cours à son imagination sans jamais livrer d’explication rationnelle, caractéristique du genre. Il s’arrange quand même pour qu’à la lecture, on puisse arriver à la conclusion que ce sont ces adolescentes qui, avec leur imagination délirante, se laissent entrainer dans des aventures qui les fascinent entre elles, mais qu’elles ne pourraient pas raconter à leurs parents.

La forme et la manière

La façon dont l’auteur s’y prend pour nous raconter cette histoire abracadabrante est particulièrement séduisante. Dans un premier temps, il nous immerge dans l’univers de ses protagonistes pour nous en livrer les caractéristiques sans nous assommer d’explications. En même temps que Jeanne-Claude qui fait la découverte de cet univers, nous faisons tout un tas d’observations sur ses caractéristiques. Autant dire que c’est aussi fantaisiste qu’amusant et séduisant. L’auteur fait de cet univers un monde régi par huit nuances de couleurs qui ressemblent fortement à celles qu’on attribue communément à l’arc-en-ciel. Fort judicieusement, il utilise huit nuances et non sept comme on en attribue généralement à l’arc-en-ciel. Dans ses dessins, chaque nuance occupe des formes bien délimitées, à base de bandes juste séparées par un trait noir, un peu comme les enfants dessinent l’arc-en-ciel, par simplification et par goût esthétique. En effet, on apprend plus tard (ce que l’observation confirme) que l’arc-en-ciel comporte en réalité une infinité de nuances qui correspondent au spectre des couleurs visible par l’œil humain, du violet au rouge (au-delà, l’infra-rouge et l’ultra-violet ne sont pas perceptibles par l’œil humain). Tout cela permet à l’auteur de déployer toute son inspiration pour proposer un album parfaitement à la hauteur de l’illustration de couverture qui ne manque pas d’attirer l’attention.

Les péripéties

Contrairement à ce qu’on pourrait imaginer au début, l’histoire ne tourne pas en rond et les péripéties se succèdent dans une logique caractéristique. En effet, Jeanne-Claude ne peut pas s’empêcher de parler au lycée de ce que Daisy lui a révélé. De fil en aiguille, les connaissances des deux filles vont chercher à savoir quelle part de vérité se cache derrière cette incroyable histoire. On remarquera que certaines auront beau s’installer dans le tambour d’une des machines à laver, elles en resteront à ce stade. Et puis, ce qui devait arriver arrive, celles qui pénètrent à leur tout dans cet univers fragile, y arrivent avec un tout autre état d’esprit que Daisy. Celle-ci y venait avec l’idéalisme de son âge encore marqué par une certaine innocence. Dans ces conditions, l’univers parallèle cher à Daisy révèle une autre facette de sa constitution, reflet de la condition humaine qui voit se côtoyer des aspects positifs quand tout va bien et d’autres bien plus sombres dès que quelque chose déraille.

Les bienfaits de la couleur

Là où l’auteur séduit, c’est en faisant de cet univers parallèle une sorte de porte de sortie hors d’une vie tristounette vouée à l’uniformisation. En effet, la maison des parents de Daisy se situe dans un quartier pavillonnaire comme il en existe tant. Puis, quand Daisy et Jeanne-Claude émergent des machines à laver « magiques » elles restent imprégnées de sensations colorées, au point de voir leur univers d’origine en noir et blanc. L’auteur s’arrange pour suggérer que tout se passe dans la tête des protagonistes et il va jusqu’à préciser que l’univers parallèle qu’il met en scène est d’un autre ordre que l’univers matériel que nous connaissons. Cette BD est donc bien plus qu’un album fantaisiste destiné à un public jeune. Jesse Jacobs propose une véritable réflexion sur ce que nous sommes et sur ce qu’on peut envisager en visant un niveau de conscience totalement différent de celui qui nous habite communément. Le vrai plus évidemment, c’est sa façon très personnelle de composer son album, avec une inventivité remarquable à partir de postulats simples : cet univers parallèle et son utilisation des formes et des couleurs. L’ensemble est tellement psychédélique qu’on pourrait soupçonner l’auteur de l’avoir conçu sous l’effet de quelque substance hallucinogène. Un album inclassable à découvrir absolument !

Sous la maison, Jesse Jacobs
Tanibis : sorti le 19 septembre 2018 (publication originale au Canada, sous le titre « Crawl space » en 2017

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4

Une « Déclaration des Droits des Femmes Illustrée » aux éditions EPA

Jonathan Fanara
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Une « Déclaration des Droits des Femmes Illustrée » aux éditions EPA

Les éditions EPA ajoutent un opuscule ingénieusement conçu au débat sur l’égalité de genre, avec la publication de Déclaration des Droits des Femmes illustrée. Prenant appui sur des figures historiques et contemporaines, restituant et commentant les articles des Nations-Unies et la Déclaration des Droits de la Femme et de la Citoyenne d’Olympe de Gouges, Anne Bouillon propose une réflexion approfondie et contextualisée sur l’évolution et les enjeux actuels de l’égalité des sexes. 

La préface de Shaparak Saleh insiste d’emblée sur la persistance des problématiques soulevées dans cet opuscule, en mettant en lumière l’exemple emblématique de l’Iran, où les femmes sont quotidiennement empêchées dans leur liberté d’action en vertu de considérations conservatrices et religieuses. Ce qui relève d’une actualité cohabite évidemment avec l’Histoire, traduite notamment via la réminiscence d’Olympe de Gouges. Guillotinée pour ses idées révolutionnaires en novembre 1793, cette femme de lettres française a payé le tribut d’un courage remarquable, dirigé vers la lutte contre l’injustice. Ses idéaux, rapportés dans l’ouvrage, ont pris corps à travers la Convention sur l’élimination de toutes les formes de discrimination à l’égard des femmes, en 1979. C’est le témoignage d’une évolution progressive, bien que lente et imparfaite, des mentalités et des systèmes juridiques.

Cette Déclaration des Droits des Femmes illustrée n’est pas qu’un simple renvoi aux textes qu’elle présente. Au fil des pages, Anne Bouillon entrelace les articles de la déclaration des Nations-Unies avec des citations marquantes d’activistes, intellectuels, politiciens et écrivains, tels que Simone de Beauvoir, Angela Davis, George Sand, Judith Butler ou Victor Hugo. Cette mosaïque de voix souligne le combat intergénérationnel et multiforme pour l’égalité des sexes. Elle révèle aussi le chemin parcouru et les obstacles inexpiables, notamment dans des cas où les discriminations restent ancrées dans la législation et les pratiques culturelles. Il est intéressant de mesurer à quel point les protestations et les commentaires progressistes ont été nombreux à travers le temps : une fois assemblés, ils constituent un testament politique édifiant, qui aide à problématiser et contextualiser une question dont l’urgence n’a jamais été démentie. 

Anne Bouillon ne se contente toutefois pas de retracer l’histoire et de rapporter ce que les intellectuels et artistes d’hier ont affirmé ; elle examine avec acuité la situation actuelle des droits des femmes, créant des liens évidents entre les articles présentés dans l’ouvrage et la situation contemporaine des femmes, surtout en France. Ainsi, en dépit des avancées législatives, de nombreuses inégalités subsistent, comme en témoigne par exemple la persistance des écarts de salaires entre hommes et femmes. L’auteure met en exergue l’importance de combattre les structures patriarcales sous-jacentes qui perpétuent ces inégalités. Et en abordant des thèmes tels que la traite des êtres humains, l’autonomie financière des femmes, la production législative ou la violence conjugale, l’auteure invite à une réflexion transversale, portant aussi sur les moyens de consolider les acquis et de poursuivre le combat pour l’égalité. L’importance du travail, de l’éducation et de la participation politique des femmes sont appréhendés comme des leviers essentiels de l’émancipation.

Cette Déclaration des Droits des Femmes illustrée est une œuvre salutaire, car elle permet de mieux comprendre la complexité et la diversité des luttes pour l’égalité des sexes. En reliant le passé au présent et en offrant des perspectives claires, Anne Bouillon contribue au dialogue, à jamais nécessaire, sur l’égalité des sexes. L’ouvrage, riche en enseignements historiques et contemporains, est un appel à la réflexion et à l’action pour tous ceux et celles engagés dans la quête d’un monde plus juste.

Déclaration des Droits des femmes illustrée, Anne Bouillon
EPA, février 2024, 144 pages

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4

Les vagues à l’âme de Hors-Saison

Violette Villard
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Les vagues à l’âme de Hors-Saison

Hors-Saison signe une nouvelle ère Brizé, celle peut-être d’une trilogie sur le couple, écrite à l’encre de la mélancolie, des vagues à l’âme et du trouble diffus. Abandonnant les violences sociales, le cinéaste entre sur la pointe des pieds au pays de l’amour et de ses névroses invisibles.

Après avoir agrippé et transcendé la comédie sociale en portant haute et ferme la parole de la lutte des classes à travers notamment sa trilogie Lindonesque, Stéphane Brizé fait un virage radical s’engouffrant dans les méandres de l’intime.

Ce virage a de quoi décontenancer. Là où Brizé filmait une parole adressée souvent à un groupe ou proférée au milieu  de militants, une parole forte en gueule, publique, robuste et solide, Hors-Saison s’insinue très très lentement dans le mi-voix, le chuchotis, la palpitation et sensibilité de l’intime, voire de l’impalpable. C’est la gageure du film et sa limite.

Deux ex-amants se retrouvent par hasard, au détour de la midlife crisis de l’homme, un acteur en questionnement (joué avec autodérision et finesse par Guillaume Canet) dans l’hôtel Spa où il est venu se retaper.

Là commence un film en mode mineur, caressant le visage de ses acteurs et saisissant quelque chose de la consistance du temps, de la sincérité d’une vie, de ses amours, de ses choix étranges, de ses regrets toujours à fleur du présent et de ses micro-épiphanies presque invisibles pour un œil non-sensible.

Hors-Saison ne cherche pas l’éclat. Nous sommes dans la ténuité des sentiments, la torpeur d’un homme qui se voit grignoter par la peur de vieillir et d’une femme (Alba Rohrwacher, gracieuse et délicate) qui n’a pas pu faire ce qu’elle désirait.

Brizé sait inventer un ton qui lui appartient : inattendu, saugrenu, intimiste, décalé. C’est une scène sur la plage entre un entraineur de sport (incroyable Hugo Dilon) et Guillaume Canet. La scène a du corps, de l’inspiration et provoque une musculature dans la mélancolie d’ensemble.

Brizé sait aussi s’aventurer dans le climat d’un temps sans événement, sans cri, sans véhémence, sans conflit. Comme s’il avait achevé de radiographier la terre malade des pathologies sociales pour entrer dans une intériorité du bout des lèvres, celle de l’intime au plus près de ce qui a du mal à se dire. La scène du premier rendez-vous au demeurant entre Canet et Rohrwacher est très réussie, réussie parce qu’ô combien difficile pour des acteurs de tenir cette proximité avec quelques paroles, des gestes discrets, un sourire de la physiologie d’ensemble de la rencontre.

Voilà Hors- Saison n’a pas peur de la mélancolie, du trouble dépressif, de l’asthénie des gens qui ne se sentent pas forcément en osmose avec leurs vies. Et Brizé filme ce trouble, cette apathie mélodramatique des romantismes infinis. Toutefois, il n’échappe pas aux bifurcations peu propices (toute la scène de l’EHPAD) et au côté roman-photo assumé, un peu mou, voire atone et terne.

Le film aurait gagné à se centrer sur les empêchements et retrouvailles aériennes et douloureuses entre les deux ex-amoureux, sur cette drôle de langueur qui les lie, sur le visage de Guillaume Canet jouant avec élégance le désarroi d’un homme qui a tout et se sent pourtant désabusé et la grâce du personnage d’Alba Rohrwacher qui miroite à l’infini sur les vies achoppées qui peuvent être les nôtres. 

Bande-annonce : Hors-Saison

Fiche Technique : Hors-Saison

Réalisateur : Stéphane Brizé | Scénariste : Stéphane Brizé, Marie Drucker
Casting : Alba Rohrwacher, Guillaume Canet, Marie Drucker, Sharif Andoura, Emmy Boissard Paumelle, Lucette Beudin, Gilberte Bellus, Hugo Dillon, Johnny Rasse, Jean Boucault…
20 mars 2024 en salle | 1h 46min | Comédie, Comédie dramatique, Drame
Musique : Vincent Delerm
Distributeur : Xenix Filmdistribution | Gaumont

Une famille, un film autobiographique bouleversant de Christine Angot

Beatrice Delesalle
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Une famille, un film autobiographique bouleversant de Christine Angot

Une famille, premier passage de Christine Angot derrière la caméra, est un film percutant, très personnel et pourtant essentiel à tous, sur le sujet tabou de l’inceste.

Synopsis de Une Famille : L’écrivaine Christine Angot est invitée pour des raisons professionnelles à Strasbourg, où son père a vécu jusqu’à sa mort en 1999. C’est la ville où elle l’a rencontré pour la première fois à treize ans, et où il a commencé à la violer. Sa femme et ses enfants y vivent toujours.

Angot prend une caméra, et frappe aux portes de la famille.

 Aux portes de l’enfer

Bien qu’aguerri à la prose de Christine Angot, une prose acérée, sans fioriture ni aucune once de gras, le spectateur de son documentaire Une Famille ne peut qu’être secoué à la fin du film. Comme avec ses écrits, la réalisatrice ne se compromet dans aucune concession, avec un métrage tranchant et incisif comme une lame.

Ayant fait de la littérature son exutoire et peut-être en même temps sa carapace, pour répondre à l’inceste qu’elle a subi de 13 à 16 ans, puis à 26 ans, de la part de son père, l’écrivaine se tourne aujourd’hui vers le cinéma pour une fois de plus tenter d’exorciser sa douleur. La famille n’est pas qu’une famille ordinaire, mais une famille de circonstance ayant eu de près ou de loin à voir avec l’inceste en question : la mère, la belle-mère, l’ex-mari et l’actuel compagnon, la fille. Entrecoupés de photos et de vidéos d’archives de Christine Angot avec sa toute petite fille, quelquefois avec son mari, des bribes de sa vie saccagée, les interviews avec ces différentes personnes constituent l’essence du documentaire.

Le film commence dans un climat d’extrême tension, pour ne pas dire de violence. A L’occasion d’un déplacement professionnel dans l’Est, Christine Angot et les grandes cheffes-opératrices Caroline Champetier, s’introduisent plutôt violemment, le pied dans la porte, au domicile de la belle-mère, la femme qui a vécu avec Pierre Angot, le père en question de l’écrivaine. Pourtant, cette violence n’est rien face à la rencontre proprement dite. Cette femme est incapable de reconnaître quoi que ce soit, émettant au contraire des assertions odieuses qui tranchent l’oreille de son interlocutrice et de nous, les spectateurs. Ses justifications n’apaisent en rien une colère inextinguible qui ne peut y trouver aucun écho, aucun amortisseur. La cinéaste ne lâche rien, mais aucun regard, aucune question, aucun reproche n’atteint cette femme emmurée dans sa posture,  laissant Angot pantelante, tremblante, KO debout en sortant de cet échange.

Malgré la précision de ses mots, on sent comme un désarroi dans la recherche d’une réponse auprès de ses proches. Si les autres entretiens sont peut-être un peu moins difficiles que le premier, il s’agit de sa mère, de sa fille, de Claude, le père de sa fille qui était présent au viol de ses 26 ans sans faire quoi que soit, des êtres qui lui sont liés par la chair, Christine Angot cherche et cherche encore des réponses. A défaut de pouvoir ignorer, enterrer son inceste, elle veut savoir pourquoi sa famille a pu permettre une telle chose. Pourquoi elle porte ce fardeau toute seule depuis des décennies. Les caméras de Caroline Champetier et d’Inès Tabarin la cadrent au plus près, permettant ainsi au spectateur de voir cette incroyable douleur dans son visage, mais aussi la tendresse dans un échange avec son  ex-mari, un « enfant » comme elle, victime de violence sexuelle comme elle. Mais aussi, on y lit un mince espoir d’aller mieux quand sa fille Eléonore, étranglée d’émotions, prononce une phrase cruciale qui justement « rompt la solitude » qu’elle ressent en permanence.

Même si l’écrivaine s’est mise devant et derrière la caméra pour sauver sa peau, une fois de plus, avec ce bouleversant documentaire, elle contribue certainement à ouvrir une porte laissée trop longtemps et trop souvent close, celle de l’inceste, la pire chose qu’on puisse subir de la part d’êtres qui nous sont les plus chers. Un film essentiel dans une époque où le MeToo n’a pas encore pris pleinement possession de ce sujet douloureux.

 Bande annonce : Une famille

Fiche technique : Une famille

Réalisatrice: Christine Angot
Scenario : Christine Angot
Photographie : Caroline Champetier, Inès Tabarin
Montage : Pauline Gaillard
Producteurs : Bertrand Faivre, Alice Girard
Maisons de production : Le Bureau, Coproduction : Rectangle Production, France 2 Cinéma
Distribution (France) : Nour Films
Durée : 82 min.
Genre : documentaire
Date de sortie : 20 Mars 2024
France – 2024

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4.5

Le Blackjack – Un jeu incroyable à jouer au casino en ligne SlotsPalace

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Les casinos en ligne modernes proposent une large gamme de jeux de table, mais aucun n’est aussi populaire que le blackjack.

Ce jeu est unique en son genre, offrant beaucoup de plaisir à tous les types de joueurs. Pour tenter votre chance à l’une des tables de blackjack, rendez-vous au casino SlotsPalace.

Bien que le blackjack soit un jeu assez facile à apprendre, il faut quand même un peu de temps pour maîtriser le jeu.

Heureusement, nous sommes là pour vous aider, car nous avons élaboré un guide détaillé sur la façon de jouer et sur ce que vous devez surveiller.

Quelles sont les règles du blackjack ?

La première chose que vous devez savoir, c’est le but du jeu.

Pour gagner au blackjack, vous devez battre le croupier en obtenant une valeur de main proche de 21 sans la dépasser. Si vous dépassez 21, vous perdrez automatiquement. C’est aussi simple que ça.

Cependant, il existe également quelques règles plus avancées que vous devez connaître. Nous les avons examinées de plus près ci-dessous.

Pour jouer au casino en ligne SlotsPalace, vous devrez affronter un croupier, contrairement à des jeux comme le poker, où vous jouez contre d’autres joueurs.

Le jeu se joue avec un à huit jeux de 52 cartes, ce qui en fait finalement un jeu de hasard.

Chaque tour de jeu commence par les joueurs plaçant leur mise initiale dans leur case de mise désignée.

Ensuite, le croupier distribue deux cartes à chaque joueur. Les joueurs recevront alors leurs cartes à gauche du croupier et recevront leurs cartes face visible à côté de la case de mise de chaque joueur.

Il peut y avoir entre deux et sept joueurs au blackjack selon la table de blackjack où jouer au casino en ligne SlotsPalace.

Le croupier reçoit également 2 cartes : une est placée face visible et l’autre face cachée.

Ensuite, les joueurs annoncent s’ils souhaitent tirer, rester, diviser, doubler ou abandonner, et le jeu commence.

Si vous choisissez de tirer et que vous avez un total de plus de 21, vous ferez instantanément faillite et perdrez.

Cependant, si vous parvenez à obtenir une main meilleure que celle du croupier sans dépasser 21, vous recevrez un paiement.

Règles du croupier au blackjack

Le joueur n’est pas le seul à devoir respecter les règles dans le jeu de blackjack.

Il y aura également des étapes spécifiques que les croupiers devront suivre, et ces variations de règles peuvent changer en fonction du casino et du type de blackjack.

Les deux règles que les joueurs peuvent connaître sont que le croupier agit en dernier. Tous les joueurs doivent avoir pris une décision sur leurs mains avant qu’un croupier puisse choisir de tirer.

Cependant, dans certaines versions du jeu, un croupier doit tirer s’il a un total de carte de 16 ou moins. Mais s’il a un total entre 17 et 21, alors il doit rester.

Ce que vous devez savoir sur le blackjack à 7 cartes

Le blackjack, tel que nous le connaissons aujourd’hui, est l’un des jeux de casino les plus populaires au monde. Mais il existe une autre variante appelée le blackjack britannique ou le jeu à 7 cartes.

Ici, le but est de retirer des cartes de votre main en les associant au rang ou à la couleur de la carte précédemment jouée.

Chaque joueur reçoit initialement 7 cartes, et lorsque le premier tour commence, la carte supérieure de la pile de défausse est retournée par le croupier.

Si cette carte est un 6 de cœur, cela devra correspondre au rang ou à la couleur de cette carte pour continuer.

Les joueurs peuvent placer autant de cartes de leur main, qui suivent une séquence pour obtenir une série.

Tours de mise au blackjack

Tout comme dans la plupart des jeux de table, vous pouvez placer des paris au blackjack en utilisant des jetons de casino.

La plupart des variations de blackjack auxquelles vous pouvez jouer au casino en ligne SlotsPalace auront une mise minimum et maximum que vous pouvez placer, bien que cela change en fonction de la variante en direct à laquelle vous jouez.

Une fois que tous les paris ont été faits et que le croupier a distribué toutes les cartes, vous pourrez choisir parmi plusieurs options de mise qui seront affichées à l’écran.

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Le Monde est à eux de Jérémie Fontanieu : la licorne et le dragon

Anne Schneider
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Le Monde est à eux de Jérémie Fontanieu : la licorne et le dragon

Rares sont les feel-good movies qui traitent de l’Education Nationale et ce ne sont pas Entre les murs (2008), La Vie scolaire (2019) ou, dernièrement et outre-Rhin, La Salle des profs(2023) qui en auront offert l’exemple. Raison de plus pour ne pas bouder son plaisir devant ce bienheureux ovni, qui plane délicieusement à contre-courant, Le Monde est à eux (2023), de Jérémie Fontanieu.

Un élève en échec,
Mauvais devant l’Eternel
À qui pousseraient soudain des ailes,
Ça n’existe pas, ça n’existe pas !Un enseignant impliqué, dévoué, passionné,
Pas ronchon, pas grognon, pas félon,
Ça n’existe pas, ça n’existe pas !

Des parents attentifs, positifs, participatifs,
Qui donnent la main aux enseignants, tout en ne lâchant pas la bride sur le cou de leurs grands petits,
Ça n’existe pas, ça n’existe pas !

Une classe silencieuse, respectueuse, heureuse,
Constituée d’élèves accrochés, intéressés, soudés,
Ça n’existe pas, ça n’existe pas !

Et pourquoi pas ?!…

Oui, pourquoi pas ? C’est pourtant bien le petit miracle, répété sur la durée d’une année et années après années, dont nous rend témoins Jérémie Fontanieu, l’homme orchestre de ce documentaire : à la fois réalisateur, scénariste, enseignant et professeur principal de la classe qui va se trouver filmée pendant une année scolaire. Flanqué de son collègue de Mathématiques, David Benoît, qui participe à cette expérience diffuse sur la France entière et joliment nommée « Réconciliation », l’homme, tonique, encore jeune, enseigne les Sciences Sociales en Terminale ES3, au Lycée Eugène Delacroix, à Drancy. Les classes « Réconciliation » rassemblent des élèves initialement en échec massif, mais qui s’engagent, ainsi que leurs parents, à se mettre au travail, à faire confiance aux enseignants et à suivre les conseils prodigués. Trois axes qui devraient être systématiquement suivis et qui devraient paraître évidents. Mais tous savent que, sauf exception, tel n’est pas le cas. S’il faut une expérience pour en venir à se « réconcilier » avec ces fondamentaux, et du même coup avec l’institution, la société, la culture, pourquoi pas ?!…

Car le miracle opère. Lors d’une conversation avec un parent, Monsieur Fontanieu, ainsi que le désignent ses élèves, énonce cette requête intéressante : « Je vous demande de me croire. En juin, devant le succès de votre enfant, vous me croirez. Je sais que ce n’est pas évident pour vous, mais je vous demande de me croire maintenant ». Surprenant resurgissement de la « croyance » dans un contexte résolument laïque. Et pourtant… Le moindre cheminement commun est-il envisageable sans une adhésion des deux partis ? Adhésion, croyance, les réalités psychiques procèdent en réalité du même mouvement.

Et, de fait, en juin, comme chaque année, chaque élève de la classe « Réconciliation » de Monsieur Fontanieu sera reçu au Baccalauréat. Succès général qui ne laisse personne sur le côté et unit tous les acteurs et témoins de ce sauvetage dans une sorte de grande fraternité. Une grande réunion festive se tiendra, donnant la parole à chacun, en un beau bouquet de ressentis et de gratitudes quant à cette expérience. Réunion à laquelle la troupe de plus en plus nombreuse des anciens assiste, preuve de la profondeur et de l’authenticité du lien créé.

Auparavant, au fil de l’année, même dans les jours les plus tristes et les plus froids de l’hiver, le filmage très inventif, cadrant la vie scolaire jusque dans ses moindres détails, et le montage très tonique, emmené par une musique électronique dynamique et pulsée, auront recueilli le redressement des corps, les regards retrouvant une droiture, les visages un sourire. À l’approche de Noël, la classe et ses enseignants fêtent le solstice d’hiver en rejoignant une grande fête foraine. Les grands ados, au seuil de l’âge adulte, en rapportent fièrement une grande peluche, gagnée à l’un des jeux proposés. C’est ainsi qu’un coquet dragon noir rejoint, sur le haut d’une armoire de la classe, une licorne rose qui semblait attendre son prince charmant. Et l’on se dit que, comme les chimères tout droit échappées des comptines de Desnos, ces classes affirmant hautement et avec bonheur la possibilité d’un succès scolaire sont aussi décalées, sur le grand navire Éducation Nationale de plus en plus abandonné par les choix financiers des gouvernements actuels, que ces peluches colorées rappelant innocemment, au cœur d’un monde de plus en plus sombre, la promesse d’un bonheur. Promesse qui sera tenue, ce qui est admirable, et infiniment régénérant.

Bande-annonce : Le Monde est à eux

De Jérémie Fontanieu
20 mars 2024 en salle | 1h 15min | Documentaire
Distributeur L’Atelier Distribution

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Scandaleusement vôtre, le film scandaleusement plat de Thea Sharrock

Beatrice Delesalle
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Scandaleusement vôtre, le film scandaleusement plat de Thea Sharrock

Scandaleusement vôtre, de la britannique Thea Sharrock n’est ni fait, ni à faire. C’est un film qu’il ne fallait surtout pas faire, pas dans cette version insipide, taillée à la hache.

Synopsis : Littlehampton, 1920. Lorsque Edith Swan commence à recevoir des lettres anonymes truffées d’injures, Rose Gooding, sa voisine irlandaise à l’esprit libre et au langage fleuri, est rapidement accusée des crimes. Toute la petite ville, concernée par cette affaire, s’en mêle. L’officière de police Gladys Moss, rapidement suivie par les femmes de la ville, mène alors sa propre enquête : elles soupçonnent que quelque chose cloche et que Rose pourrait ne pas être la véritable coupable, victime des mœurs abusives de son époque….

Le Corbeau

La bande-annonce de Scandaleusement vôtre avait de beaux avant-goûts de comédie. Le casting de haut niveau très prometteur. À l’arrivée, il n’en est malheureusement rien. Ce whodunnit qui n’en est même pas un, déçoit beaucoup.

Le scénario est tiré d’une histoire qui s’est réellement passée dans la petite ville anglaise de Littlehampton. Dans une rue populaire cohabitent Edith Swan (Olivia Colman), une vieille à la bigoterie enlisée à jamais dans la maison de son père interprété par un Timothy Spall caricatural, et Rose Gooding (Jessie Buckley), une « étrangère » (elle est irlandaise), fille-mère à l’avant-garde de son temps, peu farouche et au verbe haut en couleurs, et c’est peu de le dire.

Ces protagonistes sont au centre d’une affaire de calomnies épistolaires d’un genre spécial : les lettres ne sont qu’injures et insultes gratuites adressées à leurs récipiendaires. D’abord, la grenouille de bénitier Edith qui n’y voit que souffrances, signifiant la garantie d’aller au ciel. Mais beaucoup d’autres reçoivent des lettres identiques, et tous les soupçons et les yeux se tournent vers Rose. Une policière, l’agent Gladys Moss (Anjana Vasan) est la seule à avoir des doutes sur cette issue trop évidente, et mène l’enquête.

Malgré la présence d’un casting all star, cette petite histoire est fade, sans goût. À peine un rire ou deux fusaient d’un groupe d’anglais qui étaient dans la salle. D’habitude extrêmement précise dans son jeu, l’excellente Olivia Colman pédale dans la semoule, et est au bord du cabotinage , comme intoxiquée par un personnage sans nuances, presque sans consistance. De son côté, la fabuleuse Jessie Buckley que, par un fait peut-être pas si hasardeux, l’on a revu le même jour, impeccable, dans l’inquiétant Men d’Alex Garland. Celle-ci semble peu ou pas du tout croire à son propre rôle et à toute cette histoire qui manque singulièrement de saveur. Le mystère est insignifiant, l’enquête encore moins, les personnages vocifèrent sans raison.  Et les insultes s’enchaînent ad nauseam sans rien apporter ni de drôle, ni de franchement caustique.

Par ailleurs, Scandaleusement vôtre s’essaie au Colorblind Casting (casting daltonien), à l’instar de la série Bridgerton du Shondaland, ou de La Petite Sirène de Disney. Le procédé tombe comme un cheveu sur la soupe, apportant plus de distractions et de questions que de ce que Thea Sharrock a voulu y mettre, un multiculturalisme mais également un féminisme qui ne sont pas correctement exploités.

Un livre raconte la même histoire (Christopher Hilliard, The Littlehampton Libels, 2017). Sans l’avoir lu, et rien qu’en lisant synopsis et diverses revues dithyrambiques du titre, on voit bien le potentiel que le film a raté : une description de l’Angleterre après la Grande Guerre, les mœurs étriquées, la bigoterie et la bien-pensance, la xénophobie et bien d’autres pistes. Il y avait de quoi parler de l’émancipation des femmes qui viennent à peine d’obtenir le droit de vote en Angleterre, ou au contraire de l’enfermement de certaines d’entre elles dans un patriarcat plus que vigoureux (il faut voir la manière dont Olivia Colman est traitée par son père).

Thea Sharrock échoue lamentablement avec son film, ni comique, ni dramatique, ni édifiant, ni émouvant. Il est assez incroyable d’en arriver là, avec les deux plus importantes actrices britanniques du moment.

Scandaleusement vôtre – Bande annonce

Scandaleusement vôtre – Fiche technique

Titre original : Little wicked Letters
Réalisateur : Thea Sharrock
Scenario : Jonny Sweet
Interprétation : Olivia Colman (Edith Swan), Jessie Buckley (Rose Gooding), Timothy Spall (Edward Swan), Hugh Skinner (Inspecteur Papperwick), Jason Watkins (M. Treading), Alisha Weir (Nancy Gooding), Anjana Vasan (Police Officier de  Gladys Moss) Eileen Atkins (Mabel), Lolly Adefope (Kate), Joanna Scanlan (Ann), Gemma Jones (Victoria Swan)
Photographie : Ben Davis
Montage : Melanie Oliver
Producteurs : Olivia Colman, Peter Czernin, Ed Sinclair, Jo Wallett, Coproducteurs : Anna Hintzen, Emma Mager
Maisons de production : Blueprint Pictures, Film4, People Person Pictures,South of the River Pictures, StudioCanal
Distribution (France) : StudioCanal
Durée : 100 min.
Genre : comédie, Policier, Drame
Date de sortie : 13 Mars 2024
Royaume-Uni/ France – 2023

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Séries Mania 2024 : Le Monde n’existe pas, d’Erwan Le Duc

Chloé Margueritte
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Séries Mania 2024 : Le Monde n’existe pas, d’Erwan Le Duc

Séries Mania 2024, jour 3 avec la diffusion des deux premiers épisodes de la série d’Erwan Le Duc (Perdrix, La fille de son père), Le Monde n’existe pas. Une adaptation dans l’univers absurde et tendre du réalisateur du roman de Fabrice Humbert. La série de quatre épisodes suit le retour d’Adam dans la ville qui l’a vu grandir et d’où il est brutalement parti. Un monde rempli de souvenirs et de personnages hauts en couleurs magnifiquement croqués entre humour noir et tension.

On vient de quitter Niels Schneider en pleine folie D’Argent et de sang, voilà qu’on le retrouve, crâne rasé, dans un desk de rédaction parisienne. Le journaliste qu’il interprète vit au travail, jusqu’à y dormir, quand soudain son œil est attiré par un gros titre au journal télévisé. La mort de Lola Montès (on appréciera le clin d’œil) ? Non, plutôt l’identité de son meurtrier. Adam insiste pour retourner sur le terrain. Le voilà de retour en terre trop bien connue. Les souvenirs remontent dans l’appartement d’une coiffeuse décédée qu’il a loué. Un lieu improbable avec une chambre minuscule qui est restée « dans son jus ». L’importance est ailleurs pour Adam : enquêter et pourquoi pas retrouver Axel Challe, son amour de jeunesse, accusé du meurtre et qu’il ne croit pas coupable. Arrivé sur place, rien ne se passe vraiment comme prévu, du moins ce n’est pas un drame que propose le réalisateur de Perdrix, mais bien une tragi-comédie aux accents burlesques. Les personnages sont aussi fêlés qu’absurdes, tous paraissent suspects. Surtout, tous font écho au passé d’Adam qui refait surface presque dans le temps présent. Adam se révèle peu à peu dans toute sa rage contenue qui va se libérer.

Les deux premiers épisodes présentés à Séries Mania (la suite sera à découvrir sur Arte prochainement) sont rythmés et prometteurs. Des personnages délicieusement croqués, des décors soignés. Une époque résumée dans toute sa solitude, entre dialogue de sourd avec l’IA d’une voiture ou discussion par caméra entre Adam et son amant Japonais. On n’en apprend pas tant que ça sur l’enquête ou sur la mort de Lola Montès, car ce qui compte est ailleurs, dans la douce dinguerie de chacun qui peut cacher une réelle violence, dans l’apparence lisse d’Adam qui cache une véritable colère. Erwan Le Duc insiste beaucoup sur les corps entre eux, sur la manière dont celui de son personnage évolue notamment, se cherche. Niels Schneider, de tous les plans ou presque, s’y montre formidable de décalage, son corps athlétique, son sérieux, dans sa tentative de faire émerger la vérité ou plutôt de se montrer à la hauteur de son présent. Il veut rester cette fois et prouver qui il est, de quoi il est capable. Quitte à sombrer ? Dans le tout dernier plan de l’épisode 2 en tout cas, quelque chose bascule et l’étrangeté se fait plus âpre, comme si des secrets devaient émerger. Après tout, le monde n’existe pas, ne l’oublions pas !

Fiche technique : Le Monde n’existe pas

Synopsis : Un journaliste, convaincu que son amour de jeunesse est innocent du crime dont on l’accuse, revient enquêter dans la ville où il a grandi et qu’il a fuie.

Réalisation : Erwan Le Duc
Scénario : Erwan Le Duc, Mariette Désert d’après le roman de Fabrice Humbert.
Interprètes : Niels Schneider, Maud Wyler, Julien Gaspar-Oliveri, Anne Rotger, Saadia Bentaieb, Georgia Scalliet
Diffusion : Arte
Format : 4 x 45 min

« Boomers » : une génération à la croisée des chemins

Jonathan Fanara
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« Boomers » : une génération à la croisée des chemins

Parfois, le passé semble un continent lointain et l’avenir une énigme. Boomers, de Bartolomé Segui, se présente comme une exploration introspective et profonde de la crise existentielle qui peut parfois accompagner l’entrée dans la soixantaine. Ce roman graphique, riche en réflexions sur le temps, la mémoire et le décalage générationnel, nous invite à partager le voyage intérieur d’Ernesto, un homme vieillissant confronté à la réalité d’un monde qui semble lui échapper.

Ernesto, personnage central de Boomers, incarne la figure du sexagénaire en quête de sens à un moment charnière de sa vie. Sa décision de s’isoler en Irlande, pour se ressourcer, ouvre la porte à une méditation sur la fugacité du temps et la pérennité des lieux, mais surtout sur le besoin de faire le point quand on se sent en décalage avec son environnement. À travers les interactions, les pensées et les souvenirs de son protagoniste, Bartolomé Segui dessine un portrait émouvant d’une génération confrontée à l’érosion de ses certitudes et à la redéfinition de ses aspirations.

L’album explore avec acuité la crise de la soixantaine, période de remise en question profonde où l’individu mesure le chemin parcouru et anticipe celui qu’il lui reste à parcourir. La confrontation d’Ernesto avec la grandeur de la nature, l’irrémédiabilité du temps qui passe et ses propres interrogations existentielles révèle une quête universelle de sens dans un monde en perpétuelle mutation. Cette introspection est renforcée par les dialogues avec sa femme et ses amis, qui agissent comme des miroirs reflétant les multiples facettes de cette quête d’identité. Chacun avance avec ses craintes, ses désirs, ses besoins et cherche à appréhender au mieux un monde qui, chemin faisant, apparaît toujours plus insaisissable – qu’il s’agisse des questions de genre, des politiques menées ou de ses propres déficiences.

Boomers engage également un dialogue critique avec les évolutions sociétales contemporaines. Les discussions autour de la fenêtre d’Overton (dont le déplacement légitimerait la droite et ostraciserait la gauche) et du rôle des médias dans la formation de l’opinion publique mettent en lumière les tensions et les clivages qui préoccupent ces Espagnols sexagénaires. Le regard que porte Ernesto sur sa ville, conditionnée voire transformée par le tourisme, symbolise le sentiment de déracinement et de perte d’identité face à un monde globalisé. 

Au fil des pages et des saynètes, Ernesto parvient progressivement, parfois, à une forme de réconciliation avec le temps. Cette acceptation passe par exemple par la reconnaissance de l’influence de ses parents sur sa propre vie. Ailleurs, inévitablement, ce sont les réflexions sur la retraite et la mortalité qui transparaissent, mais aussi par des moments de légèreté et d’humour partagés avec des technologies modernes (dont les plateformes de streaming). L’album renoue avec des personnages anciens de Bartolomé Segui, Ernesto et sa femme Lola, pour esquisser une philosophie de vie où la sagesse et l’acceptation devraient remplacer le regret et la nostalgie.

Boomers gratte le vernis au-delà de la crise de la soixantaine, interpelle sur le sens de l’existence dans un monde en perpétuel changement. À travers le périple introspectif d’Ernesto, l’album sonde les plans émotionnels et physiques indissociables au troisième âge. Que l’on regrette l’évolution des choses, le jeunisme ou les propres contraintes qui pèsent sur nos corps – migraines, douleurs articulaires, etc. –, le vieillissement engendre son lot de questionnements, que l’auteur restitue avec habileté ici. 

Boomers, Bartolomé Segui 
La Boîte à bulles, mars 2024, 96 pages

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3.5

« La Vengeance » : les ténèbres du Wyoming

Jonathan Fanara
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« La Vengeance » : les ténèbres du Wyoming

Dans les contrées sauvages et impitoyables du Wyoming du XIXe siècle, un homme est déterminé à rendre justice et à venger les atrocités commises contre sa famille. Avec une plume économe mais un dessin immersif, David Wautier nous plonge dans une quête de rédemption marquée par le deuil, la culpabilité et l’instinct primal de survie.

Richard Hatton aurait pu être le symbole de l’homme ayant conquis l’Ouest américain. Il possède une ferme, quelques terres, une famille aimante et dévouée. Mais il voit cependant son existence basculer dans l’abîme lorsque sa femme, Mary, est sauvagement agressée et tuée par Jim Pickford et ses complices, de passage dans les environs. Est-il responsable de cet assassinat, lui qui avait laissé son épouse seule ? Cette tragédie, mâtinée de culpabilité, constitue le début d’une descente aux enfers pour Richard Hatton. Car obsédé par un ardent désir de vengeance, il va tout plaquer pour se lancer dans une vendetta impitoyable.

Abandonnant sa ferme, vestige d’un passé souillé, le désormais ex-fermier entreprend une odyssée sanguinaire, entraînant avec lui ses deux jeunes enfants dans les milieux hostiles et souvent glaciaux du Wyoming. Cette décision soulève évidemment quelques questions sur les conséquences de ses choix et sur la fine frontière séparant la justice de la vengeance. Mais David Wautier fait montre de pudeur en la matière, et la narration du périple d’Hatton est surtout rythmée par l’action, les épreuves qui testent la résilience face à la faim, au froid et à la peur. Le portrait est brut : c’est celui d’un homme poussé à ses limites.

La traque de Jim Pickford et de ses acolytes s’avère d’autant plus difficile que leur réputation sème la terreur parmi les villageois, lesquels préfèrent le silence à la potentielle colère des criminels. Dans sa quête vengeresse, Hatton a pour seuls compagnons ses propres démons et une solitude dont ses enfants constituent les uniques obstacles. Dans un exercice très immersif, David Wautier excelle : les paysages désolés du Wyoming pourraient se confondre avec le désert émotionnel que traverse l’ex-fermier, accentuant le caractère impitoyable de sa mission.

Le dénouement de l’histoire, cette confrontation inévitable, n’est finalement qu’un climax de façade. Car ce qui fait la sève du récit, ce qui soulève des interrogations universelles, c’est la nature de la justice poursuivie et le coût de la vengeance pour Hatton et les siens. L’homme, enfin, retrouve le sourire ; après s’être vengé, il ressent une forme de soulagement. Mais il n’en demeure pas moins une absence, un vide que rien ne pourra jamais combler.

Western moderne autour des thèmes de la culpabilité, de la perte et de la justice personnelle, La Vengeance est bien mené, plus immersif que foisonnant. La frontière entre le bien et le mal se brouille sous le poids des circonstances. Et David Wautier conserve une certaine distance : il scrute son protagoniste, expose ses reliefs psychologiques mais ne l’idéalise jamais, laissant transparaître les douleurs intérieures et leurs conséquences inexpiables. Une jolie réussite. 

La Vengeance, David Wautier 
Anspach, mars 2024, 96 pages

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3.5

« Les Pittoresques Expéditions du Major Burns » : aventure et humour

Jonathan Fanara
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« Les Pittoresques Expéditions du Major Burns » : aventure et humour

Pour son troisième tome, Les Pittoresques Expéditions du Major Burns nous entraîne dans le sillage du Major Burns, du docteur Wayne et du professeur Pool, dans une série d’aventures rocambolesques et d’explorations scientifiques autour du globe.

Une expédition scientifique exceptionnelle est menée à bord d’un cargo, sous l’égide du professeur Pool, accompagné de ses inséparables (?) compagnons, le major Burns et le docteur Wayne. Alors que Burns voit dans cette odyssée une occasion inouïe d’enrichir le savoir humain, Wayne, quant à lui, affiche un enthousiasme nettement moins ardent… qu’une rencontre avec un cachalot ne va pas démentir.

Le Major Burns et le docteur Wayne forment un duo comique d’une grande complémentarité : c’est à travers eux que sont créés les décalages humoristiques et qu’émerge l’absurde. Leur périple les conduit à la découverte de lieux emblématiques et mystérieux, d’une sépulture maltaise à un vaisseau fantôme, sans oublier les trésors égyptiens et les cryptes oubliées. Ces aventures se fondent sur un arrière-plan historique riche, renforcé par les fiches pédagogiques intercalées entre chaque récit.

Ce tome se caractérise par son ironie bon enfant et sa capacité à tourner en dérision ses protagonistes. L’utilisation de l’humour, loin d’être gratuite, sert parfois de critique sociale et de commentaire sur la nature humaine. Il suffit par exemple de lire les informations distillées sur le « jus de momie » pour le comprendre. 

Devig, à travers son dessin en ligne claire, rend hommage aux grands classiques de la bande dessinée. Il insuffle une légèreté appréciable à son album et l’immersion dans cet univers fantasque fonctionne plutôt bien. Les Pittoresques Expéditions du Major Burns entremêle avec talent dimension historique, aventure et humour, et une grande partie de son charme est tirée précisément de là : l’habile mélange des genres, auxquels on peut ajouter le fantastique.  

Les Pittoresques Expéditions du Major Burns (T.03), Devig
Fluide glacial, mars 2024, 56 pages

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